O documento discute os princípios do estilo de continuidade no cinema, incluindo: 1. A importância de manter a continuidade espacial, de performance, de som e de mise-en-scène entre os planos. 2. A regra dos 180° e a regra dos 20mm/30° para manter a coerência espacial entre os planos. 3. A técnica do corte na ação para criar uma sensação suave de tempo e movimento entre os planos.

1. Organização do Tempo e do Espaço
Prof. Armando Bulcão
MICK HURBIS-CHERRIER (2012)
Voice & Vision - A Creative Approach to
Narrative Film And Dv Production. Elsevier Inc / Focal Press
Chapter 4 - Organizing Cinematic Time and Space

2. Estilo Continuidade - Gravação e Edição
É um sistema que assegura que planos individuais, quando
editados, em conjunto, induzirão à ilusão de um movimento e
espaço contínuos, independente da ordem em que os planos
serão rodados.
O sistema de continuidade foi concebido para
• apresentar uma cena sem qualquer confusão sobre as relações
espaciais e temporais de pessoas, objetos e ações.
• tornar cada edição, o link entre um plano e o outro, possível.
Embora os princípios do sistema de continuidade possam , à
primeira vista, parecer um pouco como um quebra-cabeça
desnecessariamente complexo, são, na verdade, bastante
simples e pode ser dominada com relativamente pouco
experiência de filmagem e

3. PRINCÍPIOS DO ESTILO CONTINUIDADE
• princípios de filmagem
• princípios de edição
Não há maneira de separar os dois princípios.
As exigências do processo de edição devem ser
conhecidas no processo de filmagem.
Um diretor precisa produzir mais do que apenas
uma coleção de excelentes planos.
Deve pensar como os planos irão funcionar juntos
na edição.

4. Estilo Continuidade
O objetivo tradicional do estilo continuidade é
não ser sequer percebido.
Dois homens em uma mesa de xadrez no
parque de começam uma partida de xadrez.
Plano A
Plano Geral
Plano B
Plano Médio Close-Up
O jogador com as peças brancas faz seu
primeiro lance e bate no relógio.

5. Continuidade da Mise-en-Scène
As roupas do personagem, os objetos que usa ou toca e
seu entorno precisam permanecer os mesmos entre um
plano e outro para não quebrar a continuidade.
Podem causar problemas
• Objetos de cena.
– cigarro
– um copo - meio vazio/cheio
– uma vela
– relógios
Mudanças de luz
Tire fotos de cena

6. Continuidade do Som
Se você está rodando um filme com som, então o universo
auditivo compartilhado entre os planos A e B também deve
ser consistente.
Isto é especialmente difícil quando se trata de som ambiente.
Sons do ambiente são os sons que existem naturalmente em
um determinado local.
Se você estiver na praia, o som ambiente pode incluir ondas
de quebra, gaivotas, e crianças brincando.
A percepção humana do som desenvolveu a habilidade de
ignorar ou "filtrar" um monte de som ambiente e
"concentrar" os nossos ouvidos em sons importantes.
Mas o som ambiente pode ser um desastre para a
continuidade sonora de um filme.

7. Continuidade da performance, ações e locação
No estilo continuidade, ao cortar de um plano para o outro, o
posicionamento e as ações físicas do performer devem ser
consistentes.
O personagem move o peão do rei com a mão esquerda em
um plano geral , então ele deve mover a mesma peça com a
mesma mão no meio close-up, no referido local.
Isso garante que correspondência entre as ações visíveis nos
dois planos.
O ritmo em que o personagem realiza a ação é outro fator a
considerar quanto à continuidade.
Se no plano A, um movimento rápido acerta o relógio –mas,
no plano B, realiza-se de forma vagarosa, a mudança abrupta
de ritmo poderá parecer, tornando o corte evidente!

8. Continuidade Espacial - o Princípio 180o
Continuidade espacial é um princípio fundamental no sistema de
continuidade.
• Para que o espectador compreenda o espaço físico da cena e as
relações entre personagens e objetos no espaço, é preciso manter a
orientação espacial coerente e consistente.
O princípio de 180 °
• Em uma sequência de continuidade, fotografe todos os planos a
partir de apenas um lado da ação.
Ao começar a filmar uma ação de um lado, não podemos colocar nossa
câmera do outro lado dessa
Caso contrário, na perspectiva do espectador, a orientação dos
personagens e suas ações será revertida e os cortes reunindo os
planos apresentarão problemas de continuidade.

