Discos para escapar de matrix

Tomás Pérez Guerrero
DISCOS PARA ESCAPAR
DE MATRIX

DISCOS PARA ESCAPAR
DE MATRIX
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2016

PRÓLOGO
“La tarea de ablandar el ladrillo todos los días, la tarea de abrirse paso en la masa
pegajosa que se proclama mundo, cada mañana topar con el paralelepípedo de nombre
repugnante, con la satisfacción perruna de que todo esté en su sitio, la misma mujer al lado,
los mismos zapatos, el mismo sabor de la misma pasta dentífrica, la misma tristeza de las casas
de enfrente,…”
Julio Cortázar abre una de sus obras más emblemáticas con una reflexión que explica
por sí misma la idea que encierra esta selección de discos.
Todo artista que se enfrenta a la tarea de crear una obra nueva se vale de una forma u
otra de todo lo que ya existe, de obras de otros artistas, de ideas prestadas, de reglas escritas
o no escritas que circunscriben los trabajos al campo de lo reconocible.
El consumidor casual de arte, de cine, de música, espera encontrar una y otra vez los
mismos conceptos, los mismos argumentos en las nuevas películas, las mismas estructuras en
los nuevos discos, en general trata de buscar una fórmula consabida para sentir que el mundo
que le rodea pertenece, como indica Cortázar, a la tranquilidad que aporta la rutina y lo
conocido.
Pero el arte se define por su capacidad para ser original, para explorar nuevos caminos,
nuevas ideas y nuevas formas de expresión que permitan al autor tener su propia voz y no solo
ser un imitador de estructuras clásicas.
Así, entre la ingente cantidad de obras olvidables a veces afloran ideas frescas de
artistas valientes que escriben en mayor o menor medida bajo reglas propias.
Este libro trata de seleccionar una buena cantidad de grandes e innovadores discos que
durante los últimos cien años, aun quedando en el olvido comercial o popular, han escrito una
historia divergente, y con el paso del tiempo han ido encontrando el lugar que merecían.
Como en la famosa película de ciencia ficción de los hermanos Wachowski, Matrix,
tendremos que elegir entre la pastilla azul o la roja, los que elijan la pastilla azul podrán
seguir como hasta ahora, los que elijan la pastilla roja están invitados a explorar el contenido
de este libro.
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Captain Beefheart
Trout Mask Replica
Año / 1969
Sello discográfico / Straight Records
Género / Avant‐Garde
Nacionalidad / EE.UU.
Don Van Vliet mutaba por momentos
en ser ultramundano, se confundía a si mismo
con su personaje. Las ansias de crear algo
único y diferente le torturaron durante tres
largos años hasta dar con una fórmula
inaudita para crear una obra musical de
dimensiones infinitas.
Frank Zappa sin apenas escuchar ni un
argumento entendible resuelve que el
capitan merece su confianza ciega, financia
el proyecto y se convierte en productor de la
mas grande obra musical del siglo XX.
Beefheart compone un material de
carácter surrealista, con raiz de Blues y
atmósfera de free Jazz, lo hace al piano y
crea los arreglos para su banda, a la cual
reune en una casa durante seis meses para
ensayar.
Ese periodo que reconozco en mi
interior como el periodo verdeazulado, se
construye con escasez de alimentos,
presencia de alteradores de conciencia,
compendios de actividades de carácter social
inoportunas, declamaciones artísticas y
conexiones neuronales entre las fases
conscientes e inconscientes.
El trabajo está finalizado, Frank
presiona el botón REC en el estudio y la Magic
Band interpreta la música mas serpenteante
jamás conocida, lo hace en primeras tomas,
parecen improvisar, atemoriza pensar que
cada nota está escrita y ha sido ensayada
durante meses. Beefheart aproxima su
garganta granulosa al micrófono y declama
extraños versos que mezclan campos de
concentración nazis, introspecciones
psicológicas, referencias cosmológicas y
verdades aún en estado de hipótesis.
Trout Mask Replica aparece así como la
obra mas inaudita de la historia, arte en
estado de perfección, originalidad, talento y
algo que aún hasta este dia no acierto a
entender.
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The Velvet Underground
White Light White Heat
Año / 1968
Sello discográfico / Polydor
Género / Post‐Punk
Nacionalidad / EEUU.
La flotabilidad de las ondas sonoras
que convergen en este album hacen de Velvet
Underground la banda definitiva de una
época insostenida por notas musicales
divergentes.
Candy Says es íntima y psicotrópica a
partes iguales, suavidad deshecha en
interpretación descuidada, producción
imperfecta, ecos armónicos de los cincuenta,
Lou ni canta ni deja cantar, pero la
evanescencia de su garganta se cuela entre
los versos de naturaleza simplista y los hacen
rodar.
La balada empalogosa y tranquilona
puebla una parte importante de la minutada.
Hay regusto a sustancias aletargantes,
absorven la energía del grupo, los apisonan
como papel de fumar.
Amplian su visión con rock de carácter
amable y con guiños a un ruido que contienen
casi sin entenderlo, The Murder Mystery es
en apariencia una pista de relleno para
terminar la longitud temporal de un album.
En realidad este corte justifica no solo la
presencia de este album sino de toda la
década de los sesenta.
Predicen a los Sonic Youth con sus
disonantes arreglos, la dualidad feminina‐
masculina en las voces, el rapeo declamatario
de aires Beatnik, y los versos vaporosos y
herrumbrosos.
Este es sin duda su trabajo menos
accesible, está lleno de disonancias, ruidos,
distorsión, pasajes hablados y sequia
melódica.
Pero por el contrario contiene un
material informe de extraña belleza que se
pega al estómago y te deja una sensación
peculiar, es como si quisieras vomitar de
placer.
Página 8

Miles Davis
Miles Smiles
Año / 1966
Sello discográfico / Blue Note
Género / Post Bop
La inclusión de conceptos Hard Bop
comienzan a dar aqui sus verdaderos frutos,
Miles da una vuelta mas de tuerca y busca la
complejidad en un ejercicio de virtuosismo
sin precedentes. Los músicos contienen el
aliento y sobrevuelan el sistema solar a
lomos de ritmos vertiginosos, escalas febriles
y divergentes en busca de melodias perdidas
en el fondo de alguna caverna insondable.
Una vez que Miles Davis pone a tono a
su quinteto, este comienza a funcionar como
un reloj, Miles se aventura en pasadizos
estrechos y lo hace a gran velocidad, no teme
el choque, sabe que no puede caer, el propio
movimiento los hace flotar.
Cuando se paran, se tranquilizan, y
tambien lo hace el tiempo que queda en
estado de latencia escondido detrás de los
espacios sonoros del contrabajo, vibrando al
ritmo de un acorde amplísimo de piano. Davis
nunca toca la nota esperada, construye un
ambiente reconocible con nuevo material,
realiza un acto de imaginación inaudito, la
confianza parece tornarse en arrogancia.
El sistema nervioso no tiene descanso,
se emplea a fondo en su lucha contra el
tiempo, el paraiso ultraterreno parece una
sala de espera al compararse con estos
sonidos.
Este Jazz tiene una belleza asombrosa,
es una red que captura voluntades, el asidero
de la vida, la razón que explica el sentido de
la existencia, que crea viajes astrales a
universos paralelos, que inspira a Picasso
ante un lienzo.
La sonrisa de Davis se entiende, ha
encontrado un nuevo universo mas allá de la
materia. Este Jazz es lo mas grande que un
ser humano puede imaginar.
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Charles Mingus
The Black Saint & The Sinner Lady
Año / 1963
Sello discográfico / Impulse!
Género / Post Bop
La ingeniería musical de Mingus se
expande con The Black Saint And The Sinner
Lady. Belleza en estado de ondas sonoras que
transita arreglos complejos para crear lo
increado y demostrar las cualidades
intelectuales de uno de los mas grandes
compositores del siglo XX.
Mingus recoge un siglo de evolución en
el Jazz, desde su cuna en las bandas del
Mardi Grass de Nueva Orleans hasta las
salvajadas del Free Jazz, el Bop y el Modal.
No toma partido por ninguna propuesta, se
vale de todas ellas y crea su propia obra en
un recoveco del espacio‐tiempo llamado
intemporalidad.
La elegancia de las disonancias
contenidas en paletas armónicas difusas y
complejas avanzan por cambios imprevistos.
Su contrabajo soporta junto a una bateria
incontenible a una banda en estado de
gracía, capaces de sobrevolar las partituras
del genio, capaces de impregnar cada nota
con profundidad y autenticidad.
La gráfica demuestra que The Black
Saint es la mediatriz de corte entre la
tradición y la modernidad, entre los
conceptos ortodoxos y las ansias de
creatividad descontrolada.
Y bajo ese incesante martillear de
amuletos y verdeazules se muestra una
magna oblicuidad de mercadeo y ostracismo,
es lo que en su inmensa lejania se ha venido
en denominar la cadencia de una posible
conspiración cosmológica.
Sin duda uno de los mejores discos de
Jazz de todos los tiempos, de elegancia
inigualable y con una ingente cantidad de
información en capas sucesivas de concepto
que abarcan desde el interior mas oculto
hasta la historia mas universal.
Página 10

Tom Waits
Rain Dogs
Año / 1985
Sello discográfico / Island
Género / Art Rock
Waits cuenta historias y las musicaliza
con ritmos y armonias sencillas, pero las
arregla con profusión de medios, transmuta
cada tema y le dedica detalles infinitos hasta
asegurarse que cada nota, cada segundo tiene
personalidad, tiene alma.
Cada corte es casi un album en si
mismo, asi que Rain Dogs es un album de
albums, una contrariedad de divergencia
controvertida, cartas de una baraja que se
marca a si misma con extrañeza y durabilidad
aurea.
Rain Dogs supone uno de los climax
creativos de la epoca mas fructífera del
músico americano. Explora universos
cacofónicos por mediación de ritmos
complejos, instrumentos exógenos, letras
oscuras y una producción atrevida. El barniz
general lo pone una cierta cadencia
operística, circense incluso.
La interpretación tiene esencias a
blues, a Howlin Wolf, a la psicodelia lisérgica
de Captain Beefheart.
Los temas caminan sobre letras
andamiadas y complejas pero sin descuidarse
en arreglos, siempre impredecibles, siempre
frescos.
La vastedad de un oceano de limón y la
puerta de un muerto de grises son cadencias
de un alma en pena pero creciente. De una
petulancia de marmol y boletus.
Hay reminiscencias a Bruce
Springsteen, a Leonard Cohen, a los
nombrados Captain Beefheart y Howlin Wolf,
hay temas jazzisticos al mas puro estilo de
los años veinte, hay folk desnudo y auténtico,
rock experimental con arreglos dodecafónicos
y un sin fin mas de aristas que hacen de Rain
Dogs una obra inmensa.
Página 11

