O documento descreve a vida e obra do artista Andy Warhol. Ele estudou design, ilustrou revistas em Nova York e teve sua primeira mostra individual na década de 1950. Ficou famoso ao expor latas de sopa Campbell e usou a serigrafia para eliminar a distinção entre fotografia e pintura, contribuindo para o movimento pop art.

1. Andy Warhol Andy Warhol
Nascido em 6 de agosto de 1928 em Pittsburgh, Pensilvânia, Andrew Warhola ou Nascido em 6 de agosto de 1928 em Pittsburgh, Pensilvânia, Andrew Warhola ou
Andy Warhol estudou design no Instituto de Tecnologia de Carnegie, hoje Andy Warhol estudou design no Instituto de Tecnologia de Carnegie, hoje
Universidade Carnegie Mellon. Em Nova York, ilustrou importantes revistas como Universidade Carnegie Mellon. Em Nova York, ilustrou importantes revistas como
Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de anúncios publicitários e displays Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de anúncios publicitários e displays
para vitrines de lojas que lhe conferiram prêmios no Art Director's Club e no The para vitrines de lojas que lhe conferiram prêmios no Art Director's Club e no The
American Institute of Graphic Arts. American Institute of Graphic Arts.
Teve sua primeira mostra individual no início da década de 50, época em que Teve sua primeira mostra individual no início da década de 50, época em que
passou a assinar Warhol. Ficou famoso no final dessa década, quando expôs latas passou a assinar Warhol. Ficou famoso no final dessa década, quando expôs latas
de sopa Campbell pintadas à mão e uma galleria em Los Angeles. de sopa Campbell pintadas à mão e uma galleria em Los Angeles.
Em 1962, começou a usar serigrafia e outros meios de reprodução mecânica, Em 1962, começou a usar serigrafia e outros meios de reprodução mecânica,
eliminando a distinção entre fotografia e pintura, assim como a pop art eliminou a eliminando a distinção entre fotografia e pintura, assim como a pop art eliminou a
linha que separava a arte erudita da comercial. Consagrou-se um dos principais linha que separava a arte erudita da comercial. Consagrou-se um dos principais
nomes do movimento pop art no mundo. Foi também patrocinador e a mente por nomes do movimento pop art no mundo. Foi também patrocinador e a mente por
trás da conceituada banda novaiorquina The Velvet Underground. trás da conceituada banda novaiorquina The Velvet Underground.
Público confere exposição com obras de Andy Warhol, em cartaz na Pinacoteca de São Público confere exposição com obras de Andy Warhol, em cartaz na Pinacoteca de São
Paulo Paulo
A exposição Andy A exposição Andy
Warhol, Mr. America foi Warhol, Mr. America foi
aberta ao público de São aberta ao público de São
Paulo neste sábado (20), Paulo neste sábado (20),
onde fica em cartaz até o onde fica em cartaz até o
dia 23 de maio. São 44 dia 23 de maio. São 44
filmes, 26 pinturas, 58 filmes, 26 pinturas, 58
gravuras, 39 fotos e duas gravuras, 39 fotos e duas
ilustrações expostas na ilustrações expostas na
Pinacoteca, próximo à Pinacoteca, próximo à
estação da Luz do metrô. estação da Luz do metrô.
Warhol é o nome mais Warhol é o nome mais
conhecido do movimento conhecido do movimento
chamado pop art, chamado pop art,
surgido na Inglaterra na surgido na Inglaterra na
década de 1950, mas década de 1950, mas
que floresceu somente que floresceu somente
nos anos 1960. Os nos anos 1960. Os
artistas da época artistas da época
usavam produtos do usavam produtos do
capitalismo (como embalagens e propagandas) para expressar arte, fazendo assim uma capitalismo (como embalagens e propagandas) para expressar arte, fazendo assim uma
crítica ao consumo de massa. crítica ao consumo de massa.
A mostra foi organizada pelo The Andy Warhol Museum, de Pittsburgh, nos Estados Unidos, A mostra foi organizada pelo The Andy Warhol Museum, de Pittsburgh, nos Estados Unidos,
e já passou por outros países da América Latina, como Colômbia e Argentina. e já passou por outros países da América Latina, como Colômbia e Argentina.
O público pode conferir as obras de Warhol de terça a domingo, das 10h às 18h. Os O público pode conferir as obras de Warhol de terça a domingo, das 10h às 18h. Os
ingressos custam R$ 6, com possibilidade de meia entrada para estudantes do ensino ingressos custam R$ 6, com possibilidade de meia entrada para estudantes do ensino
fundamental, médio e superior. fundamental, médio e superior.

