O documento resume as principais características da pintura barroca na Itália, incluindo seus precursores Caravaggio e Carracci. Destaca o realismo e uso da luz e sombra por Caravaggio e a ênfase na emoção de Carracci. Também discute a arquitetura, escultura e outros aspectos do período barroco.

1. BARROCO
Barroco na Península Itálica

2. 1- PINTURA BARROCA
Podemos estudar e compreender a pintura desse período, com seus grandes mestres
e obras de impacto para história da arte.
A pintura assim como as outras linguagens, utiliza-se do movimento, do drama e do
domínio da luz.
CARACTERÍSTICAS GERAIS:
- surgiu na Itália;
- correspondeu ao período da Contrarreforma, feita pela igreja católica em reação
à reforma protestante (protestantismo, por Martinho Lutero na Alemanha) que
propunha a cada nação se libertar da submissão ao Papa;
- a Contrarreforma organizou e fortaleceu a igreja através dos Concílios e das
grandes ordens religiosas;
- a reação do catolicismo provoca mudanças políticas, econômicas, sociais e
culturais por toda a Europa;
- a igreja católica preocupou-se em conseguir o maior número de adesões aos
valores espirituais, e utilizou a arte para atingir seus objetivos.
Comecemos com os precursores deste período, Caravaggio e Carracci.

3. BARROCO ITALIANO-ROMA
Caravaggio
Michelângelo Merici, conhecido por Caravaggio, enfrentou a
humanidade de frente, mesmo em suas obras religiosas. Seus
personagens apresentam características reais, belas, feias,
agradáveis ou desagradáveis, como podemos verna obra A MORTE DA
VIRGEM, que fora encomendada pelos carmelitas e posteriormente,
recusada por ser considerada indecorosa.
A alegação vem do fato de o artista ter representado a virgem como
um cadáver normal, partindo do pressuposto de que Maria, sendo
humana, morreria da maneira como retratou.

4. Michelangelo Merisi da Caravaggio
(1571 – 1610)
Milão/Itália.Foi um pintor
italiano atuante
em Roma, Nápoles, Malta e Sicília,
entre 1593 e 1610.
Caravaggio era o nome da aldeia
natal da sua família e foi escolhido
como seu nome artístico.

6. A MORTE DA VIRGEM, 1605-6, 370X244, Musei do Louvre, Paris

7. Caravaggio usa de modo dramático a luz que incide sob a virgem, dando destaque ao que importa
na obra.

8. Tal qual na Biblia, Tomé coloca o
dedo na ferida de Cristo e
Caravaggio assim o representa de
forma impressionante. O artista
buscava a verdade, nada era
idealizado, tanto que nesta obra,
diferente de outras obras religiosas,
Cristo e seus discípulos são
retratados com feições leves e
plácidas, ele se assemelham a
trabalhadores normais, como
pessoas que envelhecem, que
caminham sobre o sol, que sofrem,
ou seja, humanas.

9. A incredulidade de São Tomé, O INCRÉDULO (1602-3) óleo sobre tela, 107X146cm,
Sanssouci, Potsdam, Alemanha.

10. CABEÇA DE MEDUSA, Caravaggio óleo sobre
tela, 60X55cm.
A obra faz uma analogia como o modus
pensanti barroco: as dúvidas e os conflitos
são representados pelos tentáculos que saem
da cabeça atormentada da figura.
Caravaggio retrata personagens bíblicos,
baseando-se em pessoas comuns que
encontrava na rua;
-Colocava o foco das imagens nos rostos dos
personagens;
-Usava efeitos de sobra e luz;
-Pintava o fundo de suas obras de cores
escuras, principalmente de cor preta. Este
recurso dava um aspecto obscuro em suas
pinturas;
-Usava um forte realismo em suas pinturas.

11. Narciso (1594-96)

12. Bacchus(Baco) (1593-1594)

13. A FLAGELAÇÃO DE
CRISTO, 1607,Museu de
Belas Artes, França.
compôs uma
coreografia com
contraste de claro-
escuro, onde cristo se
apresenta num
movimento de total
abandono.

