1) A pintura é uma das formas mais tradicionais de arte que já era praticada há mais de 20 mil anos em cavernas.
2) Diferentes tipos de tintas como guache, nanquim, aquarela e tinta acrílica são usadas em técnicas de pintura e requerem instrumentos específicos como pincéis.
3) A pintura pode ser feita em diversos suportes como tela, papel, madeira e até tecidos, e artistas passaram a experimentar novos materiais como placas de acrílic
O documento fornece informações sobre pintura, definindo-a como a técnica de aplicar pigmentos em uma superfície para dar cor e textura. Discute alguns dos materiais e técnicas usados em pintura, como óleo e têmpera. Também diferencia pintura de desenho e menciona exemplos históricos de obras pictóricas. Por fim, organiza os alunos em grupos para uma atividade prática sobre pintura.
O documento descreve a história da gravura, desde os primórdios até a gravura modernista no Brasil. Apresenta as principais técnicas de gravura como xilogravura, gravura em metal, litografia e serigrafia. Destaca artistas expressivos em cada técnica e período, como Albrecht Dürer, Goya, Tarsila do Amaral e Lasar Segall.
Júlio Resende ocupa um lugar proeminente na arte portuguesa do século XX. Ele fundou o Grupo dos Independentes e estudou em Paris, onde se especializou em pintura mural. Sua obra reflete as diversas influências em seus viagens e foca em temas sociais e do quotidiano.
Este documento resume a vida e obra do pintor português Júlio Resende, nascido em 1917 no Porto. Após estudar na Escola de Belas Artes do Porto e em Paris, Resende desenvolveu um estilo expressionista lírico influenciado por Goya. Suas obras exploram temas como a luz, figura humana e paisagens, utilizando técnicas como aquarela e pastel. Resende teve uma prolífica carreira como pintor, professor e desenhista, recebendo vários prêmios ao longo de
Júlio Resende foi um pintor português nascido no Porto em 1917. Fundou o Grupo dos Independentes em 1943 e realizou diversas exposições no Porto, Lisboa e outras cidades portuguesas entre 1943 e 1950. Suas obras retratam temas do quotidiano e do trabalho no campo, com estruturas geométricas ou diagonais. Suas obras podem ser encontradas em diversos museus em Portugal, Brasil, Europa e em coleções particulares ao redor do mundo.
Este documento fornece um resumo da história da gravura brasileira contemporânea segundo o autor José Roberto Teixeira Leite. Ele descreve as principais técnicas de gravura e destaca os principais gravadores brasileiros do século XX e suas obras, como Carlos Oswald, Raimundo Cela, Oswaldo Goeldi, Lasar Segall, Livio Abramo e Iberê Camargo. O documento também menciona o Clube de Gravura de Porto Alegre e gravadores populares como Newton Cavalcanti e Gilvan Samico.
Este documento discute texturas naturais e artificiais, fornecendo exemplos de cada uma. Explica que texturas naturais são aquelas encontradas na natureza, como cascas de árvores e peles de animais, enquanto texturas artificiais resultam da intervenção humana em objetos como tecidos e esculturas. Também fornece técnicas para representar texturas em desenhos e pinturas, como salpicar, esfregar e colagem.
O documento discute diferentes formas de arte, incluindo pintura rupestre, esculturas egípcias, e diferentes técnicas de pintura como aquarela e óleo. Também define termos como charge, HQ, cartum, caricatura e onomatopeia.
O documento fornece informações sobre pintura, definindo-a como a técnica de aplicar pigmentos em uma superfície para dar cor e textura. Discute alguns dos materiais e técnicas usados em pintura, como óleo e têmpera. Também diferencia pintura de desenho e menciona exemplos históricos de obras pictóricas. Por fim, organiza os alunos em grupos para uma atividade prática sobre pintura.
O documento descreve a história da gravura, desde os primórdios até a gravura modernista no Brasil. Apresenta as principais técnicas de gravura como xilogravura, gravura em metal, litografia e serigrafia. Destaca artistas expressivos em cada técnica e período, como Albrecht Dürer, Goya, Tarsila do Amaral e Lasar Segall.
Júlio Resende ocupa um lugar proeminente na arte portuguesa do século XX. Ele fundou o Grupo dos Independentes e estudou em Paris, onde se especializou em pintura mural. Sua obra reflete as diversas influências em seus viagens e foca em temas sociais e do quotidiano.
Este documento resume a vida e obra do pintor português Júlio Resende, nascido em 1917 no Porto. Após estudar na Escola de Belas Artes do Porto e em Paris, Resende desenvolveu um estilo expressionista lírico influenciado por Goya. Suas obras exploram temas como a luz, figura humana e paisagens, utilizando técnicas como aquarela e pastel. Resende teve uma prolífica carreira como pintor, professor e desenhista, recebendo vários prêmios ao longo de
Júlio Resende foi um pintor português nascido no Porto em 1917. Fundou o Grupo dos Independentes em 1943 e realizou diversas exposições no Porto, Lisboa e outras cidades portuguesas entre 1943 e 1950. Suas obras retratam temas do quotidiano e do trabalho no campo, com estruturas geométricas ou diagonais. Suas obras podem ser encontradas em diversos museus em Portugal, Brasil, Europa e em coleções particulares ao redor do mundo.