Isaac Hayes
Hot Buttered Soul
Año / 1969
Sello discográfico / Stax
Género / Soul
Hayes expande el lenguaje del R&B con
una obra que se deja influir por la psicodelia
y el sinfonismo rock que se apoderaba del
lenguaje musical a finales de los sesenta.
Hot Buttered Soul aletarga los tempos
para dar espacio sonoro a una voz intensa y
profunda, que contrasta con arreglos
sinfónicos de aires pop y armonias femeninas
de tradición Detroiana.
El album se abre a ritmos mas
contagiosos y menos intimistas, con
reminiscencias a Hendrix pero con pura alma
de R&B, Hayes demuestra estar en estado de
gracia, la producción lo empuja en
desarrollos instrumentales minimalistas,
contrastes de saturación sinfónica y
estribillos pegajosos.
Queda espacio para improvisar y para
experimentar con contención en un último
apoteósico corte que da paso a una balada
que enlaza con Sinatra y los Moody Blues.
El ovillo de una lana de cuero y
senectud se abre paso en una via de amplitud
y densidad antagónica. La euforía borbotea
sobre una manta de ladrillos y luces de farol.
En esencia este Hayes no encuentra lo
que busca, se desdibuja y se deja llevar por
un espacio apenas entreabierto que dibuja en
bocetos de aceite y miel en un espejo de
cristales de almibar de flores y flotadores de
bien.
Se corta en el aire con un dibujo de
cepillos y un cerro de alfileres. Se cae. Se
despierta. Se desvanece.
Página 12

Can
Tago Mago
Año / 1971
Sello discográfico / United Artists
Género / Kraut Rock
Nacionalidad / Alemania
El rastreo de una melancolía se adueña
de un páramo de ensueño. Un visor de vida y
lágrimas en un puerto de secano.
El viento de antorcha calza
movimientos exquisitos. Y escapa a una
oscuridad azul e informe.
El abandono mostrado para el
comienzo de esta obra despista, muestra al
profano un sonido mal planeado y mal
interpretado, pero Can no deja nota suelta
sin sentido, la desidia es un sentimiento con
intención.
La enormidad de esta obra se muestra
en la heterogeniedad de un material que
tratando de nacer del hipocentro del rock se
expande hacia recovecos inexplorados de la
musica de vanguardia, la electrónica y la
poesía postmoderna.
Se muestra además en la capacidad de
tomar prestados conceptos de musicas difusas
e incorporarlas con sutileza a sus melodias
para no levantar grandes sospechas.
Esta idea los enlaza a otras bandas
como Radiohead que han tratado de realizar
un ejercicio similar, la expansión progresiva y
tenue de la música contemporanea.
Pero hay momentos para la exploración
incontenida, pasajes instrumentales que se
cuelan como ladrones de bicicletas en la
extensión sonora de sus temas.
Para esos momentos la banda alemana
toma el control sonoro dirigidos por el bajo,
las alucionaciones musicales de Holger
Czukay y la hipnosis rítmica de Jaki
Liebezeit. Suzuki aprovecha los espacios
abiertos para divagar con libertad.
Son la banda Kraut mas abierta al rock
anglosajón, se convierten con Tago‐Mago en
una de las referencias mas internacionales
del estilo. Emblema y punto de inflexión.
Página 13

John Coltrane
Olé Coltrane
Año / 1961
Sello discográfico / Wax Time
Género / Hard Bop
El engendro de chopos y fronteras se
desvanece sobre la flor de otoño, y quien
volaba bajo para rozar con sus yemas la
tierra húmeda ahora se encuentra en un
cosmos de amplitud logarítmica.
Esta visión de caos es tan hábil como la
propia ceguera de un nido de ratas. El vino
de dulce que empalaga ya se saborea como
una recompensa de una realidad que se
escapa.
Coltrane coge las riendas de su
carrera, el proceso de aprendizaje ha dado su
fruto, sus ideas son claras y coherentes, los
músicos son una banda cohesionada, un solo
ser vibrando al unísono bajo la batuta
espiritual del gurú, no hay palabras, no hay
consignas, no se hacen rehenes.
Es una batalla por la humanidad
musical, la mas alta cota de honestidad, la
conexión perfecta entre consciencia y alma,
entre el ser que es porque se sabe en si y el
que se intuye porque se siente cuando no se
controla.
La intensidad es contagiosa,
vertiginosa, la profundidad es la armonia del
piano que sobrevuela entrecortadamente
sobre el chocolate de la bateria y el bajo,
puro y negro, amargo, se funde con el calor,
tremendo a estas alturas.
Ahora si, Coltrane, lo ha conseguido,
es su primera obra que sobrepasa los limites
del mundo perceptible. El barco del jazz ha
llegado a la tierra prometida.
Un album lleno de complejidad
rítmica, de ideas coloristas y densas que se
rompen en extasis sonoros de hipnosis, de
catarsis repetitivas, aprendizaje de la
perfección para los músicos que se
desprenden de las limitaciones mundanas y
rozan el paraiso con sus vibraciones.
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Slint
Spiderland
Año / 1991
Sello discográfico / Touch & Go
Género / Post Rock
Slint agrega nuevos ingredientes al
rock alternativo que ebullía en la América de
los ochenta. El rock progresivo parece
inconexo con la simpleza y la urgencia del
movimiento rock indie, pero Slint encuentra
la forma de sumar la grandilocuencia y la
tendencia al sinfonismo del estilo.
Spiderland es el gran triunfo de la
banda, un disco que permanece en segundo
plano comercial pero que llega a convertirse
en una influencia fundamental de tendencias
nacientes, como el post‐rock. Su rock se
alarga, su tempo se aletarga, el rango
dinámico se expande para crear momentos de
éxtasis sonoro por mediación de la distorsión
controlada, que no funciona como una
ametralladora de poder, es mas bien el grito
incontenido de sensaciones que se acumulan
durante las minutadas sonoras de
expectación y tranquilidad.
La melodia vocal brilla por su
ausencia, Slint casi rapea, cuenta historias en
segundo plano, es poesia beatnik, arte
posmoderno aderezado por armonías
ambiguas. Los arpegios guitarreros pueblan
buena parte del album, evitando el cliché
armónico agradable, buscan disonancias
controladas para crear efectos de desapego,
de tensión, misterio, ambiguedad sonora.
El album es orgánico, no hay artificios,
es casi una interpretación en directo, el
sonido es natural, casi parece un album de
Jazz.
Los temas se alargan, tratan de
expandir las sensaciones dolosas hasta el
infinito creando pasajes de hipnosis, pero los
cambios se producen en los momentos mas
inesperados, y el grupo está en racha, saben
escoger los acordes adecuados. El rock
simplista avanza hacia el sinfonismo
postmoderno.
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Mission Of Burma
Vs
Año / 1982
Sello discográfico / Ace of Hearts
Mission Of Burma busca
incansablemente el giro imposible que haga
de su punk algo único y autentico. Vs es el
testamento de un triunfo apabullante sobre
el concepto, la puerta a la eternidad en
canciones agrias y ruidosas.
Pero hay mucho mas que una colección
de temas de simple rock rugoso y creible.
MOB siempre esperan hasta encontrar la
marca de lo inaudito, lo hallan en fraseos
hipnóticos, baterias salvajes incapaces de
contenerse en el marcar del tiempo.
La triada de temas inicial marca un
hito imbatido de intensidad, los arpegios
guitarristicos los colocan como elemento de
unión con el pop rock alternativo de estampa
precisa y amplia, REM se saborea en la
subconsciencia del caracol abandonado a su
suerte. Pero el carácter pop de Dead Pool
semienterrado entre su parquedad
instrumental se bifurca por caminos tribales
de un noise declamatario que para el caso lo
bautizaré como noisec.
Vs es una de las obras mas asombrosas
del rock primigenio de principios de los
ochenta.
La tierra se hace afable y diáfana. Se
abre un mundo de lanzas de venas y arterias
en una frontera que se esconde bajo la ahora
incomprensible realidad de un mundo de
vitalidad bajista.
La vitalidad de una urgencia de
aspirinas y castidad es en estas vias un fin en
si mismo, no la cantinela de una vida de
sabor a fresas y nata.
La interpretación permite la busqueda
de tesoros complejos y simples, de caos y
condiciones de vida variable. La cadencia es
tan efímera como la hipnosis de una
duplicidad rítmica y una suavidad de voces de
raiz y cuero.
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Mahavishnu Orchestra
The Inner Mountain Flame
Año / 1971
Sello discográfico / CBS
Género / Jazz Rock
John Mclaughlin consigue una
audiencia con un semidios griego, el
encuentro es breve, las palabras sobran, pero
el encuentro merece la pena. Miles Davis se
expandia hacia el rock por un camino que
McLaughlin sentia que le pertenecia por
derecho. La plegaria era mas que nada un
golpe en la mesa, John era dueño de la
esencia del engendro y no queria mas que
poner los puntos sobre las is.
El semidios sonrie por la osadia, pero
observa en el fondo de las pupilas de John
algo que jamas entenderá, es que como ya
dijese Homero "los dioses envidian a los
hombres porque estos son mortales" y cada
dia en sus vidas es algo único, una carta a
todo o nada.
Mclaughlin acepta el desafio, arma la
banda de la sobrefortaleza doble con
tirabuzón mortal en parada cardiaca, y forma
la Mahavishnu Orchestra, quizá como desafío
al poder divino griego se alia con los hindues,
Vishnu aporta profundidad y clarividencia.
The Inner Mountain Flame es una obra
casi perfecta que rivaliza con Bitches Brew de
Davis, es mas rock, mas clásica y rural, pero
es belleza ideal en estado puro, es
mielsobreojuelas, son peladillas de avena
tamizada con carbón y sorbete de limón, casi
una obra de El Bulli.
Como sus discos en solitario, los temas
son intensos y potentes, y a pesar del
tecnicismo las ideas son leales al estómago,
respeta la esencia del rock y promueve
pasajes de sofistificación jazz que permiten
hacer elevarse al engendro como uno de esos
bizarros aparatos con los que el ser
humanoide trataba de conquistar el cielo a
principios del siglo pasado.
Es un pionero también, pero a
diferencia del resto John pone la primera y la
última piedra de su invento. Ya nadie lo
superará.
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Ash Ra Tempel
Ash Ra Tempel
Año / 1971
Sello discográfico / Ohr
Los alemanes persiguen efímeras
quimeras que se esconden en espacios
incontrolables, conocen las reglas
anglosajonas pero las retuercen en extrañas
paradojas para adueñarse de la esencia.
Ash Ra Tempel abondona el mundo
conocido y se adentra en ondas vaporosas,
místicas, onirismo descentrado, encuentra la
mediatriz concurrente entre el rock
progresivo y la psicodelia lisérgica y lo utiliza
como lanzadera para escapar sin mirar atrás.
Sus armas: la privación lírica, el
sinfonismo como conexión con lo universal y
la osadia de unos teutones imberbes.
Su debut se divide en dos largas suites
de corte instrumental y aires improvisados
que avanzan desde momentos de relajación y
contemplación hasta un rock rugiente y
simplista de carácter Hendrixiano.
La improvisación se comete en estado
de inspiración cuántica.
La luz se percibe de forma tenua a
través de millones de orificios que conforman
una atmosfera primigenia, tribal, el estado
de ánimo se apodera de la banda y los
empuja hacia estados mentales desenfocados,
los conecta con sus esencias, con la
cosmología universal de las ondas sonoras,
lenguaje universal del ser humano, puente
natural entre los dos grandes monstruos
interiores, la conciencia y la subconciencia.
Ash Ra Tempel sobrecogen, se apropian
de la voluntad, defininen un ritmo óptimo de
respiración, vuelcan la pózima esencial en
abundancia sobre los hombros del oyente.
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Gang Of Four
Solid Gold
Año / 1981
Sello discográfico / EMI
Género / Post Punk
Nacionalidad / UK.
La ausencia de forma y fondo domina
un lago de disconformidad y duda. Pero los
elementos se utilizan para construir caminos
de imprecisión y arrogancia bajo el paraguas
de una sonrisa de picardía y violencia
contenida.
En Solid Gold hay material para
diseccionar durante meses, Gang Of Four
supera la epopeya Entertainment! Y se
adentran en territorios novedosos para
expandirse y convertirse en leyenda.
Sus temas son un rock simple que
divaga hacia la carestía de melodía,
influencia directa de Velvet Underground y
afines, trazan lineas que predicen el noise‐
rock. Pero tienen tiempo para el pop de corte
adolescente, son otro enlace hacia lo que se
denominará como College rock.
Pero mas allá de etiquetas Solid Gold
es exactamente lo que advierte su título, un
macerado de buenos y solidos temas de rock,
que se centran en lo esencial por medio de
ritmos sencillos y guitarras abrasivas pero
contenidas. En esencia dejan espacio vacio
que da un aire de obra realista y creible.
Sus palabras hablan de las paradojas
de un mundo que apesta a mierda de
primera, pero no lo hacen como sus colegas
provenientes del punk echando fuego de sus
bocas, por el contrario su crítica es mas un
refinado arte para hacer pensar sobre las
contradicciones de la realidad absurda y
aplastante rodeante.
Solid gold es una de las primeras obras
que se engloban por derecho propio en la
etiqueta genérica y mayoritaria desde
entonces del rock alternativo. Escucharlo
ahora es sentir los cimientos de gigantes de
la talla de Sonic Youth, Pixies, Husker Du o
similares.
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Max Roach
We Insist! (Freedom Now Suite)
Año / 1960
Sello discográfico / Candid
Género / Avant‐Garde Jazz
Un clásico absoluto del género que se
adapta como un guante a la época que le toca
vivir. El percusionista Max Roach se atreve en
un momento crucial de la historia americana
a hablar del racismo, de la esclavitud, de la
pesada losa que la moral americana
soportaba mientras se engañaban llamandose
paradojicamente el pais de la libertad.
Durante el inicio de los sesenta, los
afroamericanos protestan contra las
condiciones que les confinan en el vagón de
segunda del pais. Los movimientos de
derechos civiles cobran protagonismo, los
negros se llaman entre ellos "hombre",
quieren hacer incapie precisamente en
aquello que se les niega. El jazz en manos de
los innovadores del momento se convierte en
un lenguaje certero, afilado, que denuncia
con su complejidad y su alocada vibración la
injusticia.
Max Roach conforma una banda
heterogenea donde veteranos de la talla de
Coleman Hawkins tienen espacio para
desarrollarse artisticamente. Le da la voz a
una casi desconocida Abbey Lincoln quien se
deja llevar por el contenido y se convierte en
la fuerza impulsora de la interpretación. Los
gritos de rabia de temas como Triptych son
simplemente sobrecogedores. No se echa de
menos melodia.
Su trabajo es intrincado, complejo,
retorcido, atonal a veces, ritmico y rápido
con frecuencia. Es en definitiva una muestra
de arte y creatividad, de capacidad técnica
inigualable. La declaración es clara ¡libertad
ahora!, hay rabia y frustración en las
palabras que proponen.
Obra luminaria de la decada de los
sesenta, un símbolo musical como pocos ha
dado el género.
Página 20