14. O TOCADOR DE
ALAÚDE (1596),
óleo sobre tela,
94cmX1,19m,
Museu Hermitage,
Leningrado.

15. O PEQUENO BACO DOENTE
(1593-1594)oléo sobre tela,
66x52cm/Galeria Borghese,
Roma, Itália)

16. Ceia em Emaús, óleo e têmpera sobre tela/Caravaggio(1601)141X175M. Pinacoteca di Brera,
Milão. (pág:131)

17. Concerto de Jovens ou
Os Músicos.
1595.
óleo sobre tela. 87,9 x
115,9 cm.
Nova York, Museu
Metropolitan, EUA.

18. Jovem com cesta de
frutas
óleo sobre tela, 1595,
70x 67 cm
Galleria Borghese,
Roma.

19. O amor vitorioso. 1602 - 1603.
óleo sobre tela. 156 x 113 cm.
Gemäldegalerie, Berlin.
Caravaggio mostra o Cupido por
sobre todos os poderes terrenos:
guerra, música, ciência, governo.

20. Vocação de São
Matheus. 1599.
3,15 m X 3,15 m.
Igreja de São Luís dos
Franceses, Roma.
(pag:136)

21. A conversão de São Paulo a caminho
de Damasco
óleo sobre tela, 1600, 230x175 cm
Santa Maria del Popolo, Roma.

22. Rejeitada: 1602 | Óleo
sobre tela | 232cm x 183cm
destruída durante a 2ª
guerra mundial

23. 2ª versão:A primeira versão foi recusada pela
representação do santo e do anjo ser considerada
muito vulgar, fora do decoro teológico, pois os
personagens se apresentam muito reais, e a cena
sugere que São Mateus é um homem rústico e
iletrado, como se o anjo guiasse a escrita do texto
revelado ao simplório homem. A obra original foi
destruída em 1945, na queda de Berlim, quando da
derrota alemã na Segunda Guerra Mundial.
Anteriormente estava no Kaiser-Friedrich-Museum,
Gemäldegalerie. Há apenas registros desta obra em
fotografias em livros do início do século XX. Na
segunda versão, o anjo recuou e, em lugar de
segurar familiarmente na mão do santo para guiá-la,
apenas gesticula. São Mateus, por sua vez, é
representado com traços mais gentis, é dotado de
certa nobreza, e até mesmo ganha uma auréola,
signo de sua santidade. Contudo Caravaggio foi ainda
criticado por "não saber" representar anjos a voar e
por pintá-los como "acrobatas"

24. Carracci
Annibale Carracci foi criador de um projeto grandioso e
complexo, assim como a Capela Sistina de Michelangelo, o
afresco no teto da Galeria Farnese. Nele usou a perspectiva
arquitetônica, pintando elementos da arquitetura(o que oferece
uma sensação de amplidão).O teto mostra várias cenas
mitológicas ligadas ao amor. Agostino Carracci irmão mais velho
de Annibale e Ludovico Carracci primo e responsável pela
Academia dos iniciantes onde estudaram importantes artistas
barrocos no início dos anos 1580 em Bolonha na Itália.

25. PALAZZO FARNESE

26. BACO

27. Ao contrario de
Caravaggio, Annibale
Carracci faz uso da
idealidade, porém de
forma sutil. Sua
principal
preocupação era o
sentimento existente
na obra, a qual era
criada para
contemplação.
PIETÁ

28. A FUGA PARA EGITO.
Note que Carracci também inicia a tradição da paisagem clássica, explorando a paisagem, como
aconteceu na arquitetura, em que o encontro faz parte da composição, dando a ela a importância
na narrativa da obra

29. O Juízo Final/ (1536-1541) afresco de Michelangelo para capela Sistina, Vaticano. 13,7m
X 12,2m. (pag:132)

36. Pintado por Michelangelo na capela Sistina, o afresco maneirista revela, na intensidade
expressiva e no vigor das figuras, características que anunciam um novo estilo, em que a emoção
se sobrepões à razão.

