O documento discute vários estilos e movimentos artísticos contemporâneos e históricos. Ele descreve as características da arte contemporânea, como buscar comunicação direta com o público e valorizar mais o conceito do que o objeto final. Também lista alguns artistas importantes de cada estilo, como Andy Warhol para a Pop Art e Hélio Oiticica para a arte brasileira.

1. ARTE COMPENPORÂNEA
Característica estabelecer comunicação direta com o público e buscar a
percepção do observador.
Os artistas, a partir deste princípio e apoiados no avanço da globalização, das
novas tecnologias e mídias, passaram a enxergar novos meios de se expressar
artisticamente.
Valoriza mais o conceito, a atitude e a ideia da obra do que necessariamente o
objeto final. A intenção é refletir de modo subjetivo sobre a peça artística, não
apenas contempla-la pela sua natureza estética.
Principais artistas da arte contemporânea: Andy Warhol; Jean-Michel Basquiat;
Marina Abramović.
Principais artistas brasileiros: Hélio Oiticica; Romero Brito; Ferreira Gullar;
Amilcar de Castro; Lygia Clark; Cildo Meirelles.

2. Pop Art
Cores vivas e a alteração do formato das coisas inusitadas
e massificadas pela publicidade. Esses símbolos eram
ironizados de modo a constituir uma crítica implícita ao
excesso de consumo da sociedade capitalista
Andy Warhol tornou-se o representante mais conhecido
da Pop Art no Mundo. São exemplos Marilyn Monroe,
Michael Jackson e Elvis Presley.
No Brasil: Romero Britto
Arte Efêmera
Dura apenas por um curto período de tempo.
Vik Muniz

4. Arte Conceitual
Pautada nos conceitos, reflexões e ideias, em
detrimento da própria estética (aparência) da arte.
Atitude mental é o mais relevante.
O termo “arte conceitual” foi utilizado pela primeira
vez pelo artista, escritor e filósofo estadunidense
Henry Flynt, em 1961, durante as práticas do Grupo
Fluxus. O Grupo Fluxus foi um movimento que reuniu
artistas em todo o mundo e tinha como base fazer
oposição à comercialização da arte.
Ready mades (já feito)

5. • Arte Urbana / Street Art
Espaços públicos urbanos. A arte urbana
representa o encontro da vida com a arte, pois a
fusão de ambas se dá naturalmente, na medida
em que o ser humano vive e se desloca pela
cidade.
Grafite; Stencil; Poemas Urbanos; Arte em
adesivos (Sticker Art); Cartazes "lambe-lambe“;
Estátuas Vivas; Apresentações de Rua

6. Performance
Desempenho em uma exibição” ou “evento geralmente
improvisado em que o(s) artista(s) se apresenta(m) por conta
própria
Op art
Baseado em recursos visuais,
sobretudo na ilusão de ótica

7. Instalação
• A Instalação é uma forma de arte que utiliza
a ampliação de ambientes que são
transformados em cenários do tamanho de
uma sala. Pintura, escultura e outros
materiais são usados conjuntamente para
ativar o espaço arquitetônico. O espectador
participa ativamente da obra e, portanto,
não se comporta somente como apreciador.
Body Art
Uso do corpo como suporte e intervenção para a realização do
trabalho artístico. "obra viva"

8. Tomie Ohtake, que apresenta a
influência da arte japonesa com o
mundo contemporâneo que está
em constante movimento
Manabu Mabe, considerado o melhor pintor
durante a 5ª Bienal de São Paulo (1959)

9. Expressionismo
Edvard Munch é considerado o precursor do
Expressionismo, tendo influenciado essa
corrente artística com suas obras impactantes e
cheias de carga emocional. Valorização do
universo psicológico, sobretudo de sentimentos
densos, como a angústia e solidão; temas
sombrios, trágicos.
Sua obra mais importante é O Grito
As pinturas de Van Gogh foram precursoras deste movimento
de expressão nítida da visão do artista ao perceber uma
realidade