The Residents
Not Available
Año / 1978
Sello discográfico / Ralph Records
Ambiente pegajoso y disfuncional,
formador de sensaciones cortantes, ritmos
viscosos que fluyen a duras penas bajo la
batuta inexplicable de unos seres
desconocidos que se reunen en lugares
secretos para crear arte mayúsculoso.
El hombro de un gigante contiene
elementos imperecederos sobre la sombra de
una montaña de grandeza subliminal. Un
bisonte de cañas que se amansa sobre la
vitalidad de una hormiga conceptual.
La apariencia muta para crear hueco a
una variación de la escena en décimas de un
segundo escurridizo.
The Residents, la banda desconocida
mas famosa de la historia, se enfrantan a una
prueba de fuego que les permite editar una
de sus obras mas grandes y de mayor belleza
sonora.
Ponen en práctica la teoría de la
oscuridad, según la cual no podrían editar el
disco hasta que se hubieran olvidado
completamente de su existencia. Así, tras 4
largos años la banda recuerda que ya no
recuerda la existencia de este disco y edita
en el 78 esta obra.
La espera merece la pena, Not
Available contiene sonidos oscuros y tristes,
de una inarmonía bellisima.
Nunca la fealdad habia sido tan
hermosa, nunca el pop tan inaccesible, nunca
el surrealismo tan simple, nunca la
electrónica tan orgánica.
La armonía de sintetizadores se
deshace en migajas e interpretaciones
difusas, pasajes minutales que se sobresaltan
los unos a las otros, melodias que pasan de
unos a otros para crear variaciones
cuasisinfónicas sobre las cuales ablandar la
realidad y adentrarse en la via residentil.
Página 21

The Who
Quadrophenia
Año / 1973
Sello discográfico / Track/MCA
Género / Progressive Rock
Nacionalidad / UK.
La obra definitiva de los Who, una
opera rock que tiene tantas aristas y tantas
posibles lecturas que podria decirse que
estamos ante la obra mas seria de la historia
del rock.
Nos cuentan la vida de un chaval que
vive en Londres a mediados de los sesenta, es
un mod de los pies a la cabeza, un
adolescente con un trabajo de mierda que
odia pero que le permite pagarse sus trajes
caros, su moto y las drogas del fin de
semana.
Es el relato íntimo y profundo de la
vida de un adolescente, sus demonios
interiores, sus dudas y su madurez a través
de sus experiencies vitales.
Es una fotografía inmensa del Londres
de mediados de los sesenta, todo un
testimonio sonoro de un lugar y una epoca.
Es un disco con canciones increibles,
llenas de melodias excepcionales, letras
elocuentes, potencia y rock duro, una
producción impecable, y algunas de las
mejores interpretaciones vocales e
instrumentales del combo.
"Escucho la musica de los latidos del
corazón, me giro y la gente se rie, ¿estará en
mi cabeza donde todo esto comenzó?¿estará
en mi cabeza o en mi corazón?"
A diferencia de Tommy este concepto
es muy maduro, las canciones y la historia
estan solidamente meditadas y trabajadas,
una obra muy cerebral que milagrosamente
no pierde un apice de la fuerza y la potencia
rock.
La cumbre de los discos conceptuales
en medio de la generación de los artistas
progresivos. Justifica por si solo la aportación
de los excesos de los setenta al rock.
Página 22