2. O Cubismo é um movimento artístico que ocorreu entre 1907 e 1914, tendo cores austeras, do branco ao negro passando pelo cinza, por um ocre
como principais fundadores Pablo Picasso e Georges Braque. apagado ou um castanho suave.
O Cubismo tratava as formas da natureza por meio de figuras geométricas, O cubismo se divide em duas fases:
representando todas as partes de um objeto no mesmo plano. A representação Cubismo Analítico - (1909) caracterizado pela desestruturação da obra em
do mundo passava a não ter nenhum compromisso com a aparência real das todos os seus elementos. Decompondo a obra em partes, o artista registra
coisas. todos os seus elementos em planos sucessivos e superpostos, procurando a
O movimento cubista evoluiu constantemente em três fases: visão total da figura, examinado-a em todos os ângulos no mesmo instante,
Fase cezannista ou cezaniana entre 1907 e 1909 - através da fragmentação dela. Essa fragmentação dos seres foi tão grande,
Fase analítica ou hermética entre 1909 a 1912 - que se caracterizava que se tornou impossível o reconhecimento de qualquer figura nas pinturas
pela desestruturação da obra, pela decomposição de suas partes cubistas. A cor se reduz aos tons de castanho, cinza e bege.
constitutivas; Cubismo Sintético - (1911) reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e
Fase sintética (contendo a experimentação das colagens) - foi uma à destruição de sua estrutura. Basicamente, essa tendência procurou tornar as
reação ao cubismo analítico, que tentava tornar as figuras figuras novamente reconhecíveis. Também chamado de Colagem porque
novamente reconhecíveis, como colando pequenos pedaços de introduz letras, palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e até
jornal e letras. objetos inteiros nas pinturas. Essa inovação pode ser explicada pela intenção
Desta última fase decorrem dois movimentos: do artistas em criar efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações
Orfismo visuais que a pintura sugere, despertando também no observador as sensações
táteis
Secção de Ouro
Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a Cubistas e artistas com obras cubistas
pintura deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e Pablo Picasso
cilindros. Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram Georges Braque
a representar os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como Juan Gris
se eles estivessem abertos e apresentassem todos os seus lados no plano Kazimir Malevich
frontal em relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os Lyonel Feininger
objetos não tinha nenhum compromisso de fidelidade com a aparência real Fernand Léger
das coisas. Umberto Boccioni
O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa
Robert Delaunay
superfície plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas.
Diego Rivera
Não representa, mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. Representa-os
como se movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos Alexandra Nechita
visuais, por cima e por baixo, percebendo todos os planos e volumes. Tarsila do Amaral
Vicente do Rego Monteiro
Principais características
geometrização das formas e volumes;
renúncia à perspectiva;
o claro-escuro perde sua função;
representação do volume colorido sobre superfícies planas;
sensação de pintura escultórica;

3. CUBISMO Cubismo Analítico - (1909) caracterizado pela desestruturação da obra em todos
os seus elementos. Decompondo a obra em partes, o artista registra todos os seus
elementos em planos sucessivos e superpostos, procurando a visão total da figura,
examinado-a em todos os ângulos no mesmo instante, através da fragmentação
Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne, pois para ele a pintura dela. Essa fragmentação dos seres foi tão grande, que se tornou impossível o
deveria tratar as formas da natureza como se fossem cones, esferas e cilindros. reconhecimento de qualquer figura nas pinturas cubistas. A cor se reduz aos tons
Para Cézanne, a pintura não podia desvincular-se da natureza, tampouco copiava a de castanho, cinza e bege.
natureza; de fato, a transformava. Ele dizia: “Mudo a água em vinho, o mundo em
pintura”. E era verdade. Em suas telas, a árvore da paisagem ou a fruta da natureza
morte não eram a árvore e a fruta que conhecemos – eram pintura. Preservavam-se Cubismo Sintético - (1911) reagindo à excessiva fragmentação dos objetos e à
as referências exteriores que as identificavam como árvore ou fruta, adquiriam outra destruição de sua estrutura. Basicamente, essa tendência procurou tornar as figuras
substância: eram seres do mundo pictórico e não do mundo natural. Por isso, é novamente reconhecíveis. Também chamado de Colagem porque introduz letras,
correto dizer que Cézanne pintava numa zona limite, na fronteira da natureza e da palavras, números, pedaços de madeira, vidro, metal e até objetos inteiros nas
arte. pinturas. Essa inovação pode ser explicada pela intenção dos artistas em criar
efeitos plásticos e de ultrapassar os limites das sensações visuais que a pintura
sugere, despertando também no observador as sensações táteis.