37. -A emoção predomina sobre a razão;
-efeito teatral;
-valorização das emoções;
-presente em todas as linguagens artísticas (música,
pintura, escultura, literatura, arquitetura);
-usada para exaltar o triunfo da religião;
-estilo sustentado pelas classes dominantes;
-possui diferentes variações estilísticas;

38. Jacopo Robustiera, conhecido como TINTORETTO,
(Veneza, 1518 -1594-76 anos) foi um dos pintores
mais radicais do Maneirismo. Por sua energia
fenomenal em pintar, era chamado ”O Furioso”, e
sua dramática utilização da perspectiva e dos
efeitos da luz que fez dele um dos precursores
do Barroco. Seu pai, Battista Comin,
era tintore (tingia seda), o que lhe valeu o apelido.
(pag:134)

39. Cristo na casa de
Marta e Maria
TINTORETTO - 1578
Óleo sobre tela, 197 x
129 cm
Alte Pinakothek,
Munique, Alemanha.

40. Reencontro do corpo de São
Marcos.
TINTORETTO -1562
Pinacoteca de Brera Milão
400 x 400 cm

41. Vênus e Vulcano.
TINTORETTO -1555
óleo sobre tela.
Alte Pinakothek.
Munique, Espanha.

42. Andrea Pozzo (1642-1709)
Arquiteto e crítico de arte
italiano, Pozzo nasceu em Trento
a 30 de novembro de 1642 e
morreu em Viena a 31 de agosto
de 1709 com 67 anos.
Foi muito conhecido por seus
grandiosos afrescos usando a
técnica ilusória chamada
QUADRATURA, na qual a
arquitetura e fantasia se
misturam.
Religioso - Jesuíta italiano

43. A glória de Santo Inácio.
1691-94
Andrea Pozzo.
Igreja de Santo Inácio
Roma.(Pág. 137)

44. Apoteose de Hércules, salão
nobre do Palácio
Liechtenstein em Viena.

45. Alegoria da Obra
Missionária dos
Jesuítas. 1691.
Roma

46. CÂMARA LÚCIDA
(...)Em algum momento do século XVI, as lentes convencionais adquiriram tamanho e qualidade
suficientes para substituir o espelho côncavo, trazendo a grande vantagem de um campo de
visão mais amplo. Caravaggio é o mestre dessa transição e a história documenta espelhos em
meio aos pertences do mestre italiano. Além disso, Caravaggio tinha como patrono o cardeal
Del Monte, notável conhecedor de assuntos ópticos (chegou a orientar Galileu sobre o
aperfeiçoamento do telescópio).
Hockney acredita que, por volta de 1590, Caravaggio recebeu sua primeira lente do cardeal. Ao
contrário da lente-espelho, a lente convencional produz imagens invertidas. Não é estranho,
portanto, que começassem a aparecer canhotos nas obras dos artistas. Homens erguendo seus
copos e suas espadas com a mão esquerda. Para Hockney, um claro sinal do uso das lentes
invertendo as imagens.
A luz desempenha um papel muito importante para os efeitos ópticos. Nas obras de Caravaggio
e depois nas do espanhol Velázquez, e em muitos outros artistas. Hockney observa como a
iluminação é forte e claramente artificial. Os ambientes retratados são escuros. Aposentos com
as janelas fechadas recebem iluminação de uma única fonte, cuidadosamente montada de
acordo com a cena a ser retratada. Mais do que uma fonte de luz, uma necessidade para que os
fenômenos ópticos pudessem ser utilizados pelos artistas.

49. Curiosidade...
LIVRO
O Conhecimento Secreto
David Hockney, Cosac & Naify, 2001.
Explica como artistas do porte de Caravaggio, Velázquez e Van Eyck usaram
espelhos e lentes para ajudá-los na criação de suas obras-primas.