10. Fauvismo (Selvagens, feras)
• Colorido brutal (contraste) as
pinceladas violentas e definitivas,
irrealidade na correspondência das
cores da realidade com a
representação e a pintura por manchas
largas, na formação de grandes planos.
• Vincent Van Gogh, Paul Gauguin,
Georges Braque, Paul Cézanne, Henri
Matisse,
Futurismo
Rompimento com a arte e a cultura do passado, celebrando o
progresso e a tecnologia moderna, a vida urbana, a velocidade
e a energia ao ponto de, os mais extremos, exaltarem as armas
e a violência.
Umberto BoccioniL, Giacomo Balla

11. Abstracionismo Expressivo/Informal
ou lirico
Sentimentalismo, a intuição e maior
liberdade artística. O maior
representante dessa vertente foi,
sem dúvida, o artista russo,
Kandinsky.
Abstracionismo Geométrico
Influenciada pelo cubismo e o futurismo, essa vertente
está pautada na geometria das formas e no racionalismo.
O maior representante dessa tendência foi o pintor
holandês Mondrian.
Abstracionismo ou Arte abstrata
Uso de formas simples, cores e linhas.
Representação da realidade é feita de maneira
desconstruída
Não representam objetos próprios da realidade. Não é
concreto. É o que só existe na ideia, no conceito. Em
filosofia, abstrato é toda representação que não
corresponde a nenhum dado sensorial ou conceito. É
aquilo que é de compreensão difícil.

12. O cubismo foi fundado em Paris, através do renomado
artista espanhol Pablo Picasso (1881 - 1973) e do francês
Georges Braque (1882 - 1963).
‘’Les demoisellers d’Avignon” (ou “As Senhoritas de Avignon.
Utilização de formas geométricas para retratar a natureza
Cubismo analítico (PURO)
Forte influência da arte africana
Difícil interpretação, onde as figuras são
decompostas, através do uso de diversas
formas geométricas

13. Cubismo sintético (1913 - 1914)
A grande característica desta fase foi a
introdução da técnica de colagem para
reconstruir as imagens que outrora eram
decompostas. Por isso, esse período também é
conhecido como "cubismo de colagem".

14. Dadaísmo
Significa “cavalinho de pau” ou “brinquedo de criança”.
Falta de sentido/ Anarquismo e niilismo/ Caráter irônico, radical, destrutivo, agressivo e pessimista/ Crítica ao consumismo e ao
capitalismo/ Antirracional
Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Max Ernst
Esses integrantes e outros propunham uma arte de protesto que chocasse e provocasse a sociedade burguesa da época. Suas
obras visuais e literárias baseavam-se no acaso, no caos, na desordem e em objetos e elementos de pouco valor, desconstruindo
conceitos da arte tradicional.
ready-mades (JÁ PRONTO)

15. Surrealismo
Originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo
da sociedade ocidental. Os princípios surrealistas são
apresentados, entre eles a isenção da lógica e a adoração
de uma realidade superior, chamada "maravilhosa“.
Pensamento livre; expressividade espontânea; influência
das teorias da psicanálise; criação de uma "realidade
paralela"; criação de cenas irreais; valorização do
inconsciente.
O surrealismo propõe a valorização da fantasia, da loucura
e a utilização da reação automática. Nessa perspectiva, o
artista deve deixar-se levar pelo impulso, registrando tudo
o que lhe vier à mente, sem se preocupar com a lógica.
Os artistas surrealistas tinham como objetivo usar o
potencial do subconsciente e dos sonhos como fonte para
a criação de imagens fantásticas.
O estudo da psicanálise estava em desenvolvimento -
sobretudo por Sigmund Freud - o que veio a influenciar
significativamente o surrealismo.