9. Regra dos 180°

10. Regra 20 milímetros / 30°
Quando se corta de um plano de um assunto para outro plano do
mesmo assunto, precisamos ter certeza de que cada plano é uma
composição distinta em termos de tamanho do quadro e ângulo da
câmera.
Quando os quadros são muito semelhantes, o espectador tem a
sensação de que um um “pulo”, um “salto”, uma descontinuidade.
Em alguns casos, isto pode ser uma abordagem estética desejável.
Mas no sistema de continuidade, é para ser evitada.
A regra 20 milímetros / 30 ° garante que cada tiro é uma composição
distinta.
Basicamente, a regra diz que, em uma mesma cena, ao cortar um
plano A para o plano B, temos de mudar o tamanho do plano B, em
pelo menos 20 milímetros (lente) e o ângulo da câmera (posicão da
camara) em pelo menos 30 ° com relação a sua posição no plano
anterior.

12. Corte na Ação
Corte na ação é uma técnica eficaz para a criação de
uma sensação suave de tempo contínuo e
movimento entre um plano e o outro.
Corte na ação jogo significa dividir um único
movimento entre dois planos - uma parte do
movimento está no Plano A e a continuação desse
movimento, no Plano B, subsequente.
Tecnicamente, há quatro pontos de edição fortes,
onde podemos combinar a ação do Plano Geral
para um plano mais próximo:

13. Ponto de Corte
Ação: Sentar
• Plano Geral - primeira parte da ação
– Corte
• Médio Close-Up - segunda parte da ação
Ação: Jogo
• Plano Geral – personagem olha para o seu adversário, inclina a cabeça e faz contato com visual com
o adversário.
– Corte
• Close-Up - personagem balança a cabeça
Ação: Jogo.
• Plano geral – personagem faz o primeiro movimento. Ao tocar a primeira peça do xadrez,
– Corte
• Close-Up – peça é movida no tabuleiro.
Ação: Jogo
• Plano Geral – mão do jogador aproxima-se do relógio
– Corte
• Médio Close-Up -na metade do movimento, quando ele realmente bate o botão.

14. Sobreposição da Ação
A decisão final sobre o ponto de corte depende da ênfase dramática
da cena.
O que significa que precisamos pensar sobre o porquê.
Estamos a desenhar para tornar o público mais próximo do
personagem neste preciso momento.
Tecnicamente falando, a fim permitir opções para o ponto de corte,
cada plano deve conter o inteira registro da ação contínua.
• No Plano Geral, registramos a ação inteira
• No Close-Up, duplicamos e registramos a ação inteira novamente.
Isso nos permite editar qualquer lugar ao longo dessa ação.
• na edição, significa uma variedade de possibilidades de corte.

17. Seis princípios básicos de continuidade
1. A continuidade de mise-en-scène
2. Continuidade de som
3. Continuidade de atuação
4. A continuidade da orientação espacial (eixo
de ação – regra 180°)
5. Regra 20mm/30°
6. Corte na Ação

18. Duas pessoas e pessoa / interações /objetos
Duas pessoas interagem ao longo de muitos cortes.
A forma tradicional e ainda mais comum de se aproximar de
uma interação de duas pessoas (ou pessoa e objeto) é
chamado de
Master Shot (Plano Mestre)
ou
Técnica reversa de Planos.
A cena principal é composta por três planos básicos
• O Plano Mestre
• O plano do Personagem 01
• O Plano do Personagem 02
Muitas vezes há um quarto tipo de plano - cutaway.

20. Correspondência de linhas de visão
Significa o preciso com o posicionamento da câmera e do foco
do olhar de um personagem para que haja precisão entre as
linhas de visão entre um plano e outro.
As linha de visão estabelecidos no tiro mestre não só são
rastreados na horizontal, mas eles também são definidos na
vertical, especialmente se houver uma discrepância de altura
entre os sujeitos (isto é, um que olha para baixo e outro que
olha acima). Coincidindo Eyeline envolve dois detalhes
importantes a ter em mente ao configurar para tiros reversos
(dois caracteres ou um personagem e objeto). A primeira é
simples e tem a ver com os olhos. Se você pretende para que
haja contato com os olhos, a direcção procura de um sujeito
em um tiro reverso deve ser focado

21. Correspondência de linhas de visão

22. Correspondência de linhas de visão

23. Correspondência de linhas de visão

24. Correspondência de linhas de visão

25. Cutaways
É um plano detalhe dentro de sua cena para além de os rostos dos
personagens.
Por exemplo, na cena dos jogadores de xadrez, um Cutaway pode ser
• um close-up extremo do relógio contando os segundos
• um plano de espectador assistindo seu jogo.
Geralmente, Cutaway podem ter poucas conexões continuidade à ação
principal de sua cena.
Cutaways são muito úteis na edição.
• para adicionar detalhes adicionais para o cenário
• para remendar tiros onde a continuidade é problemática
• uma maneira de esconder as alterações pós-produção (como cortar
blocos de diálogo)
• ou como uma forma de controlar a dramaticidade.

