O documento discute a arte ao longo da história, desde a pré-história até o século XIX. Aborda os principais estilos artísticos como Renascimento, Barroco e Romantismo e seus traços característicos. Destaca também grandes artistas como Leonardo da Vinci, Caravaggio, Rembrandt e Goya, analisando brevemente suas obras e estilo pictórico.

1. HISTÓRIA DA ARTE

2. COMPREENDER A ARTE
Os artistas são grandes comunicadores de mensagens, mas por
vezes os meios, a linguagem e os signos que utilizam são
complexos e torna-se difícil compreendê-los.
Pablo Picasso, Guernica, 1937, Óleo sobre tela, 349,3x776,6cm

3. COMPREENDER A ARTE
Entender uma obra de arte não significa saber o que o artista quis dizer com
ela, ou identificar apenas o que nela está representado.
Muitas obras apelam aos sentimentos da pessoa que a vê portanto cada um
reage ou é sensibilizado de forma diferente perante a mesma obra de arte.
Franz Marc, Formas lutando, 1914, Óleo sobre tela, 91x131cmVincent van Gogh, Retrato do Dr. Gachet, 1890,
óleo sobre tela, 67 cm × 56 cm

4. Durante muitos séculos a arte identificou-se apenas com as chamadas belas-
artes: a pintura, a escultura e a arquitectura.
Os artistas procuravam corresponder essencialmente ao conceito de “belo”
de uma sociedade elitista.
Hoje em dia, sabemos que o conceito de “belo” pode variar muito de época
para época e de cultura para cultura.
Mulheres girafa em Myanmar (antiga Birmânia)-
nesta cultura as mulheres com um pescoço longo são
consideradas belas e por isso usam uns anéis para o
alongar. O preço a pagar por isso é que se retirarem os
anéis morrem, pois os músculos do pescoço já não
conseguem aguentar sozinhos o peso da cabeça.
Marilyn Monroe, actriz (1926-1962) – foi considerada a
mulher mais bela do mundo na sua época, quando eram
apreciadas mulheres com formas mais redondas e
generosas.

5. Sabemos também que um artista pode não querer comunicar o que é “belo”,
mas antes o “horrível”, o “aberrante”, o “chocante”.
Pode até nem querer comunicar nenhuma ideia específica, apenas provocar
sensações ou despertar sentimentos.
Leonardo da Vinci, Mona Lisa (Gioconda), 1503-1506,
Óleo sobre madeira, 77x53cm
Pablo Picasso, Mulher a chorar, 1937, Óleo
sobre tela, 60x49cm

6. BREVE HISTÓRIA DAS ARTES PLÁSTICAS
Pensa-se que, primitivamente, a arte rupestre evocava poderes mágicos e
religiosos.
Vénus de Willendorf, estima-se que tivesse sido
esculpida há 22000 ou 24000 anos, 11,1 cm
Pinturas rupestres de Lascaux, cerca de
15.500 anos
Gravuras de Foz Côa, datadas do
Paleolítico Superior (22000 - 10000 a.C.),

7. Na antiguidade, a Arte representou deuses e mitos, relatou feitos heróicos.
Máscara funerária de Tutankhamon, Egipto, c. 1350 a.C.,
ouro
Pintado talvez por Philoxenos ou Helena do Egipto. Alexander o Grande e
Dário III na Batalha de Issos. Mosaico romano copiado a partir de uma
pintura grega de 310 a.C.
Agrippa
(marido de Júlia filha de Augusto)
c. 25 - 24 a.C.
mármore

8. Na Europa medieval, o fervor religioso fez com a Arte que se centrasse em
temas religiosos.
Cimabue, A Virgem e o Menino no trono rodeada por seis
anjos, c. 1280, guache sobre madeira, 424 × 276 cm
Tímpano da catedral gótica de Estrasburgo, França, c. 1230

9. No RENASCIMENTO, o interesse pelo estudo do Homem e das Ciências originou grandes
mudanças na representação.
Passaram a retratar-se não só os reis, como fidalgos, donzelas, pessoas do povo e até escravos.
Renascimento significa o “renascer” das culturas clássicas (grega e romana), por isso eram
frequentes as reproduções de figuras mitológicas e cenas pagãs.
Características gerais:
- Racionalidade
- Dignidade do Ser Humano
- Rigor Científico
Miguel Ângelo, David, c. 1501-1504, Mármore, 410 cm
de altura
Jan van Eyck. Giovanni Arnolfini e a sua esposa Giovanna
Cenami (O casamento de Arnolfini). 1434. Guache sobre
madeira
- Rigor Científico
- Ideal Humanista
- Reutilização das artes greco-
romanas

10. Características principais da
pintura:
- Perspectiva: arte de figura, no
desenho ou pintura, as diversas
distâncias e proporções que têm
entre si os objectos vistos à
distância, segundo os princípios da
matemática e da geometria.
- Realismo: o artistas do
Renascimento não vêm mais o
homem como simples observador
do mundo que expressa a grandeza
de Deus, mas como a expressãode Deus, mas como a expressão
mais grandiosa do próprio Deus. E o
mundo é pensado como uma
realidade a ser compreendida
cientificamente, e não apenas
admirada.
- Surgimento de artistas com um
estilo pessoal, diferente dos demais,
já que o período é marcado pelo
ideal de liberdade e,
consequentemente, pelo
individualismo.
Piero della Francesca: Flagelação de Cristo, 1460. Técnica mista em painel
de madeira.

11. - Uso do claro-escuro: pintar algumas
áreas iluminadas e outras na
sombra, esse jogo de contrastes
reforça a sugestão de volume dos
corpos.
- Inicia-se o uso da tela e da tinta à
óleo.
- Tanto a pintura como a escultura
que antes apareciam quase que
exclusivamente como detalhes de
Hans Holbein, o Novo. Retrato do mercador Georg Gisze,
1532. Óleo e guache sobre carvalho.
exclusivamente como detalhes de
obras arquitectónicas, tornam-se
manifestações independentes.

12. Sandro BOTTICELLI (1445-1510) - os temas dos seus quadros foram escolhidos segundo a
possibilidade que lhe proporcionavam de expressar o seu ideal de beleza. Para ele, a beleza estava
associada ao ideal cristão. Por isso, as figuras humanas de seus quadros são belas porque
manifestam a graça divina, e, ao mesmo tempo, melancólicas porque supõem que perderam esse
dom de Deus.
Botticelli, O nascimento de Vénus, 1485

13. Leonardo Da VINCI (1452-1519) - dominou com sabedoria um jogo expressivo de luz e sombra,
gerador de uma atmosfera que parte da realidade mas estimula a imaginação do observador. Foi
possuidor de um espírito versátil que o tornou capaz de pesquisar e realizar trabalhos em diversos
campos do conhecimento humano.
Esta versão está no Louvre e foi pintada por volta de 1483-
1486, ou anteriormente. Esta pintura é um exemplo
perfeito da técnica de "sfumato" de Leonardo da Vinci.
A palavra "Sfumato" vem do italiano sfumare, que significa
esbater ou evaporar como fumo.
Refere-se à subtil e perfeita gradação de tons e sombras do
Leonardo Da Vinci, A Virgem nas Rochas, c. 1483-1486
Refere-se à subtil e perfeita gradação de tons e sombras do
mais claro para o mais escuro dando às suas pinturas uma
atmosfera de ilusão.

