9. Klimt 7
Secession 12
A Fase de Ouro 26
Principais Obras 44
Art Déco e sua disseminação 46
10.
11. | 7
Gustav Klimt nasceu em Viena,
em 1862, em um menor famí-
lia de classe média de origem Morá-
via. Seu pai, Ernst Klimt, trabalhou
como um gravador e um ourives,
ganhando muito pouco, ea infância
do artista foi gasto em relativa po-
breza. O pintor teria que sustentar a
família financeiramente ao longo de
sua vida.
Em 1876, Klimt foi premiado com uma
bolsa para a Escola de Viena de Artes
e Ofícios (Kunstgewerbeschule), onde
estudou até 1883, e recebeu treina-
mento como um pintor de arquitetura.
Ele respeitava a história mais impor-
tante pintor da época, Hans Makart.
Klimt prontamente aceitou os princí-
pios de uma formação conservadora,
seus primeiros trabalhos podem ser
classificados como acadêmicos. Em
1877, seu irmão Ernst, que, como seu
pai, se tornaria um gravador, também
matriculado na escola. Os dois irmãos
e seu amigo Franz Matsch começaram
a trabalhar juntos, em 1880 haviam
recebido inúmeras comissões como
uma equipe que chamaram de “So-
ciedade dos Artistas”, e ajudou seu
professor em pintar murais no Museu
Kunsthistorisches de Viena.
Depois de terminar seus estudos, Kli-
mt abriu um estúdio em conjunto com
Matsch e Klimt Ernst. O trio especia-
lizado em decoração de interiores,
particularmente os cinemas. Já em
1880, eles eram famosos por sua ha-
bilidade e teatros decorados em todo
o Império Austro-Húngaro, e muito do
seu trabalho ainda pode ser visto lá.
Em 1885, eles foram contratados para
decorar retiro a Imperatriz Isabel do
país, o Hermes Villa perto de Viena
KLIMT
12. 8 |
(Dream uma Noite de Verão). Em 1886,
os pintores foram convidados para
decorar o Burgtheater de Viena, efe-
tivamente reconhecendo-os como o
principal dos decoradores da Áustria.
Obras que Klimt pintou para este pro-
jeto incluem o carrinho de Thespis, os
altares de Dionysosand Apollo eo Te-
atro de Taormina, bem como cenas do
Teatro Globe de Shakespeare.
Após a conclusão da obra em 1888, os
pintores foram premiados com o Gol-
den Service Cross (Verdienstkreuz), e
Klimt foi contratado para pintar o Au-
ditório do Burgtheater Velho, o traba-
lho que o levaria para o auge de sua
fama. Esta pintura, com sua precisão
quase fotográfica é considerada uma
das maiores conquistas da pintura
naturalista. Como resultado, Klimt
foi premiado com o Prêmio do Impe-
rador e tornou-se um retratista de
moda, bem como o artista principal
de seu dia. Paradoxalmente, foi neste
momento, com uma carreira fabulosa
como um pintor clássico desdobra-
mento antes dele, que Klimt começou
a virar para os novos estilos radicais
do Art Noveau.
Klimt com seu gato,
1910
Página seguinte:
O Velho Burgtheatre, 1888 - 1889
Gouache em papel
82 x 92 cm
14. 10 |
Nos próximos anos, o trio artístico
desmoronou. Franz Matsch queria
ramificar-se em pintura do retrato, o
que fez com algum sucesso. Enquanto
isso, o estilo mudando Gustav Klimt
tornou impossível para eles trabalha-
rem juntos em qualquer projeto. Além
disso, Ernst Klimt morreu em 1892,
logo após a morte de seu pai.
Atingido por esta dupla tragédia, Gus-
tav se retiraram da vida pública, com
foco na experimentação e do estudo
de estilos de arte contemporânea,
bem como estilos históricos que fo-
ram esquecidos dentro do estabeleci-
mento, como japonês, chinês, egípcio
antigo e arte micênica. Em 1893, ele
começou a trabalhar em sua última
comissão pública: a pinturas Filoso-
fia, Medicina e Jurisprudência, para a
Universidade de Viena. Os três só se-
ria concluída no início de 1900, e que
iria ser criticado severamente por
seu estilo radical e que foi, de acor-
do com os costumes da época, lascí-
via. Infelizmente, as pinturas foram
destruídas durante a Segunda Guerra
Mundial e apenas em preto-e-branco
reproduções deles permanecem.