16. • Max Ernst inventou a técnica
frottage, palavra que em francês
significa "friccionar".
O artista usou também a decalcomania, em que se coloca a
tinta em superfícies como vidro ou metal e pressiona-se sobre
um apoio de tela ou de papel. As formas resultantes eram então
trabalhadas criativamente.

17. René Magritte
Passou a trabalhar com imagens que, à primeira
vista, pareciam convencionais, mas às quais dava
um caráter bizarro por sobreposições.
Joan Miró
Embora baseado em desenhos feitos em estado de
alucinação, sua composição é altamente organizada
através da intervenção do controle consciente.

18. Salvador Dali
Dalí interessava-se por condições mentais anormais e, em
particular, por alucinações. Suas estranhas imagens eram
retratadas de modo que se assemelhavam à fotografia em
cores.

19. Modernismo no Brasil
O modernismo no Brasil teve como
marco inicial a Semana de Arte
Moderna, em 1922, momento marcado
pela efervescência de novas ideias e
modelos. O modernismo foi um
movimento cultural, artístico e literário
da primeira metade do século XX.
Os artistas que se destacam e que eram
conhecidos como grupo dos cinco são
Tarsila do Amaral, Anita Malfatti, Mário
de Andrade, Oswald de Andrade e
Menotti Del Picchia. A arte também se transforma e passa a exercer cada vez mais
um papel contestador, expressando de alguma forma as
incertezas e dilemas da contemporaneidade.

21. Modernismo no Brasil pós Semana de 22
• O momento político do Brasil fez com que aquele humor (apresentado na Semana de 22) fosse
substituído por uma apreensão e análise de valores. Os modernistas rompem com o academicismo,
principalmente com as influências da Europa.
• Nesse período, acontece uma série de mudanças. O Brasil começa a se tornar um país urbano; a
economia passa a ser não só agrária, mas também industrial; acontece um dos maiores movimentos
de migração demográfica do Nordeste para o Sudeste; a política adotada torna-se o populismo de
Getúlio Vargas – e por aí, vai.
• Os artistas em destaque são Cândido Portinari, Anita Malfatti e Tarsila do Amaral.
• Entre os principais aspectos, libertação estética, informalidade, valorização da cultura nacional,
liberdade de expressão, linguagem popular e coloquial, humor e irreverência.
• O resgate da identidade nacional, como forma de libertação da influência da arte estrangeira,
buscava representar com originalidade a cultura brasileira

22. Antropofagia é a ação de comer carne humana, o que
entre humanos é também conhecido como canibalismo. A
antropofagia era praticada em rituais esotéricos como
forma de quem come incorporar as qualidades do indivíduo
que é comido, como a bravura e a coragem de um guerreiro
derrotado.
Este mesmo conceito de incorporar as qualidades foi o
ponto de partida para o chamado Movimento
Antropofágico, ou Antropofagia Cultural, manifestação
artística modernista no Brasil que teve como principal obra
o Abaporu, de Tarsila do Amaral, quadro de 1928.
O termo antropofagia vem da junção das palavras gregas
anthropo, que significa homem, phagía, que é comer.

23. O Manifesto Antropofágico, ou Antropófago, foi publicado por
Oswald de Andrade na Revista de Antropofagia, em 1928,
durante o movimento modernista no Brasil.
O texto em formato de manifesto foi inspirado pelo Manifesto
Futurista, do italiano Felippo Tomaso Marinetti, e toma como
ponto de partida o quadro Abaporu, de Tarsila do Amaral.
O conceito de antropofágico aqui diz respeito à "deglutinação"
dos estilos e modelos internacionais para produção de algo
totalmente novo e com a cara do Brasil, e combatia o
eurocentrismo da arte.
No Brasil, a Arte Moderna foi vivenciada em três fases.
Primeira fase (1922-1930): etapa heroica, com
busca pela renovação estética.
Segunda fase (1930-1945): etapa de consolidação,
marcada por nacionalismo, regionalismo e obras de
ficção.
Terceira fase (1945-1980): também chamada de
pós-modernismo, é caracterizada pela diversidade
na prosa urbana, intimista e regionalista.