14. A arte BARROCA originou-se na Itália (séc. XVII) mas não tardou a irradiar-se por outros países da
Europa e a chegar também ao continente americano, trazida pelos colonizadores portugueses e
espanhóis.
As obras barrocas romperam o equilíbrio entre o sentimento e a razão ou entre a arte e a ciência,
que os artistas renascentistas procuram realizar de forma muito consciente; na arte barroca
predominam as emoções e não o racionalismo da arte renascentista.
É uma época de conflitos espirituais e religiosos.
O estilo barroco traduz a tentativa angustiante de conciliar forças antagónicas: bem e mal; Deus e
Diabo; céu e terra; pureza e pecado; alegria e tristeza; paganismo e cristianismo; espírito e matéria.
Anthony van Dyck.
Sansão e Dalila, c. 1630.
Óleo sobre tela.
Uma história poderosa
pintada à maneira de
Rubens; o uso de cores
saturadas revela um
estudo da pintura de
Ticciano.

15. Características da pintura são:
- Composição assimétrica, em diagonal - que se revela num estilo grandioso, monumental,
retorcido, substituindo a unidade geométrica e o equilíbrio da arte renascentista.
- Acentuado contraste de claro-escuro (expressão dos sentimentos) - era um recurso que visava a
intensificar a sensação de profundidade.
- Realista, abrangendo todas as camadas sociais.
- Escolha de cenas no seu momento de maior intensidade dramática.
Jan Bruegel o Velho.
Paisagem costeira com o
sacrificio de Jonas. s.d .
Óleo sobre tela.

16. Michelangelo Merisi da CARAVAGGIO (1571 – 1610)- o que melhor caracteriza a sua pintura é o
modo revolucionário como ele usa a luz. Ela não aparece como reflexo da luz solar, mas é criada
intencionalmente pelo artista, para dirigir a atenção do observador.
O retrato está dividido em duas partes. As
figuras em pé à direita formam um rectângulo. Os
que estão à volta da mesa na esquerda um bloco
horizontal.
Os trajes reforçam o contraste. Levi e seus
subordinados, que estão envolvidos em afazeres
deste mundo, estão vestidos com trajes
contemporâneos, enquanto o Cristo e S. Pedro
(que está descalço), que chamam Levi a uma
outra vida e mundo, aparecem com roupas
intemporais.
Os dois grupos são separados também por
uma espécie de vácuo, sendo literalmente e
Caravaggio. O chamamento de S. Mateus. 1599-1600. Óleo. sobre tela
uma espécie de vácuo, sendo literalmente e
simbolicamente a mão de Cristo que faz a
transição entre estes dois grupos. Esta mão, como
Adão na criação de Miguel Ângelo, unifica os dois
grupos formal e psicologicamente.
Está subjacente uma grelha de linhas
verticais e horizontais que formam a estrutura do
quadro.
A luz não foi manipulada
descuidadamente: a janela coberta com um
oleado provavelmente para fornecer uma luz mais
difusa; a luz superior para iluminar a cara de Saint
Matthew e o grupo sentado; e a luz por detrás de
Cristo e S. Pedro, iluminando somente eles. A
intenção desta luz poderá der de origem
miraculosa pois de que outra forma S. Pedro não
projecta nenhuma sombra sobre o rapaz em
frente dele?

17. REMBRANDT Harmenszoon van Rijn (1606 — 1669)- o que dirige nossa atenção nos quadros
deste pintor não é propriamente o contraste entre luz e sombra, mas a gradação da claridade, os
meios-tons, as penumbras que envolvem áreas de luminosidade mais intensa.
O cadáver é o foco da composição,
pelo seu brilho intenso.
A partir daqui, o olho do espectador é
conduzido às cabeças iluminadas dos
ouvintes, cujas expressões e as atitudes
reflectem graus diferentes de atenção, e à
cara e às mãos de Tulp, que é a mais
convincente representação de um professor
absorvido no seu trabalho. Com o forceps na
sua mão direita Tulp prende os músculos e os
tendões do braço que controlam o movimento
da mão, enquanto os dedos curvados de sua
Rembrandt. Aula de anatomia.1632. Óleo sobre tela
da mão, enquanto os dedos curvados de sua
mão esquerda demonstrarem qual a acção
desses mesmos músculos. A ilusão é realçada
pela caracterização vívida dos indivíduos assim
como pelo poder grande do artista em
dramatizar o momento dentro de um grupo
coerente.
Sem o claro-escuro forte e a qualidade
atmosférica fina que é combinada com ele, o
retrato perderia sua intensidade, a qualidade
escultural das formas, e todo a excitação do
momento.
Aqui, a tensão psicológica e pictórica
são combinadas para criar o sentimento de
um evento extraordinário.

18. O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais, políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do
século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objectivo de solucionar os
problemas técnicos decorrentes do aumento de produção, provocando a divisão do trabalho e o início da
especialização da mão-de-obra, e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmónica, em que
os direitos individuais fossem respeitados, traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do
Cidadão.
Do mesmo modo, a actividade artística tornou-se complexa.
Os artistas do período ROMÂNTICO procuraram libertar-se das convenções académicas em favor da livre
expressão da personalidade do artista.
Características da pintura:
- Aproximação das formas barrocas;
- Composição em diagonal sugerindo
instabilidade e dinamismo ao
Delacroix. A Liberdade guiando o Povo.
1830. Óleo sobre tela.
instabilidade e dinamismo ao
observador;
- Valorização das cores e do claro-
escuro; e
- Dramaticidade
Temas da pintura:
- Fatos reais da história nacional e
contemporânea da vida dos artistas;
- Natureza revelando um dinamismo
equivalente as emoções humanas; e
- Mitologia Grega

19. Francisco de GOYA (1746 — 1828)- Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos, seres
deformados, tons opressivos. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. Trabalhou temas
diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo, os horrores da
guerra, a acção incompreensível de monstros, cenas históricas e as lutas pela liberdade.
Goya aqui representa a insurreição do povo
de Madrid contra o exército de Napoleão e
que foi punido severamente pela prisão e
execuções que continuaram durante todo a
noite de 2 maio e da seguinte manhã. Existe
uma lenda de que Goya testemunhou as
execuções no monte de Príncipe Pío, nos
arredores de Madrid, da janela de sua casa
e que, enraivecido pelo que tinha visto, foi
visitar imediatamente o local e fez esboços
dos cadáveres à luz de uma lanterna.
Goya. O três de Maio de 1808- A execução dos defensores de Madrid. 1814.
Óleo. sobre tela
O drama é aqui retratado de encontro a um
monte estéril à noite. A luz de uma lanterna
enorme na terra entre as vítimas e seus
executores ilumina principalmente a figura
de um homem de camisa branca
estarrecido a ajoelhado com braços abertos.
A postura, os gestos e as expressões dos
madrilenos e a linha impessoal fechada das
costas dos soldados enfrentando-os os com
musquetes alinhados, enfatizam o horror da
cena.
As qualidades dramáticas desta
composição, com sua piedade pela a
execução das vítimas anónimas e a
celebração de seu heroísmo, inspiraram
diversas versões de Manet da execução de
Maximiliano.