50. ARQUITETURA NO PERÍODO BARROCO
IGREJA E PALÁCIO- DEUS E REI
A arquitetura nos países católicos ganhou maior expressividade. As igrejas
destacavam-se pela beleza dos ornamentos, pela suntuosidade e pelo
movimento. Nada era simples, tudo era bem organizado e disposto para criar
uma composição majestosa.
Para conseguir diferentes efeitos visuais, eram usadas curvas, contracurvas,
elementos retorcidos e em espirais, colunas torsas, teto elevado, além do uso da
pintura e da escultura.
Bernini-Vaticano
Bernini foi responsável por uma das composições mais bem-sucedidas da
história: A piazza de San Pietro, no Vaticano, onde desenvolveu a colunata,
modificando toda a estrutura visual da Basílica de São Pedro.

51. Vista interna da cúpula da basílica de
São Pedro de Roma (1564-1590), no
Vaticano
131 metros de altura. (pag:133)

52. Cúpula da Basílica de São Pedro
Projeto de Michelangelo (1546)
Diâmetro: 42m
Altura: aprox. 50m
(140m da base da estrutura)

53. ESCULTURA BARROCA
PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS:
- Dinamismo;
- Monumentalidade;
- Expressividade;
- Naturalismo;
- Dramaticidade;
-Luz e sombra;
-Torção dos corpos/sensualidade;
-Temas bíblicos e dramáticos;
-Bernini é o grande escultor desse
período.
GIAN LORENZO BERNINI
Nápoles, 1598 - Roma, 1680. Bernini foi um
artista completo, pois foi urbanista, escultor,
decorador e pintor.

54. Baldaquino
(BERNINI)
(1624-1633, 9
anos)
30 m de altura
Feito em
bronze
Basílica de São
Pedro.
Vaticano.
(Pág.138)

57. Êxtase de Santa
Tereza. Bernini.
1645-52.
Mármore, bronze
dourado. Altura 350
cm. Igreja Santa
Maria della Vittória.
Roma.
(Pág. 139)

58. - O Êxtase de Santa Tereza
Teresa... - disse-lhe a voz do ser iluminado que lhe aparecia à frente.
- Chegou a minha hora senhor?
- Não, venho aqui para encher o teu vazio, já o tens sentido à algum tempo. Deus ouviu as tuas preces e
encarregou-se de me enviar para te ajudar.
Teresa, um pouco incrédula com a situação, esfregou os olhos para tentar acordar daquilo que só podia ser um
sonho, mas não resultou, o ser iluminado ainda se encontrava à sua frente.
- E como pensas encher o meu vazio?
- Deus entregou-me esta lança para que possa satisfazer o teu mais eterno desejo.
Teresa não sabia o que pensar, só quis fechar os olhos e rezar, e entregar-se à sua morte. O Anjo, apontou para
o seu ventre, e lançou a lança. Contudo, Teresa não sentiu o seu ventre a ser trespassado mas sim a sua zona
sagrada, que reservara toda a sua vida para servir Deus quando o momento fosse o certo.
A sua primeira ideia foi que a sua santidade e pureza estava a ser violada, mas por um servo do seu Senhor, a
seu pedido, tal como ele lhe tinha dito, para satisfazer os seus desejos mais íntimos. E quando finalmente se
apercebeu, reparou que esses desejos estavam a ser mesmo realizados. O ato durou algum tempo, e no fim ela
sentia-se como que rejuvenescida, o seu vazio tinha sido preenchido, e logo por um ser iluminado, um Anjo, um
servo do seu Deus. Ela levantou-se para o agradecer, mas já ele tinha partido, então deitou-se e deixou-se
adormecer.
Na manhã seguinte, Teresa contou o seu encontro à Madre, que duvidando o sucedido decidiu viajar com ela
até ao Vaticano para poder confidenciar o "milagre" a alguém capaz de o compreender. O êxtase de Santa
Teresa, tornou-se um dos contos obscuros escondidos pela Igreja. Bernini revelou-o numa escultura,

62. Beata Ludovica Albertoni. Gian Lorenzo Bernini.1674. (Bernini tinha 71 anos quando começou e esta foi sua última
escultura).Mármore e jaspe. Comprimento 188 cm. Capela Alfieri, na Igreja de Francesco a Ripa. Roma.