O pintor não estava sozinho em sua
oposição ao estabelecimento austrí-
aco artístico da época. Em 1897, ele,
juntamente com quarenta outros no-
táveis artistas vienenses, demitiu-
-se da Academia de Artes e fundou a
“União de Pintores da Áustria”, mais
comumente conhecido como Seces-
são. Klimt foi imediatamente eleito
presidente. Enquanto a União não
tinham objetivos claramente defi-
nidos ou suporte para estilos parti-
culares, foi contra o estabelecimen-
to classicista, que se encontrava
a ser opressivo.
Composição pintada de Medicina
(detalhe), 1887 - 1888
15. | 11
Filosofia (reprodução), 1899 - 1907
Óleo sobre tela
430 x 300 cm
Medicina (reprodução), 1900 - 1907
Óleo sobre tela
430 x 300 cm
Jurisprudência (reprodução), 1903 - 1907
Óleo sobre tela
430 x 300 cm
16. 12 |
SECESSION
Designação comum aos movi-
mentos de vanguarda que mar-
caram a vida artística e cultural dos
países de língua alemã a partir dos
últimos anos da década de 1890.
Em fins do século XIX, a modernidade
definiu-se a partir de uma ruptura
com a história: o novo, o inovador,
dominou as artes decorativas, a ar-
quitetura, as artes plásticas.
A palavra Secession (corte, ruptura) foi
adotada para designar grupos indepen-
dentes de artistas de vanguarda. Na Ale-
manha houve a Secession de Munique e
a Secession de Berlim, a de maior reper-
cussão foi a de Viena, Áustria. Esta teve
origem na reação de alguns jovens artis-
tas ao domínio da arte oficial, nessa ci-
dade predominantemente conservadora.
Arquitetos, pintores, desenhistas e
artistas gráficos reuniram-se, tendo
como líder Gustav Klimt, pintor já cai-
to pela sociedade vienense mas que
emergia para essa nova fase.
Para marcar significativamente esse
movimento, é erguida uma sede no
centro de Viena, marcadamente revo-
lucionária, com linhas simples ren-
egando o estilo historicista, coroada
por uma bela cúpula de bronze renda-
do, com detalhes em folhas de louro e
frutas. Na sua fachada lê-se a frase
que será a divisa do grupo: “Ao tempo,
sua arte, à arte, sua liberdade“.
As primeiras exposições, veicula-
das por cartazes com alta quali-
dade gráfica (muitos de autoria de
Klimt), exibem trabalhos não apenas
de artistas austríacos mas também
de outros artistas contemporâneos
como por exemplo Rodin e Mucha,
dentre outros. As exposições de 1900
e 1902 dedicaram-se especialmente
às artes aplicadas.
Divulga-se a obra de Van de Velde
e Asbee e da Escola de Glasgow.
Machintosh e sua esposa apresen-
tam novidades em decoração de inte-
riores, projetando toda a decoração
de um quarto.
Os vienenses ficam altamente bem
impressionados com tudo de novo que
havia surgido. O movimento, apesar
17. | 13
de ter alguns artistas com tendências
ainda no estilo Art Nouveau, estrutur-
ou-se essencialmente à arquitetura e
ao design de concepções mais despo-
jadas, com menos ornatos.
Na Secession Vienense, há uma re-
beldia tanto contra o academicismo
como contra a “natureza“. Instituiu-
-se uma nova linha decorativa, com
caráter gráfico, enxuta e requintada,
afastada da linguagem pujante do
Art Nouveau, abrindo as portas para
um novo e importante movimento:
o Art Déco, disseminado logo após a
I Guerrra Mundial (essa denomina-
ção, Art Déco, síntese da expressão
arte decorativa, foi divulgada apenas
na década de 1960, quando o movi-
mento foi redescoberto).