24. Esse é o período mais radical do Modernismo que também foi influenciado por outros grupos:
Pau-Brasil (1924-1925);
Verde-amarelismo ou Escola da Anta (1916-1929);
Manifesto Regionalista (1928-1929).
O Movimento Pau-Brasil é um entre os movimentos modernistas - que tomou lugar na Primeira Fase do
Modernismo no Brasil, conhecida como a “Fase Heroica”, fase que apresentou diferentes formas de abordagem
patriótica.
Este movimento teve início em 1924 a partir da publicação do livro “Pau-Brasil”, da autoria de Oswald de Andrade
(1890 -1954) e ilustração da sua esposa, a artista plástica Tarsila do Amaral (1886 -1973).
O Movimento do Pau-Brasil é um movimento nativista, que defendia a poesia brasileira de exportação. Tal como
o pau-brasil foi o primeiro produto brasileiro a ser exportado, Oswald de Andrade desejava que a poesia brasileira
se tornasse um produto cultural de exportação; daí a escolha do nome do movimento.
O primitivismo é a principal característica desse movimento, em que o patriotismo enveredou por caminhos de
valorização do passado histórico brasileiro.
São características do Movimento do Pau-Brasil:
 Revisão crítica do passado histórico
 Abandono do academicismo
 Valorização da identidade nacional
 Originalidade
 Linguagem coloquial e humorada

25. O Manifesto Regionalista de 1926 é um dentre os manifestos
publicados na Primeira Fase do Modernismo no Brasil (1922-
1930).
Embora chamado de manifesto, este foi, na verdade, um
conjunto de declarações que foram feitas pelo Grupo
modernista-regionalista de Recife. À semelhança de outros
grupos, ele era formado por escritores em virtude das
opiniões concordantes acerca da renovação cultural que
estava sendo vivida no nosso país.
O grupo modernista-regionalista de Recife era liderado pelo
destacado sociólogo pernambucano Gilberto Freyre (1900-
1987).
Essas declarações foram apresentadas no "1.º Congresso
Regionalista do Nordeste". Em suma, seu conteúdo,
expressava a necessidade de restituir a cultura regional
nordestina, e por esse motivo, o manifesto recebe esse nome.
Dessa valorização da cultura regional, surgem brilhantes
nomes a partir de 1930. São eles: Graciliano Ramos, José Lins
do Rego, José Américo de Almeida, Rachel de Queiroz, Jorge
Amado, Érico Veríssimo e Marques Rebelo.
Em 1930, tem início a Segunda Fase do Modernismo no Brasil,
a chamada Fase de Consolidação. Nesse momento, os
modernistas alcançam grande êxito e se destacaram
especialmente na poesia, bem como no romance.
Movimento Verde-Amarelo ou Movimento Verde-
Amarelismo é um grupo que surgiu na primeira fase do
Modernismo e foi constituído por Menotti del Picchia
(1892-1988), Plínio Salgado (1895-1988), Guilherme de
Almeida (1890-1969) e Cassiano Ricardo (1895-1974).
Movimento Verde-Amarelo defendia o patriotismo em
excesso e teve clara tendência nazifascista. Em 1927 o
Movimento Verde-Amarelo transformou-se na Escola da
Anta, ou Grupo Anta e, em 1928 é a vez de Oswald de
Andrade, em parceria com Tarsila do Amaral (1886-
1973) e Raul Bopp (1898-1984), lançarem o movimento
Antropofagia.
Ufanismo é a característica que melhor define o
movimento da Escola da Anta. Trata-se de uma
exaltação do Brasil e, ao mesmo tempo, hostilidade às
proveniências estrangeiras. A ideologia fascista -
baseada no racismo - também estava presente nesse
manifesto.
A Escola da Anta recebeu esse nome como
representação da nacionalidade brasileira, dado o
contexto mítico desse animal na cultura tupi - principal
tribo indígena brasileira.