Jane's Addiction
Nothing's Shocking
Año / 1988
Sello discográfico / Warner Bros.
Género / Alternative Rock
El grito de un águila que sobrevuela el
paraje de sueños y mentiras. De disfraces y
colores de una vivacidad irreal.
La paradoja de una historia que se
atropella los situa en el centro de una nueva
buena que ha de destruir lo quejumbroso
coetaneo para dar paso a un pasadizo de
triángulos y roces.
Las antiguas reglas se utilizan aqui
para sensibilizar los poros por nuevos
escondites de inifinidad y sensualidad
inesperada.
Liderados por el extraño y mistico ser
llamado Perry Farrell (pseudonimo del
cantante) los Jane's Addiction fueron un
grupo de corta vida que forjaron su leyenda a
través de grandes canciones, directos
apabullantes y sensuales, y una aureola de
misterio que los envolvia y los hacia creerse
casi como seres mitologicos en un universo de
admiradores y estupefactos oyentes que
soñaban con formar parte de la mágica y
lisergica familia musical del grupo.
Canciones que se nutren del rock
alternativo de los ochenta, el rock clásico de
los sesenta, el rock progresivo de los setenta
y el hard rock y el heavy metal. Las canciones
son extravagantes y personales, potentes,
directas, elocuentes, poeticas, sinfonicas y
complejas, llenas de freseos y solos de
impresión, lineas melodicas y arreglos
exoticos, con multitud de aristas para
descubrir en sucesivas escuchas; en definitiva
un buen vino para degustar por paladares
esquisitos capaces de percibir los pequeños
detalles de la excelencia.
Las canciones se arman
instrumentalmente sobre la poderosa y
consistente base rítmica formada por el
bateria Stephen Perkins y el bajista Eric
Avery, sobre la cual navega la guitarra libre y
enfurecida de Dave Navarro, y como la
exotica voz de Perry Farrell.
Página 23

Thinking Fellers Union Local 282
Mother Of All Saints
Año / 1992
Sello discográfico / Matador
Género / Noise Rock
La herida de una sierra se abre paso
como una cuchilla de un afeitado que nunca
se esperó. Pero todo se termina un segundo
justo antes de lo esperado.
En esas están cuando ya se han
marchado. El nucleo es sin embargo un
historia conocida que se arma con mas
antipatia de la esperada con el único aliento
de crear una visión particular.
En Mother Of All Saints se mezclan
sonidos diversos que provienen de
inspiraciones casi contradictorias.
Los Thinking son ruidosos, agrios,
dodecafonicos y ambiguos. La mayoria de su
sonido se fundamentan sobre la idea de la
deconstruccion sonora, la evasión melodica
consciente. Pero hay momentos en que la
melodia toma el control del asunto y se
descubren tonadas pop que amplian el
horizonte sonoro del engendro.
Su ruido es a veces puro y otras una
forma descontrolada de interpretación rock.
Beben tanto del noise rock, del post‐punk
como de tendencias artisticas añejas, lejanas,
provenientes de la psicodelia alocada y
lisergica de los sesenta. Son una mezcla
intermedia entre Talking Heads, los Sonic
Youth, Captain Beefheart y Red Krayola.
Pero la simpleza de sus fraseos los
hace pegadizos por momentos, los alinea con
el grunge tendente al rock alternativo que
empieza a llenarlo todo.
Para colmo el album es largo, existen
23 temas en este universo de sonidos
altisonantes. Mother Of All Saints es
interesante porque no se parece a nada de lo
que proviene, porque es original e
impredecible, y porque a pesar de todo lo
anterior está lleno de ganchos sonoros
pegadizos y huidizos.
Página 24

Frank Zappa
Uncle Meat
Año / 1969
Sello discográfico / Bizzare
Reprise
Género / Art Rock
Un album apasionante a medio camino
del Jazz, el rock y la musica clásica de
vanguardia. Lleno de giros inimaginables,
complejas melodias, humor, desarrollos
progresivos y sorpresas sonoras.
Frank Zappa es sin lugar a dudas uno
de los compositores mas personales del
mundo del rock, de hecho a veces resulta
dificil englobarlo en el genero, su mente era
demasiado libre para ceñirse a las estrechas
normas del mismo.
Todo es posible, cualquier sonido
inimaginable, cualquier compás, desde lo mas
sencillo a lo mas complejo, con una sola
premisa, un solo nexo de unión: evitar los
cliches establecidos en el rock, asi las
melodias construidas son de todo menos
facilonas, los arreglos pueden ser repetitivos
y simplistas sin caer en lo evidente o por el
contrario indagar en las capas mas profundas
de la complejidad basada en desarrollos jazz
y progresivos con ciertos toques de musica
barroca.
Como contrapunto a todo ello hay
pistas habladas y canciones influidas por la
musica de los años cincuenta: el doo‐woop y
el rock and roll mas simplista, con todo,
encajan en el conjunto aportando aire.
Los intrumentos utilizados para dar
forma al concepto van desde los
sintetizadores hasta claves, percusión de
orquesta, vibrafonos, vientos y guitarras.
Este album es sin duda un avance en la
carrera de Frank Zappa, supone su
fundamento para lo que desarrolla
posteriormente en los años setenta. Es un
trabajo apasionante que crece con las
escuchas, pero es cerebral, necesita de
amplias miras para ser disfrutado, aunque
promete una recompensa de ingente placer.
Página 25

Third Ear Band
Third Ear Band
Año / 1970
Sello discográfico / Harvest
Género / Art Rock
Nacionalidad / UK.
El viento de un espacio amplio es la
razón de ser un vapor de frio y tinieblas que
sobrevuela un lago de hielo de soja y tiernos.
El dibujo recuerda Isotopos radiactivos
pero perdurables, una dirección humectante
entre la vitalidad emocional y el candor de
vísceras en estado de ensueño.
La matriz de luez y juventud se asoma
bajo la plataforma de una puerta
entrecerrada. La eterna disyuntiva entre lo
que es y lo que parece, entre lo que puede
ser y lo que quiere ser.
Mezcla sublime e inspirada de musica
hindú y rock minimalista cargado de ideas
híbridas que encajan dentro del mundo de lo
progresivo. Third Ear Band crean una serie de
temas llenos de magia y sonidos memorables
que desenvuelven el álbum por el camino de
lo utraterreno.
Se compone de cuatro largos temas
que se inspiran en los cuatro elementos
primarios: agua, tierra, fuego y aire. La obra
alcanza cotas cósmicas de una inspiración
divina, el lenguaje se convierte en universal,
parecen tocar alguna tecla escondida en sus
instrumentos que les hace sobrepasar las
limitaciones de su percepción física.
La intensidad está en la hipnosis de la
repetición, que tiene todo el sentido cuando
se alcanza el tejido sonoro adecuado y los
músicos se niegan a abandonarlo, lo nutren
de minutos infinitos, saben que en ese
momento han alcanzado la eternidad y
cuando refrenen sus almas y acepten la
derrota todo habrá terminado.
Pero este album es un frasco de
eternidad informe, un testimonio de su
triunfo frente a los dioses impasibles. Es una
justificación suficiente de la existencia de la
vida en el planeta.
Página 26

Eric Dolphy
Out To Lunch
Año / 1964
Sello discográfico / Blue Note
Género / Avant‐Garde Jazz
El contraste de una matemática
decimonónica y la simpleza que lleva
ímplicita con la libertad de un boceto de
diámetro diverso es la esencia de una
propuesta que no escatima en esponjas para
ablandar los ladrillos de habitáculos
cuadráticos.
El olmo de recuerdos no entendibles se
hace real en la conducta de un aviador de
ojos celestiales. La cobardia rezuma en un
codo de dobladez inconexa.
Pero hay algo dulce que amansa una
fiera de esparto y vacio intrínseco. Esa
dulzura por paradoja se escribe sobre los
mismo renglones de un vaciador de esencias.
Obra cumbre del Avant‐Garde, del
saxofonista Eric Dolphy, habitual del
conjunto que acompañaba por entonces a
Charles Mingus.
Obra compleja y retorcida llena de
ritmos complicados, disonancias, ruidos y
elementos no musicales que generan paisajes
sonoros interesantes, imaginativos,
diferentes.
Consigue moverse por espacios
intermedios entre el Free Jazz y el modal.
A veces se contiene con acordes a los
que acompaña con melodias abiertas y
abstractas y otras se deja llevar por
improvisaciones libres regidas tan solamente
por la intuición y los sentimientos.
La grabación es impecable. La
interpretación perfecta y el material
compuesto es sublime, sirve al concepto con
acierto.
Es un clásico de un estilo que puede no
ser entendido por la mayoria pero que aporta
momentos de extraordinaria belleza y
emotividad.
Página 27

Galaxie 500
On Fire
Año / 1989
Sello discográfico / Rough Trade
Género / Dream Pop
Icónico album de Galaxie 500, con On
Fire consiguen un momento efímero de
perfección realizado con lo mínimo
imprescindible.
Album de rock simple, tendente al folk
depresivo, oscuro y minimalista, sin
artificios, mas que una interpretación sentida
y profunda de un trio de advenedizos que
apenas saben tocar sus instrumentos. Pero
hacen de sus limitaciones sus virtudes mas
destacables, la simpleza de sus acordes y
ritmos, les permiten centrarse en lo que
realmente importa: en las sensaciones. Y de
eso On Fire está sobrado.
La candidez se alinea con la simpleza
mas orgánica para construir melodias de
corte pop y alma folk, introspección
reverberante en ambientes minimalistas,
voces de iglesia y versos adolescentes para
una obra inmaculada y virginal. Belleza
efimera que se escapa en cada minuto,
porque la inocencia da paso a estados de
tristeza egocéntrica, adolescencia y "soy el
centro del universo".
La producción es distante y evocadora,
un contrapunto perfecto a la simpleza
interpretativa. Las composiciones mantienen
una linea recta de tempo bajo y depresivo
desarrollo, y la voz se adentra en melodias
altas y sentidas dando un color folk y racial a
la grabación.
Galaxie 500 consigue una unión mas
íntima y artística que otros bienintencionados
como REM en lo que respecta al folk‐rock de
los sesenta y el new wave de los ochenta. Su
obra es un momento que se difumina y acaba
con la banda, que se agota en sus
limitaciones, pero para el momento On Fire
es un testimonio de enorme belleza que
permanecerá en los oidos de quien tenga algo
de sensibilidad intacta.
Página 28