Este documento fornece um resumo da história da gravura brasileira contemporânea segundo o autor José Roberto Teixeira Leite. Ele descreve as principais técnicas de gravura e destaca os principais gravadores brasileiros do século XX e suas obras, como Carlos Oswald, Raimundo Cela, Oswaldo Goeldi, Lasar Segall, Livio Abramo e Iberê Camargo. O documento também menciona o Clube de Gravura de Porto Alegre e gravadores populares como Newton Cavalcanti e Gilvan Samico.
Este documento discute texturas naturais e artificiais, fornecendo exemplos de cada uma. Explica que texturas naturais são aquelas encontradas na natureza, como cascas de árvores e peles de animais, enquanto texturas artificiais resultam da intervenção humana em objetos como tecidos e esculturas. Também fornece técnicas para representar texturas em desenhos e pinturas, como salpicar, esfregar e colagem.
O documento discute diferentes formas de arte, incluindo pintura rupestre, esculturas egípcias, e diferentes técnicas de pintura como aquarela e óleo. Também define termos como charge, HQ, cartum, caricatura e onomatopeia.
Este documento apresenta os objetivos e conteúdos da disciplina Fundamentos da Linguagem Visual. O curso tem como objetivo dominar os princípios da linguagem visual e desenvolver a percepção crítica e capacidade de análise das relações entre os elementos estruturais da linguagem visual. Os conteúdos incluem princípios da composição, elementos visuais e sua organização, além de aplicações no design.
O documento discute como a arte pode ser representativa de várias coisas, incluindo período histórico, cultura e estado de espírito. Ele também explora como a desconstrução e reconstrução de obras de arte podem fornecer novas perspectivas.
O documento discute os conceitos de arte, estética e comunicação visual. Em três frases, resume:
A arte serve para despertar o humano em nós e ajuda no autoconhecimento, nas relações humanas e na compreensão do mundo de forma não verbal. A estética estuda as formas, emoções e filosofia da arte ao longo do tempo. Diferentes elementos como ponto, linha, forma, cor, textura e movimento compõem a linguagem visual e permitem a comunicação nas artes.
Regina Silveira é uma artista brasileira pioneira da videoarte e multimídia. Formou-se em pintura e possui mestrado e doutorado em artes. Sua obra questiona a natureza da representação visual por meio de técnicas como anamorfose, fotogramas e distorções de perspectiva, utilizando luz, sombra, espaços e objetos. Sua maior intervenção de arte pública foi a criação de um céu projetado no emblemático prédio da Fundação Bienal de São Paulo.
Este documento apresenta orientações iniciais sobre o curso de arte para alunos do ensino médio, incluindo informações sobre os materiais de estudo divididos em módulos e exercícios para serem realizados. Também fornece instruções sobre desenho básico e apreciação de obras de arte.
Este documento discute a obra Lunar da artista Regina Silveira. A obra consiste em uma animação de duas esferas que crescem e encolhem de forma aleatória e desconexa, criando uma sensação de estranheza no espectador através da manipulação da percepção de tamanho em relação à distância. A proposta multimídia da obra combina arte e tecnologia de forma poética e provocadora.
O documento resume os principais movimentos artísticos modernos na Europa e sua influência no Brasil, como o Impressionismo, Fauvismo, Expressionismo, Cubismo, Surrealismo, Abstracionismo, Futurismo, Dadaísmo e o Modernismo brasileiro. Destaca a Semana de Arte Moderna de 1922 no Brasil e o movimento Antropofágico de Tarsila do Amaral, que buscou criar uma arte genuinamente brasileira a partir da assimilação dos estilos europeus.
O documento discute uma aula sobre esculturas tridimensionais em papel. Ele fornece informações sobre o conteúdo da aula, os objetivos de aprendizagem, os procedimentos metodológicos e a avaliação. O documento também inclui exemplos de esculturas e artistas brasileiros.
Mário Gruber iniciou sua carreira como escultor e pintor autodidata em 1943 em Santos. Ele se mudou para São Paulo em 1946 para estudar na Escola de Belas Artes, mas logo se desiludiu com a escultura e se concentrou na pintura. Gruber estudou gravura na França em 1949 e lecionou gravura no Museu de Arte Moderna de São Paulo em 1953. Ele se tornou um dos principais nomes da arte contemporânea paulista, realizando inúmeras exposições individuais de pintura e gravura.
O documento discute diferentes conceitos e manifestações de desenho. Aponta que desenho não se resume a registros gráficos bidimensionais, mas também a objetos tridimensionais e sinais na natureza. Explora como desenho é uma forma de conhecimento e apropriação do mundo através da linha, que permite infinitas possibilidades expressivas independente de forma.
Este documento apresenta instruções e atividades para um módulo de arte do ensino médio. Ele inclui explicações sobre letras inclinadas, colagem, charges, ilustração e técnicas de pintura como aquarela e op-art, além de exercícios relacionados a cada tópico.
