O documento descreve o movimento artístico do pluralismo na arte pós-Segunda Guerra Mundial, caracterizado pelo uso de novas técnicas e linguagens. Apresenta os artistas Joseph Beuys, conhecido por incorporar objetos não convencionais em suas performances, e Mario Merz, associado ao movimento Arte Povera que usava materiais comuns. Também discute o grafite nos EUA e os artistas Jean-Michel Basquiat e Keith Haring, assim como obras de Jeff Koons, Louise Bourgeois e Judy Chicago.

1. Pluralismo
Diversificação dos modos de fazer arte

2. Pluralismo
• Ambiente artístico pós II Guerra Mundial  Comum o uso de novas
técnicas é notório
• Isso modifica a forma de ver as linguagens tradicionais ao mesmo
tempo em que propõe novas linguagens
• Campo tridimensional
• Assemblage e ready-mades dialogam especialmente com a escultura e
instalações.
• Os meios de comunicação também dialogam com o fazer artístico
• Os meados da década de 1970 marcaram o fim de uma época em que, ainda,
se podia falar de uma simples sucessão de estilos
• A partir de então, fala-se de um pluralismo da arte

3. Pluralismo
• Joseph Beuys (1921-86):
• Se descrevia como um escultor
• Seu tema foi o humano
• Sua carreira foi pouco voltada a arte tradicional
• Algumas vezes incorporou objetos que para ele eram “mágicos”, como feltro,
gordura, folha de ouro e mel.
• Suas apresentações eram como rituais e os museus
• Era como um xamã moderno
• O que sobrou de suas obras, atualmente, são mais como relíquias, do que
obras de arte em si

4. • Com a cabeça coberta de folhas e pó de
ouro e mel, e uma barra de ferro atada aos
pés, passou três horas acalentando uma
lebre morta, sussurrando ao ouvido do
animal ruídos guturais misturados a
explicações dos desenhos a seu redor.
• O público era excluído da cena, podendo
observar a performance através de janelas.
• Beuys acreditava que a arte de performance
poderia evocar uma resposta espiritual na
audiência, em última análise, fornecendo
um processo de cura
Joseph Beuys, Explaining pictures to a dead hare, 1965. mel, folhas e
pó de ouro, ferro, lebre morta desenhos. Performance, Galerie
Schlema, Düsseldorf

5. • Beuys viajou para os E.U.A. e entrou enrolado em
um feltro no país.
• Foi transportado por uma ambulância até a galeria,
onde finalmente pisou no chão.
• Na galeria ele tinha um cajado, o feltro para se
defender de um coiote
• Todos os dias eram colocadas 50 cópias do Wall
Street Journal no ambiente
• O coiote reconhecia os jornais urinando neles
• Beuys repetia uma serie de ações, com os olhos fixos
no animal: ele descansava ou reunia o feltro ao
redor dele para sugerir a figura de um pastor com
seu ladrão.
• No final da Ação (durou 3 dias), Beuys foi novamente
embrulhado em feltro e voltou para o aeroporto.
• "Eu queria isolar-me, me isolar, não ver nada da
América além do coiote"
Joseph Beuys, I Like America and America Likes Me (Eu Gosto
da América e a América gosta de mim), 1974. Jornais, feltro,
bengala, coyote e ambulância. René Block Gallery, Nova York

6. Pluralismo
• Arte Povera
• A arte povera se associa a arte de Beuys por trazer matérias comuns do dia a
dia
• Seu nome está diretamente ligado a “arte pobre”
• Esse tipo de arte se desenvolveu na Itália, na década de 1960
• Dois dos artistas relacionados são: Jannis Kounellis (1936 - 2017) e Mário
Merz (1925-2003)
• Cada artista interpreta o movimento (vagamente definido) de seu próprio
jeito

7. Pluralismo
• Esse trabalho de Merz foi
criado com vime, um
material mais associado ao
artesanato do que à arte
• Em seu interior é escondido
um pote de feijões fervendo
• A fumaça sai pelo topo do
cone
Mario Merz, Cone, 1967.
Vime e feijões, Object: 221
x 129,5 x 129,5 cm. Tate
Gallery, Londres

8. Pluralismo
• Uma das primeiras obras de Konnelious, o artista costumeiramente
utilizava elementos naturais e animais vivos em suas obras.
• Nessa obra, 12 cavalos vivos foram colocados na galeria e amarrados
nas paredes.
• A obra era composta da conjunção entre o formal (cavalos
distribuídos regularmente no espaço) e imprevisível (movimentos dos
animais).
• A obra apela para vários sentidos humanos, o olfato, audição, visão, e
mesmo o senso de luta.