Entretanto, os cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a representar
os objetos com todas as suas partes num mesmo plano. É como se eles estivessem
abertos e apresentassem todos os seus lados no plano frontal em relação ao Principais artistas:
espectador. Na verdade, essa atitude de decompor os objetos não tinha nenhum
compromisso de fidelidade com a aparência real das coisas. Pablo Picasso - (1881-1973) Tendo vivido 92 anos e pintado desde muito jovem
até próximo à sua morte passou por diversas fases: a fase Azul, entre 1901-1904,
O pintor cubista tenta representar os objetos em três dimensões, numa superfície que representa a tristeza e o isolamento provocados pelo suicídio de Casagemas,
plana, sob formas geométricas, com o predomínio de linhas retas. Não representa, seu amigo, são evidenciados pela monocromia e também a representa a miséria e o
mas sugere a estrutura dos corpos ou objetos. Representa-os como se desespero humanos; a fase Rosa, entre 1904-1907, o amor por Fernande origina
movimentassem em torno deles, vendo-os sob todos os ângulos visuais, por cima e muitos desenhos sensuais e eróticos, com a paixão de Picasso pelo circo, iniciam-
por baixo, percebendo todos os planos e volumes. se os ciclos dos saltimbancos e do arlequim. Depois de descobrir as artes primitivas
e africanas compreende que o artista negro não pinta ou esculpi de acordo com a
tendência de um determinado movimento estético, mas com uma liberdade muito
Principais características: maior. Picasso desenvolveu uma verdadeira revolução na arte. Em 1907, com a
obra Les Demoiselles d‟Avignon começa a elaborar a estética cubista que, como
geometrização das formas e volumes vimos anteriormente, se fundamenta na destruição de harmonia clássica das figuras
renúncia à perspectiva e na decomposição da realidade, essa tela subverteu o sentido da arte moderna
o claro-escuro perde sua função com a declaração de guerra em 1914, chega ao fim a aventura cubista.
representação do volume colorido sobre superfícies planas Podemos destacar, também o mural Guernica, que representa, com veemente
sensação de pintura escultórica indignação, o bombardeio da cidade espanhola de Guernica pelos aliados alemães
cores austeras, do branco ao negro passando pelo cinza, por um de Franco, em abril de 1937, responsável pela morte de grande parte da população
ocre apagado ou um castanho suave civil formada por crianças, mulheres e trabalhadores.
Braque e Picasso, seguindo a lição de Cézanne deram inicio à geometrização dos Algumas das frases de Pablo Picasso:
elementos da paisagem. Braque enviou alguns quadros para o Salão de Outono de
1908, onde Matisse, como membro do júri, os viu e comentou: “Ele despreza as "A obra de um artista é uma espécie de diário. Quando o pintor, por ocasião de uma
formas, reduz tudo, sítios, figuras e casas, a esquemas geométricos, a cubos”. Essa mostra, vê algumas de suas telas antigas novamente, é como se ele estivesse
frase, citada por Louis Vauxcelles, em artigo publicado, dias depois, no Gil Blas, reencontrando filhos pródigos - só que vestidos com túnica de ouro”.
daria o nome ao movimento.
"A Arte não é a verdade. A Arte é uma mentira que nos ensina a compreender a
O cubismo se divide em duas fases: verdade".

4. “Braque sempre disse que na pintura só conta a intenção. É verdade. O que conta é Guerra se separaram. Braque foi mobilizado e ferido na cabeça em 1915, tendo
aquilo que se faz. É isso o importante. O que era afinal o mais importante no sido agraciado com a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Durante dois anos,
cubismo, era aquilo que se queria fazer, a intenção que se tinha. E isso não se pode devido ao ferimento esteve afastado da pintura.
pintar”.
“Nada pode ser criado sem a solidão. Criei em meu redor uma solidão que ninguém
calcula. É muito difícil hoje em dia estar-se sozinho, pois existem relógios. Já
alguma vez se viu um santo com relógio?”
“Não sou nenhum pessimista, não detesto a arte, pois não poderia viver sem lhe
dedicar todo meu tempo. Amo-a como a minha única razão de ser. Tudo que faço
relacionado com a arte dá-me a maior alegria. Mas por isso mesmo não vejo por
que razão todo o mundo pretende interrogar a arte, exigindo-lhe certificados,
deixando correr livremente sua estupidez em relação a este tema”.