O documento fornece subsídios para a implementação do ensino de arte no ensino fundamental, descrevendo a importância da arte no desenvolvimento dos alunos e caracterizando a área de arte. A arte desenvolve a percepção, imaginação e sensibilidade dos alunos e os ajuda a se relacionar com outras disciplinas. A arte também revela aspectos sociais e culturais e está presente em profissões.
O documento descreve diferentes técnicas artísticas como desenho, pintura, gravura, escultura e suas variações. Ele fornece detalhes sobre como cada técnica é executada e links para vídeos explicativos adicionais. O documento serve como um guia abrangente sobre as principais formas de arte visual.
Este projeto tem como objetivo ensinar aos alunos sobre a pintura sul-mato-grossense através da criação de um mural na escola, representando obras de três artistas regionais: Lelo, Cleir Isaac de Oliveira e Ana Ruas. Os alunos irão aprender sobre esses artistas e produzir seus próprios trabalhos inspirados neles para serem ampliados no mural, promovendo o aprendizado da arte regional.
O documento descreve a obra "Abaporu" de Tarsila do Amaral de 1928 que inspirou o Movimento Antropofágico. A obra representa o homem nativo da terra e traz a ideia do homem selvagem e antropófago. Os estudantes são convidados a dar sua própria interpretação da obra.
O documento descreve uma aula sobre obras da artista brasileira Tarsila do Amaral ministrada para alunos do 5o ano. A aula incluiu leitura e análise de imagens de quadros famosos de Tarsila, discussão sobre sua vida e estilo artístico, além de atividades práticas de pintura e produção textual inspiradas em suas obras.
O documento resume 11 artes diferentes, incluindo música, dança, pintura, escultura, teatro, literatura, cinema, fotografia, banda desenhada, jogos de vídeo e arte digital. Ele fornece breves descrições de cada arte, destacando seus elementos essenciais e origens históricas.
O documento discute obras de arte e esculturas clássicas. Apresenta perguntas sobre as obras para analisar elementos como linhas, formas, cores, significados e proporções. Também reflete sobre temas como a representação do corpo humano, esportes na Grécia Antiga, e a introdução do modernismo na escultura brasileira.
Este documento presenta un procedimiento para probar si una secuencia de números es aleatoria mediante pruebas de corridas arriba y debajo de la media y de Kolmogorov-Smirnov. Se aplican estas pruebas a una secuencia de 25 números obtenidos a través del método de cuadrados medios para determinar si provienen de una distribución uniforme. Los resultados muestran que el estadístico Z0 calculado se encuentra dentro del rango de confianza del 95%, por lo que no se puede rechazar la hipótesis nula de que los números
O documento discute a Guerra Fria, incluindo sua definição como disputa não convencional entre EUA e URSS, a divisão da Europa após a Segunda Guerra e a criação dos blocos capitalista e socialista, e os principais eventos das décadas de 1950 a 1980 durante o período da Guerra Fria.
O documento lista vários materiais que escultores modernos e contemporâneos usam para criar esculturas, incluindo jornais, caixas de ovos, plásticos, brinquedos, materiais de escritório e eletrônicos. O documento também menciona alguns escultores portugueses e a artista Joana Vasconcelos, que interpreta o mundo contemporâneo através da apropriação de objetos da sociedade de consumo.
Este documento apresenta os objetivos e conteúdos da disciplina Fundamentos da Linguagem Visual. O curso tem como objetivo dominar os princípios da linguagem visual e desenvolver a percepção crítica e capacidade de análise das relações entre os elementos estruturais da linguagem visual. Os conteúdos incluem princípios da composição, elementos visuais e sua organização, além de aplicações no design.
O documento discute como a arte pode ser representativa de várias coisas, incluindo período histórico, cultura e estado de espírito. Ele também explora como a desconstrução e reconstrução de obras de arte podem fornecer novas perspectivas.
O documento discute os conceitos de arte, estética e comunicação visual. Em três frases, resume:
A arte serve para despertar o humano em nós e ajuda no autoconhecimento, nas relações humanas e na compreensão do mundo de forma não verbal. A estética estuda as formas, emoções e filosofia da arte ao longo do tempo. Diferentes elementos como ponto, linha, forma, cor, textura e movimento compõem a linguagem visual e permitem a comunicação nas artes.
Regina Silveira é uma artista brasileira pioneira da videoarte e multimídia. Formou-se em pintura e possui mestrado e doutorado em artes. Sua obra questiona a natureza da representação visual por meio de técnicas como anamorfose, fotogramas e distorções de perspectiva, utilizando luz, sombra, espaços e objetos. Sua maior intervenção de arte pública foi a criação de um céu projetado no emblemático prédio da Fundação Bienal de São Paulo.
Este documento apresenta orientações iniciais sobre o curso de arte para alunos do ensino médio, incluindo informações sobre os materiais de estudo divididos em módulos e exercícios para serem realizados. Também fornece instruções sobre desenho básico e apreciação de obras de arte.
Este documento discute a obra Lunar da artista Regina Silveira. A obra consiste em uma animação de duas esferas que crescem e encolhem de forma aleatória e desconexa, criando uma sensação de estranheza no espectador através da manipulação da percepção de tamanho em relação à distância. A proposta multimídia da obra combina arte e tecnologia de forma poética e provocadora.