United States Of America
United States Of America
Año / 1968
Sello discográfico / Columbia
Género / Psychedelic Rock
El color de un motor de rotores
controlados se aviva y se entrecorta. Se
derrumba en un empaño de cristales de seda.
La fugacidad de lápices sobre mesas de
madera se arremolina en un compas de
deshechos amontonados.
Su doble vista los posiciona como un
puente de longitud traicionada, en pasos
sobre oleajes y nubes de plástico y color de
órdagos. Como resultado la nada y el
contener de una respiración difusa.
La psicodelia americana partía con una
ventaja considerable con respecto a la
británica, estaban liberados de la
empalagosidad pop que intoxicaba toda la
música proveniente de las islas. United States
Of America son una de esas bandas que desde
el otro lado del atlántico nos aportan un lado
mas serio y fructifero del movimiento.
Caramelos multicolor enfundados en
acero verdeazulado, viscoso y con olor a
almizcle. Los americanos añoran el sonido
británico, adoran a Pink Floyd, pero aun
tienen venas de bluesman enraizadas, lo que
los hace mas serios, mas experimentales, mas
difusos.
Su música se mueve entre los excesos
armónicos e instrumentales de la psicodelia y
los sonidos abstractos y desestructurados del
Avant‐garde. Son un lugar único intermedio
entre Pink Floyd y The Velvet Underground.
Lo que ya de por si es una aventura con
mucho interés es en este caso mas especial al
conseguir construir canciones que no solo
tienen intención sino melodia y momentos
notables instrumentales.
Desde el pop se mueven hacia el rock
duro, el garage sucio y simplista y llegan por
caminos inexplorados hacia el ruido y el
exotismo de arreglos personales y
divergentes.
Página 29

Nico
Desertshore
Año / 1970
Sello discográfico / Reprise
Género / Art Rock
Nacionalidad / Alemania.
Instrospección de seriedad
cuasireligiosa para una artista que transita el
abismo del ruido y la desesperación
piscológica.
Los órganos dan forma armónica a un
album minimalista en las formas,
exubertante en melodias e interpretaciones
vocales, profundo, denso y oscuro en su
sonido.
Campos de experimentación sonora,
lugares retorcidos con melodias alienadas y
arreglos personales.
Sus temas tienen un carácter oscuro y
profundo, un trasfondo tradicional
reinterpretado con acierto e inteligencia
para construir algo personal y original.
Hay elementos sinfónicos y religiosos
que se mezclan con una concepción simplista
e hipnótica de las canciones, el resultado es
un ambiente sobrecogedor y retorcido.
Utiliza claves y órganos de forma
minimalista, ayudan a crear esa sensación de
oscuridad gótica que encaja de forma
sobervia con la voz de la artista.
Nico nunca será la artista reconocida
que podia ser esperada, será un oscuro
objeto de deseo para el enfermizo buscador
de tesoros sonoros que evitan la estructura y
formas ortodoxas. Las influencias sobre Kim
Gordon de los Sonic Youth o Bjork son
impagables.
Sobrecogedor.
Página 30

Buffy Sainte Marie
Illuminations
Año / 1969
Sello discográfico / Vanguard
Género / Folk
Nacionalidad / Canada.
Los Chamanes de la América
primigenia encuentran su camino a la
modernidad por medio de la voz y la
sonoridad de una artista que inflexiona el
universo con su presencia.
Buffy diverge del folk ortodoxo,
revitaliza un género que agonizaba después
de un Dylan que enterraba a todo artista a su
paso.
Buffy muestra la puerta de la
experimentación, la influencia del jazz de
vanguardia, del rock psicodelico, la filosofía
hippy y un trasfondo politico de apego a la
cultura de las tribus nativas de norteamerica.
La mezcla de sonidos abstractos,
sintetizadores y guitarras acústicas rebelan
un caracter mistico en la voz de Buffy quien
transmite tensión con sus eternos vibratos
que alargan las silabas hasta la disonancia.
Los pasajes instrumentales pasan de la
intimidad acustica a la grandilocuencia de
violines y densos bajos.
Este disco es la quinta esencia del folk
experimental en los sesenta, una obra
definitiva de influencia aun inexplorada.
Profunda y honesta, intima y cosmica.
El album pasó inadvertido por
completo en su epoca, pero dejó una huella
profunda en los trabajos de otros artistas
contemporaneos como Tim Buckley con su
excepcional Lorca o los teutones de culto
Can.
Página 31

Wire
Pink Flag
Año / 1977
Sello discográfico / Harvest
Género / Punk Rock
Nacionalidad / UK.
El sonido es granuloso y electrizante,
consiguen una atmósfera cargada de
vibraciones que se mantiene de principio a
fin, Wire firma una obra innovadora y llena
de sonidos interesantes.
La espera es tan solo una estrategia
entre los dedos de seres vertiginosos que
abundan sobre el lomo de una simpleza
cuaternaria.
Se descubren los nexos de unión con
una nueva realidad recién creada, recién
nacida.
La vivacidad transita por mundos de
opacidad, a veces sobre una dinastía de
urgencia y en otras vidas sobre un compasión
de soles y lunas.
Pink Flag suena como un motor bien
engrasado que avanza a paso firme desde un
primigenio punk hacia el rock alternativo de
los ochenta, hacia un pop declamatorio y
difuso.
Es un album visionario, uno de los
debuts discograficos mas originales de la
primera oleada de discos punks.
El album pivota sobre las sensaciones
de los miembros de la banda, habitualmente
negativas y grisaceas, pero lo que importa es
la textura sonora, la melodia pasa a un
segundo plano y la estructura se adapta a la
sensación desdibujando el concepto de
estribillo.
Utilizan con inteligencia las
disonancias, creando un estilo que los
diferencia del resto del movimiento. Hay
cantidad considerable de medios tiempos que
hacen de Pink Flag un disco punk peculiar.
Tambien hay tiempo para rock directo,
rápido y breve, de hecho los temas
raramente superan los dos minutos de
duración, se queman en un par de
repeticiones estructurales y a otra cosa.
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Fela Kuti
Roforofo Fight
Año / 1972
Sello discográfico / Jofabro
Género / Afrobeat
Nacionalidad / Nigeria.
Roforofo Fight contagia en su ritmos
vertiginosos, en la repetición incansables de
fraseos simples, de contrapuntos eternos
entre los miembros de una banda en estado
de gracia que flota por la gracia de un lider
todopoderoso capaz de atraer sobre si la
gravedad del planeta, de reconstruir el jazz
americano y de poner la semilla para que el
continente madre se posicione en la música
internacional como creadores de algo único y
diferente.
El inventor del Afro‐beat, Fela Kuti,
era sin duda la figura mas importante y
representiva de toda la musica africana, una
especie de Bob Marley africano que mezclaba
sus aspiraciones musicales con politica y
rebelión social, soñaba con una Africa unida y
libre del colonialismo donde el socialismo
brindara a la gente una vida confortable y
digna.
Las canciones superan todas ellas los
quince minutos de duración, una necesidad
que se hace evidente con la escucha, los
ritmos repetitivos y bailables se convierten
en hipnóticos, te adentran en la locura tribal
que subyace en la musica, los miembros de la
banda se dejan llevar, no pueden parar de
tocar sus instrumentos con sencillas melodias
que en el contraste del conjunto se tornan
complejas.
El afro‐beat se nutre de los ritmos
africanos, de ricas capas de percusión que se
adornan y embellecen con guitarras, teclados
electronicos, saxos, trompetas y metales con
sonido jazzistico. Es musica africana pero
influida por lo que llegaba desde los paises
occidentales. Se puede escuchar la influencia
funky, hay mucho de James Brown, el jazz y
cierto caracter rock.
Todo lo demás es la emoción del
momento que vibra entre los musicos y que
en este caso es lo mas reseñable y lo que da
valor de obra de arte a esta pieza de vinilo.
Página 33

Nucleus
Elastic Rock
Año / 1970
Sello discográfico / Vertigo
Género / Jazz Fusion
Nacionalidad / UK.
Nucleus confunde con su titulación, no
hay rock fundamental en su obra, hay Jazz
maduro y elegante que avanza en sus formas
hacia texturas rock. Pero la esencia
permanece en la intención de crear pasajes
sonoros que capturan la voluntad al estilo del
viejo Jazz de los cincuenta y sesenta.
El álbum es de una belleza plástica
asombrosa, en pocas ocasiones los
instrumentos electricos y organicos se han
unido de una forma tan natural y tan
fructifera para recrear musicas dispersas y
aparentemente indisolubles y cincelar una
obra unica, hibrida y pasionalmente
intelectual como pocas veces se haya podido
escuchar con anterioridad.
Sin que sirva de precedente, esta vez
si, el jazz mantiene su caracter social y
dialogante y el rock aporta una textura densa
e inteligente.
Está plagada de buenas y certeras
ideas que bombardean tu mente constamente
desafiando tu inteligencia y tu capacidad
para el placer mas incomprensible.
"Taranaki" como ejemplo es un tema
que transita el espacio mas intimo y
sofisticado, pero no se aleja de las ideas
directas, se mantiene en equilibrio casi
imposible sobre la delgada linea de la
equidistancia estilistica. "Crude Blues" es
elegante y tan retro como actual.
La influencia de Davis se pasea por las
melodias de los metales con cierta soltura,
las guitarras y la bateria transitan espacios
progresivos y entre ambos no se dejan llevar
por experimentos sin fundamento basados en
el mas dificil todavia, en el "no se que haces
tu pero yo intentaré hacer mas que tu"
Página 34

Tortoise
Millions Now Living Will Never Die
Año / 1996
Sello discográfico / Thrill Jockey
Género / Post Rock
Gotea el techo de esencia de
trementina, se enlazan las hebras en
contundencia interior.
El ritmo de una bateria floreciente
entrecorta el ambiente, acompasa la
respiración y el pulso bajo un bajo que se
atreve entre la imperrenne presencia sonora
del gorgoteo abstracto.
La melodia se resiste a dar apariencia
musical al conjunto, ni falta hace, fluye el
sonido desde la parte frontal del cortex a
escapadas abismales, cuentas tardias y
enajenación estructural.
Ebulle, y se calma, piensa y no lo hace,
la armonia de teclados difusos se
apresencian, avisan de una continuación
eterna, de la eternidad ondal.
La orquestación simulada crea
melodias nuevas, espacios sonoros novedosos
y frescos que ponen a Tortoise en el lugar
dificil de los que avanzan por su propio
camino mas allá de lo esperado.
Los descansos sonoros se descubren
como fuentes de remanso en una entelequia
situada en un espacio oculto.
La armonia y el contrapunto los alinea
con el jazz, pero hay rock intenso y
contundente que dirige todo a ese lugar
desconocido.
El minimalismo los hace serios,
experimentales, las texturas secundarias, son
la esencia oculta de una receta compleja.
Página 35

