O documento descreve o surgimento e características da pop art, um movimento artístico que surgiu na Inglaterra na década de 1950 e se popularizou em Nova York na década de 1960. A pop art tomava como tema a cultura popular e a sociedade de consumo, celebrando objetos cotidianos e ícones da mídia. Andy Warhol foi um dos principais nomes desse estilo.

2. A pop art surgiu na Inglaterra em meados dos anos 50,
mas realizou todo o seu potencial na Nova York dos
anos 60, quando dividiu com o minimalismo as
atenções do mundo artístico.
Nela, o épico foi substituído pelo cotidiano, e o que se
produzia em massa recebeu a mesma importância do
que era único e irreproduzível; a distinção entre “arte
elevada” e “arte vulgar” foi assim desaparecendo.
A mídia e a publicidade eram os temas favoritos da pop
art, que muitas vezes celebrava espirituosamente a
sociedade de consumo. Talvez o maior nome dessa
estética tenha sido o americano Andy Warhol

4. Latas de sopas Campbell

5. "Marilyn Diptych", Andy Warhol encontrou em Marilyn Monroe a fusão de dois
dos temas mais recorrentes em toda a sua obra: a morte e o culto da celebridade.
O díptico de 1962 é uma das 20 obras que o artista criou a partir da fotografia
promocional do filme "Niagara", de 1953. O contraste entre cor e preto-e-branco
nesta tela composta por 50 representações de Marilyn sugerem, segundo a crítica,
uma mortalidade inevitável. A obra está na Tate Modern, em Londres.

6. 210 Garrafas de Coca Cola, 1962

7. Three Coke Bottles

11. O beijo - 1962

12. Black Flowers, 1961

13. Cold Shoulder, 1963

14. Live Ammo (Blang!), 1962

15. Depois das séries de superfícies
brancas ou pretas reforçadas com
jornal amassado do início da década de
1950, Rauschenberg criou as pinturas
"combinadas", com garrafas de Coca-
Cola, embalagens de produtos
industrializados e pássaros
empalhados.
Por volta de 1962, adotou a técnica de
impressão em silk-screen para aplicar
imagens fotográficas a grandes
extensões da tela e unificava a
composição por meio de grossas
pinceladas de tinta. Esses trabalhos
tiveram como temas, episódios da
história americana moderna e da
cultura popular.

16. Monogram, 1955-59

17. Untitled, 1955

18. Factum I, 1957

19. Satellite, 1955

20. Minutiae, 1954

21. Riding Bikes, 1998

22. O Mec'art (abreviação de Arte Mecânica) um meio
artístico surgido em 1963 na Europa.
Elaboração mecânica de uma nova imagem
bidimensional por meio de processos industriais ou
fotomecânicos.

23. Escultor e pintor belga nascido em Haine-Saint-Pierre,
Bélgica que depois de ter estudado na Académie des
Beaux-Arts (Academia de Belas Artes) em Mons, aderiu ao
grupo surrealista “Rupture”. As suas primeiras pinturas
foram fortemente influenciadas por Magritte e Tanguy. Em
1947, juntou-se ao grupo “Jeune Peinture Belge”, em
Bruxelas e, em 1949, foi co-fundador do Grupo Cobra,
onde permaneceu até 1951. Desenvolveu estudos sobre as
mudanças no tempo e no espaço que originaram, em 1953,
os seus primeiros objectos cinéticos, “Plans Mobiles”. Em
1963, Bury realizou as suas primeiras esculturas em
madeira encerada. Em 1972, já vivendo em França, com o
apoio da empresa Renault, criou um grupo de 50 colunas
móveis com 3 metros de altura e em 1976 começou a
trabalhar em esculturas hidráulicas que se moviam com o
peso da água. A estes trabalhos seguiram-se muitos outros,
integrados em arquitectura, como as fontes instaladas nos
pátios do Palais Royal, em Paris, em Bruxelas e no Museu
Guggenheim em Nova Iorque

24. Palais Royal Fountain, Paris, 1996

25. Ponctuation, 1959

26. 26 œufs aplatis sur un plateau, 1971

27. Acompanha períodos históricos fortes e
realistas, celebra o resultado, o sucesso, e
está fortemente ligada no seu tempo, sem
ideologias políticas ou filosóficas.
O cinema interfere na Figuração Narrativa
principalmente com relação aos grandes
planos (aprox. e decomposições) como é
possível observar em Erró