O documento resume os principais movimentos artísticos modernos na Europa e sua influência no Brasil, como o Impressionismo, Fauvismo, Expressionismo, Cubismo, Surrealismo, Abstracionismo, Futurismo, Dadaísmo e o Modernismo brasileiro. Destaca a Semana de Arte Moderna de 1922 no Brasil e o movimento Antropofágico de Tarsila do Amaral, que buscou criar uma arte genuinamente brasileira a partir da assimilação dos estilos europeus.
O documento discute uma aula sobre esculturas tridimensionais em papel. Ele fornece informações sobre o conteúdo da aula, os objetivos de aprendizagem, os procedimentos metodológicos e a avaliação. O documento também inclui exemplos de esculturas e artistas brasileiros.
Mário Gruber iniciou sua carreira como escultor e pintor autodidata em 1943 em Santos. Ele se mudou para São Paulo em 1946 para estudar na Escola de Belas Artes, mas logo se desiludiu com a escultura e se concentrou na pintura. Gruber estudou gravura na França em 1949 e lecionou gravura no Museu de Arte Moderna de São Paulo em 1953. Ele se tornou um dos principais nomes da arte contemporânea paulista, realizando inúmeras exposições individuais de pintura e gravura.
O documento discute diferentes conceitos e manifestações de desenho. Aponta que desenho não se resume a registros gráficos bidimensionais, mas também a objetos tridimensionais e sinais na natureza. Explora como desenho é uma forma de conhecimento e apropriação do mundo através da linha, que permite infinitas possibilidades expressivas independente de forma.
Este documento apresenta instruções e atividades para um módulo de arte do ensino médio. Ele inclui explicações sobre letras inclinadas, colagem, charges, ilustração e técnicas de pintura como aquarela e op-art, além de exercícios relacionados a cada tópico.
O documento fornece subsídios para a implementação do ensino de arte no ensino fundamental, descrevendo a importância da arte no desenvolvimento dos alunos e caracterizando a área de arte. A arte desenvolve a percepção, imaginação e sensibilidade dos alunos e os ajuda a se relacionar com outras disciplinas. A arte também revela aspectos sociais e culturais e está presente em profissões.
O documento descreve diferentes técnicas artísticas como desenho, pintura, gravura, escultura e suas variações. Ele fornece detalhes sobre como cada técnica é executada e links para vídeos explicativos adicionais. O documento serve como um guia abrangente sobre as principais formas de arte visual.
Este projeto tem como objetivo ensinar aos alunos sobre a pintura sul-mato-grossense através da criação de um mural na escola, representando obras de três artistas regionais: Lelo, Cleir Isaac de Oliveira e Ana Ruas. Os alunos irão aprender sobre esses artistas e produzir seus próprios trabalhos inspirados neles para serem ampliados no mural, promovendo o aprendizado da arte regional.
O documento descreve a obra "Abaporu" de Tarsila do Amaral de 1928 que inspirou o Movimento Antropofágico. A obra representa o homem nativo da terra e traz a ideia do homem selvagem e antropófago. Os estudantes são convidados a dar sua própria interpretação da obra.
O documento descreve uma aula sobre obras da artista brasileira Tarsila do Amaral ministrada para alunos do 5o ano. A aula incluiu leitura e análise de imagens de quadros famosos de Tarsila, discussão sobre sua vida e estilo artístico, além de atividades práticas de pintura e produção textual inspiradas em suas obras.
O documento resume 11 artes diferentes, incluindo música, dança, pintura, escultura, teatro, literatura, cinema, fotografia, banda desenhada, jogos de vídeo e arte digital. Ele fornece breves descrições de cada arte, destacando seus elementos essenciais e origens históricas.
O documento discute obras de arte e esculturas clássicas. Apresenta perguntas sobre as obras para analisar elementos como linhas, formas, cores, significados e proporções. Também reflete sobre temas como a representação do corpo humano, esportes na Grécia Antiga, e a introdução do modernismo na escultura brasileira.
Este documento presenta un procedimiento para probar si una secuencia de números es aleatoria mediante pruebas de corridas arriba y debajo de la media y de Kolmogorov-Smirnov. Se aplican estas pruebas a una secuencia de 25 números obtenidos a través del método de cuadrados medios para determinar si provienen de una distribución uniforme. Los resultados muestran que el estadístico Z0 calculado se encuentra dentro del rango de confianza del 95%, por lo que no se puede rechazar la hipótesis nula de que los números
O documento discute a Guerra Fria, incluindo sua definição como disputa não convencional entre EUA e URSS, a divisão da Europa após a Segunda Guerra e a criação dos blocos capitalista e socialista, e os principais eventos das décadas de 1950 a 1980 durante o período da Guerra Fria.
O documento lista vários materiais que escultores modernos e contemporâneos usam para criar esculturas, incluindo jornais, caixas de ovos, plásticos, brinquedos, materiais de escritório e eletrônicos. O documento também menciona alguns escultores portugueses e a artista Joana Vasconcelos, que interpreta o mundo contemporâneo através da apropriação de objetos da sociedade de consumo.