Lisa Germano
Geek The Girl
Año / 1994
Sello discográfico / 4AD
Género / Slowcore
Aires de espontaneidad en una guitarra
saturada que se rasga con desapego, para dar
sosten armónico a una voz susurrante,
oscura, retorcida. La música avanza con
arreglos minimalistas y escogidos, para dar
sensación de abstracción de oscuridad gótica.
Hay remansos de pop, arreglados con
la belleza de un piano distante, sonido
deshecho, detalles que predicen un
desmoronamiento probable, la efimera
belleza real que está bajo la amenaza
constante de su fin destructivo.
La introspección se oscurece entre
melodias y versos depresivos, psicoanalisis
del pasado, ensueños de momentos que
bloquean la mente, impiden su voz real y
liberada.
Lisa no evita su universo de feminidad,
como en el caso de Kim Gordon de los Sonic
Youth, aprovecha los demonios interiores en
estado de subconsciencia para dotar las
letras de sus canciones de visceralidad, carga
sociopolítica y delicadeza embriagadora.
Su voz no tiene artificios, como en el
caso de la citada Kim Gordon, se escoge un
sonido de procesamiento lo‐fi para dar
sensación de credibilidad.
Germano guarda similitudes con Nico y
sus discos de principios de los setenta, pues
la musica se nutre de aires folk y de musicas
del mundo para añadir color, y todo ello lo
intercala con sintetizadores y guitarras
electricas que tienden a lo etereo.
Página 36

Holy Modal Rounders
Indian War Whoop
Año / 1967
Sello discográfico / ESP‐Disk
Género / Folk‐Rock
Psychedelia
Peter Stampfel y Steve Weber mezclan
asombrosamente el folk más tradicional
americano con las tendencias más modernas
que emanan de la experimentación libre e
improvisada de la psicodelia.
El resultado es una obra maestra que
suena apetecible, llena de guitarras acústicas
y violines que suenan a tierra, mejor dicho a
estiercol, a establos llenos de paja, a campos
de algodón en blanco y negro.
Pero las guitarras y los violines se
retuercen en la armonía, o en la falta de la
misma, evitan la melodia por procesos de
pura improvisación libre y deforme. Sobre la
base, los músicos cantan versos informes,
armonias vocales fuera de tono y sonidos
para crear densidad y sumar esfuerzos en la
tarea de recrear la imaginación inabarcable
de la genialidad.
Se compone de pequeños fragmentos
sonoros que en la práctica están unidos por
un continuo reailzado por cuantos elementos
son posibles de utilizar. El barroquismo se
arma con concepciones de Free Jazz, de
Psicodelia aun en estado embrionario pero
con los pies firmemente incrustado en un
suelo de folk, de tradición americana.
El ejercicio es de una arrogancia
inabarcable, tratan de crear un punto de
inflexión en la música americana. El intento
acaba con cualquier posibilidad de
convertirlos en una banda reconocida y
rentable. Pero este disco muestra que en el
fondo de sus excesos escondian talento y
capacidad de asombro.
Es un album complejo, fuerte, dificil,
pero lleno de sentido y oportunidad.
Página 37

Butthole Surfers
Rembrandt Pussyhorse
Año / 1986
Sello discográfico / Touch and Go
Red Rhino Europe
Rembrandt Pussyhorse deshace el punk
primigenio en caminos informes, libres e
improvisados. Conjuga como pocos otros la
vibrante eclecticidad que les da sentido a una
banda incalificable que se esconde del gran
grupo por la puerta de lo impredecible y de
la personalidad.
Pueden crear temas de
instrumentación minimalista y repetiva o
pueden desarrollar complejos arreglos donde
los violines y la electrónica conjuntamente
con las guitarras se combinan con facilidad,
con una soltura que da cuenta del momento
de inspiración que vivian a mediados de los
ochenta.
El tono desencajado del material pasa
tambien por momentos de sonido gótico y
oscuro, una pincelada maestra, organos de
iglesia se entremezclan con voces
distorsionadas que gritan, hablan y recitan
letras insentidas.
Sin abandonar jamas la escena
subterranea musical consiguen con el tiempo
el reconocimiento como una de esas bandas
que consigue el imposible de hacer de lo
improbable arte. De crear en todo el sentido
de la palabra y de divertir con ello.
Es un diamante en bruto de incipiente
rock alternativo. Un punto intermedio entre
Pixies y Sonic Youth con los cimientos
hundidos en los Joy Division.
Página 38

Congos
Heart Of The Congos
Año / 1977
Sello discográfico / Black Ark
Género / Roots Reggae
Nacionalidad / Jamaica
Los Congos con Lee Perry editan una
obra maestra del género, de excelsa y
cuidada producción y pellizcantes canciones
llenas de interesantes conceptos e
instrumentacion. Una delicia pa las orejas.
Congos sorprende con una profundidad
y una producción que brilla por la
originalidad de arreglos y técnicas ajenas.
La efectarización de las pistas se torna
en elemento de interes primario, toma el
control de las mismas y se adueña del estado
de ánimo del oyente. Las canciones parecen
transitar la tradición sonora de Jamaica,
ritmos simplistas y contagiosos para melodias
pop adornadas con preciosistas armonias
vocales.
El disco tiene algunos elementos
realmente interesantes, por ejemplo, la
instrumentacion se distorsiona enormemente
por los ecos y otros efectos, aportan un fondo
enrevesado y complejo que juguetea con el
ruido, se incorpora a la via sonora iniciada
por el punk y el new wave. Insufla aire gelido
sobre todo el genero. La musica negra
americana tambien juega un papel clave
como influencia casi subconsciente en los
musicos. El R&B está inserto en las
vocalizaciones y los bajos.
Heart Of The Congos es un lado
improbable de un género de escaso recorrido,
una refrescante y sorprendente aportación
que justifica sobradamente su escucha para
los amantes de lo original.
Página 39

My Bloody Valentine
Loveless
Año / 1991
Sello discográfico / Creation
Género / Shoegazing
Nacionalidad / Irlanda
El espacio tiempo ha sido vencido por
espadas laser cargadas con aromas de vainilla
y mierda de espantapajaros, corren y vuelan
los muy ilusos, buscan nebulosas donde
esconderse de un resplandor de una oscuridad
aterradora, se cierne como un manto pesado,
toneladas métricas que se deforman y
absorven el oxigeno para convertirlo en ácido
3,1416.
Se atoran ya las arterias pulmonares y
se evanece una gota desde el globo ocular
izquierdo, flota sobre las fronteras, escapa y
huye. Oletuspelotas.
Rozaduras de limalimón y volumen
vacio, ruedas inermes, cánticos inaudibles,
¿quien se puede atrever a cantar para no ser
escuchado?
El visionario de Shields se enfrascó en
la batalla final para conseguir domar el ruido
y mutarlo en un mágico manto de sensaciones
y sentimientos indescriptibles, ahiesná; salió
del campo de batalla con cara de haber
perdido unos cuantos cientos de neuronas por
el camino, osea enflpaovivo, y
probablemente con menor sensibilidad
auditiva.
Esta evasión del penoso mundo real
que hemos creado, una perfección hecha a
base de capas de guitarras unas veces
distorsionadas y otras virginalmente
acústicas, añadidos de unos etereos
sintetizadores y voces aun más distantes
todavia, enviando las baterias a otro
continente en la mezcla y ya tenemos los
ingredientes para describir (que no entender,
eso es algo que debe ser estudiado desde el
campo de la psicologia probablemente)
semejante engendro.
El tono se va a mantener durante todo
el disco, es un viaje a un universo con sus
propias reglas, las ecuaciones de los señores
Newton y Einstein no pintan nada por alli,
que alivio.
Página 40

Popol Vuh
Die Nacht der Seele
Año / 1979
Sello discográfico / Brain Records
Brisa algodonada en evanescencia de
incienso, el espacio vacio se apodera de unas
notas perennes, que repiten mensajes
encriptados bajo el manto de la verdad
simple y oculta.
El abismo inexplicable aflora por
ángulos muertos, airea un espacio para el
brillo de la presencia mas improbable, la de
una verdad interior que no se entiende.
Letargo de notas infinitas que
amalgaman la vibración espaciotemporal
sobre la contención sensorial, la inhalación
oxigenada se olvida perdida por la hipnosis
de la organicidad, por la contracción de poros
y la dilatación involuntaria de globos
oculares.
Los alemanes Popol Vuh conducidos por
el visionario neosinfónico de Florian Fricke
recrean en su obra Tantric Songs un paisaje
sonoro calmado e intenso que aborda la
espiritualidad desde el minimalismo
melódico.
Tantric Songs es una obra destacada en
la discografía de la banda por ser
especialmente racial.
El sonido es orgánico y armonicamente
rico, la producción sencilla trata de capturar
la atmosfera de autenticidad con la que los
músicos interpretan el album. El resultado
entorpece la respiración del escuchante,
sobrecoge por la belleza contenida en tan
pocas notas y vuelve a distinguir a un
movimiento heterogeneo pero real que lleva
a los alemanes a sobrevolar el panorama y
situarse a la vanguardia artistica.
Tantric Songs es un paisaje racial de
carácter introspectivo. Es uno de los mejores
trabajos del grupo.
Página 41