20. Joseph Mallord William TURNER (1775 - 1851), representou grandes movimentos da natureza,
mas por meio do estudo da luz que a natureza reflecte, procurou descrever uma certa atmosfera da
paisagem. Uma das primeiras vezes que a arte regista a presença da máquina (locomotiva).
Por volta de 1840 foi o período de
expansão do caminho de ferro e o inquieto
Turner apreciava a velocidade e o conforto
deste meio de transporte.
Uma história que se conta acerca deste
quadro diz que este tem a sua origem
numa viagem de comboio durante uma
tempestade de chuva, na qual o artista
pôs a cabeça fora da janela. Desejoso
como sempre por sensações fortes,
Turner tenta reproduzir a experiência na
pintura, embora o espectador seja
Turner. Chuva, Vapor e Velocidade – O Grande Caminho de ferro do Oeste.1844.
Óleo. sobre tela
pintura, embora o espectador seja
imaginado vendo o comboio se
aproximando de um ponto de vista
elevado.
O ponto de fuga desaparece no centro do
quadro numa linha diagonal.
A perspectiva exagerada do viaduto é
propositada para sugerir velocidade.
Os redemoinhos de borrões e manchas e
borrifos de tinta sugerem chuva, vapor e
velocidade fazendo com que as
personagens do velho campo fiquem
pouco nítidos.
Felicidade e pesar são misturados com
alarme; num segundo temos de nos
afastar de deixar passar o rugido.

21. Entre 1850 e 1900 surge nas artes europeias, sobretudo na pintura francesa, uma nova tendência
estética chamada REALISMO, que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das
sociedades. O homem europeu, que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica
para interpretar e dominar a natureza, convenceu-se de que precisava ser realista, inclusive nas suas
criações artísticas, deixando de lado as visões subjectivas e emotivas da realidade.
Temas da pintura:
- Politização: a arte passa a ser um meio
para denunciar uma ordem social que
consideram injusta; a arte manifesta um
protesto em favor dos oprimidos.
Ferdinand Hodler, O sapateiro, 1878. Óleo sobre tela.
- Pintura social denunciando as injustiças e
as imensas desigualdades entre a miséria
dos trabalhadores e a opulência da
burguesia.
As pessoas das classes menos favorecidas -
o povo, em resumo - tornaram-se assunto
frequente da pintura realista.
Os artistas incorporavam a rudeza, a
fealdade, a vulgaridade dos tipos que
pintavam, elevando esses tipos à categoria
de heróis. Heróis que nada têm a ver com
os idealizados heróis da pintura romântica.

22. Jean-François MILLET (1814 – 1875) sensível observador da vida campestre, criou uma obra
realista na qual o principal elemento é a ligação do homem com a terra. Foi educado num meio de
profunda religiosidade e respeito pela natureza. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. Os seus
numerosos desenhos de paisagens influenciaram, mais tarde, Pissarro e Van Gogh.
Um homem e uma mulher recitando “Angelus”
uma oração que celebra a anunciação feita pelo
Anjo Gabriel a Maria. Pararam de trabalhar e
todos os utensílios utilizados na lavoura estão à
sua volta. Em 1865, Millet disse: “A ideia para
este quadro surgiu-me porque me lembrei que a
minha avó, ao ouvir o sino da igreja , enquanto
estávamos a trabalhar fazia-nos parar para recitar
esta oração, em homenagem dos pobres que
partiram.”
Foi então esta recordação de infância e não o
Millet. Angelus 1857-1859. Óleo. sobre tela
Foi então esta recordação de infância e não o
desejo de glorificar algo religioso, que esteve por
detrás desta obra. Quis imortalizar os ritmos
seculares da vida no campo e a sua simplicidade.
Por detrás dos camponeses consegue-se
perceber uma enorme planície, apesar do
tamanho reduzido da tela.
As suas caras estão à sombra enquanto a luz
ilumina os seus gestos e postura. A tela expressa
um sentimento profundo de meditação.
Talvez todo isto explique o extraordinário destino
desta obra: despoletou um inimaginável fervor
patriótico quando o Louvre o tentou comprar em
1889, era venerado por Salvador Dali, foi lacerado
por um louco em 1932 e tornou-se um famoso
icone mundial no século XX.

23. Jean Désiré Gustave COURBET (1819–1877), foi considerado o criador do realismo social na
pintura, pois procurou retratar nas suas obras temas da vida quotidiana, principalmente das classes
populares. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da
sociedade no século XIX.
As mulheres representadas são irmãs de
Courbet, Zoé e Juliette, juntamente com o
Courbet. Mulheres peneirando trigo 1854. Óleo. sobre tela
Courbet, Zoé e Juliette, juntamente com o
seu filho Désiré Binet.
Uma obra prima de simplicidade rural, é
um brilhante exemplo do género e faz
lembrar Millet.
O quadro foi exibido no Salão de 1855.

24. O IMPRESSIONISMO foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e
deu início às grandes tendências da arte do século XX. Havia algumas considerações gerais, muito
mais práticas do que teóricas, que os artistas seguiam nos seus procedimentos técnicos para obter
os resultados que caracterizaram a pintura impressionista.
Principais características da pintura:
- A pintura deve registar as tonalidades que os
objectos adquirem ao reflectir a luz solar num
determinado momento, pois as cores da natureza
modificam-se constantemente, dependendo da
incidência da luz do sol.
- As figuras não devem ter contornos nítidos, pois a
linha é uma abstracção do ser humano para
representar imagens.
- As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal- As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal
como é a impressão visual que nos causam, e não
escuras ou pretas, como os pintores costumavam
representá-las no passado.
- Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos
de acordo com a lei das cores complementares.
Assim, um amarelo próximo a um violeta produz
uma impressão de luz e de sombra muito mais real
do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores
barrocos.
- As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela
mistura das tintas na paleta do pintor. Pelo
contrário, devem ser puras e dissociadas nos
quadros em pequenas pinceladas. É o observador
que, ao admirar a pintura, combina as várias cores,
obtendo o resultado final. A mistura deixa, portanto,
de ser técnica para se óptica.
Claude Monet, Mulher com um Guarda Sol, 1875. óleo sobre tela.

25. A palavra “impressionismo” tem as suas raízes num quadro intitulado Impressão – Nascer
o Sol (1874), do pintor Claude Monet . Na altura mal aceite pela crítica de arte, que o
comparou a um simples papel de parede.

26. Monet. Antibes. 1888. óleo sobre tela Monet. Antibes – efeito à tarde. 1888. óleo sobre tela
Este movimento representou uma ruptura, principalmente com o Realismo.
Para os impressionistas, a pintura consistia em reproduzir a impressão que as
sensações visuais, submetidas às constantes variações de luz, despertavam no
artista.
A luz, em mudança permanente, tornou-se o principal motivo da obra, por isso
alguns artistas pintavam os mesmos motivos a várias horas do dia.