26. A Semana de Arte Moderna foi uma manifestação artístico-cultural
que ocorreu no Teatro Municipal de São Paulo entre os dias 11 a 18
de fevereiro de 1922.
O evento reuniu diversas apresentações de dança, música, recital de
poesias, exposição de obras - pintura e escultura - e palestras.
Os artistas envolvidos propunham uma nova visão de arte, a partir de
uma estética inovadora inspirada nas vanguardas europeias.
Juntos, eles visavam uma renovação social e artística no país e que
foi deflagrada pela "Semana de 22".
O evento chocou grande parte da população e trouxe à tona uma
nova visão sobre os processos artísticos, bem como a apresentação
de uma arte “mais brasileira”.
Houve um rompimento com a arte acadêmica, inaugurando assim,
uma revolução estética e o Movimento Modernista no Brasil.
Mário de Andrade foi uma das figuras centrais e principal articulador
da Semana de Arte Moderna de 22. Ele esteve ao lado de outros
organizadores: o escritor Oswald de Andrade e o artista plástico Di
Cavalcanti.

27. Características da Semana de Arte Moderna
Uma vez que o intuito principal desses artistas era chocar o público e trazer à tona outras maneiras de sentir, ver e fruir a arte,
as características desse momento foram:
Ausência de formalismo; Ruptura com academicismo e tradicionalismo; Crítica ao modelo parnasiano; Influência das
vanguardas artísticas europeias (futurismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo, expressionismo); Valorização da identidade e
cultura brasileira; Fusão de influências externas aos elementos brasileiros; Experimentações estéticas; Liberdade de
expressão;
Aproximação da linguagem oral, com utilização da linguagem coloquial e vulgar; Temáticas nacionalistas e cotidianas.
Para Di Cavalcante, a semana de arte:
Seria uma semana de escândalos literários e artísticos, de meter os estribos na barriga da burguesiazinha paulista.
O evento foi inaugurado pela palestra do escritor Graça Aranha: “A emoção estética da Arte Moderna”; seguido de
apresentações musicais e exposições artísticas. O evento estava cheio e foi uma noite relativamente tranquila.
No segundo dia, houve apresentação musical, palestra do escritor e artista plástico Menotti del Picchia, e a leitura do poema
“Os Sapos” de Manuel Bandeira.
Ronald de Carvalho fez a leitura, pois Bandeira encontrava-se em uma crise de tuberculose. Nesse poema, a crítica à poesia
parnasiana era severa, o que causou indignação do público, muitas vaias, sons de latidos e relinchos.
Por fim, no terceiro dia, o teatro estava mais vazio. Houve uma apresentação musical com mistura de instrumentos, exibida
pelo carioca Villa Lobos.
Nesse dia, o músico subiu ao palco vestindo casaca e calçando em um pé sapato e no outro um chinelo. O público vaiou
pensando que se tratasse de uma atitude afrontosa, mas depois foi explicado que o artista estava com um calo no pé.

28. A crítica ao movimento foi severa, as pessoas ficaram desconfortáveis com tais apresentações e não conseguiram
compreender a nova proposta de arte. Os artistas envolvidos chegaram a ser comparados aos doentes mentais e loucos.
Com isso, ficou claro que faltava uma preparação da população para a recepção de tais modelos artísticos.
Monteiro Lobato foi um dos escritores que atacou com veemência as ações da Semana de 22.
Anteriormente, ele já havia publicado um artigo criticando as obras de Anita Malfatti, em uma exposição da pintora realizada
em 1917.
‘’Há duas espécies de artistas. Uma composta dos que vêem normalmente as coisas (..) A outra espécie é formada pelos que
vêem anormalmente a natureza e interpretam-na à luz de teorias efêmeras, sob a sugestão estrábica de escolas rebeldes,
surgidas cá e lá como furúnculos da cultura excessiva. (...) Embora eles se dêem como novos, precursores de uma arte a vir,
nada é mais velho do que a arte anormal ou teratológica: nasceu com a paranóia e com a mistificação(...) Essas
considerações são provocadas pela exposição da senhora Malfatti onde se notam acentuadíssimas tendências para uma
atitude estética forçada no sentido das extravagâncias de Picasso e companhia.’’