O documento apresenta informações sobre o artista Paul Klee, incluindo sua biografia, técnicas e obras. Os alunos irão analisar duas obras de Klee e criar uma releitura de uma delas usando o aplicativo kolorpaint. Sua criatividade e interpretação serão avaliadas.
Este documento discute os diferentes tipos de representações da Terra através de mapas, incluindo projeções cartográficas como Azimutal, Cônica e Cilíndrica. Também aborda a história dos mapas, desde os primeiros mapas de Anaximandro e Hecateu até mapas medievais e dos grandes navegadores como Colombo e Cook. Finalmente, descreve os elementos essenciais de um mapa e diferentes tipos de mapas como temáticos, topográficos e urbanos.
O documento apresenta uma breve história da escultura, desde as esculturas primitivas como a Vênus de Willendorff até esculturas contemporâneas brasileiras como Os Candangos de Bruno Giorgio, passando por exemplos gregos, romanos, barrocos italianos e brasileiros e modernos.
O texto discute a relação entre luz e sombra, afirmando que a sombra busca desesperadamente a luz e que o destino final de toda treva é habitar a luz. A luz é o caminho natural da criação e até as plantas se curvam para ela, enquanto a escuridão é apenas a tolerância de Deus. Quem conhece a luz jamais despreza a treva.
História da Arte: Linha do tempo - Renascimento ao RomantismoRaphael Lanzillotte
O documento resume os principais estilos artísticos entre o Renascimento e o Romantismo, incluindo suas características nas áreas de arquitetura, pintura e escultura.
1) O documento apresenta exemplos de esculturas e arte do Egito, Mesopotâmia, Grécia e Roma, incluindo bustos, estátuas e relevos.
2) Na Mesopotâmia, destaca-se um touro alado com cabeça humana e estátuas do governador Gudea.
3) Na Grécia, há menção a um kouros e uma deusa com serpentes de Creta, além do Portal dos Leões de Micenas.
Slides sobre Escultura (simples) para o 9º anoCristina Ramos
Este documento descreve o que é escultura, suas características e técnicas. A escultura envolve a criação de objetos artísticos em três dimensões usando materiais como argila, bronze e pedra. Técnicas como cinzelamento, modelagem e fundição são usadas para dar forma à obra, que pode representar pessoas, objetos ou formas abstratas.
O documento discute conceitos de linguagem visual como linhas verticais, diagonais e curvas e como elas transmitem significados. Também descreve a influência do artista Piet Mondrian na moda, especialmente um vestido de Yves Saint Lauren de 1965. Finalmente, discute a representação da luz e sombra na pintura e como elas são usadas como elementos visuais.
O documento discute a importância da educação para o desenvolvimento econômico e social de um país. A educação é essencial para promover a inovação, o empreendedorismo e a competitividade global. Investimentos sustentados em educação de qualidade são cruciais para formação de capital humano e geração de crescimento a longo prazo.
Este documento descreve as principais técnicas de escultura, incluindo cinzelação, fundição, moldagem e aglomeração de partículas. Detalha os materiais comumente usados como bronze, mármore, argila e madeira, e explica como a escultura surgiu na Idade Média para homenagear deusas.
O documento descreve os principais elementos, técnicas e história da pintura, incluindo diferentes tipos como óleo, aguarela e vitral. Explora conceitos como cor, médium e suporte, e menciona alguns géneros como natureza morta, retrato e paisagem. Finalmente, lista alguns pintores famosos como Da Vinci, Picasso e Dalí, e artistas portugueses como Paula Rêgo e Júlio Pomar.
A pintura evoluiu ao longo da história, desde a representação no Renascimento até perder importância no século XIX. Alguns tipos de pintura incluem pintura a óleo, figurativa e de gênero, enquanto pintores como Gauguin, Picasso, Giotto e Van Gogh marcaram a história da arte.
O documento descreve 12 aulas de artes. As aulas incluem explorações de cores e tons, cores primárias, técnicas com giz de cera, terra e cola, pasta de dente, espuma, luz, forma e cor, traços geométricos, espontaneidade, guache e cola, e a técnica sfumato de Leonardo da Vinci na Monalisa. As aulas visam proporcionar descobertas e aprendizados sobre arte de forma criativa e diversificada.
O documento fornece informações sobre o Renascimento na Europa entre os séculos XV e XVI. O movimento surgiu na Itália e se espalhou pela Europa graças ao comércio. Artistas como Leonardo da Vinci, Michelangelo, Rafael e Botticelli floresceram neste período e produziram obras primas que valorizavam a cultura greco-romana e o ser humano.
O documento discute a história do auto-retrato na arte, desde as pinturas rupestres na Pré-História até os dias atuais. Ele explica como o auto-retrato reflete a personalidade e época do artista e como diferentes períodos, como o Renascimento e o Barroco, viram um aumento no uso do auto-retrato. O documento também destaca os muitos auto-retratos feitos por artistas como Rembrandt, Van Gogh e Frida Kahlo.
El documento describe los diferentes tipos de pintura, incluyendo su historia, composición y usos. Explica que las pinturas están compuestas de pigmentos, aglutinantes y disolventes. Luego detalla varios tipos comunes como temple, pintura plástica, esmalte graso, al cemento y a la cal, describiendo sus características y usos principales.