27. Pierre-Auguste RENOIR (1841 – 1919), foi o pintor impressionista que ganhou maior popularidade
e chegou mesmo a ter o reconhecimento da crítica, ainda em vida. Os seus quadros manifestam
optimismo, alegria e a intensa movimentação da vida parisiense do fim do século XIX. Pintou o corpo
feminino com formas puras e isentas de erotismo e sensualidade, preferia os nus ao ar livre, as
composições com personagens do quotidiano, os retratos e as naturezas mortas.
O quadro foi pintado em Paris, no bairro de
Montmartre, e retrata um tema frequente na
pintura impressionista e que se encontra na
base do movimento: o quotidiano burguês.
Foi exibida pela primeira vez no Salon em
1877, na exposição dos impressionistas.
Ainda que o rosto de alguns dos seus amigos
apareçam na imagem, a intenção de Renoir
era captar a vivacidade e a atmosfera alegre
desta popular dança de jardim no Butte
Renoir. O baile no Moulin de la Galette. 1876. Óleo. sobre tela
desta popular dança de jardim no Butte
Montmartre, nas imediações do Moulin, hoje
celebrizado pela tela.
O estudo da multidão em movimento, a
inclusão lumínica natural e artificial e outros
efeitos, foram concretizados através de
pinceladas de cores vibrantes. A aparência
um tanto desfocada da cena, capta algumas
críticas negativas desde o seu tempo até à
actualidade.
A descontração das personagens, a sombra
imposta pela copa das árvores, os resquícios
de luz natural que recaem sobre os vestidos
das senhoras e os chapéus dos senhores em
primeiro plano, e tantos outros elementos
neste quadro, tornam-no numa das principais
obras-primas do Impressionismo.

28. Claude MONET (1840 – 1926), incessante pesquisador da luz e seus efeitos, pintou vários motivos
em diversas horas do dia, afim de estudar as mutações coloridas do ambiente com sua
luminosidade.
Em 1866, Claude Monet começou a pintar um quadro grande no jardim
da propriedade que ele alugava nos subúrbios de Paris. Ele encarou um
desafio duplo: primeiramente, trabalhando a céu aberto como
trabalhar na parte superior do quadro sem mudar o seu ponto de
vista; e em segundo lugar, trabalhando num formato grande
geralmente usado para composições históricas. Mas o seu desafio real
era outro: conseguir pintar figuras numa paisagem e dar a impressão
que o ar e a luz se moviam à sua volta.
Monet achou uma solução pintando as sombras, luz colorida, “pontos”
de luz do sol filtrado pela folhagem, e reflexos pálidos brilhando no
escuro.
Emile Zola escreveu no seu relatório no Salão: "O sol caiu directamente
em saias brancas deslumbrantes; a sombra quente de uma árvore
recorta um pedaço cinzento do caminho e dos vestidos ensolarados.
Que efeito mais estranho e imaginável. O pintor deve estar
notavelmente sintonia com o seu tempo para ousar fazer tal coisa,
tecidos cortados ao meio pela sombra e pelo sol".
Os rostos são deixados vagos e não podem ser considerados retratos.
Camille, a companheira do artista, posou para as três figuras na
esquerda. Monet habilidosamente deixou o branco dos vestidos,
pousando-os firmemente na estrutura da composição – uma sinfonia
de verdes e castanhos – fornecido pela árvore central e pelo caminho.
Terminado no estúdio, a pintura foi recusada pelo júri do Salão de
1867que, à parte da falta de assunto e narrativa, deplorou as
pinceladas visíveis que considerou como um sinal de desatenção e
incompletude. Um dos membros do júri terá declarado: “Demasiados
jovens não pensam em mais nada senão em continuar nesta direcção
abominável. É tempo de protegê-los e salvar a arte"!
Monet. Mulheres no jardim. 1866-1867. Óleo. sobre tela

29. O EXPRESSIONISMO é a arte do instinto, trata-se de uma pintura dramática, subjectiva,
“expressando” sentimentos humanos. Utilizando cores irreais, dá forma plástica ao amor, ao ciúme,
ao medo, à solidão, à miséria humana, à prostituição. Deforma-se a figura, para ressaltar o
sentimento.
Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. Corrente artística concentrada
especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930.
Principais características da pintura:
-pesquisa no domínio psicológico;
- cores resplandecentes, vibrantes,
fundidas ou separadas;
- dinamismo improvisado, abrupto,
inesperado;
- pasta grossa, martelada, áspera;
- técnica violenta: o pincel ou espátula
vai e vem, fazendo e refazendo,
empastando ou provocando explosões;
- preferência pelo patético, trágico e
sombrio
Munch, O grito, 1893. óleo, guache e pastel sobre cartão.

30. Eugène Henri PAUL GAUGUIN (1848 – 1903), aos 35 anos tomou a decisão mais importante da
sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Começou assim uma vida de viagens e boémia, que
resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX.
Gauguin. O Cristo Amarelo. 1889. Óleo. sobre tela

31. A sua obra, longe de poder ser enquadrada em
algum movimento, foi tão singular como a de seus
amigos Van Gogh ou Cézanne.
As suas primeiras obras tentavam captar a
simplicidade da vida no campo, algo que
ele consegue com a aplicação arbitrária das cores,
em oposição a qualquer naturalismo, como
demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. As cores
estendem-se planas e puras sobre a superfície,
quase decorativamente.
No ano de 1891, o pintor parte para o Taiti, em
busca de novos temas, para se libertar dos
condicionamentos da Europa. Suas telas surgem
carregadas da iconografia exótica do lugar, e não
faltam cenas que mostram um erotismo natural,faltam cenas que mostram um erotismo natural,
fruto, segundo conhecidos do pintor, de sua paixão
pelas nativas. A cor adquire mais preponderância
representada pelos vermelhos intensos, amarelos,
verdes e violetas.
Gauguin desenvolveu as técnicas do "sintetismo" e
"cloisonnisme" (alveolismo), estilos de
representação simbólica da natureza onde são
utilizadas formas simplificadas e grandes campos
de cores vivas chapadas, que ele fechava com uma
linha negra, e que mostravam uma forte influência
das gravuras japonesas.
Gauguin. Duas Mulheres Taitianas. 1899. Óleo. sobre tela

32. Vincent Willem VAN GOGH (1853 – 1890),
empenhou-se profundamente em recriar a
beleza dos seres humanos e da natureza
através da cor, que para ele era o elemento
fundamental da pintura. Foi uma pessoa
solitária. Interessou-se pelo trabalho de
Gauguin, principalmente pela sua decisão de
simplificar as formas dos seres, reduzir os
efeitos de luz e usar zonas de cores bem
definidas.
Em 1888, deixou Paris e foi para Arles, cidade
onde passou a pintar ao ar livre. O sol intenso
da região mediterrânea interferiu em sua
pintura, e ele libertou-se completamente depintura, e ele libertou-se completamente de
qualquer naturalismo no emprego das cores.
Apaixonou-se então pelas cores intensas e
puras, sem nenhuma matização, pois elas
tinham para ele a função de representar
emoções.
Enquanto viveu não foi reconhecido pelo
público nem pelo críticos, que não souberam
ver na sua obra os primeiros passos em
direcção à arte moderna, nem compreender o
esforço para libertar a beleza dos seres por
meio de uma explosão de cores
Van Gogh. Cipreste sobre um céu estrelado. 1890. Óleo. sobre tela

33. Numa carta endereçada ao seu irmão
Théo, Vincent explica o que o fez
pintar esta obra: queria exprimir a
tranquilidade e sobressair a
simplicidade do seu quarto através do
simbolismo e das cores.
Descreveu: as paredes lilás pálido, o
chão de um vermelho quebrado e
desvanecido, as cadeiras e a cama
amarelo crómio, os travesseiros e os
lençóis limão verde muito pálido, a
colcha vermelho sangue, a mesa dos
lavabos alaranjada, a bacia azul, a
janela verde “, afirmando: “quis
exprimir um repouso absoluto através
Van Gogh. O quarto de Van Gogh em Arles. 1889. Óleo. sobre tela
exprimir um repouso absoluto através
da diversidade destes tons”.
Através destes diferentes tons, é no
Japão, nos seus quadros e nas suas
estampas que Van Gogh vai buscar as
influências-simplicidade.
A sua composição é constituída quase
unicamente de linhas direitas e por uma
combinação rigorosa das superfícies
coloridas que equilibram a instabilidade
da perspectiva.