A Tribe Called Quest
The Low End Theory
Año / 1991
Sello discográfico / Jive, RCA Records
Género / Jazz Rap
A Tribe Called Quest unen dos estilos
aparentemente irreconciliables, atmósferas
jazz y desarrollos rap para The Low End
Theory.
El rap se hace elegante bajo la batuta
de una banda de bravos y arrogantes músicos
incapaces de entender que significa el
término "límite" o "estilo".
El album es un camino intermedio e
impredecible que consigue transitar con
acierto. La música consigue una atmósfera
oscura y sofisticada sobre la que las letras
rimeadas consiguen nuevas cotas de
expresividad.
La personalidad del engendro es
gigante, los temas ademas pegadizos y
cercanos.
El mensaje es una declaración de
intenciones, una muestra de orgullo por lo
que se es, el sonido es la muestra de una
capacidad y un talento, anclas sobre un
pasado de brillo, bases sobre una novedad
que inspira un futuro desconocido.
Ritmo para contagiar, contrabajos de
lineas para acomplejar a quien se atreve a
tratar de entender lo que teniendo sentido
no es asequible.
Página 42

Talk Talk
Spirit Of Eden
Año / 1988
Sello discográfico / Parlophone
(EMI)
Género / Post Rock
Nacionalidad / UK.
Hay un halo de sinfonismo, una
atmósfera cargada de jazz que posiciona a
Spirit Of Eden en un torritorio desconocido.
No es tan solo un sonido o una intención, la
estructura se desanuda de la predicción.
La sofistificación emplaza los pasajes
vocales sobre el collage de sonidos sinfónicos,
bajo armonias divergentes, ambiguas, que
igual suenan a prog rock como como a un pop
elegante de los ochenta.
El ambiente es dinámico, crece y
decrece, gana en intensidad, recobra la vida
bajo un ritmo cuaternario y una guitarra que
arpegia acordes sencillos. Pero la estabilidad
solo es un estado temporal que vuelve a
mutar antes de lo esperado para buscar
nuevos lugares sonoros bajo un minamalismo
de trompetas y pianos, sonidos eléctricos que
crean texturas de desapego, un bajo que
funciona en modo sospecha y un lugar que se
abre al vacio, a un aire etereo y ambiguo.
Talk Talk se reinventan con Spirit Of
Eden, como poseidos por una idea que les
supera rehacen todos sus principios para
convertirse en una banda de rock orgánico y
tendencia progresiva, capaces de construir
paisajes sonoros de belleza sublime con
escasos elementos y de adentrarse por
caminos inexplorados.
Una obra de creatividad infinita,
belleza armónica y sonido cristalino. Spirit Of
Eden es una rara avis para el año 1988, su
sonido es limpio y complejo, se adelantan en
muchos conceptos a lo que surgirá a finales
de los noventa con lo que se vino en
denominar post rock.
Guarda elementos de un pop
ochentero, de cierta tendencia sintética,
tiene regusto al rock progresivo evasivo de
los setenta, pero no se ajusta a los
estandares estilisticos de los que bebe. Talk
Talk camina hacia el futuro con su Spirit Of
Eden.
Página 43

Philip Glass
Music In Twelve Parts
Año / 1987
Sello discográfico /
Género / Minimalism
El espacio geométrico cobra una vida
inusitada, se cierne sobre nosotros bajo un
desmayo de sobresaturación de información.
Todo gira sin un sentido prefijado y ya es casi
imposible distinguir la orientación correcta,
arriba y abajo, izquierda y derecha, nunca
han sido conceptos tan relativos.
La nada construye el todo, lo escaso se
adueña del vacio, lo captura y lo deforma
libremente. La analítica de números y formas
se torna en lenguaje universal que da sentido
a un conjunto, es un cemento que llena todo
de subconsciencia.
Tres horas y media dan para mucho,
concretamente doce partes de una obra
incomensurable basada en un concepto
desarrollado por este compositor de
extraordinaria influencia en el siglo XX.
Construye las canciones a partir de
patrones sencillos y repetitivos, las adorna
con melodia y arreglos que se acercan por
momentos a la musica electronica mas
bailable pero tan solo como una mera
coincidencia.
Su trabajo es puramente cerebral pero
tiene un efecto animico inevitable, los
interminables arpegios entrecruzados por
contrapuntos de los mas variado te atrapan
mentalmente, son una tapiz, una maraña
densa e impenetrable de sonido, de musica
formada por notas escogidas con sumo gusto.
Es como la toxicidad que provoca un
estado de alteración mental inducido, pero
permite una lucidez en un mundo paralelo
inabarcable. Un camino hacia lo inhabitado,
lo novedoso, las nuevas sensaciones y las
nuevas fronteras.
Esta es sin duda una de las obras mas
emblematicas del siglo XX, una joya
profetica, la singularidad de un artista de
enorme talento e inteligencia.
Página 44

Can
Future Days
Año / 1973
Sello discográfico / United Artists
Can se vuelve a escapar entre los
dedos, son imposibles de asir, de sujetar, su
imaginación y su creatividad volátil los hace
poblar espacios eternos. Su estilo
atmosferico, etereo en este disco les acerca
tambien al Jazz Fusion, transitan un estrecho
camino entre los cultismos musicales
progresivos y jazzisticos y la simpleza de la
electrónica ambiental reinventada con
percusiones y guitarras orgánicas y llevadas a
la sensación de no existir en un mundo vacio.
Para Future Days la banda se acerca
hacia una tendencia mas ambiental, creando
una música en estado de vapor que se sujeta
al mundo físico por percusiones repetitivas y
extraños loops de hermosas y granulosas
texturas. La idea alarga los temas, tan solo
cuatro que pueblan el LP por completo.
Hay un busqueda consciente para
encontrar un sentido entre el sinsentido
ambiental, La personificación que toma
posesión de este elemento de materia fluye
en armonia alejada. Contienen el aliento y en
estado de fruto carnoso se dejan caer hacia
un area de vibración fastuosa.
Los temas son a veces oscuros, a veces
potenciadores del pensamiento hipnótico, las
letras son escasas, se entierran entre las
capas de sonido. La experimentación atonal
se contrapesa con ideas pop que energizan el
album, lo cargan de estática, de un
magnetismo mágico, profundo, de belleza
extraña y única.
Es un trabajo psicológico que atrapa la
mente en ciclos de pensamiento que se hacen
lentos, es como si el astronauta de la peli de
Kubrick desconectase uno a uno los módulos
de tu ordenador interno hasta dejarte
absolutamente vacio, absolutamente libre.
El extraño ser que se esconde detrás
de las vocales del grupo decide seguir su
camino hacia lugares desconocidos, lógico
para un nómada y transportador metafísico.
Página 45

The Raincoats
Odyshape
Año / 1981
Nacionalidad / UK.
La belleza de la realidad y la
personalidad es un dueño por pura vitalidad
para un album que en espacios ajenos
desconecta y eriza poros.
Pero la radioactividad vocal está
conseguida con un coagulante de percusión
hyperactiva, de guitarras improvisadas y
sonidos papanatas que empaletan un
habitaculo ridiculamente pequeño, encojido
donde se entrecruzan los sonidos creando
nuevas realidades sonoras no predichas ni
buscadas.
La simpleza del punk es solo una pose
que esconde un folk real, jazz libre y
disonante y melodias pop que se derrumban
en la emoción de un grupo que no teme
exponer su estado a una audiencia
desconocida.
El catalago de The Raincoats fue
recuperado por Kurt Cobain y los Sonic
Youth, quienes habian escuchado a esta
extraña banda y habian quedado impregnados
por la emocion intensa de sus deshechas
melodias.
Odyshape es un trabajo lleno de
tristeza, melancolia, dolor y emociones
animales. The Raincoats se muestran
interpretando con simpleza y organicidad en
una producción desnuda y sin artificios que
resalta la credibilidad de un grupo de artistas
reales.
Las melodias sencillas se contraponen
con arreglos dispersos y de ambiente atonal,
hay un jugueteo continuo entre el pop, de
piel oscura y apagada, y la experimentación
tendente al ruido contenido. La tensión entre
ambos extremos dota al material de un
magnetismo que atrapa y sobrecoge. Los
violines suman un caracter rural que aumenta
la credibilidad de las letras y los
sentimientos descritos.
Página 46

The Feelies
Crazy Rhythms
Año / 1980
Sello discográfico / Stiff
Género / New Wave
La ansiedad debora al tiempo bajo la
batuta de la inocencia mas candente. Las
armas recien aprendidas son de un poder
abismal, en manos de minúsculos cuerpecillos
de delgadez extrema se convierten en un
peligro constante de desmoronamiento.
La percusión contiene su ser bajo un
ritmo de cuatro tiempos y un perfil de
afiladas extravagancia. No hay mas, no
busques mas, lo que hay sobrepasa cualquier
imaginación posible.
El diáfano cristal sonoro infecta a
distorsiones timidas y en colores brillantes.
Los preliminares de una época
completamente nueva construida con ideas
completamente viejas, completamente
pasadas, ruborizantemente sonrojantes.
Escuchado ahora, cuanto de este
album se puede entrever en el trasfondo de
muchos discos actuales. Una colección de diez
canciones simples pero intrincadas, de ritmos
atropellados, voz nerviosa, urgente y a veces
atonal, con aceleradas guitarras limpias y
sencillas.
Hay algo de los Talking Heads detrás
de la forma, pero mas adolescente. Hay aun
mas de Lou Reed.
Todas las canciones son versiones
originales a excepción de "Everybody's got
something to hide except for me and my
monkey" donde versionan acertadamente a
los Beatles y "Paint It Black" de los Stones.
Página 47