La escultura es el arte de modelar materiales como barro, madera u otros para crear volúmenes y formas tridimensionales. Originalmente tuvo funciones prácticas o rituales, pero luego se volvió más estética u ornamental. Existen dos tipos principales: estatuaria, que incluye estatuas y relieves, y escultura ornamental para decorar edificios. A lo largo de la historia, la escultura ha usado diversos materiales y técnicas en diferentes culturas y épocas como la prehistoria, Grecia y R
O documento descreve um plano de aula sobre técnicas e materiais artísticos para alunos de artes visuais. O plano inclui objetivos de explorar criatividade usando técnicas e materiais adequados, uma metodologia expositiva e demonstração, e uma avaliação formativa individual.
O documento define pintura e apresenta seus principais gêneros, materiais e técnicas. Discorre sobre definições de pintura, gêneros como paisagem e retrato, materiais como tintas a óleo e acrílica, e ferramentas como pincéis e paletas.
O documento descreve vários instrumentos e técnicas de desenho e pintura, incluindo lápis de grafite, lápis de cor, canetas de feltro, lápis de cera, aguarela e guache. Detalha as características de cada um como a composição, aplicação e efeitos produzidos. Inclui exemplos de obras criadas com essas técnicas por artistas como David Hockney, M. Vallens e Richard Diebenkorn.
O documento descreve vários instrumentos e técnicas de desenho e pintura, incluindo lápis de grafite, lápis de cor, canetas de feltro, lápis de cera, aguarela e guache. Detalha as características de cada um como a composição, aplicação e efeitos produzidos. Inclui exemplos de obras criadas com essas técnicas por artistas como David Hockney, M. Vallens e Richard Diebenkorn.
O documento discute vários meios e instrumentos utilizados para riscar e pintar, incluindo lápis (de grafite e de cor), canetas de feltro, lápis de cera, aguarela e guache. Estes meios permitem que artistas expressem o que sentem e pensam através da arte visual.
O documento discute várias técnicas de pintura a óleo, incluindo métodos como "Fat over Lean" e "wet-on-wet", e lista os materiais básicos necessários como telas, cores, solventes e pincéis. Também fornece dicas sobre como diluir cores, evitar rachaduras, e recomendações de cores comuns como branco de titânio e vermelho de cádmio.
O documento discute várias técnicas de pintura a óleo, incluindo métodos como "Fat over Lean" e "wet-on-wet", e lista os materiais básicos necessários como telas, óleos, solventes, cores e pincéis. Também fornece dicas sobre como diluir cores, evitar rachaduras, e alguns dos principais pigmentos usados em pintura a óleo.
Este documento apresenta os artistas e suas obras que farão parte de uma exposição coletiva na Galeria Artur Gonçalves entre 14 e 25 de Fevereiro de 2011. A mostra tem como objetivo divulgar o trabalho dos pintores da Escola Artur Gonçalves e dar a conhecer seus talentos que são desenvolvidos nos seus ateliês. São apresentados breves biografias e imagens das obras de vários artistas como Antonieta Xavier, Catarina Coelho, Fernanda Pereira e Fernanda Torrinha.
Este documento fornece instruções passo-a-passo para personalizar garrafas de vidro vazias pintando-as com tinta acrílica, colocando adesivos e fazendo desenhos com pincéis. Os materiais necessários incluem garrafas de vidro, tinta acrílica, rolinhos, fita crepe, barra adesiva e pincéis.
Pintura Decorativa em Garrafas, ótima dica para decoração.Rose Lopes
Este documento fornece instruções passo-a-passo para personalizar garrafas de vidro vazias pintando-as com tinta acrílica, colocando adesivos e fazendo desenhos com pincéis. Os materiais necessários incluem garrafas de vidro, tinta acrílica, rolinhos, fita crepe, barra adesiva e pincéis. Siga os passos de lavar, aplicar goma laca e dividir as áreas com fita antes de pintar e esperar secar entre as camadas de tinta.
1) A aguarela é uma tinta sólida que se dissolve em água e é aplicada sobre papel de forma transparente, destacando as cores claras do papel.
2) Existem duas técnicas principais de aguarela: aplicando camadas sucessivas para escurecer as cores ou aplicando sobre papel úmido para misturar as cores.
3) A história da aguarela remonta há mais de 2000 anos na China e foi desenvolvida na Europa a partir do século XV, tornando-se popular na Inglaterra como arte e método de ilustra
Este documento fornece dicas para pintura em tecidos, incluindo recomendações sobre os melhores tipos de tecido e tinta, como testar antes de começar, preparação do tecido, uso de pincéis, mesa e esboço. Também fornece instruções sobre aplicação da tinta, marcações, preenchimento e uso de grafismo.
Este documento apresenta os elementos básicos da linguagem visual como ponto, linha e forma, além de abordar a abstração e diferentes técnicas de pintura. Ele usa o artista Wassily Kandinsky como exemplo para ilustrar a arte abstrata e fornece referências para aprofundar o estudo destes tópicos.
O documento descreve a história da pintura em tela desde a Idade Média até os movimentos artísticos modernos, destacando os principais pintores de cada período. Também aborda os processos de fabricação de telas, tintas e pincéis.