34. Paul KLEE (1879 – 1940), considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista.
Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza, este
pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e
espírito.
Klee escreveu: "A cor, como a forma, pode expressar ritmo e movimento". Mas a grande descoberta ocorreria dois
anos depois, na sua primeira viagem a Tunes. As formas cúbicas da arquitectura e os graciosos arabescos na
terracota deixaram sua marca na obra do pintor. Iniciou uma fase de grande produtividade, com quadros de
carácter quase surrealista, criados, segundo o pintor, em cima de "matéria e sonhos".
Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra, Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen, mas antes
apresentou suas obras em Paris, na primeira exposição dos surrealistas.
Klee. Jardins (tunisinos) do Sul. 1919. Aguarela

35. Este quadro é um dos seus mais célebres.
Os críticos são unânimes em afirmar que se trata de de
uma obra com um cunho político e histórico, mas as
interpretações sobre o seu significado divergem.
Esta obra surgiu após um período em que o pintor esteve
doente e existem cinco versões deste tema (esta é a
última).
O fundo do quadro é de um azul relativamente uniforme,
que em alguns lugares se torna ligeiramente violeta.
Destacam-se deste fundo, arcos de tamanhos e cores
diferentes que avançam sobre o observador, que em vez
de estarem alinhados estão desordenados. Esta desordem
é acentuada pelos tamanhos e variedade de cores.
Klee tinha dado o título de Arcos de ponte diferentes à
penúltima versão, muito semelhante a este quadro,
sugerindo este título uma rejeição da ordem
estabelecida.
Graças à construção de auto-estradas, as pontes
Paul Klee. Revolução do viaduto. 1937. Óleo. sobre tela
Graças à construção de auto-estradas, as pontes
ocupavam um lugar importante na arquitectura do
Nacional-Socialismo (Alemanha Nazi).
Os seus arcos bem alinhados, a maior parte das vezes
com a mesma altura e largura, simbolizavam a
conformidade.
Mas os arcos representados por Klee não se conformam
com isto. Recusam-se a continuar a ser apenas um elo da
cadeia e cada um deles procura existir por si próprio,
“saem da ordem” e fazem a “revolução”. Cada um por si,
e não a passo certo, vão ao encontro do observador,
conscientes da sua força, devido à sua superioridade
numérica, contra a ordem e conformidade.
O quadro é uma declaração de guerra contra os nazis, que
tinham conseguido reprimir toda a individualidade na
Arte, sempre que esta recusou a uniformização.

36. Paul CÉZANNE (1839 – 1906), a sua principal tendência foi converter os elementos naturais em
figuras geométricas - como cilindros, cones e esferas – que se acentuou cada vez mais, de tal forma
que se tornaria impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos
sentidos.
Era conhecido como um artista subversivo, de difícil temperamento, que quebrou com a visão estereotipada de
que a obra de arte tinha de ser uma cópia da realidade.
Mais do que reproduzir, Cézanne preocupava-se em interpretar as cenas ao seu redor, violando, literalmente, a
realidade do objecto. A maioria dos seus quadros transmite uma emoção, por vezes, considerada intragável pelos
críticos da época.
Cézanne. As grandes banhistas. 1906. Óleo. sobre tela

37. O Monte Saint Victoire, próximo da
casa de Cézanne em Aix-en-Provence
foi um dos seus temas favoritos.
Cézanne ficou fascinado pela dureza
arquitectural das suas formas e
pintou-a de diversas formas e ângulos.
Usou conjuntos de cores ousadas para
alcançar um novo efeito espacial
Cézanne. O Monte Saint Victoire. 1885-1887. Óleo. sobre tela
alcançar um novo efeito espacial
conhecido como “profundidade-
plana” para retratar as formas
geológicas das montanhas, fora do
comum.

38. Historicamente o CUBISMO originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura deveria tratar
as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros.
Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar os objectos com
todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e apresentassem todos
os seus lados no plano frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os
objectos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas.
O pintor cubista tenta representar os objectos em três dimensões, numa superfície plana, sob
formas geométricas, com o predomínio de linhas rectas. Não representa, mas sugere a estrutura dos
corpos ou objectos. Representa-os como se movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os
ângulos visuais, por cima e por baixo, percebendo todos os planos e volumes.
Principais características da
pintura:pintura:
- geometrização das formas e
volumes ;
renúncia à perspectiva
- o claro-escuro perde sua função;
- representação do volume
colorido sobre superfícies planas
- sensação de pintura escultórica;
- cores austeras, do branco ao
negro passando pelo cinza, por
um ocre apagado ou um castanho
suave;
Juan Gris,.Fantômas, 1915. óleo sobre tela.

39. O cubismo divide-se em duas fases:
Cubismo Analítico - (1909)
caracterizado pela desestruturação da obra em todos os seus
elementos.
Decompondo a obra em partes, o artista regista todos os seus
elementos em planos sucessivos e sobrepostos, procurando a
visão total da figura, examinando-a em todos os ângulos no
mesmo instante, através da fragmentação dela.
Essa fragmentação dos seres foi tão grande, que se tornou
impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas
cubistas. A cor se reduz aos tons de castanho, cinza e bege.
Georges Braques. Violino e jarro. 1910. Óleo. sobre tela

40. O cubismo divide-se em duas fases:
Cubismo Sintético - (1911)
reagindo à excessiva fragmentação dos objectos e à
destruição de sua estrutura. Basicamente, essa
tendência procurou tornar as figuras novamente
reconhecíveis.
Também chamado de Colagem porque introduz letras,
palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e
até objectos inteiros nas pinturas.
Essa inovação pode ser explicada pela intenção dos
artistas em criar efeitos plásticos e de ultrapassar os
limites das sensações visuais que a pintura sugere,
despertando também no observador as sensaçõesdespertando também no observador as sensações
tácteis.
Pablo Picasso. Guitarra. 1913. carvão, lápis, tinta em papel