Juan Gris (1887-1927), pintor espanhol que aderiu ao cubismo em 1912, era um
homem muito lúcido em cuja arte o fator racionalizante tinha grande peso. Por essa
razão, não conseguiu entregar-se totalmente à liberdade inventiva de Picasso e
Braque, mantendo seu cubismo preso a uma composição formal muitas vezes
rígida e fria. Não obstante, dá uma contribuição importante ao introduzir no cubismo
uma visão nova do espaço como espaço-tempo, ao decompor o objeto no plano,
buscando exprimir as várias etapas de sua apreensão no tempo.
Vista da Baía, Juan Gris, Guitare et compotier, Juan
Retrato de Pablo 1912, Museu Nacional de Gris,1926-27, Museu
Picasso, Juan Gris, Arte Moderna, Paris Nacional d‟Art de
1912
Catalunya, Barcelona
Fernand Léger (1881-1955) se desenvolveu o seu cubismo numa direção diferente
de Braque e Picasso. Se também ouviu a frase de Cézanne, que chamava a
atenção para a geometria contida nos objetos naturais, passou a pintá-los não como
se fossem cubos, mas como cilindros e cones, tal como se observa em seu quadro
Georges Braque - (1882-1963, 81 anos) Foi um pintor e escultor francês que “Nus dans la forêt” (1909-10). Léger nunca atingira o grau de abstração dos dois
juntamente com Pablo Picasso inventaram o Cubismo. Braque iniciou a sua ligação mestres cubistas, Picasso e Braque.
as cores, na empresa de pintura decorativa de seu pai. A maior parte da sua
adolescência foi passada em Le Havre, mas no ano de 1889, mudou-se para Paris De origem modesta, de família de camponeses normandos, desde cedo se
onde, em 1906, no Salão dos Independentes, expôs as suas primeiras obras no interessou pelo desenho, o que o leva a Caen, capital da Alta Normandia, França,
estilo de formas simples e cores puras (fovismo. No Outono de 1907, conheceu aos dezesseis anos, onde trabalhou como aprendiz de arquiteto. Em 1900, mudou-
Picasso com quem se deu quase diariamente até que em 1914 devido a Grande se para Paris, onde em um escritório de arquitetura e retoques fotográficos

5. trabalhou como desenhista. Reprovado no exame de ingresso da Escola de Belas- algo de composição musical. Quando em 1912, pintou seus “Discos simultâneos”,
Artes de Paris, estudou na Escola de Artes Decorativas e na Academia Julien; uma nova vertente surgiu no cubismo, à qual o poeta Apollinaire daria o nome de
frequentando ainda vários ateliês, entrando em contato com a arte de Cézanne. orfismo. AS fontes da pintura de Delaunay são as mesmas de Braque, ou seja, a
lição cezanniana, que estão evidentes na séria de “Villes”, suas primeiras telas
Aproxima-se dos cubistas em 1909, conhecendo os poetas Apollinaire, Max Jacob, cubistas. Nelas, ele abdica das cores vivas que marcaram sua pintura anterior. Ele
Blaise Cendrars, os pintores Albert Gleizes, Robert Delaunay e, mais tarde, cria um novo repertório de signos (ou objetos figurativos). Como Léger, ele chega
Georges Braque e Pablo Picasso. Em 1911, expôs no Salão dos Independentes e, rapidamente a uma linguagem abstrata, que se aproxima do decorativo, mas de que
no ano seguinte, participa da Section D‟Or, e publica seu ensaio „Les origines de la ele se afasta imprimindo em sua pintura a preocupação de expressar o dinamismo
peinture contemporaine‟, na revista Der Sturm. Em contato com o Cubismo, Léger da vida moderna. A partir de 1912, Delaunay recorre à cor como seu meio de
não aceitou sua representação exclusivamente conceitual, suas abstrações expressão. Interessa-se pela lei dos contrastes simultâneos de Chevreul, que
curvilíneas e tubulares contrastavam-se com as formas retilíneas preferidas por servirá de pretexto para suas “frases cromáticas” e outras obras, fundadas na
Picasso e Braque, e preconizavam uma aproximação às imagens orgânicas exploração daqueles contrastes.
surrealistas.