Este documento é uma apostila de arte para alunos do ensino fundamental que contém instruções e atividades sobre vários tópicos artísticos como desenho, cor, textura e sombreamento. A apostila enfatiza a importância da criatividade, observação e dedicação dos alunos em suas atividades artísticas. As atividades propostas incluem exercícios práticos como desenhos, pinturas e colagens para aplicar os conceitos aprendidos.
Este documento é uma apostila de arte para alunos do ensino fundamental que aborda diversos tópicos como: introdução à arte, cores, formas, profundidade, sombreamento, abstração e arte grega. Ele fornece explicações e atividades práticas para os alunos aprenderem diferentes técnicas artísticas.
Este documento descreve a técnica de desenho a carvão, incluindo seu histórico, materiais usados e processos. Explica que o carvão é um dos métodos de desenho mais antigos e simples, e foi amplamente usado no Renascimento para esboços preliminares. Também lista os diferentes tipos de carvão e superfícies usadas, além de fornecer dicas sobre como desenhar e fixar desenhos a carvão.
O documento descreve a técnica de desenho a carvão, incluindo seu histórico, materiais usados e processos. Explica que o carvão é um dos métodos de desenho mais antigos, permitindo traços amplos e sombreados. Também lista diferentes tipos de carvão e superfícies para desenho, além de técnicas e ferramentas associadas.
O documento descreve a técnica de desenho a carvão, incluindo seu histórico, materiais usados e processos. Explica que o carvão é um dos métodos de desenho mais antigos e simples, e foi amplamente utilizado no Renascimento para esboços. Também lista diferentes tipos de carvão e superfícies para desenho, além de técnicas comuns para trabalhar com esta mídia artística.
O documento descreve diferentes tipos de pastéis, incluindo pastéis de óleo. Pastéis de óleo são semelhantes a pastéis secos, mas feitos de uma mistura de pigmento e óleo. Eles aderem bem ao papel e permitem misturas de cores em camadas grossas ou finas. O documento também fornece dicas para trabalhar com pastéis de óleo, como escolher o local adequado e fazer testes das cores antes de aplicá-las na obra final.
1. Pintura
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Índice
A pintura
Tintas e instrumentos
Suportes da pintura
Luz e sombra
1
2. Pintura
A pintura é uma das formas mais tradicionais de fazer arte. Há mais de 20 mil anos, grupos
humanos já faziam pintura em paredes de cavernas.
Uma das linguagens mais utilizadas em trabalhos artísticos é a pintura. Ela é cheia de segredos
e possibilidades a serem descobertos e aprendidos.
Divulgação/Editora Abril
A sala vermelha ou Harmonia
Vermelha,
de Henri Matisse, 1908.
Óleo sobre tela, 180 cm x 220 cm.
2
3. Tintas e instrumentos
Para cada técnica de pintura são utilizados
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diferentes tipos de tintas, pincéis e outros
instrumentos. Cada tipo de tinta tem uma
composição.
Alguns tipos de tinta são:
Guache
É uma tinta mais pastosa que a aquarela. Pode
ser usada em várias diluições com água. É
excelente para pintar superfícies uniformes, de
uma única cor, sem manchas sobre o papel.
Nanquim
É uma tinta de invenção chinesa, muito boa para
escrever ou desenhar. Pode ser usada com as
antigas penas de tinteiro e com pincéis de ponta
fina.
3
4. Tintas e instrumentos
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Aquarela
É uma tinta transparente. Deve ser diluída em
água e sobreposta camadas. O ideal é usá-la
sobre papel absorvente, com pincel de pelos
bem macios.
Tinta acrílica
É composta por pigmentos e resinas plásticas. Pode ser
diluída com água ou em uma base própria. Pode ser aplicada
em materiais diversos, como, por exemplo, tela, madeira,
tecido, chapas metálicas, entre outras superfícies. Deve ser
usada com pincéis duros, como os de cerdas de porco ou de
fibras artificiais. Seca rapidamente.
4
5. Tintas e instrumentos
Tinta a óleo
MAC-USP
A tinta a óleo demora para secar, o que permite ao
artista modificar a pintura até obter o resultado que
lhe agrade. Pode ser diluída com óleo de linhaça.
Se for muito diluída, pode ficar transparentes; se for
empregada mais concentrada, pode deixar relevos
na pintura.
Deve ser usada sobre tela, mas também pode ser
usada sobre madeira.
Para o emprego da tinta a óleo, o pincel deve variar
O enigma de um dia, de Giorgio De Chirico, 1914. Óleo sobre
de acordo com a diluição. Caso ela seja usada bem
tela, 83 x 130 cm. Museu de Arte Contemporânea da
Universidade de São Paulo, São Paulo. In: Coleção MAC/ pastosa, a pintura pode ser feita com uma espátula.
Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Os pincéis usados para aplicá-la devem ser limpos
Paulo; curadores Martin Grossmann, Teixeira Coelho; versão com uma resina extraída de plantas chamada
para Inglês Thomas Kasten. São Paulo: Comunique, 2003. terebintina ou com aguarrás.
p. 79.