65. O Rapto de
Proserpina
Bernini 1622
Detalhe da
obra.
Galeria
Borghese
Roma.

66. O Rapto de Proserpina
O mito romano do rapto de Proserpina por Plutão é uma lenda que também
aparece na cultura grega, onde Plutão se chama Hades e Proserpina é Perséfone,
que encantou o obscuro deus com sua beleza, filha da deusa das colheitas
Deméter. Ela é então raptada e levada para as profundezas da Terra, deixando
sua mãe enfurecida. O rapto fez com que Deméter castigasse o mundo, arrasando
com as plantações, entregando o mundo ao caos e à fome. Conta-se que Perséfone
não podia comer nada que lhe fosse oferecido ou ela nunca mais voltaria para
casa. Enquanto Zeus tentava convencer Plutão a liberar a moça, Perséfone comeu
algumas sementes de romã, selando o seu destino. Assim, ela se viu obrigada a
casar com Plutão, o que deixou Deméter ainda mais furiosa.
Zeus teria então interferido. Perséfone passaria metade do ano com o marido e a
outra metade com a mãe. Dessa maneira, Deméter aceitou e assim os gregos
explicavam as épocas do ano. Quando era verão e primavera, sua filha estava ao
seu lado. No inverno e no outono, épocas frias, sem colheitas, Perséfone estava
com o marido.

68. (Pág. 140)
Praça de São Pedro.
Vaticano.
Bernini. 1657- 1666.(9
anos). A colunata
circular tem 17m de
largura por 23m de
altura, é composta por
284 colunas, sobre as
colunas existem 162
estátuas de 2,70m de
altura

71. Sant'Agnes é uma igreja barroca do século XVII localizada
em Roma, na Itália. (Borromini)

72. Vista interna da
cúpula de San
Lorenzo, de
GUARINO GUARINI,
em Turim
(Pág:139)

76. Santa Maria della Pace ou da Paz
(Pietro da Cortona)foi iniciada em
1482 por ordem do papa Sisto IV e
término em 1657, 185 anos.
(pontificado de 1471 a 1484),
grato pelo tratado de paz
concluído com Milão e outras
cidades italianas.
Santa Maria dela
Pace. 1656.
PIETRO DE CORTONA.
Roma.

77. As Sibilas em Santa Maria della Pace - Roma
Raffael Sanzio. Roma. 1520.

81. Luís XIV considerava os
jardins tão importantes
quanto o Palácio em si.
Em 1661, encarregou o
arquiteto André Le Nôtre
(já célebre por seu trabalho
no Jardim de Tuileries e no
Castelo de Vaux-le-icomte)
de mais uma vez fazer
maravilhas.

82. O Palácio de Versalhes possui 2 153 janelas,4
67 escadas,5
352 chaminés,6
700 quartos, 1 250
lareiras e 700 de parque.3
É um dos lugares
mais visitados de França,3 7
recebe em média
oito milhões de turistas por ano.estação
ferroviária

86. Fonte de Apolo,
no jardim
do palácio de
Versalhes.Paris,
França.

87. O BARROCO FORA DA PENÍNSULA ITÁLICA
* Manifestou-se principalmente na pintura;
* Pintura naturalista que busca inspiração nos temas do
cotidiano das pessoas;
* As obras não estão presentes no interior das igrejas, devido
à influência da burguesia protestante e revoltada;
* O comércio da arte se restringia às mãos dos artistas e
livreiros que vendiam gravuras e pinturas;
* Os artistas viviam em circunstâncias miseráveis.

88. Peter Paul RUBENS
Nasceu na cidade de Siegen (Alemanha) em 28 de junho de 1577
e morte 30 de maio de 1640(62 anos). Fica conhecido pela elite
Italiana como acessível e simpático. Um dos seus estudantes e
ajudantes mais famosos foi o Anthony Van Dyck que logo se
tornaria o mais famoso retratista flamengo e um colaborador
frequente de Rubens.
A produção dos quadros obedecia a um esquema montado por ele,
segundo o qual ele realizava todos os primeiros esboços e
encarregava os aprendizes de montar um modelo em escala
menor, que era apresentado ao cliente. Se aprovado, Rubens
traçava a lápis na tela e os discípulos colocavam a cor e o óleo,
cabendo ao mestre de novo fazer a "arte final".