A Cidade de Paris,
Homenagem para
A Torre Eiffel, Robert Robert Delaunay, 1910-
L‟Bleriot, Robert
Esquisse pour A Banhista, Delaunay, 1910 12
Delaunay, 1914
la femme em Fernand Féger, O Vaso Azul,
bleu (detalhe), 1932, Museu Fernand Léger,
Fernand Léger, Nacional 1948, óleo /tela,
Museu Nacional Fernand Léger, MAC-São Paulo
Fernand Léger, França DESDOBRAMENTOS DO CUBISMO NO BRASIL
França
Dos artistas brasileiros destacamos:
Tarsila do Amaral - (1886 - 1973) Aluna de seu amigo Fernand Léger por apenas
algumas semanas em outubro 1923, Tarsila absorveu do mestre sua característica
síntese geométrica. Também próxima de outro cubista, este mais militante, Gleizes,
com ele a pintora paulista aprendeu a estruturar o quadro, sem figuração, não
A Grande planos ou recortes de figuras dispostas, mas planos interligados, integrados. Ao
Composição, contrário da experiência relâmpago com Léger, a passagem pelo ateliê de Gleizes
Parada,
Fernand Léger, foi mais duradoura e marcante na sua obra posterior. De volta do Brasil, em
Fernand Léger,
1936, guache dezembro de 1923, dá entrevista ao Correio da Manhã em que se autodenomina
1954
s/papel, MAC- uma pintora cubista “movimento que nasceu com a fragmentação da forma”. Era,
São Paulo pois, a continuação do impressionismo “a fragmentação da cor”. “Estou ligada a
esse movimento que tem produzido efeitos nas indústrias, no mobiliário, na moda,
nos brinquedos, nos 4 mil expositores do Salão de Outono e dos Independentes”,
disse ela ao jornal em reportagem publicada no dia de Natal.
Robert Delaunay (1885-1941), pintor francês o seu caminho no movimento cubista,
Apesar de não ter exposto na Semana de 22, colaborou decisivamente para o
o levaria a uma redescoberta da cor e do ritmo espacial, que daria à sua pintura
desenvolvimento da arte moderna brasileira, pois produziu um conjunto de obras

6. indicadoras de novos rumos. Em 1923, quando esteve na Europa manteve contato De fato, do cubismo nasceu a arte geométrico-construtiva, uma vez que nele se
com artistas europeus, além de Léger, Picasso, De Chirico e Brancussi. Em 1928, inspirou Piet Mondrian para criar o neoplasticismo, de que derivaria a arte concreta,
deu início a uma fase chamada Antropofágica. A essa fase pertence a tela Abaporu a arte neoconcreta brasileira e a optical art; o papier collé, introduzido nos quadros
cujo nome, segundo a artista é de origem indígena e significa “Antropófago”.
cubistas por Braque e Picasso, estão na origem das colagens de Kurt Schwitters
Também usou de temática social nos seus quadros como na tela Operários.
que, mais tarde, com seus merzbilder, criaria as primeiras „instalações‟; também,
através de Picabia e Duchamp, que aderiram ao cubismo, dá origem ao dadaísmo e
Rego Monteiro - (1899-1970) Fez grandes obras pós-cubistas. Uma de suas mais
famosas é “Mulher Diante do Espelho”, de 1922. “Minha pintura não poderia existir ao futurismo, movimentos que tiveram grande influência do desenrolar da arte
antes do cubismo, que me legou as noções de construção, luz e forma”, disse moderna, principalmente o primeiro, inspirador da arte pop americana. O cubismo
Monteiro certa vez. Morando em Paris desde 1911 (chegou lá com 12 anos), influiu sobre as vanguardas russas do começo do século, desdobrando-se ali no
participou efetivamente de seu ambiente artístico e se tornou membro do Salon dês suprematismo, de Malevitch, no construtivismo, Pevsner e Gabo, bem como nos
Indépendants, onde expôs diversas vezes. Em meados da década de 20, o pintor contra relevos de Tatlin e Rodchenko. Deve-se acrescentar ainda a antecipação, ali
foi convidado a integrar o famoso Grupo da Galeria L‟effort Moderne, de Léonce
verificada, da arte objeto, uso de novos materiais e a reciclagem dos chamados
Rosenberg, que reunia a “trinca de ouro do cubismo” (Picasso, Braque e Gris), mais
Gleizes, Metzinger, Léger, Herbin e Severini. Voltou ao Brasil em 1933, aos 34 objetos do cotidiano, de que são exemplos as „esculturas‟ (bandolins, guitarras, etc.)
anos. construídas por Picasso por volta de 1911 e 12.