41. Pablo Picasso - (1881-1973) Tendo vivido 92 anos e pintado desde muito jovem até próximo à sua morte
passou por diversas fases:
- a fase Azul, entre 1901-1904, que representa a tristeza e o isolamento provocados pelo suicídio de Casagemas,
seu amigo, são evidenciados pela monocromia e também a representa a miséria e o desespero humanos;
-a fase Rosa, entre 1904-1907, o amor por Fernande origina muitos desenhos, com a paixão de Picasso pelo circo,
iniciam-se os ciclos dos saltimbancos e do arlequim.
-Depois de descobrir as artes primitivas e africanas compreende que o artista negro não pinta ou esculpe de
acordo com a tendência de um determinado movimento estético, mas com uma liberdade muito maior. Picasso
desenvolve então uma verdadeira revolução na arte.
-Em 1907, com a obra Les Demoiselles d’Avignon começa a elaborar a estética cubista subverteu o sentido da arte
moderna
-Com a declaração de guerra em 1914, chega ao fim a aventura cubista.
Tragédia. 1903. Óleo sobre madeira Acrobata e jovem arlequim. 1905. Óleo sobre tela

42. Aqui, o artista reproduz o objecto (figuras femininas),
simultaneamente, de vários ângulos visuais.
A iluminação realista do espaço do quadro cede o lugar a uma
distribuição de luz e sombra que varia de um elemento pictórico
para outro.
O corpo e as cabeças são fragmentados em peças angulares.
As duas figuras centrais do quadro aparecem pintadas de forma
monocromática, de um tom quente, fazendo lembrar a fase Rosa .
As expressões de ambas, são de uma beleza evidente, em contraste
com as restantes, cujas cabeças e corpos deformados parecem
“talhados” a golpes de machado.
Na figura do primeiro plano à direita, já não é sequer possível
reconstruir a posição do braço direito apoiado. O corpo e cabeça
tem uma formação completamente diferente, mostrando ao mesmo
tempo as costas e a cara. Também os olhos e a boca não respeitam
a posição natural de qualquer humano.
Atrás desta figura, outra mulher aparece no quadro afastando do
cortinado azul. A sua cabeça está deformada, a cara assemelha-se
ao focinho de um cão e de um tom verde/vermelho. O corpo surge
O artista inspirou –se na tela de Jean Dominique Ingres “O banho Turco”, no qual eram
representadas mulheres cujos contornos evidenciavam as suas curvas arredondadas e
expressavam sensualidade e erotismo.
Porém, neste quadro, as figuras femininas perderam toda a expressão sensual e erótica
e aparecem com os braços disformes, os cotovelos ponteagudos e a cabeça encravada
na carne, transformam a pose provocante no seu inverso.
ao focinho de um cão e de um tom verde/vermelho. O corpo surge
fragmentado em várias partículas incompatíveis com a forma das
outras.
A quinta figura feminina, do lado esquerdo da tela, parece
encontrar-se em estado de imobilidade, a expressão do rosto parece
“empedernida”, tipo máscara.
Todas as figuras diferem entre si, obedecendo a uma geometrização
radical, que por lado impõe às proporções naturais as suas próprias
regras, deformando-as à sua livre vontade, fundindo-as nitidamente
com um plano de fundo também talhado a “pique”.
A falta de modelação dos corpos através de luz e sombra e a
combinação dos vários ângulos de visão no quadro provocam, além
disso, um obscurecer do espaço.
Nesta tela, Picasso expressa a sua revolta contra toda a arte
Ocidental com génese na Renascença, a qual representava a beleza
da mulher e deu expressão a uma nova era da arte denominada
“Cubismo”, resultado da sua vivência e do contacto com outros
tipos de arte, nomeadamente: as esculturas ibéricas e africanas,
cujas formas arcaicas o artista foi modificando até atingir a
geometrização rigorosa e, por fim, deformação radical.
Picasso - As Meninas d’Avignon – 1907. Óleo sobre tela.

43. O Surrealismo foi um movimento artístico e literário surgido primeiramente em Paris dos anos 20,
inserido no contexto das vanguardas que viriam a definir o modernismo no período entre as duas
Grandes Guerras Mundiais.
Fortemente influenciado pelas teorias psicanalíticas de Sigmund Freud, mas também pelo Marxismo,
o surrealismo enfatiza o papel do inconsciente na actividade criativa.
Um dos seus objectivos foi produzir uma arte que, segundo o movimento, estava sendo destruída
pelo racionalismo. O poeta e crítico André Breton é o principal líder e mentor deste movimento.
René Magritte. Gonconda. 1953.
óleo sobre tela.

44. Um dos principais manifestos do movimento é o Manifesto Surrealista de 1924. Além de Breton seus
representantes mais conhecidos são Antonin Artaud no teatro, Luis Buñuel no cinema e Max Ernst, René
Magritte e Salvador Dalí no campo das artes plásticas.
André Breton

45. O SURREALISMO foi por excelência
a corrente artística moderna da
representação do irracional e do
subconsciente.
A livre associação e a análise dos
sonhos, ambos métodos da psicanálise
freudiana, transformaram-se nos
procedimentos básicos do surrealismo,
embora aplicados a seu modo.
Por meio do automatismo, ou seja,Por meio do automatismo, ou seja,
qualquer forma de expressão em que a
mente não exercesse nenhum tipo de
controle, os surrealistas
tentavam representar, seja por meio de
formas abstractas ou figurativas
simbólicas, as imagens da realidade
mais profunda do ser humano:
o subconsciente.
Max Ernst. O elefante Celebes, 1921.óleo sobre tela.

46. Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, 1º Marquês de Dalí de Púbol (1904 —1989), conhecido
apenas como Salvador Dalí, foi um importante pintor catalão, conhecido pelo seu trabalho surrealista. O trabalho
de Dalí chama a atenção pela incrível combinação de imagens bizarras, oníricas, com excelente qualidade plástica.
Dalí foi influenciado pelos mestres do Renascimento. Salvador Dalí teve também trabalhos artísticos no cinema,
escultura, e fotografia. Ele colaborou com a Walt Disney no curta de animação Destino, que foi lançado
postumamente em 2003 e, ao lado de Alfred Hitchcock, no filme Spellbound.Também foi autor de poemas dentro
da mesma linha surrealista.
Dalí insistiu em sua "linhagem árabe", alegando que os seus antepassados eram descendentes de mouros que
ocuparam o sul da Espanha por quase 800 anos, e atribui a isso o seu amor de tudo o que é excessivo e dourado,
sua paixão pelo luxo e seu amor oriental por roupas. Tinha uma reconhecida tendência a atitudes e realizações
extravagantes destinadas a chamar a atenção, o que por vezes aborrecia aqueles que apreciavam a sua arte, já que
sua forma de estar teatral e excêntrica tendia a eclipsar o seu trabalho artístico.
-
Angelus. ca.1932. Óleo sobre madeira