9. Jannis Kounellis, Sem título,
1969. Exposta na Galeria
L’Attico em Roma

10. E.U.A. – Anos 70 a 90
• Movimento Graffiti
• Forma de expressão típica dos Estados Unidos e se “manifestou” primeiro na
década de 1970 (primeira mostra dessa arte em uma galeria foi organizada
em 1973)
• O maior boom ocorreu nos anos 80
• Os signos que adornavam (ou sujavam, dependendo do ponto de vista) as
paredes dos metrôs migraram para as galerias, aos museus e residencias.
• O graffiti foi uma espécie de continuação da arte Pop
• Dois artistas se destacam nesse movimento: Jean-Michel Basquiat e Keith
Haring.

11. E.U.A. – Anos 70 a 90
• Jean-Michel Basquiat (1960-88)
• Suas origens remontam Haiti e Porto Rico
• Algumas vezes é referido como um
portador standard da revivescência do
interesse pela arte afro-americana
• Embora tenha feito algumas referências a
alguns aspectos dessas culturas (como à
música e as figuras heroicas negras), seu
interesse era bastante difuso.
• Nunca declarou defender a cultura
africana
• Suas telas eram tratadas como muros
• Sua arte é conhecida também como
“primitivismo intelectualizado”
• Costumava retratar personagens
esqueléticos, rostos apavorados,
mascarados, carros, edifícios, policiais,
ícones negros da música e do boxe, cenas
da vida urbana.
• Realiza também colagens, junto a
pinceladas nervosas, rabiscos e escritas
indecifráveis

12. Jean-Michel Basquiat, Untitled
(Fallen Angel) [sem nome, anjo
caído], 1981

13. Jean-Michel Basquiat, Red Kings
[Reis Vermelhos], 1981

14. Jean-Michel Basquiat, cabeza, 1982

15. Jean-Michel Basquiat, sem título, 1982. Pastel oleoso,
acrílico e spray, 183x173 cm. Coleção particular, Yusaku
Maezawa

16. Jean-Michel Basquiat e Andy Warhol, Olympics, 1984

17. E.U.A. – Anos 70 a 90
• Keith Haring (1958-90)
• Não fez parte da cena inicial do graffiti
• Estudou Belas Artes e se interessou pela arte
de rua devido à um gosto conceitual
• Em 1980 ele começou a fazer desenhos nos
painéis pretos dos metrôs, usando Giz. O
que o levou a desenvolver um vocabulário
próprio de signos gráficos.
• Vocabulário adaptável a qualquer superfície:
desde muros a camisetas.
Keith Haring, Pisa Mural, 1989. Itália

18. Keith Haring, Sem título, 1980.
Tinta e spray em papel,
50,8x66 cm.

19. Keith Haring, Sem título,
1980. Tinta sumi em papel
Bristol, 51.43 x 68.9 cm.
Keith Haring, Sem título,
1980. Tinta sumi em papel
Bristol, 51 x 66.5 cm

20. Keith Haring, Metrô, 1982.
Giz sobre painel escuro

21. Keith Haring, Sem título,
1984. Guache e tinta
preta sobre papel, 60 x 90
cm
Keith Haring, Sem título,
1984. Acrílico sobre tela,
152,5x152,5 cm.

22. Keith Haring, Sem título,
1985. Acrílico e óleo sobre
tela, 533,5x762 cm.
Keith Haring, 1982. Mural
Mural na Houston Street &
the Bowery. Nova Yorl,
E.U.A.

23. Keith Haring, Sem título, 1987.
Serigrafia, 29.7 x 21 cm.
Keith Haring, Sem título, 1987.
Aço pintado,
93,98x127x104,14 cm.

24. Keith Haring, Sem título, 1988.
Tinta sumi sobre papel, 57x76
cm (cada)

25. Keith Haring, Foto de
instalação, Shafrazi Gallery,
New York, 1982

26. Keith Haring, Ignorance = Fear (Ignorância = Medo), 1989. Nankin sobre papel, 61x109,5. Coleção privada de Keith Haring

27. E.U.A. – Anos 70 a 90
• Jeff Koons
• Começou baseando-se nos ready made de Duchamp.
• Sua arte era, muitas vezes, questionada, pois ele criava projetos e pagava para
profissionais (fotógrafos e artesãos, por exemplo) executarem. Koons apenas
supervisionava.
• Considera sua arte uma celebração e tem o objetivo declarado “comunicar
com tantas pessoas quanto possível”.
• Sua obra, muitas vezes, traz um misto entre fascinação e horror

28. Jeff Koons, I Told You Once, I Told
you Twice (Eu Disse para Você Uma
Vez, Eu Disse para Você Duas
Vezes), 1977. Técnica mista: vinil,
tinta acrílica, porcelana, tecido,
entre outros, 91.4 x 96.5 x 40.6 cm
(aproximadamente).