Em face de tão raro fenômeno, cabe perguntar por que teve o cubismo papel tão
decisivo e fecundador a arte do século 20. A resposta está obviamente na natureza
desse movimento, nos fatores que o engendraram, na nova atitude em face a arte,
adotada pelos seus dois protagonistas, o espanhol Pablo Picasso e o francês
Georges Braque.
De nenhum movimento artístico é possível dizer em que data exata nasceu, uma
vez que se trata de um processo, de uma síntese de fatores convergentes que vão
aos poucos ganhando corpo e se definindo. Com o cubismo não foi diferente.
Críticos e historiadores, na sua maioria, admitem que dois fatores mais importantes
que determinaram o nascimento do cubismo foram, de um lado, a influência de
Cézanne sobre Braque e, de outro, a descoberta da escultura negra por Picasso.
Visite: Naturalmente, a ação desses fatores foi estimulada esgotamento da linguagem
impressionista. Assim, o sentido de construção formal, comum à pintura de
www.museupicasso.bcn.es Cézanne e à escultura negra, forneceu aos jovens Braque e Picasso as armas
necessárias para agirem à linguagem invertebrada do impressionismo agonizante.
www.musee-picasso.fr Deve admitir, com Guillaume Apollinaire, que o fauvismo de André Derain e Henri
Matisse já havia aberto o caminho para uma arte mais construída e menos sujeita à
www.tarsiladoamaral.com.br imitação do mundo exterior. O pontilhismo de Seurat, por sua objetividade
construtiva, também de algum modo preparou o terreno para a mudança futura.
www.musee-fernandleger.fr
Mas nem um nem outro tocava no cerne da questão que deflagrou a reviravolta
estética promovida pelo cubismo.
CUBISMO: O VERDADEIRO INICIO DA ARTE CONTEMPORÂNEA

7. Tarsila do Amaral Apesar de ter tido contato com as novas tendências e vanguardas, Tarsila
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre. somente aderiu às ideias modernistas ao voltar ao Brasil, em 1922. Numa
Tarsila do Amaral (Capivari, 1 de setembro de 1886 — São Paulo, 17 de confeitaria paulistana, foi apresentada por Anita Malfatti aos modernistas
janeiro de 1973) foi uma pintora e desenhista brasileira e uma das figuras Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia. Esses novos
centrais da pintura brasileira e da primeira fase do movimento modernista amigos passaram a frequentar seu atelier, formando o Grupo dos Cinco.
brasileiro, ao lado de Anita Malfatti. Seu quadro Abaporu, de 1928, inaugura Em janeiro de 1923, na Europa, Tarsila se uniu a Oswald de Andrade e o
o movimento antropofágico nas artes plásticas. casal viajou por Portugal e Espanha. De volta a Paris, estudou com os artistas
cubistas: frequentou a Academia de Lhote, conheceu Pablo Picasso e tornou-
se amiga do pintor Fernand Léger, visitando a academia desse mestre do
Biografia cubismo, de quem Tarsila conservou, principalmente, a técnica lisa de pintura
Nascida em 1 de setembro de 1886, na Fazenda São Bernardo, em Capivari, e certa influência do modelado legeriano.
interior de São Paulo, era filha de José Estanislau do Amaral Filho e de Lydia Fases Pau-Brasil e Antropofágica
Dias de Aguiar do Amaral, e neta de José Estanislau do Amaral, Em 1924, em meio à uma viagem de "redescoberta do Brasil" com os
cognominado “o milionário” em virtude da imensa fortuna acumulada em modernistas brasileiros e com o poeta franco-suíço Blaise Cendrars, Tarsila
fazendas do interior paulista. iniciou sua fase artística “Pau-Brasil”, dotada de cores e temas
Seu pai herdou a fortuna e diversas fazendas, onde Tarsila e seus sete irmãos acentuadamente tropicais e brasileiros, onde surgem os "bichos
passaram a infância. Desde criança, fazia uso de produtos importados nacionais"(mencionados em poema por Carlos Drummond de Andrade), a
franceses e foi educada conforme o gosto do tempo. Sua primeira mestra, a exuberância da fauna e da flora brasileira, as máquinas, trilhos, símbolos da
belga Mlle. Marie van Varemberg d’Egmont, ensinou-lhe a ler, escrever, modernidade urbana.
bordar e falar francês. Sua mãe passava horas ao piano e contando histórias Casou-se com Oswald de Andrade em 1926 e, no mesmo ano, realizou sua
dos romances que lia às crianças. Seu pai recitava versos em francês, primeira exposição individual, na Galeria Percier, em Paris. Em 1928, Tarsila
retirados dos numerosos volumes de sua biblioteca. pinta o Abaporu, cujo nome de origem indígena significa "homem que come
Estudos em São Paulo e Barcelona carne humana", obra que originou o Movimento Antropofágico, idealizado
Tarsila do Amaral estudou em São Paulo, em colégio de freiras do bairro de pelo seu marido.