89. Em 1600, Rubens viajou para a Itália. Ele parou
primeiro em Veneza, onde ele viu as pinturas de
Ticiano, Veronese e Tintoretto, antes de assentar
em Mântua, na corte do duque Vincenzo I Gonzaga.
As cores e as composições de Veronese e
Tintoretto tiveram um efeito imediato sobre as
pinturas de Rubens e seu estilo posterior, mais
maduro, foi profundamente influenciado por
Ticiano. Com o apoio financeiro do duque, Rubens
viajou a Roma passando por Florença em 1601. Lá,
ele estudou grego clássico e a arte romana,
copiando obras dos mestres italianos. A escultura
helenística "Laocoonte e seus filhos" teve uma
influência especial sobre ele, assim como a arte de
Michelangelo, Rafael e Leonardo da Vinci5
. Ele
também foi influenciado pela recente e fortemente
naturalística obras de Caravaggio.

90. Estilo e principais características de suas obras
- valorizou a plasticidade da forma;
- pintou mulheres voluptuosas e corpulentas;
- Pintura de paisagens com valorizações das cores e
movimentos;
- cenas mitológicas;
- cenas dramáticas e paixão religiosa;
- composições dinâmicas.

91. RUBENS
O jardim do
amor.
1632-1634.
Óleo sobre tela.
1,98m x 2,83m
Museu do
Prado.
Madri
Espanha.

92. RUBENS
O rapto das filhas de Leucipo
1617.
Óleo sobre tela.
Antiga Pinacoteca.
Munique, Alemanha.

93. Em 1609 Rubens casa
com sua primeira
esposa Isabella Brant.
Oléo sobre madeira,
178X136,5.

94. Vênus no espelho(1615) Hélène Fourment embrulhada em peles ou Het Pelsken (1636-38). Em 1630 após a morte
de sua primeira esposa Rubens então com 53 anos, casa com a jovem Hélène de 16 anos de idade, 37 anos de
diferença e a inclui como modelo feminino em diversas obras.

96. O Julgamento de Paris. (1630, Museu do Prado Paris). Obra para a corte espanhola.

97. Peter Paul RUBENS
Helena Fourment com seu filho Francis.
1635.
Óleo sobre tela,146 x 102 cm
Alte Pinakothek, Munique, Alemanha.

98. Peter Paul RUBENS
A descida da cruz 1611/14.
Óleo sobre tela,420x 310 cm.
Catedral de Nossa Senhora.
Antuérpia, Bélgica.

99. Frans HALS
Nasceu em 1583 em Antuérpia
(Bélgica).
Foi um pintor naturalista belga. Ficou
famoso por retratar a sociedade dos
Países Baixos segundo uma estética
naturalista.
Só se conhece 300 e poucos de seus
quadros, todos pintados depois que
Frans Hals completou 30 anos de
idade. Mas é sem sombra de dúvida o
maior pintor holandês de retratos, até
hoje.

100. Frans HALS
(Pág:144)
Oficiais da
Guarda Civil de
Santo Adriano
em Haarlem.
1627.
Óleo sobre tela.
1,83 m x 2,83 m
Museu Frans
Hals.
Haarlem,
Holanda

101. Frans HALS
O alegre bebedor. (Pág:144)
1627/28.
Óleo sobre tela.
81,5 × 66,5
Rijksmuseum, Amsterdam.
Holanda.

102. Frans HALS
O retrato de Isaac Abrahamsz
1626.
Óleo sobre tela.
81,5 × 66,5
Galeria de arte de Ontário.
Toronto, Canadá.

103. REMBRANDT Harmenszoon Van Rijn.
Foi um importante pintor e gravador holandês. É
considerado um dos mais importantes pintores do
barroco europeu. Nasceu em 15 de julho de 1606
na cidade de Leiden e faleceu em Amsterdam em 4
de outubro de 1669 aos 63 anos.,É evidente a
influência de Pieter Lastman, que estudou com
Caravaggio em Roma por mais de 10 anos. Até o
século XIX (19), Rembrandt era mais famoso como
gravador do que como pintor. Isso porque não
considerava as gravuras um tipo inferior de arte, e
sim, outro tipo de se expressar, totalmente
diferente da pintura.