29. Diversos grupos de artistas se reuniam com o intuito de
disseminar esse novo modelo. Destacam-se:
Revista Klaxon (1922)
Revista Estética (1924)
Movimento Pau-Brasil (1924)
Movimento Verde-Amarelo (1924)
A Revista (1925)
Manifesto Regionalista (1926)
Terra Roxa (1927)
Outras Terras (1927)
Revista de Antropofagia (1928)
Movimento Antropofágico (1928)

30. Barroco em Minas Gerais
Esse movimento artístico está associado ao enriquecimento da região com a atividade
mineradora e tem como influência europeia o Rococó.
Principais cidades: Vila Rica de Ouro Preto, Diamantina, Serro, Mariana, Tiradentes, Sabará,
São João Del Rei, Congonhas do Campo.
A Arte Barroca é conhecida pelos detalhes, requinte e elegância exagerados.
Desenvolveu-se no século XVII em uma época bastante significativa para a civilização no
Ocidente, pois nesse momento ocorriam grandes transformações que revolucionaram a
sociedade vigente.
Surgiu primeiramente na Itália e logo espalhou-se para os outros países europeus. Mais tarde,
desenvolveu-se também no Brasil e no restante do continente americano com a vinda dos
colonizadores portugueses e espanhóis.
Portanto, é um movimento que está fortemente relacionado com as circunstâncias históricas
em que se insere.
Surge no contexto da Contrarreforma e também no cenário colonialista, com as muitas
riquezas das realezas em novos territórios. Suas obras incluem, sobretudo, temas religiosos.

31. Algumas característica marcantes se repetem:
Predomínio de temas religiosos; Riqueza nos detalhes e
formas; Expressões dramáticas das personagens
retratadas; Preferência pelas curvas e contornos em
detrimento das figuras geométricas; Importância da
iluminação e o jogo de luzes e sombras;
Uso de contrastes a fim de evidenciar a proximidade do
divino com o humano.
No Brasil, o Barroco tem seu apogeu no século XVIII e
perdurou até o século XIX. No nosso país, em virtude da
riqueza do período colonial, temos um acervo marcante
de obras de expressão barroca.
Aqui, esse estilo está fortemente relacionado ao
catolicismo. Existem muitas igrejas barrocas,
entretanto, também é possível encontrar outros
projetos arquitetônicos com tais características, por
exemplo, câmaras municipais, penitenciárias e
residências de pessoas ilustres.

32. O maior ícone da arte barroca no Brasil foi o escultor Antônio Francisco Lisboa, o Aleijadinho
(1730-1814). Sua produção varia de trabalhos em madeira entalhada, pedra-sabão, altares e
igrejas e tem como características o uso das cores e a maneira simples e dinâmica de
retratar as cenas.
Vertentes do Barroco no Brasil
Há duas vertentes dentro da arte barroca produzida em solo nacional.
A mais requintada ocorreu nos estados de Minas Gerais, Rio de Janeiro, Pernambuco e
Bahia, onde a economia era baseada na cana-de-açúcar e mineração. Nessas regiões são
encontradas igrejas com trabalhos em madeira, nos quais os relevos eram cobertos por
camadas de ouro. Há também janelas e portas que exibem minuciosas produções em
escultura.
Nas regiões menos abastadas do país, onde não havia a produção de açúcar nem o ouro, o
estilo arquitetônico barroco era mais simplificado. As igrejas não possuíam trabalhos tão
elaborados, pois eram realizados por artistas menos experientes e renomados.
Cidades Brasileiras e o Barroco
Ouro Preto, localizada no estado de Minas Gerais, mantém uma riqueza cultural decorrente
desse período. É a cidade brasileira que mais se destaca no que respeita ao estilo barroco.
O ouro havia sido descoberto em Minas Gerais, o que propiciou que fossem feitas
construções riquíssimas.
A cidade de Salvador é outro exemplo de expressão do Barroco. Nessa altura, ela era a
capital do Brasil (até 1763). Por esse motivo, além de pinturas e esculturas, abriga belas
obras arquitetônicas. É exemplo o Palácio do Governador.