27. Cutaway

29. Em termos práticos
Uma cena mestre significa
Filmar a cena inteira em um plano mestre.
A seguir, alterando o posicionamento da câmara, refazer partes da cena.
Filmar os planos reversos de um personagem
Filmar os planos reversos do outro personagem.
É comum em uma cena filmar dois ou três ângulos diferentes e tamanhos de plano -
ou até mais.
Filmar uma cena de vários ângulos é chamado planos de cobertura.
A quantidade de cobertura que você pode realizar para qualquer cena é determinada.
• pela primeira vez por sua concepção visual da cena
• pelo seu tempo e recursos financeiros.
Planos de cobertura de múltiplos ângulos significam tempo e coordenação
continuidade.
Mas a possibilidade de escolher entre vários ângulos do mesmo momento também
significa grande flexibilidade na formação do arco dramático e ênfase da cena mais
tarde na edição.

30. Como organizar o espaço em uma cena um pouco mais complexa, em
que um dos personagens, move-se ao redor, interrompendo a linha
original de ação?
O que acontece se uma terceira pessoa entra em cena, fazendo com
que os personagens mudem as linhas de visão?
Não estamos de todo presos a apenas um eixo de ação em cada cena.
É comum haver mudanças na linha de ação.
Até mesmo várias vezes, dentro de uma única cena.
Cada vez que houver uma mudança de linhas de visão dentro de uma
cena, simplesmente tornar claro como e quando o eixo se deslocou.
E a seguir, redesenhar nossa linha de ação, e tomar os planos reversos
em conformidade com o novo eixo.

31. A BA B A B
AB AB
AB AB A B A B
Cam 01 Cam 02 Cam 03 Cam 04

32. Ponto de vista (POV)
Estabelecer ponto de vista (POV) de um personagem significa é representar a perspectiva visual desse
personagem - o que o personagem vê.
Ao criar um ponto de vista, o público não é apenas olha para o personagem.
Mas para o que ele vê e como ele vê.
Duas maneiras de criar POV de um personagem:
• usando uma câmera subjetiva
– estamos literalmente olhando através dos olhos de nosso personagem.
– normalmente é uma câmera na mão, de modo que seus movimentos assemelham-se ao olhar humano
• não vemos o personagem que está olhando, assim como nós, ao olhar, nunca realmente vemos
nossos próprios rostos.

33. Abordagem comum para a criação de POV
• uma sequência POV de três tiros, que, visualmente,
– aproxima a verdadeira perspectiva do personagem,
– permite-nos o acesso ainda mais íntima à percepção do personagem.
Os três planos na sequência POV são:
• o plano do personagem que olha
• o plano POV – para o que o personagem olha
• O plano de reação.
Plano A - mostra o personagem olhando para algo.
Corte - no preciso momento os olhos repousam sobre o alvo.
Plano B - plano POV, que mostra o que o personagem está olhando.

35. Em termos práticos, durante a produção, são necessários apenas dois
planos – separados pela inserção do POV.
Uma variação muito eficaz e comum da sequência POV de três tiros.
Fotografar um objeto a partir de um over sholder – o personagem e o
POV em um único plano.
A sensação de que estamos olhando por cima do ombro de um
personagem e ver o que eles veem.

36. Dramaticamente falando, a criação de um ponto de vista
específico, isto é, ligando o ponto de vista de um
determinado personagem - é um dispositivo forte.
É poderoso - através da câmera, o olhar de um
personagem torna-se visível ao público – que vê o que
veem!
Pode estabelecer a identificação com o público é
suposto.
O POV de um personagem alterar radicalmente o
significado de uma cena ou até mesmo todo o filme.
Não desperdice a conexão íntima criada através do POV
em personagem qualquer.

37. interações de grupos

40. Movimento através do espaço
No sistema de continuidade, a regra 180 ° também
se aplica ao movimento um personagem através do
espaço.
O movimento de um personagem (ou um carro, ou
animal, etc.) através do quadro estabelece a direção
da tela e o eixo de ação.
Para manter um rigoroso sentido de continuidade e
progresso em direção a um destino, devemos
manter a direção plano a plano do mesmo lado da
linha – conforme a regra 180 °.

42. Entrar e sair do quadro
Permitindo movimento dos motivos para entrar e sair do quadro em cada um
tiro é especialmente útil quando chega a hora de editar uma sequência em
movimento.
Cortar a partir do momento em que um sujeito sai do quadro para o
momento em que entram o quadro é uma edição muito bom, embora não
seja necessariamente o que você precisa fazer.
Ao permitir que um personagem indo para entrar e sair do quadro, você dá o
editor de uma gama de possíveis lugares em que para cortar na ação.