104. As Três Cruzes. Rembrandt
(1653, Tóquio e Museu
Nacional de Belas Artes,
Rio de Janeiro)

105. Os negociantes
de
Tecidos.
(Pág:142)
REMBRANDT
1662.
Óleo sobre tela.
1,91 m x 2,79 m
Museu Real de
Amsterdã.
Holanda.

106. A ronda noturna ( 1642, óleo
sobre tela, 379x453,5cm,
Rijksmuseum Amsterdã.
Esta técnica mostra um
contraste muito grande com a
iluminação da tela, o que
confere grande dramaticidade
às pinturas, que tinham
temática bíblica ou
mitológica.27
A movimentação
dos personagens retratados
também era muito carregada
de expressões intensas, o que
colaborava mais ainda na
dramaticidade da cena. As
pinturas eram menores, mas
riquíssimas em detalhes, como
vestimentas e joalheria.26

107. A segunda fase das obras começam por volta de 1640, onde Rembrandt utiliza com maior
profusão a monocrômica em tons dourados, uma influência clara de Caravaggio, um dos
primeiros grandes mestres do chiaroscuro, técnica com uma justaposição muito forte entre
luzes e sombras, cujo resultado final é um efeito visual impressionante, criada por Leonardo
Da Vinci.

108. A lição de
Anatomia do Dr.
Tulp.
Rembrandt 1632.
Óleo sobre tela.
169,5x 216,5 cm.
Haia. Holanda.

109. REMBRANDT
A lição de anatomia do
Dr. Joan Deyman, 1656
100 x 134 cm
Rijksmuseum,
Amsterdã.

110. REMBRANDT
Mulher no Banho 1654
61,8 X 47 cm
Galeria Nacional de Londres. Rembrandt
ficou muito famoso pela quantidade de
autorretratos que realizou, mais de 100 no
total, por 40 anos. As pinturas, foram
comparados somente aos que Vincent Van
Gogh fez de si mesmo, mais de 200 anos
depois. Sempre foi fiel ao rosto que
encontrava no espelho, tanto nos momentos
felizes quanto nos de desespero, onde
encarava as agruras da vida.38 39

111. A casa onde morou o
pintor, entre 1639 e 1660
(21 anos)foi estabelecido o
Museu Rembrandt em 1906,
após a casa ter sido
comprada pela Fundação
Rembrandt.

112. Johannes VERMEER
(1632 – 1675, 43 anos)
Pintor holandês, que também é
conhecido como Vermeer de
Delft ou Johannes van der Meer.
Vermeer viveu toda a sua vida na
sua terra natal - Delft. Depois de
Rembrandt Vermeer e o mais
importante pintor do século XVII.
Os seus quadros são
admirados pelas suas cores
transparentes, composições
inteligentes e brilhante com o
uso da luz.

113. Homem, mulher e vinho
(1658-61)
Conhecem-se hoje muito
poucos quadros de Vermeer.
Só sobrevivem 35 a 40
trabalhos atribuídos ao pintor
holandês.

114. Leitora à janela (1657-59) Mulher segurando uma balança(1665)

115. Moça com copo e vinho (1659-60) Oficial e moça sorridente (1658)

116. Vista de Delft
(1660-61)

117. A ruela(1657-58)

118. VERMEER
Moça com brinco de
pérola
(1665-1666)
Óleo sobre tela.
44,5 cm × 39 cm
Museu Mauritshuis, Haia.

119. VERMEER
Mulher lendo uma carta
1665.Óleo sobre tela.
46,5 cm × 39 cm

120. Diego Rodrigues da Silva y VELÁZQUEZ
(1599 —1660, 61 anos) Madrid.
Foi um pintor espanhol e principal artista
da corte do Rei Filipe IV de Espanha.
Era um artista individualista do período
barroco contemporâneo, importante como
um retratista.
Além de inúmeras interpretações de
cenas de significado histórico e cultural,
pintou inúmeros retratos da família real
espanhola.