33. Na Itália, tem destaque o trabalho de Gian Lorenzo
Bernini (1598-1680). Ele é considerado o artista
inaugurador do Barroco. Teve grande importância por ser
arquiteto, urbanista, escultor, decorador e pintor. Suas
obras podem ser vistas em Roma.
A obra O Êxtase de Santa Teresa é uma de suas
esculturas mais impactantes e enaltece o sentimento e
dramaticidade. Nela, é representada Santa Teresa no
momento em que um anjo desfere golpes com uma
flecha em seu peito, o que teria causado dor intensa,
mas despertado uma experiência mística de amor à
Deus.

34. Destacam-se na pintura, Tintoretto (1515-
1549), Andrea Pozzo (1642-1709),
Michelangelo Caravaggio (1571-1610) e
Annibale Carraci (1560-1609).
O pintor Caravaggio teve uma produção
fortemente marcada por temas mais comuns.
Ele interessava-se por retratar pessoas do povo,
como músicos, vendedores e ciganos. Esse
artista foge do conceito de beleza clássica
proposto pelo Renascimento, que relacionava a
beleza com a aristocracia.

35. Renascimento Italiano
• Século XIV – Idade Média
• Século XV – Transição
• Século XVI – Idade Moderna
• A arte renascentista é um fenômeno urbano da península itálica. As cidades
portuárias e postos comerciais passam a se desenvolver e, com isso, abrem espaço
para uma nova classe social que começa consumir arte.
• Ela é, portanto, resultado da ascensão econômica da burguesia (que vão patrocinar a
arte, tornando-a mercadoria).

36. O Renascimento foi um importante movimento de ordem
artística, cultural e científica que se deflagrou na
passagem da Idade Média para a Moderna.
Características do Renascimento
A razão, de acordo com o pensamento da Renascença, era
uma manifestação do espírito humano que colocava o
indivíduo mais próximo de Deus. Ao exercer sua
capacidade de questionar o mundo, o homem
simplesmente dava vazão a um dom concedido por Deus.
Outro aspecto fundamental das obras renascentistas era o
privilégio dado às ações humanas, ou humanismo. Tal
característica representava-se na reprodução de situações
do cotidiano e na rigorosa reprodução dos traços e formas
humanas (naturalismo).

37. Arte e suas tecnologia
As principais características da tecnologia são a mobilidade, a
multifuncionalidade, convergência e integração e a arte, como
forma de expressão e comunicação humana, sempre esteve
envolvida com a tecnologia em seu desenvolvimento.
Quando realizamos um estudo histórico da arte, percebemos
que, na medida em que novas tecnologias eram desenvolvidas,
como por exemplo, os textos artísticos que se vem a partir do
desenvolvimento da escrita, dentre outros, a arte se apropriava
e se recriava a partir das potências de produção e interação
oferecidas pela tecnologia.
O alcance de compreensão de mundo e comunicação de massa
oferecidos pelas tecnologias, permitiu a expansão do olhar e do
fazer artístico, assim como de sua implicação na humanidade. A
arte, como comunicação, é moldada pela tecnologia.