47. Esta pintura traduz o interesse do pintor pelas
conquistas da ciência moderna, cruzando
teorias mais abstractas de física,
nomeadamente a relatividade de Einstein, que
colocou em causa a ideia de espaço e tempo
fixos, com as pesquisas de Freud relativamente
ao inconsciente e à importância dos fenómenos
dos sonhos. A duplicidade de sentido das
imagens e as inúmeras interpretações que
promovem assim como a tendência para a
Na tela encontram-se representados três relógios que marcam diferentes horas tendo como fundo a paisagem de Porto Lligat, localizado no norte de
Espanha, (memória de infância de Dali). Segundo o próprio autor, a solução formal dos relógios derivam de um queijo camembert que Dali se
encontrava a observar enquanto pintava. As suas formas sensuais têm uma evidente conotação sexual, nomeadamente o que se encontra no centro
do quadro, estendido sobre uma pedra que simula o retrato do artista.
Dali via os relógios como instrumentos normalizados e exactos que traduziam de forma objectiva a passagem do tempo. O facto de os dotar de formas
orgânicas remete-os para o universo de prazer, recordando a dimensão fugidía do tempo e o sentido de ambiguidade que a evolução temporal
introduz pelo cruzamento da percepção da realidade com a casualidade e inexplicabilidade da memória.
Dali. A persistência da memória. 1931. Óleo. sobre tela
promovem assim como a tendência para a
criação de cenas absurdas repletas de signos
indecifráveis, levaram a Dali a designar esta
forma de arte de crítica paranóica, em tudo
oposta a uma visão racional do mundo.
De um ponto de vista técnico, esta pintura,
assim como grande parte das criações de Dali,
perseguem um enorme virtuosismo e
meticulosidade no desenho das formas e na
representação dos pormenores, com objectivo
de obter atmosferas dotadas de grande
realismo, daí o frequente alinhamento desta
fase criativa com o grupo dos surrealistas
ilusionistas ou veristas.
Contém uma grande quantidade de referências
de carácter historicista, particularmente as
referentes à pintura maneirista ou à enigmática
e fantástica obra do flamengo Jerónimo Bosch.

48. Marc Chagall (1887 —1985) O estilo romântico e alegórico é típico de Marc Chagall. As suas obras
são visões místicas e sonhadoras, repletas de símbolos e referências à educação judaica tradicional
que Chagall recebeu na Rússia. A natureza da grande maioria das suas obras é indefinível,
enigmática, remetendo para o mundo dos sonhos e do subconsciente. Tendo vivido em Paris entre
1910 e 1914, foi inicialmente influenciado pelo Cubismo, mas manteve um estilo único, desafiando a
categorização da sua obra em qualquer movimento artístico. Foi um artista incrivelmente prolífero e
talentoso, produzindo vitrais, mosaicos, tapeçarias e cenários, além da sua extensa obra de pintura.
Calvário, 1912. Óleo sobre tela

49. É o facto do protagonista masculino estar
contorcido que faz com que prestemos mais
atenção a este quadro. É esta forma estranha que
serve agarrar a atenção do observador, e que faz
com que se olhe com mais atenção aos
pormenores.
Este é uma das imagens mais famosas de Chagall e
que mais emociona os observadores. As formas
são bonitas e interessantes, e a composição é
dinâmica.
Chagall pintou os detalhes com cuidado:
sementes de melancia no aparador, as rendas na
cortina azul, os cobertores exóticos indianos na
cama. A cara do homem é pouco definida, criando
movimento e emoção.
Esta pintura é admirada pelo que revela sobre
o relacionamento do casal. É o seu aniversário ela
Esta pintura foi inspirada por eventos da vida do artista. Talvez uma memória da
infância de seus pais, ou talvez de um auto-retrato de Chagall e de uma amiga.
Uma coisa é certa, esta imagem teve um impacto profundo no subconsciente do
artista, que é evidente nos pormenores de toda a cena. Reparem no intricado
desenho da colcha pendurada acima da cama, e no sombreamento complexo
usado na parede traseira.
o relacionamento do casal. É o seu aniversário ela
segura nas flores. Ela vai numa direcção e ele
noutra, como mostram os seus pés. Ele acabou de
lhe dar as flores e estava prestes a ir-se embora
quando algo lhe disse que as flores não eram
suficientes. Ela ficaria triste neste aniversário se ele
não fizesse algo mais e por isso ele deve agir
rapidamente. A parte tocante é que ele consegue
estar à altura da ocasião, pula no ar para beijá-la,
mesmo a tempo. Faz literalmente acrobacias para
provar quanto a ama.
Há uma outra interpretação desta pintura: a
mulher está num funeral e o seu amante é um
espírito que volta para visitá-la. Podem escolher a
vossa interpretação.
Chagall. O aniversário. 1915. Óleo sobre cartão

50. A arte Abstracta ou abstraccionismo é geralmente entendida como uma forma de arte que não representa
objectos próprios da nossa realidade concreta exterior. Ao invés disso, usa as relações formais entre cores, linhas e
superfícies para compor a realidade da obra, de uma maneira "não representacional". Surge a partir das
experiências das vanguardas europeias, que recusam a herança renascentista das academias de arte, em outras
palavras, a estética greco-romana.
No início do século XX, antes que os artistas atingissem a abstracção absoluta, o termo também foi usado para se referir a escolas como
o cubismo e o futurismo que, ainda que fossem representativas e figurativas, buscavam sintetizar os elementos da realidade natural,
resultando em obras que fugiam à simples imitação daquilo que era "concreto".
Max Ernst. Desenho ao natural
1947. óleo sobre tela

51. O abstraccionismo divide-se em duas
tendências:
Abstraccionismo lírico ou sensível-
predominam os sentimentos e emoções.
As cores e as formas são criadas livremente.
Na Alemanha surge o movimento
denominado "Der blaue Reiter" (O Cavaleiro
Azul) cujos fundadores são os Kandinsky,
Franz Marc entre outros.
Uma arte abstracta, que coloca na cor e
forma a sua expressividade maior. Estes
artistas aprofundam-se em pesquisas
cromáticas, conseguindo variações espaciaiscromáticas, conseguindo variações espaciais
e formais na pintura, através das tonalidades
e matizes obtidos. Eles querem um
expressionismo abstracto, sensível e emotivo.
Com a forma, a cor e alinha, o artista é livre
para expressar seus sentimentos interiores,
sem relacioná-los a lembrança do mundo
exterior. Estes elementos da composição
devem Ter uma unidade e harmonia, tal qual
uma obra musical.
Franz Marc. Formas Lutando. 1914 óleo sobre tela.

52. Abstraccionismo geométrico-
Também chamado de Neoplasticismo, o seu
criador e principal teórico foi Piet Mondrian.
Onde as cores e as formas são organizadas de
maneira que a composição resulte apenas na
expressão de uma concepção geométrica. O
resultado são linhas verticais e horizontais e
cores puras (vermelho, azul e amarelo). O
ângulo recto é o símbolo do movimento,
sendo rigorosamente aplicado à arquitectura.
Piet Mondrian. Composição A. 1920. óleo sobre tela.