29. Jeff Koons, Inflatable Flowers (Flores infláveis),
1979. Vinil e espelhos, 40.6 x 63.5 x 48.3 cm

30. Jeff Koons, Jeff and Ilona (Série nomeada
Made in Heaven), 1990. Madeira
policromada, 167.6 x 289.6 x 162.6 cm
Jeff Koons, Position Three (Série
nomeada Kama Sutra), 1991. Vidro,
48.3 x 60.3 x 40.3 cm

31. Jeff Koons, Puppy
(cachorrinho), 1992. Aço,
madeira, terra, tecido
texturizado, Sistema de
irrigação interno, plantas
floridas vivas, 1234.4 x 1234.4
x 650.2 cm

32. Jeff koons, Balloon Dog (Balão
de cachorro), 1994-2000.
Espelho polído colorido e aço,
307.3 x 363.2 x 114.3 cm.
Foram feitas 5 versões: Azul,
Magenta, Amarelo, Laranja e
vermelho.

33. Jeff Koons, Popeye, 2009-2011. Espelho polido colorido e
aço, 198.1 x 131.4 x 72.4 cm

34. Mulheres na arte contemporânea
• Louise Bourgeois (1911-2010)
• Nasceu em Paris e estudou arte em várias escolas da cidade
• Se mudou para os Estados Unidos em 1938
• Iniciou como gravadora e pintora em 1940 mas se voltou rapidamente à escultura
• Vivenciou a maioria dos movimentos artísticos do século XX e foi grandemente
influenciada pelos surrealistas
• Com o passar dos anos, suas peças foram se tornando maiores e a sua infância foi se
tornando um tema dominante em sua arte.
• As formas antropomórficas, corpos masculinos e femininos, são constantemente
referidos, por vezes carregados de sexualidade, e outras de inocência
• Seus trabalhos estão em coleções de vários museus importantes do mundo. Em 1982
(70 anos) se tornou a primeira mulher a ter uma retrospectiva completa no Museu
de Arte Moderna de Nova York
• Muitos de seus trabalhos são realizados a partir de coisas que ela foi guardando no
decorrer dos anos

35. Louise Bourgeois, Fallen Woman (mulher caída)
1981. Bronze, e patina preta, 34,3 x 8,9 x 8,9
cm, 3 kg. Tate Gallery e National Galleries of
Scotland

36. Louise Bourgeois, Nature Study (Estudo da
natureza), 1986. Bronze e pátina prateada, 152 x
254 x 178 mm.
Louise Bourgeois, Arch of Hysteria​ (Arco da
Histeria) 1993. Bronze

37. • Ba década de 1990, Bourgeois
criou uma exposição com vários
ambientes/células (cômodos).
Suas obras foram organizadas
nesses ambientes, e esses
remetiam a sua infância e ao seu
pai tirânico
• As obras remetem a corpos,
partes de corpos,
masculino/feminino, animais e
simbologias
Quarto 7: Louise Bourgeois, Sleep II (dormir/descansar II),
1967. Mármore sobre dois troncos de madeira. Courtesy
Cheim & Read, Galerie Karsten Greve and Galerie Hauser &
Wirth

38. Quarto 8:
Louise
Bourgeoi,
Spider
(aranha),
1997. Aço,
tapeçaria,
madeira,
vidro, tecido,
borracha,
prata, ouro e
ossos.
Coleção
privada,
courtesy
Cheim &
Read, New
York

39. Quarto 8: Louise Bourgeoi, Spider
(aranha), 1997. Aço, tapeçaria,
madeira, vidro, tecido, borracha,
prata, ouro e ossos. Coleção
privada, courtesy Cheim & Read,
New York

40. Louise Bourgeois, Maman, 1999. Bronze,
aço e mármore, 9,271 x 8,915 x 10,236 m

41. Mulheres na arte contemporânea
• Judy Chicago
• Artistas feminista
• Nasceu em Chicago e estudou arte
na Universidade da California. Nessa
mesma Universidade obteve o grau
de mestre em pintura e escultura
em 1964
• Em 1970 abandonou seu nome de
batismo e começou a usar o nome
da cidade onde nasceu, como um
gesto de ruptura na tradição
patriarcal
• Sua obra mais importante é “The
Dinner Party” (O jantar), de 1979,
onde a artista homenageou 39
mulheres.

42. Judy Chicago, The Dinner Party
(O Jantar), 1979. Mídias diversas.

43. • Primeiramente foi mostrada no Museu de
Arte Moderna de São Francisco (1979)
• Foi exibida também em outro locais (não-
museus)
• Se constitui como uma enorme mesa
triangular, com lugar para 39 mulheres que
a artista deseja homenagear
• Cada mulher tem seu lugar, com um prato
de cerâmica cuja forma simboliza sua
personalidade
• Para a artista essa obra remete a períodos
pré-patriarcais, onde a mulher tinha papel
social e político
• Chicago escolheu a pintura em porcelana e
o bordado como principais meios para sua
obra  Essas são, muitas vezes, associados
com as mulheres e também relegados a
posições inferiores na arte

44. • A obra atrai
multidões onde
passa e também
opiniões diversas
• Quando a peça foi
ao museu do
Brooklym em 1980,
o veterano crítico
de arte Hilton
Kramer, a assinalou
no New York Times
como uma arte
verdadeiramente
ruim e fracassada,
dedicada a causas
políticas e que
fracassa em
adiquirir qualquer
vida independente
delas.