38. Arte na Pré-História
• A palavra, por exemplo, vem da expressão em Latim “Ars” que significa técnica e habilidade. Podemos considerar
Arte todas as atividades humanas que estejam diretamente ligada à estética e à comunicação.
• As primeiras representações artísticas na Pré-História aconteceram no Período Paleolítico, em que a sociedade vai
retratar o seu cotidiano por meio das pinturas rupestres. Além disso, nessa época, podemos encontrar estuarinas
com a representação da fertilidade feminina e elementos de enfeites feitos a partir de pedra lascada.
• Depois disso, entramos no Período Neolítico, no qual encontramos expressões artísticas produzidas com cerâmica,
tecelagem, representações da religiosidade e armas fabricadas de pedras polidas. Na arquitetura, encontramos
casas de madeira, pedras e tijolos.
• Por último, na Idade dos Metais, surgem as técnicas de fundição – nesse momento começam a surgir as grandes
civilizações do Oriente Médio. Os primeiros objetos são feitos de cobre, depois temos o bronze e o ferro.
• Essa foi justamente a época em que os homens ainda não haviam inventado a escrita

39. A arte parietal recebe esse nome pois está relacionada com o
suporte em que foi desenvolvida, ou seja, as paredes das
cavernas. Já a arte rupestre era realizada fora das cavernas e
das grutas.
Nesse período, as pinturas eram feitas nas rochas e sua
principal característica era o naturalismo.
Além de figuras abstratas, foram desenvolvidas figuras de
animais e homens. Geralmente, demostravam imagens de caça.
Ademais da arte representada nas paredes das cavernas, foram
desenvolvidos os primeiros instrumentos e ferramentas com
pouca sofisticação: facas, machados, arpões, lanças, arcos,
flechas, anzóis.
As técnicas de produção eram simples e os materiais utilizados
eram pedra, madeira, ossos, chifres e peles de animais.
Nessa época, também foram produzidas esculturas, geralmente
figuras femininas.

40. A arte no período neolítico já pode ser vista fora das cavernas.
Com um clima mais ameno, o homem do neolítico começa a
viver próximo dos rios.
Esse período marcou o sedentarismo da raça humana, que
deixa de ser nômade e passa a construir vilas. A agricultura e a
criação de animais foram as principais características desse
período.
Embora também fossem desenvolvidas com pedras, tal qual no
Paleolítico, nota-se nesse período a evolução da arte, que
apresentava um cuidado maior, como o polimento do material.
Também destacam-se os objetos feitos de cerâmica e a
confecção de tecidos de lã e linho, em substituição aos trajes
confeccionados com peles de animais.
Importante destacar ainda a construção de monumentos
megalíticos, que são grandes pedras dispostas em composições
únicas. Acredita-se que o objetivo dessas construções era para
a realização de rituais e celebrações.

41. Com a descoberta dos metais, a arte começa a adquirir outro
aspecto. Nesse período, ela esteve marcada pelo
desenvolvimento da metalurgia e da expansão das técnicas de
fundição.
A Idade dos Metais está dividida de acordo com o metal mais
utilizado, a saber:
Idade do Bronze
Idade do Cobre
Idade do Ferro
Nesse período, destacam-se os utensílios, instrumentos e
ferramentas fabricados com o intuito utilitário. Por exemplo, os
instrumentos de cozinha, objetos artísticos, armas, ferramentas
para a agricultura, caça e pesca. Havia ainda esculturas em
metal representando mulheres com roupas detalhadas e
também guerreiros.
É desse período a invenção da roda e o arado de bois utilizado
na agricultura. Nesse momento, também começam a surgir os
primeiros experimentos na escrita.

42. No Brasil, existem alguns sítios arqueológicos e foram
encontradas pinturas rupestres em vários locais nos estados de
Minas Gerais, Piauí, Rio Grande do Norte, Pernambuco,
Paraíba, Santa Catarina e Mato Grosso do Sul.