28. Utiliza imagens e personagens da
mídia para denunciar com humor e
violência os problemas da
contemporaneidade.
Possui obras no acervo de
importantes museus e instituições
culturais de todo o mundo

33. Uma fusão de artes plsáticas, música, teatro e dança,
tornam-se moda mundial. O happening é uma
apresentação aparentemente improvisada que
incorpora a reação do espectador, enquanto a
performance é planejada e não prevê a participação
da platéia. Um exemplo é a performance de Joseph
Beuys (1921-1986), que em 1965 cobre o rosto com
mel, pega o cadáver de uma lebre e percorre uma
exposição de pintura discursando sobre a futilidade da
arte diante da tragédia ecológica. Os ambientes onde
ocorrem essas manifestações artísticas, preparados
para estimular a percepção sensorial, são chamados
de instalação. O termo, no fim dos anos 60, passa a
identificar mais um gênero artístico, que mistura
pintura, escultura e objetos industrializados.

34. Foi um artista alemão que
produziu em vários meios e
técnicas, incluindo escultura,
performance, vídeo e
instalação.

35. A Matilha,1969

36. Eu Amo a América e a
América me Ama (EUA,
1974)
Performance em que o artista
ficou envolvido em feltro em
uma sala com um coiote
durante cinco dias

37. Arte Povera (arte pobre, em português) é um movimento
artístico italiano cujo termo foi criado pelo crítico de arte
Germano Celant, em 1967.
Ganhou força nos anos 70, na Itália, sob influência da arte
conceitual e também como reação à "assepsia"
minimalista. O material das obras é inútil e precário,
como metal enferrujado, areia, detritos e pedras. Na
combinação dos elementos, a arte povera põe em
questão as propriedades intrínsecas dos materiais e o
valor de uso na economia capitalista contemporânea.

38. Venus of the Rags, (1967)
de Pistoletto

39. Michelangelo Pistoletto - A escultura
decapitada (1966)

40. Giovanni Anselmo, Torsion, 1968

41. A arte cinética (décadas de 50 e 60)
explora efeitos visuais por meio de
movimentos físicos, ilusão de óptica
ou truques de posicionamento de
peças. O movimento constitui seu
princípio de estruturação, rompendo
com a condição estática da obra e
apresentando-a como um objeto
móvel, que não apenas traduz ou
representa o movimento, mas
demonstra-o com seu dinamismo real.

45. The Spinner

46. Abraham Palat

47. Op art é um termo usado para descrever a arte
que explora a falibilidade do olho e pelo uso
de ilusões ópticas.
A expressão “op-art” vem do inglês (optical
art) e significa “arte óptica”. Defendia para arte
"menos expressão e mais visualização". Apesar
do rigor com que é construída, simboliza um
mundo mutável e instável, que não se mantém
nunca o mesmo.
Os trabalhos de op art são em geral abstratos,
e muitas das peças mais conhecidas usam
apenas o preto e o branco. Quando são
observados, dão a impressão de movimento,
clarões ou vibração, ou por vezes parecem
inchar ou deformar-se.

51. Essa ilusão também é conhecida como a do espiral falso,ou por seu nome original,
a ilusão de corda trançada.Os segmentos de arco pretos sobrepostos parecem
formar uma espiral; porém, os arcos são uma série de círculos concêntricos.

52. São expressões artísticas
confeccionadas a partir de máquinas
e suas tecnologias, por exemplo
esculturas em três dimensões feitas a
partir de programas de computador,
enfim Cyberart é a interação do
artista com ferramentas de alta
tecnologia, este tipo de arte começa
a aparecer em todas as diferentes
manifestações da intenção artística
ou do belo.

56. Define-se como o movimento artístico
moderno ou contemporâneo que defende a
superioridade das idéias veiculadas pela obra
de arte, deixando os meios usados para a criar
em lugar secundário. O artista Sol LeWitt
definiu-a como:
Em arte conceptual, a idéia ou conceito é o
aspecto mais importante da obra. Quando um
artista usa uma forma conceptual de arte,
significa que todo o planejamento e decisões
são tomadas antecipadamente, sendo a
execução um assunto secundário. A ideia
torna-se na máquina que origina a arte.