121. Desde o primeiro quarto do século XIX, a obra de Velázquez foi um modelo para
os pintores realistas e impressionistas, em especial Édouard Manet que chegou a
afirmar que Velázquez era o "pintor dos pintores". Desde essa época, os artistas
mais modernos, incluindo os espanhóis Pablo Picasso1
e Salvador Dalí, bem como
o pintor irlandês Francis Bacon, que homenageou Velázquez recriando várias de
suas obras mais famosas.7
Em seus primeiros trabalhos é possível notar contraste entre zonas escuras e
zonas iluminadas por um único foco de luz, uma tentativa de ressaltar volumes e
relevos. Esta técnica era característica do tenebrismo e tinha como principal
artista Caravaggio, muito conhecido pelo seu sarcasmo.
Tenebrismo foi uma tendência pictórica nascida no Barroco que se perpetuou
irregularmente até o Romantismo. Seu nome deriva de tenebra (treva, em
latim), e é uma radicalização do princípio do chiaroscuro.
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122. A Velha cozinheira –
1618.
99 x 128 cm
Galeria Nacional da
Escócia Edimburgo.
No período de (1628-
29)conheceu o grande
mestre do barroco Peter
Paul Rubens, que
também era membro da
corte. Conhecer Rubens
motivou Velázquez a
pintar cenas mitológicas

123. As Meninas.
1656. (Pág:150)Óleo sobre tela.
Museu do Prado, Madri.
A composição contrasta o grupo circular
das figuras em cena e as linhas verticais
que tendem para cima. Igual contraste
se nota entre os fundos escuros e a luz
que envolve as figuras. A infanta
Margarida Maria é o centro ideal da
composição e em torno dela giram as
outras figuras, inclusive o próprio pintor.
A cena parece inesperada e espontânea,
a infanta e suas damas de honra o veem
pintar o rei e a rainha, vistos apenas
refletidos num espelho ao fundo apesar
da hierarquia calculada do conjunto,
com o artista em discreto segundo
plano. Em 1659 Velázquez adquire o
título de Cavaleiro da Ordem de
Santiago.

124. A pintura mostra um grande aposento no Real Alcázar de
Madrid durante o reinado do rei Filipe IV da Espanha,
mostrando várias figuras principalmente da corte espanhola
representadas, de acordo com alguns analistas, em um
momento específico como se em uma fotografia. Algumas
olham para fora do quadro em direção ao observador,
enquanto outras interagem entre si. A jovem infanta Margarida
Teresa está cercada por um séquito de damas de companhia,
chaperone, guarda-costas, dois anões e um cachorro. Pouco
atrás deles está o próprio Velázquez, trabalhando em uma
grande tela. O artista olha para longe, além do espaço
pictórico onde o observador da pintura estaria.2
Ao fundo está
um espelho que reflete o rei Filipe e a rainha Maria Ana. Eles
parecem estar colocados fora do espaço da pintura em uma
posição similar à do observador, apesar de alguns acadêmicos
especularem que suas imagens são o reflexo da pintura que
Velázquez esta pintando.

125. Vênus
olhando-se ao
espelho.
c. 1647–51.
Óleo sobre
tela.
122 cm x 177
cm
Galeria
Nacional de
Londres.

126. O aguadeiro de Sevilha”(1620
Museu Wellington, Londres).
Em 1649, Velázquez fez uma
segunda viagem à Itália para
comprar pinturas de Ticiano,
Tintoretto e Paolo Veronese e
esculturas e manter-se a par da
evolução da arte italiana. Lá em
Roma, ele pintou três quadros3
,
incluindo um do Papa Inocêncio X1
(pintura de 1650) notável pela sua
severidade3
e que tornou-se mais
tarde uma obsessão na obra de
Francis Bacon.1

127. Papa Inocêncio X.
1650.
Óleo sobre tela,Galeria Doria Pamphili.
Roma.

128. Estudo sobre a obra
Papa Inocêncio X, de Francis
Bacon, 1953