O documento discute a evolução da clareza e obscuridade na arte ao longo dos séculos XVI e XVII. No século XVI, a arte clássica buscava a perfeita visibilidade através de contrastes significativos. Já no século XVII, a arte barroca rejeitava a nitidez máxima, usando a luz e sombra para ocultar detalhes e deixar a interpretação ao observador, trocando a forma perfeita por imagens dinâmicas e ilimitadas.

1. Clareza e Obscuridade

2. Existe uma beleza do obscuro , e a arte continua a ser arte mesmo quando renuncia ao ideal da clareza absoluta Toda arte procura dificultar cada vez mais a tarefa a ser realizada pelos olhos Uma vez solucionado o problema de representação clara, é natural que a forma da imagem se complique e que o espectador, para quem a simplicidade tornou-se demasiada, encontre prazer ao solucionar uma tarefa mais complicada

3. A luz e a sombra são tão importantes quanto o próprio desenho na definição da forma Cada efeito tem a função de caracterizá-la em seus detalhes e organizar o conjunto

4. Séc. XVI – O Clássico Neste século o desenho era totalmente claro Por mais que a representação dos detalhes não fosse alcançada, não havia resíduo de confusão. A idéia era proporcionar uma visibilidade perfeita Os desenhos são desenvolvidos em contrastes significativos , sendo possível medí-los com rigor por toda a sua extensão, a simples disposição dos corpos torna as obras de uma clareza absoluta Todas as formas mostram o que possuem de mais característico

5. Séc. XVII – Barroco Não só a escuridão cobriu as cenas neste século, mas, a luz também pôde ser usada para ocultar elementos importantes e enfatizar os secundários No Barroco há uma rejeição ao grau máximo de nitidez A intenção é não dizer tudo e deixar que os detalhes possam ser adivinhados , interpretados pelo observador O interesse pela forma perfeitamente moldada cede lugar ao interesse pela imagem ilimitada e dinâmica