57. Joseph Kosuth, hammer

58. Joseph Kosuth, One and Three Chairs, 1965

60. É o tipo de arte em que o terreno natural, em vez de prover o ambiente para
uma obra de arte, é ele próprio trabalhado de modo a integrar-se à obra.
A Land Art surgiu em finais da década de 1960, em parte como conseqüência
de uma insatisfação crescente em face da deliberada monotonia cultural pelas
formas simples do minimalismo, em parte como expressão de um desencanto
relativo à sofisticada tecnologia da cultura industrial, bem como ao aumento do
interesse às questões ligadas à ecologia.
Dentre as obras de land art que foram efetivamente realizadas, a mais
conhecida talvez seja a Plataforma Espiral (Spiral Jetty), de Robert Smithson
(1970), construída no Grande Lago Salgado, em Utah, nos Estados Unidos da
América.

61. Plataforma Espiral (Spiral Jetty), de Robert
Smithson (1970)

68. O hiper-realismo, também conhecido como
realismo fotográfico ou fotorealismo é um
estilo de pintura e escultura, que procura
mostrar uma abrangência muito grande de
detalhes, tornando a obra mais detalhada do
que uma fotografia ou do que a própria
realidade.
As obras hiper-realistas, por apresentarem
uma exactidão de detalhes bastante
minuciosa e impessoal, geram um efeito de
irrealidade, formando o paradoxo: "É tão
perfeito que não pode ser real".

73. Ralph Goings, "Ralph's Diner”

74. "Dream of Love“, Glennray Tutor

75. "Sehnsucht", (Rammstein), album cover by
Gottfried Helnwein, 1997

76. Não se limita apenas a fazer algumas tatuagens. O
artista do corpo utiliza a si próprio como suporte
para expressar suas idéias. O corpo é encarado em
sua materialidade (sangue, suor, química e física do
corpo), como um vasto campo de possibilidades
criativas.
Tatuagens, maquiagens, escarificações,
travestimento, etc. são formas de modificar o corpo
Em alguns casos, a body art pode assumir o papel de
ritual ou apresentação pública, aproximando-se de
outras formas de manifestações, como o happening
e a performance. Outras vezes, sua comunicação
com o público se dá através de documentação, por
meio de vídeos ou fotografias

77. A bodypainting é uma
forma de arte corporal
temporária, na qual uma
figura, elemento ou
objeto é pintado na pele
da pessoa e permanece
intacto por algumas
horas.

84. É toda e qualquer modificação feita
no corpo, sendo irreversível ou
não, realizada por uma razão não-
médica. Normalmente, é feita por
motivos estéticos, culturais ou
espirituais. A maioria das
modificações é considerada uma
arte, pois os adeptos da Body
Modification acham que essas
transformações os tornam mais
bonitos com um estilo próprio.

85. Consiste em cortar
(com um bisturi) a
epiderme seguindo
o desenho que cada
um deseja, podendo
também recorrer a
skin removal
(removendo
pedaços maiores de
pele) de forma a que
no final o desenho
fique bem visível.

93. É como se fosse um
piercing. No entanto,
a diferença é que a
haste fica para fora, e
as pontas ficam
dentro da pele.
Podendo ser feito no
braço, na nuca, no
tórax e no umbigo,
etc.

96. É uma das formas de
modificação do corpo
mais conhecidas e
cultuadas do mundo.
Trata-se de um
desenho permanente
feito na pele humana
que, tecnicamente, é
uma aplicação
subcutânea obtida
através da introdução
de pigmentos por
agulhas.

101. A Bienal de São Paulo (ou ainda
Bienal Internacional de Arte de
São Paulo) é uma exposição de
artes (em geral de grandes
proporções. O evento é
constantemente responsável
por projetar a obra de artistas
internacionais desconhecidos e
por refletir as tendências mais
marcantes no cenário artístico
global: é considerada um dos
três principais eventos do
circuito artístico internacional,
junto da Bienal de Veneza e da
Documenta de Kassel.

102. A primeira Bienal de São Paulo
ocorreu em 1951 devido aos
esforços do empresário e mecenas
Francisco Matarazzo Sobrinho
(1892 - 1977)(conhecido como
Ciccillo Matarazzo) e de sua esposa
Yolanda Penteado.