Santana, e no Colégio Sion. E completou os estudos em Barcelona, na A Antropofagia propunha a digestão de influências estrangeiras, como no
Espanha, no Colégio Sacré-Coeur, onde venceu vários concursos de ritual canibal (em que se devora o inimigo com a crença de poder-se absorver
ortografia. desde cedo a pequena bela jovem interesava pela arte. suas qualidades), para que a arte nacional ganhasse uma feição mais
Primeiro casamento e maternidade brasileira.
Ao chegar da Europa, em 1904, casou-se com André Teixeira Pinto. Em Em julho de 1929, Tarsila expõe suas telas pela primeira vez no Brasil, no
1906, nasceu a única filha do casal, Dulce. Logo o primeiro casamento da Rio de Janeiro. Nesse mesmo ano, em virtude da quebra da Bolsa de Nova
artista chegou ao fim. A diferença cultural do casal era grande. O marido se York e da consequente crise econômica, Tarsila e sua família de fazendeiros
opunha ao desenvolvimento artístico de Tarsila, que se separou e conseguiu a sentem no bolso os efeitos da crise do café. Ainda em 1929, Oswald de
anulação do casamento anos depois. Andrade deixou Tarsila para ficar com a revolucionária Patrícia Galvão.
A artista inicia sua carreira Em 1930, Tarsila conseguiu o cargo de conservadora da Pinacoteca do Estado
Começou a aprender pintura em 1917, com Pedro Alexandrino. Mais tarde, de São Paulo. Deu início à organização do catálogo da coleção do primeiro
estuda com o alemão George Fischer Elpons. Em 1920, viaja a Paris e museu de arte paulista. Porém, com o advento de Getúlio Vargas e com a
frequenta a Academia Julian, onde desenhava nus e modelos vivos queda de Júlio Prestes, perdeu o cargo.
intensamente. Também estudou na Academia de Emile Renard.

8. Viagem à URSS e Fase Social A artista também foi tema da peça teatral Tarsila, escrita entre novembro de
Em 1931, vendeu alguns quadros de sua coleção particular para poder viajar à 2001 e maio de 2002 por Maria Adelaide Amaral. A peça foi encenada em
União Soviética, com seu novo companheiro, o médico nordestino Osório 2003 e publicada em forma de livro em 2004. A personagem-título foi
César, que ajudaria Tarsila a se adaptar às diferentes formas de pensamento interpretada pela atriz Ester Góes e a peça também tinha Oswald de Andrade,
políticos e sociais. O casal viajou a Moscou, Leningrado, Odessa, Mário de Andrade e Anita Malfatti como personagens.
Constantinopla, Belgrado e Berlim. Logo estaria novamente em Paris, onde Tarsila do Amaral foi homenageada pela União Astronômica Internacional,
sensibilizou-se com os problemas da classe operária. Sem dinheiro, trabalhou que em 20 de novembro de 2008 atribuiu o nome "Amaral" a uma cratera do
como operária de construção, pintora de paredes e portas. Logo consegue o planeta Mercúrio.[1]
dinheiro necessário para voltar ao Brasil. Em 2008, foi lançado o Catálogo Raisonné Tarsila do Amaral, uma
No Brasil, por participar de reuniões políticas de esquerda e pela sua chegada catalogação completa das obras da artista em três volumes, em realização da
após viagem à URSS, Tarsila é considerada suspeita e é presa, acusada de Base7 Projetos Culturais, com patrocínio da Petrobras, numa parceria com a
subversão. Em 1933, ao pintar o quadro “Operários”, a artista passa por uma Pinacoteca do Estado de São Paulo, Secretaria de Estado da Cultura e
fase de temática mais social, da qual são exemplos as telas Operários e Governo do Estado de São Paulo.