53. Wassily Kandinsky (1866-1944) - É em
1895 que, de visita a uma exposição em
Moscovo sobre o Impressionismo francês, vê
um quadro de Monet que o interessa,
provocando-lhe a vontade de pintar – contudo,
deseja pintar obras que exprimam alguma
coisa. De facto, é esta necessidade interior de
expressar as suas percepções emocionais que o
levam ao desenvolvimento de um estilo de
pintura abstracto, baseado em propriedades
não-representativas de cor e forma – a
abstracção sensível.
Executa a sua primeira aguarela enquanto
primeiro pintor abstracto e teórico de arte não
figurativa, em 1910. Influenciado pelofigurativa, em 1910. Influenciado pelo
impressionismo de Monet e pelo romantismo
da música de Wagner, faz a apologia da força da
cor, em que cada tela é “o teatro da cor”.
Claramente espiritualista, tece a sua busca
pictórica em torno da procura do próprio
conteúdo da arte, da sua essência, da sua alma.
As referências ao mundo exterior são,
deliberadamente, inexistentes.
Mais do que pintor, teoriza sobre a pintura,
sobre o seu objectivo, sobre as suas sensações.
Para Kandinsky, o objectivo da pintura é,
precisamente, “encontrar a vida, tornar
perceptíveis as suas pulsações, estabelecer as
leis que as regem.”
-
Sons contrastantes. 1924. Óleo sobre cartão

54. O quadro é dividido em dois pelas linhas pretas verticais no centro, sugerindo-nos dois quadros distintos: à esquerda, linhas que se
cruzam de forma violenta, profusa; à direita, a supremacia das cores conjugadas numa harmonia de formas.
Este turbilhão de cores e formas provoca o espectador, fazendo-o reagir (emocionalmente) perante a obra.
No entanto, ainda que tudo pareça abstracto, apenas apelativo aos sentidos, a verdade é que os dois traços centrais pretendem ser
armas seguras por Cossacos, perto de uma montanha azul, encimada por um castelo.
Assim, primeiro há o aspecto emocional, desprovido de quaisquer considerações representacionais. Depois, a percepção destas
características representativas leva o espectador do nível emocional para o nível intelectual: “Luta dos sons, equilíbrio perdido, princípio
vencido, o rufar inopinado dos tambores, grandes interrogações, aspirações sem objectivo visível, impulsos aparentemente incoerentes,
cadeias quebradas, laços desfeitos e atados num único laço, contrastes e contradições, é esta a nossa harmonia.”
Kandinsky. Composição IV. 1911. Óleo sobre tela

55. Action Painting ou pintura de acção gestual,
criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a
1950 faz parte da Arte Abstracta Americana.
JACKSON POLLOCK (1912-1956), pintor
americano, introduziu nova modalidade na
técnica, gotejando (dripping) as tintas que
escorrem de recipientes furados
intencionalmente, numa execução veloz, com
gestos bruscos e impetuosos, borrifando,
manchando, pintando a superfície escolhida
com resultados extraordinários e fantásticos,
algumas vezes realizada diante do público.
Desenvolveu pesquisas sobre pintura
aromática. Nos últimos trabalhos nessa linha, o
artista usou materiais como pregos, conchas eartista usou materiais como pregos, conchas e
pedaços de tela, misturavam-se às camadas de
tinta para dar relevo à textura. Usou
freqüentemente tintas industriais, muitas delas
usadas na pintura de automóveis.
Características da Pintura:
- Compreensão da pintura como meio de
emoções intensas.
- Execução cheia de violenta agressividade,
espontaneidade e automatismo.
- Destruição dos meios tradicionais de execução
-pincéis, trincha, espátulas, etc.
- Técnica: pintura directa na parede ou no chão,
em telas enormes, utilizando tinta à óleo, pasta
espessa de areia, vidro moído.
Fosforescência.1947. Óleo, esmalte e tinta para alumínio sobre tela

56. A Pop Arte tem raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp, e começou a tomar forma no final da década de 1950,
quando alguns artistas, após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos,
passaram a transformá-los em tema de suas obras.
Representavam, assim, os componentes mais ostensivos da cultura popular, de poderosa influência na vida
quotidiana na segunda metade do século XX.
Era a volta a uma arte figurativa, em oposição ao expressionismo abstracto que dominava a cena estética desde o
final da segunda guerra.
A sua iconografia era a da televisão, da fotografia, da banda desenhada, do cinema e da publicidade.
Roy Lichtenstein. Rapariga afogando-se. 1963. Óleo
e acrílico sobre tela

57. Os artistas inspiraram–se nas imagens de
publicidade, nas revistas, na televisão e
na banda desenhada.
Qualquer objecto do dia a dia poderia
servir para criar arte: conjuntos de latas
de conserva ou de refrigerante foram
transformados em obras de arte.
Usando como materiais principais, tinta
acrílica, ilustrações e designs, usando
como materiais, usando como materiais
principais, tinta acrílica, poliéster, látex,
produtos com cores intensas, brilhantes
principais, tinta acrílica, poliéster, látex,
produtos com cores intensas, brilhantes
e vibrantes, reproduzindo objetos do
cotidiano em tamanho
consideravelmente grande,
transformando o real em hiper-real.
A intenção dos artistas pop foi a de
porem em causa a distinção rígida entre
arte erudita e arte popular, ao mesmo
tempo que o faziam com humor e alegria
Questionaram os próprios limites da arte
Andy Warhol, Latas de sopa Campbell', 1968.
Acrílico e liquitex, serigrafía sobre tela

58. Andy Warhol (1927-1987).
Ele foi figura mais conhecida e mais controversa
da pop art.
Warhol mostrou a sua concepção da produção
mecânica da imagem em substituição ao
trabalho manual numa série de retratos de
ídolos da música popular e do cinema, como
Elvis Presley e Marilyn Monroe.
Warhol entendia as personalidades públicas
como figuras impessoais e vazias, apesar da
ascensão social e da celebridade.
Da mesma forma, e usando sobretudo a técnica
de serigrafia, destacou a impessoalidade do
objecto produzido em massa para o consumo,
como garrafas de Coca-Cola, as latas de sopacomo garrafas de Coca-Cola, as latas de sopa
Campbell, automóveis, crucifixos e dinheiro.
Produziu filmes e discos de um grupo musical,
(Velvet Underground), incentivou o trabalho de
outros artistas e uma revista mensal.
Warhol. Marilyn. 1964. Serigrafía sobre tela

59. A expressão Op-arte vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”.
Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um
mundo precário e instável, que se modifica a cada instante.
Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950, a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente
lento. Ela não tem o ímpeto actual e o apelo emocional da Pop Art; em comparação, parece excessivamente
cerebral e sistemática, mais próxima das ciências do que das humanidades. Por outro lado, suas possibilidades
parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia.
Bridget Riley. Blaze 1. 1962. Emulsão em prancha

60. Victor Vassarely (1908-1997 ) –
criou a plástica cinética que se
fundamenta em pesquisas e
experiências dos fenómenos de
percepção óptica.
As suas composições compõem-se de
diferentes figuras geométricas, a preto
e branco ou coloridas.
São engenhosamente combinadas, de
modo a que através de constantes
excitações ou acomodações retinianas
(da retina) provocam sensações de
velocidade e sugestões de dinamismo,
que se modificam desde que o
contemplador mude de posição.contemplador mude de posição.
O geometrismo da composição, ao qual
não são estranhos efeitos luminosos,
mesmo quando em preto e branco,
parece obedecer a duas finalidades:
sugerir facilidades de racionalização
para a produção mecânica ou para a
multiplicidade, como diz o artista; por
outro lado, solicitar ou exigir a
participação activa do contemplador
para que a composição se realize
completamente como "obra aberta".
Vassarely. Vega-Nor. 1969. Óleo sobre tela