Pôster para a Primeira Exibição do
Movimento Artístico da Secession,
1898
Litografia
63,5 x 46,9cm
20. 18 |
The Beethoven Frieze (detalhe),
1902 (data de conclusão)
Ao lado, a pintura completa em seu
ambiente original (The Österreichische
Galerie Belvedere, Vienna, Austria)
Pintura Casein, Pintura a ouro, giz
preto e branco, grafite.
34,14 x 2,15 m
22. 20 |
Em 1902, Klimt terminou a Frieze Be-
ethoven para a exposição de Viena 14
separatistas, que se destinava a ser
uma celebração do compositor.Volta-
do para a exposição, apenas o friso foi
pintado diretamente sobre as paredes
com materiais leves. Após a exposi-
ção a pintura foi preservada, apesar
de não ir em exibição até 1986.
Durante este período de Klimt não se
limitou a encomendas públicas. A par-
tir de finais de 1890 ele tomou férias
anuais de verão com a família Flöge
nas margens do Attersee e pintou
muitas de suas paisagens lá. Klimt
foi amplamente interessado em pin-
tar figuras, essas obras constituem o
único gênero de lado a partir da figu-
ra de pintura. Pinturas Klimt Attersee
são de um número e qualidade, de
modo a merecer uma apreciação se-
parada. Formalmente, as paisagens
são caracterizadas pelo refinamento
do design e da mesma padronização
enfático quanto as peças figurativas.
Espaço profundo no Attersee obras é
tão eficiente achatada a um único pla-
no, acredita-se que Klimt pintou-os,
olhando através de um telescópio.
Ao lado:
Litzlberg on Lake Attersee, 1914
Óleo sobre tela
110 x 110 cm
26. 26 |
Klimt “Fase de Ouro” foi marca-
da pela reação da crítica positi-
va e sucesso. Muitas de suas pinturas
desse período utilizado folha de ouro,
o uso proeminente de ouro pode pri-
meiro ser rastreada até Palas Atena
(1898) e eu Judith (1901), embora as
suas obras mais popularmente asso-
ciados a este período são o retrato de
Adele Bloch- Bauer I (1907) e O Beijo
(1907-1908). Klimt viajou pouco, mas
viagens a Veneza e Ravena, ambos fa-
mosos por seus belos mosaicos, pro-
vavelmente inspirou a sua técnica de
ouro e seu imaginário Bizantino. Em
1904, ele colaborou com outros artis-
tas no luxuoso Palácio Stoclet, a casa
de um rico industrial belga, que era
um dos mais grandiosos monumentos
da era Art Nouveau. Contribuições de
Klimt para a sala de jantar, incluindo
tanto Fulfillment e expectativa , foram
alguns dos seus melhores trabalhos
decorativos, e como ele declarou pu-
blicamente “, provavelmente o último
estágio do meu desenvolvimento de
ornamento”. Entre 1907 e 1909, Klimt
pintou cinco telas de mulheres da so-
ciedade envolvidos na pele. Seu amor
aparente de fantasia está expressa
nas muitas fotografias de roupas de
modelagem Flöge que ele projetou.
Enquanto ele trabalhava e descontra-
ído em sua casa, Klimt normalmente
usava sandálias e uma túnica longa,
sem roupas íntimas. Sua vida simples
foi um pouco enclausurado, dedicado
à sua arte e da família e pouco mais,
exceto o movimento separatista, e evi-
tou a sociedade café e outros artistas
socialmente. Fama de Klimt normal-
mente trouxe clientes à sua porta, e ele
podia dar ao luxo de ser altamente se-
letivo. Seu método de pintura era mui-
to deliberada e meticulosa, por vezes,
e ele precisava de sessões longas por
seus súditos. Embora muito ativo se-
xualmente, ele manteve seus negócios
discreta e evitou escândalo pessoal.
Em 1910, Klimt tinha movido o passado
de seu estilo de Ouro. Uma de suas úl-
timas fotos em que o estilo era Morte
e Vida (1908-1910). Em 1911, a pintura
foi mostrado na Exposição Internacio-
nal em Roma, onde ganhou o primeiro
lugar. No entanto, o artista estava in-
satisfeito com o trabalho, e em 1912,
ele mudou o fundo de ouro e azul.