103. Max Bill
Unidade Tripartida, 1948/49

104. Goeldi “Peixe vermelho”.

105. São Paulo [1924], de Tarsila do Amaral

106. A segunda edição da Bienal, em
dezembro de 1953, ocorre no parque do
Ibirapuera recém-inaugurado por ocasião
das comemorações do IV Centenário da
cidade de São Paulo, e cujo projeto é
assinado por Oscar Niemeyer (1907) e
Burle Marx (1909 - 1994). Conhecida
como a Bienal de Guernica, o célebre
quadro de Picasso de 1937, a mostra
conta também com Constantin Brancusi
(1876 - 1957), de Giorgio Morandi (1890 -
1964) e de obras dos futuristas italianos,
além de outros grandes nomes da arte
moderna internacional.

107. Guernica é um painel pintado por Pablo Picasso em 1937 por ocasião
da Exposição Internacional de Paris. Foi exposto no pavilhão da
República Espanhola. Medindo 350 por 782 cm, esta tela pintada a
óleo é normalmente tratada como representativa do bombardeio
sofrido pela cidade espanhola de Guernica em 26 de abril de 1937 por
aviões alemães, apoiando o ditador Francisco Franco.

108. 4ª Bienal (1955) –
Destaque pra Jackson
Pollock – maneira
diferente de pintar,
telas estendidas no
chão e nas paredes,
tintas são jogadas
sobre elas com
pincéis, bisnagas e
baldes.

110. 5ª Bienal (1959) é grande
sucesso de público e traz
como novidade, segundo
o crítico Mário Pedrosa
(1900 - 1981), a "ofensiva
tachista e informal". Aí
também é inaugurada
uma área para teatro, que
passa a dividir o espaço,
com as mostras de filmes,
com as artes plásticas e a
arquitetura.
Foi uma edição marcada
pela exposição de Vincent
Van Gogh, montada com a
colaboração do museu
holandês Kroeller-Mueller.

111. 7ª bienal (1963), por sua vez, destaca-se pela
grandiosidade que, a partir daí, torna-se um de seus
traços característicos.
No período de 1965 a 1973, a Bienal sofre de perto os
efeitos do golpe militar e da repressão política no país.
As participações, nacionais e internacionais,
diminuem sensivelmente, o que compromete o
evento (mesmo assim, a mostra de 1967 conta com
representativa presença da arte pop).
A oposição dos artistas à ditadura militar ganha
expressão ampliada na 10ª Bienal (1969), quando, no
Museu de Arte Moderna de Paris, diversos artistas e
intelectuais assinam o Manifesto Não à Bienal.

112. A partir da 14ª Bienal (1977), a exposição passa a se organizar
por núcleos temáticos, no interior dos quais as obras passam a
ser alocadas.
Da década de 1980 em diante, os curadores se notabilizam pela
definição de temas e questões que orientam a organização dos
trabalhos, assim como pelas inovações museográficas.
A 16a e 17a Bienais (1981 e 1983), sob a curadoria geral de
Walter Zanini, têm papel importante no resgate do prestígio do
evento, abalado na década anterior. Zanini organiza a mostra
tendo como eixo as analogias de linguagens entre obras variadas
(Núcleo 1: "Linguagens Aproximadas"). Fortalece o núcleo
histórico (Núcleo 2), apresenta o acervo do Museu do
Inconsciente e reconquista a participação dos artistas
contemporâneos (entre esses, tem grande impacto a
representação nacional, com Antonio Dias (1944), Cildo Meireles
(1948), Tunga (1952), entre outros).

113. Em 1985 e 1987, a curadora da 18ª e 19a Bienais, Sheila
Leirner, com o auxílio de arquitetos, apresenta novas
soluções para a montagem da exposição. As idéias
norteadoras dos eventos - A Grande Tela onde as obras
foram expostas em três vastos corredores, com 30 cm de
distância entre cada uma delas, e A Grande Coleção onde os
trabalhos foram exibidos de forma vertical no grande hall do
Pavilhão projetado por Oscar Niemeyer, marcaram um novo
conceito de curadoria.
Nos anos 1990, as mostras são organizadas com base em
grandes temas, por exemplo "Ruptura com o Suporte"
(1994) e "Antropofagia" (1998). Nessa década, as bienais
são tomadas por espetáculos de diversos tipos: dança,
teatro, música etc., o que faz delas eventos culturais mais
amplos.