Segunda Classe. Em meados dos anos 30, o escritor Luís Martins, vinte anos
mais jovem que Tarsila, passa a ser seu companheiro constante. Obras
A partir da década de 40, Tarsila passa a pintar retomando estilos de fases
anteriores. Expõe nas 1ª e 2ª Bienais de São Paulo e ganha uma retrospectiva
Pátio com Coração de Jesus (Ilha de Wight) - 1921
no Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM) em 1960. É tema de sala
especial na Bienal de São Paulo de 1963 e, no ano seguinte, apresenta-se na A Espanhola (Paquita) - 1922
32ª Bienal de Veneza. Chapéu Azul - 1922
[editar] Últimas Décadas: 60 e 70 Margaridas de Mário de Andrade - 1922
Em 1965, foi submetida a uma cirurgia de coluna que a deixou paralítica, Árvore - 1922
permanecendo em cadeira de rodas. Em 1966, Tarsila perdeu sua única filha, O Passaporte (Portait de femme) - 1922
Dulce, que faleceu de um ataque de diabetes. Nesses tempos difíceis, Tarsila Retrato de Oswald de Andrade - 1922
declara, em entrevista, sua aproximação ao espiritismo. Retrato de Mário de Andrade - 1922
A partir daí, passa a vender seus quadros, doando parte do dinheiro obtido a Estudo (Nú) - 1923
uma instituição administrada por Chico Xavier, de quem se torna amiga. Ele Manteau Rouge - 1923
a visitava, quando de passagem por São Paulo e ambos mantiveram Rio de Janeiro - 1923
correspondência. A Negra - 1923
Tarsila do Amaral, a artista-símbolo do modernismo brasileiro, faleceu no Caipirinha - 1923
Hospital da Beneficência Portuguesa, em São Paulo, em 17 de janeiro de Estudo (La Tasse) - 1923
1973. Foi enterrada no Cemitério da Consolação de vestido branco, conforme Figura em Azul (Fundo com laranjas) - 1923
seu desejo.
Natureza-morta com relógios - 1923
Representações na cultura O Modelo - 1923
Tarsila do Amaral já foi retratada como personagem no cinema e na Pont Neuf - 1923
televisão, interpretada por Ester Góes no filme "Eternamente Pagu" (1987), Rio de Janeiro - 1923
Eliane Giardini nas minisséries "Um Só Coração" (2004) e "JK" (2006). Retrato azul (Sérgio Milliet) - 1923
Retrato de Oswald de Andrade - 1923

9. Autorretrato - 1924 Calmaria II - 1929
São Paulo (Gazo) - 1924 Cidade (A Rua) - 1929
A Cuca - 1924 Floresta - 1929
São Paulo - 1924 Sol Poente - 1929
São Paulo (Gazo) - 1924 Idílio - 1929
A Feira I - 1924 Distância - 1929
Morro da Favela - 1924 Retrato do Padre Bento - 1931
Carnaval em Madureira - 1924 Operários - 1933
Anjos - 1924 Segunda Classe - 1933
EFCB (Estrada de Ferro Central do Brasil) - 1924 Crianças (Orfanato)- 1935/1949
O Pescador - 1925 Costureiras - 1936/1950
A Família - 1925 Altar (Reza) - 1939
Vendedor de Frutas - 1925 O Casamento - 1940
Paisagem com Touro I - 1925 Procissão - 1941
A Gare - 1925 Terra - 1943
O Mamoeiro - 1925 Primavera - 1946
A Feira II - 1925 Estratosfera - 1947
Lagoa Santa - 1925 Praia - 1947
Palmeiras - 1925 Fazenda - 1950
Romance - 1925 Porto I - 1953
Sagrado Coração de Jesus I - 1926 Procissão (Painel) - 1954
Religião Brasileira I - 1927 Batizado de Macunaíma - 1956
Manacá - 1927 A Metrópole - 1958
Pastoral - 1927 Passagem de nível III - 1965
A Boneca - 1928 Porto II - 1966
O Sono - 1928 Religião Brasileira IV - 1970
O Lago - 1928
Calmaria I - 1928 Referências
Distância - 1928 AMARAL, Aracy A. Tarsila: sua obra e seu tempo / Aracy A. Amaral. - São
O Sapo - 1928 Paulo: Ed. 34; Edusp, 2003.
O Touro - 1928 AMARAL, Maria Adelaide. Tarsila / Maria Adelaide Amaral. - São Paulo :
O Ovo (Urutu) - 1928 Globo, 2004.
A Lua - 1928 GOTLIB, Nádia Battella. Tarsila do Amaral, a modernista / Nádia Battella
Abaporu - 1928 Gotlib. 3a.ed. - São Paulo: Editora Senac São Paulo, 2003.
Cartão Postal - 1928
Antropofagia - 1929