A FASE DE OURO
35. | 43
Em 1915 sua mãe Anna morreu. Klimt
morreu três anos mais tarde em Viena,
em 06 de fevereiro de 1918, tendo sofrido
um derrame e pneumonia. Ele foi enter-
rado no Cemitério Hietzing em Viena. Vá-
rios quadros foram deixados inacabados.
Pinturas de Klimt trouxeram alguns
dos mais altos preços verificados para
as diversas obras de arte. Em 2006, o
retrato de 1907, Adele Bloch-Bauer I,
foi comprado para a Neue Galerie, em
Nova York por Ronald Lauder por um
relatou EUA $ 135 milhões, superan-
do Boy Picasso de 1905 com Cachimbo
(vendido 5 de maio de 2004 por US $
104 milhões), como o preço mais alto
relatado já pago por uma pintura.
Trabalho de Klimt é muitas vezes dis-
tinguido pelo ouro elegante ou decora-
ção colorida, espirais e redemoinhos, e
formas fálicas utilizados para esconder
as posições mais eróticas dos desenhos
em que muitas de suas pinturas são ba-
seadas. Isto pode ser visto na Judith I
(1901), e em The Kiss (1907-1908), e es-
pecialmente em Danaë (1907). Um dos
temas Klimt mais comum utilizada foi a
de a mulher dominante, a femme fatale.
Os historiadores da arte, note uma
gama eclética de influências que con-
tribuem para estilo distinto de Klimt,
incluindo Egito, Minoan, grego clás-
sico e inspirações bizantinos. Klimt
foi também inspirada nas gravuras
de Albrecht Dürer, pintura medieval
europeu, e da escola Rimpa japonês.
Seus trabalhos maduros são caracte-
rizados por uma rejeição de anterio-
res estilos naturalistas, e fazer uso
de símbolos ou elementos simbólicos
para transmitir idéias psicológicas e
enfatizar a “liberdade” da arte da cul-
tura tradicional.
Retrato de Adele Bloch-Bauer I
(detalhe), 1907
À esquerda, detalhe de O Beijo, 1908
36. 44 |
Klimt primeiro alcançou aclamação
como um pintor acadêmico conven-
cional, e recebeu muitas encomen-
das para pintar prédios públicos.
Mais tarde, ele abandonou o realis-
mo, e da abordagem ao assunto his-
tórico, que eram característicos do
século 19. No entanto, seu interesse
pelas possibilidades decorativas da
pintura poderia ser visto como típi-
co do amor do período de grandeza
e de elaboração. Também pode ser
interpretado como uma tentativa de
reconciliar o natural e o artificial,
uma preocupação típica do século
19, como a tecnologia moderna co-
meçou a transformar o mundo para
além do reconhecimento.
Enquanto alguns dos contemporâ-
neos de Klimt foram se opuseram
vigorosamente à decoração, Klimt
foi certamente expoente de maior
destaque do período. Ele acreditava
firmemente na igualdade de arte e
decoração, e alguns de seus traba-
lhos mostra a sua ambição de criar
um Gesamtkunstwerk (“obra de arte
total”), uma união das artes visuais
que podem ser criados através de
GUSTAV KLIMT
Principais obras
ornamento. Ele também estava inti-
mamente associada com a Werkstät-
te Wiener, o estúdio de design que
trabalhou para melhorar a qualidade
dos objetos do cotidiano.
Klimt foi um dos expoentes mais in-
fluentes da Art Nouveau, o movimen-
to que se espalhou pela Europa no
final do século 19. Sua abordagem
foi inspirada na atmosfera etérea de
obras de artistas como Aubrey Be-
ardsley, e por alguns aspectos da
técnica impressionista, era também
decididamente eclética, emprestan-
do motivos da arte bizantina, grega
e egípcia.
Apesar de sua arte é agora mui-
to popular, foi negligenciada por
boa parte do século 20, e provocou
a oposição em seu próprio dia, en-
frentando acusações de obscenida-
de e objeções à sua abordagem li-
geiramente alusiva ao simbolismo.
Seu tratamento de temas eróticos
era geralmente delicada e velada
em seus quadros, mas seus dese-
nhos deu plena expressão ao seu
apetite sexual considerável.