Foto: Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São
Paulo (MAC-USP)
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6. Tintas e instrumentos
O artista holandês Vincent van Gogh (1853-1890) fez esta pintura usando tinta a óleo
em camadas espessas, deixando à mostra suas pinceladas, de modo que podemos até
imaginá-lo.
O movimento das pinceladas traduz o mundo interior do artista. Ele conseguiu, assim,
transformar tinta e paisagem em emoção.
Museu Nacional Vicent van Gogh,
Amsterdã, Holanda.
Trigal com corvos, de Vincent Van Gogh, 1890.
Óleo sobre tela, 50,5 cm x 103 cm. Museu Nacional Vincent van
Gogh, Amsterdã, Holanda.
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7. Tintas e instrumentos
Coleção particular
O artista brasileiro Arcangelo Ianelli (1922-2009)
é considerado um mestre das cores.
Nesta pintura, ele criou a ilusão de que alguns
retângulos transparentes foram empilhados. Para
construir as transparências, Ianelli usou tinta a
óleo.
Ele combinou diferentes intensidades de cores
para, com elas, criar a impressão de
transparências, fazendo parecer que existe uma
sobreposição de figuras.
Superposição de retângulos, de Arcângelo Ianelli, 1973.
Óleo sobre tela, 150 cm x 200 cm. Coleção particular, São
Paulo (SP).
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8. Suportes da pintura
Geralmente, recebe o nome de suporte a superfície sobre a qual podem ser feitos um
desenho, uma pintura ou uma colagem.
Afresco Retábulos
São pinturas feitas em paredes Objetos de madeira, pintados com
por meio de uma técnica especial temas religiosos, com molduras
feita com tinta e cimento. Os esculpidas e geralmente forradas
primeiros afrescos encontrados de folha de ouro. Esse suporte foi
são da civilização minoica, de muito utilizado pelos artistas do fim
cerca de 1 600 a.C. da Idade Média.
Tela Papel
Durante o Renascimento, a tinta a Suporte tradicionalmente utilizado na
óleo foi aperfeiçoada pelos pintura. Algumas técnicas só podem
artistas, que passaram a empregar ser utilizadas no papel. É o caso da
o quadro, composto por um aquarela e da maioria das gravuras.
pedaço de linho esticado sobre Os trabalhos feitos sobre papel são
uma armação de madeira. Esse menos valorizados no mundo da arte,
suporte é muito comum na pintura em razão de sua fragilidade e da
de hoje. grande dificuldade em restaurá-los.
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9. Suportes da pintura
No início do século XX, muitos artistas resolveram experimentar novos suportes
para suas pinturas, servindo-se de materiais industrializados.
Começaram a pintar sobre pranchas de acrílico e plástico, chapas de metal
compensadas, tecidos e até mesmo objetos.
Coleção particular
Roupas, de Leda Catunda, 1990. Tinta
acrílica sobre tecido, 180 cm x 350 cm.
Coleção particular, São Paulo (SP).
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10. Luz e sombra
A sombra e a luz são dois lados do mesmo fenômeno. Se não há luz, não há
sombra! Entretanto, cada tipo de luz produz uma sombra diferente.
Em suas obras, alguns
artistas usam sombras
para criar climas
misteriosos ou dramáticos.
Os brilhos e as luzes têm a
finalidade de reproduzir, na
MAC-USP
pintura, materiais como
metais e pedras preciosas.
11. Luz e sombra
Existem dois tipos de sombra:
Sombra projetada Sombra própria
Cobre a região do espaço onde a luz não
chega, pois foi bloqueada por um objeto. É a região mais escura de um objeto
observado sobre uma fonte de luz.
Tem a mesma forma do objeto que a projeta, mas
pode ser deformada de acordo com o ângulo, a A face do objeto voltada para a luz
proximidade e a intensidade da luz. torna-se mais clara; a face oposta,
mais escura.
Quanto mais forte e dirigida é a fonte de luz,
melhor delimitada é a sombra projetada. Em objetos cilíndricos e esféricos, a
sombra própria vai se acentuando
Em um dia nublado, a luz é distribuída por igual no suavemente até a região oposta à luz.
céu. Portanto, não se formam sombras projetadas.
A sombra própria ressalta o volume
Já no amanhecer ou entardecer dos dias de sol, e nos ajuda a ver a profundidade
formam-se longas sombras na calçada. das coisas.
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12. Luz e sombra
Alguns artistas transformam as luzes e as
sombras em objeto de pesquisa. As obras
National Gallery, London
de Caravaggio (1571-1610), por exemplo,
são marcadas por essa técnica.
O quadro ao lado trata-se de um episódio
da Bíblia, no qual Jesus, depois de sua
ressurreição, revela-se a dois discípulos
na cidade de Emaús.
O ambiente é escuro, mas há uma luz
forte à esquerda que ilumina o rosto de
Jesus e projeta uma sombra sobre a
parede. Observe também o brilho da
tigela na frente de Pedro (de braços
abertos à esquerda de Jesus) e na sombra
Ceia em Emaús, de Caravaggio, 1600-1601.
da fruteira, que parece estar quase caindo
Óleo sobre tela, 138 cm x 195 cm. Galeria da mesa, no primeiro plano.
Nacional, Londres (Reino Unido).
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