38. 46 |
ART DÉCO
E sua disseminação
Seus valores estéticos firmaram-
-se durante a “Exposição de Ar-
tes Decorativas e Industriais“, realiza-
da em Paris, em 1925. Nos anos que
se seguem, o movimento esteve no
seu apogeu na Europa e na América.
Na época o movimento foi designado
apenas de “estilo moderno“, assim
como se falava “pintura moderna“ ou
literatura “moderna”.
Os norte-americanos acolhem e ab-
sorvem as inovações dessa expo-
sição em Paris mas, já em 1929, a
exposição do Metropolitan Museum
de Nova Yorque, organizada por
Eero Saarinen, indica outra verten-
te e encouraja a criação de novas
fórmulas menos elitistas do que as
nascidas na Europa, próprias para a
vida contemporânea e a criação em
maior escala. O Art Déco dessa épo-
ca apresenta a convivência de uma
cadeira esculpida na Madeira quan-
to uma de estrutura tubular; um pai-
nel figurativo de laca quanto tapetes
de linhas abstratas; um móvel sofi-
ticado com incrustações quanto uma
chaise longue de linhas simples e de
altamente confortável.
A partir dos anos vinte, já é nítido na
decoração de interiores de que o que
veste uma casa deve ser projetado
nos mínimos detalhes. Em paralelo,
as próprias pessoas, com seus novos
hábitos e seu novo vestir, inseriam-se
nesse “espírito moderno”. De uma
joia de Cartier, a um alto edifício de
Nova Yorque, de um acessório de ba-
nheiro ao desenho de um carro, tudo
foi marcado por essa nova mentalida-
de, representada também na publici-
dade, nas fotografias e no cinema.
No Brasil, intelectuais e artistas,
emergindo do meio conservador aca-
dêmico introduzem na nossa arte
traços genuinamente nacionais: em
1922, realiza-se em São Paulo a “Se-
mana de Arte Moderna”, e o movi-
mento modernista ganha impulso nos
anos que se seguem.
O Art Déco está atrelado a essa fase:
depois de 1930, começa a se alterar
a fisionomia urbana das principais
cidades do país e são erguidos os
primeiros prédios residenciais (no
Rio de Janeiro ainda existem interes-
santes construções Art Déco e no Rio
39. | 47
e em São Paulo começa-se a visua-
lizar o recorte dos “arranha-céus“).
Concomitantemente, as teorias da
arquitetura funcional vão ganhando
adeptos nos meios de vanguarda, en-
dossando o vigor e purismo dos ensi-
namentos da Bauhaus.
Retrato de Ria Munk III, 1918
Óleo sobre tela
180 x 128 cm
Um dos últimos trabalhos de Klimt,
poucos anos antes do auge do Art Déco.
40. 48 |
CIP-BRASIL. CATALOGAÇÃO-NA-FONTE
SINDICATO NACIONAL DOS EDITORES DE LIVROS, RJ
C321m
Costa, Amanda
Gustav Klimt: Trabalho e Vida / Amanda Costa, Nair de Paula Soares;
[ilustrações originais]. - Rio de Janeiro : ARTWAY :
COSAC NAIFY, 2011.
288p. : 31 cm
Inclui bibliografia
ISBN 978-85-65249-00-3
1. Gustav Klimt. 2. Secession. 3. Art Déco.
11-7601. CDD: 726.7098153
CDU: 726:27-523.6(815.3)
16.11.11 21.11.11 031364
41. | 49
Nair de Paula Soares
Nair de Paula Soares
Amanda Costa
Nair de Paula Soares
Nair de Paula Soares
Amanda Costa
Amanda Costa
Nair de Paula Soares
Amanda Costa
Amanda Costa
Amanda Costa
Amanda Costa
Nair de Paula Soares
Enio Miller
Sensum
Sensum
Coordenação geral
Consultoria editorial
Pesquisa
Colaboradores de pesquisa
Colaboradores da pesquisa inicial
Projeto Gráfico
Conceituação
Desenvolvimento
Paginação
Tratamento de imagens
Designers colaboradores
Produção Executiva
Pré-impressão e impressão
42. Produzido em Papel Couché 180g.
Foram utilizadas as famílias tipográficas
DIN e Medusa.
Capa montada em Papel Paraná revestida
em Papel Couchê 150g impresso.