Amon Düül II
Phallus Dei
Año / 1969
Sello discográfico / Repertoire
Tribal y oscuro comienza una vibración
sospechosa, un sonido profundo y oculto que
se rompe para dar paso a un rezo en lengua
rugosa limada por armonias ultramundanas
que enlazan con extrañas y lejanas culturas
de naturaleza incomprendida.
La conjugación maestra de una
improvisación libre pero atada a una
estructura creada por la genialidad del
estado de gracia infinita. La busqueda de una
voz propia, de personalidad mas allá de las
fórmulas consabidas es un motor potente que
crea bajo este manto de sinsabores un
mensaje desconocido que no recorre camino
alguno.
El atrapamiento en elipses oblicuas es
su razón de ser, contracción de pulsos,
provocación involuntaria en oscuros espacios,
tenue escapada por puertas pintadas sobre
muros curvos.
La interpretación alemana de la
psicodelia y de los inicios del rock progresivo
tiene en Amon Düül II uno de sus mejores
exponentes. Phallus Dei, literalmente el pene
de dios, es uno de sus primeros trabajos.
El grupo surge como una excisión de un
colectivo mayor de hippies que vivian en
comunas y practicaban una vida enfocada a la
creación artística y al autoconocimiento.
Juegan con el ruido y el sonido
abstracto como una forma de adentrarse en
el lado mas irracional y surrealista de su
creación, les permite crear momentos de una
tensión mágica, y son capaces de acotarse
para no divagar sin sentido en el campo de lo
informe, por el contrario juegan
inteligentemente con la dualidad que aportan
los momentos mas rítmicos y las melodias
vocales, que aunque difuminadas en la
interpretación libre sirven de centro
gravitacional para el conjunto.
Página 48

This Heat
Deceit
Año / 1981
Género / Post Punk
Nacionalidad / UK.
Son impredecibles, sueñan con orcos
de labios pintados de azul. Destruyen el
abanico de castillos redondos, lo hacen
porque quieren ser felicitados, y lo entienden
asi. Lo disfrutan, se denota cuando
armonizan unas notas que tuercen sobre el
papel, amontonan golpes en una bateria de
tamiz electrificante. De simpleza binaria,
aderezada de un bajo que balbucea sin
control.
Deceit es un collage sonoro que aborda
la desectructuración armónica y la melodia
como esencias contrapuestas pero
compatibles. El Post‐Punk se expande con
cada nueva banda que trata de inspirarse en
sus inmensas posibilidades, This Heat
contienen elementos de inteligencia y
sensaciones divergentes que capturan con
acierto entre la simpleza y el ruido atonal.
Son oscuros y profundos, están jodidos
y su musica es el espejo de su rotura interior.
Se afinan con el jazz y el ritmo tribal para
superar ampliamente las limitaciones
técnicas, hay calidad y potencialidad, pero el
motor es la sensación, que no se engañe
nadie.
El sonido es natural y cercano, suena a
clásico atemporal. La dejadez sonora los
acerca al noise‐rock de los ochenta y por
ende al rock alternativo por venir. This Heat
con su Deceit son un experimento fructifero
aislado en su roca de belleza inusual.
Cualidad perfecta para el sol del ruido.
A pesar de los oscuros sentimientos y
de arreglos de desapego el ritmo de
contagiosidad reseñable y la vacalidad de los
temas los hacen pop, bailables, magicamente
divertidos.
Pero la fealdad es un sello que llevan
con orgullo por bandera. Su armonia es
distante y expulsiva. Una bofetada sonora de
alejamiento involuntario.
Página 49

Disco Inferno
D.I. Go Pop
Año / 1994
Género / Experimental Rock
Nacionalidad / UK.
La red tejida es firme y equidistante,
el análisis de diametros interiores marca una
desviación estandar de milimicras.
Ahora el aroma a rabia y odio tiene un
soporte de firmeza sin igual. Pero no me
esperes que no llego.
Hay un barniz de mieles de aguja, de
barro clarividente sobre el que recaen
extraños instrumentos que no tienen la mas
mínima intención de quedarse para dar
explicaciones.
El viaje una vez comenzado se deja
llevar, escoge un camino y lo deja para volver
atrás, sospecho un zarpazo que nunca llega.
Hay garatusa de lima. Sangre aborbotonada.
Un follaje de elementos inconexos que
están en contacto por una definición y una
decisión de intenciones que queda plasmada
bajo algún lugar de espacio contenido.
La biométrica no es real, es solo una
gota efímera, una cantinela mas. La
robotización es el gobernante real de este
reino de taifas que son los noventa. Los
borbotones se explican por integrales
definidas y el lenguaje solo es una percepción
de algo que no está ocurriendo.
Disco Inferno realiza D.I. Go Pop en
1994 como su obra mas prolifica y acertada.
El album es una colección esquizofrénica de
samples electrónicos sobre los que la banda
interpreta una forma de rock concisa y de
aires eclécticos.
La desafección punk da paso a una
divergencia sonora de confusión. Caos para
dar sentido al caos.
El album por su carencia de melodias
pop se queda para el gran público, los críticos
lo citan como una de las grandes obras de los
noventa, profecia sonora de lo que debe
ocurrir en el nuevo milenio.
Página 50

The Flock
The Flock
Año / 1969
Sello discográfico / Sony Music
Género / Jazz Fusion
La belleza de la nada entre dos
mundos que se miran pero no se tocan, que
nunca empastan, nunca se entienden y jamas
lo harán. Pero su grandeza está en su
pequeñez, en la inercia de un movimiento
que acabó antes de comenzar.
La contemporaneidad de la psicodelia
y el nacimiento del rock progresivo engendró
extraños experimentos algunos de los cuales
funcionaron total o parcialmente. The Flock
era una banda de hippys que mamaron
directamente la epoca dorada de las drogas
de elefantes rosas, la explosión del folk
americano y el inicio del rock influido por la
música culta.
Su propuesta está influida por todo
esto. Su rock es simple y potente pero se
adereza con metales que dan cierto caracter
afrobeat (pura casualidad), funky y
jazzistico; y por un violín que suena a música
tradicional. Lo soporta un bajo funky y
guitarras cristalinas dibujando arpegios de
armonia abierta.
Buscan complejidad, mejor dicho
sofistificación, la encuentran en los
momentos de calma que crean con melodias
raciales de violin, un saxo melódico y
armonias vocales que siguen los rasgados de
guitarras limpias. Pero los temas cambian,
explotan en estribillos intensos de sonoras
baterias y saturación instrumental.
Esa busqueda dinámica en los temas
entre los fragmentos de calma y los de
explosión sonora son el gran triunfo del
album, pues mantienen el interés allí donde
posan sus notas.
Redondean el material con fragmentos
de experimentación, improvisación
desmedida para cerrar el album, y por
condensarlo en un momento concreto no
rompen ni desdibujan el conjunto, al
contrario lo engrandecen y redondean un
trabajo sobresaliente.
Página 51

Tim Buckley
Starsailor
Año / 1969
Sello discográfico / Enigma Retro
4 Men with Beards
Género / Jazz Rock
Odiseo se desprende de un barco que
aun no aterriza sobre el "algo". La esfera gira
sobre un arcoiris de tonos violaceos. El
horizonte no es algo que este aqui, por lo
cual ya no tenemos tiempo ni ganas de
definir donde comienzan y terminan los
espacios. Esto tiene otra consecuencia,
nuestra orientación ya no se recuerda.
Golpear con arrogancia sobre una mesa
del revés, decir verdades como puños a una
audiencia que jamás te escuchará. Pero que
mas da cuando ya no importa, y lo único que
cuenta es lo que uno puede decirse a uno
mismo sin pestañear.
Stairsailor no es sencillo, es una obra
feroz, llena de un dolor subconsciente que se
transmite en la hipnosis de un ruido informe
y de una voz atonal, libre y disociada. Ambas
crean un ambiente retorcido, complejo pero
de una belleza sobrecogedora.
Tim parece tratar de liberar sus
demonios interiores, esta musica es mas un
ejercicio de autoconocimiento, de expansión
espiritual que una forma de hacer dinero.
Song to the siren pone un momento de calma,
una balada de enorme intensidad, arreglada
con valentia, con una guitarra eléctrica
arpegiada y deformada por un flanger
patente, voces femeninas distantes y un
primer plano para la multioctavica voz de
Buckley, que parece pretenciosa por
momentos y celestial a veces.
La aventura conceptual del artista y el
resultado bien merecen ser destacados de la
cantidad de discos que se limiten a reescribir
la canción pop estandar. Tim se arriesga y
obtiene la honestidad y la etiqueta de artista
de culto, pero también se descubre en la
inmensidad de un universo inabarcable que lo
llevará a perderse de dolor. El dolor de no
saber que las mentiras son mentiras aunque
las repita mucha gente.
Página 52

Ornette Coleman
The Shape Of Jazz To Come
Año / 1959
Sello discográfico / Atlantic
Género / Free Jazz
The Shape Of Jazz To Come es el
primer paso de un jovencisimo Ornette
Coleman en la búsqueda de la libertad
expresiva mas absoluta dentro del género del
Jazz.
Aun manteniendo ciertos elementos
del Jazz mas tradicional, del Be Bop y sus
secuelas, Coleman se aventura por terrenos
desconocidos, mantiene a su base rítmica
tocando progresiones de armonía abierta y se
dedica junto con su colega Don Cherry a
explorar melodias incontenidas, llenas de
improvisación y dirigidas a medio camino
entre el estómago y el cerebro.
El album se convierte en un hito,
odiado y adorado a partes iguales por todos
los sectores de la crítica. Para algunos la
falta de reglas, de una base musical que
contenga y limite el material hace que el
estilo se salga de los límites del Jazz, se
desborde hacia espacios ajenos.
Otro sector de la crítica adivina las
posibilidades infinitas de la música de
Coleman, perciben un acto de comunicación
total, donde los conocimientos y las
cualidades mas técnicas se aunan con los
sentimientos mas viscerales. Las limitaciones
armónicas impiden que el músico se centre al
100% en su música, les hace pensar en cada
momento que pueden y que no pueden hacer.
El Free elimina el problema de raiz,
deja en la mas absoluta soledad la creativdad
y la expresión mas directa de las ideas y las
sensaciones de los músicos. Y aunque el estilo
todavia deberia de dar pasos mayores hasta
llegar a todas sus posibilidades, este album
es un inicio sobresaliente, una declaración de
intenciones clara e inteligente.
Página 53

Holger Czukay
Canaxis 5
Año / 1968
Sello discográfico / Music Factory
Género / Art Rock
La inhalación de oxigeno real es una
medicina potente que hace crecer sobre las
pupilas extrañas ideas, la busqueda de la
belleza donde no existe, la encurvación de
los planos y la certeza de que no existe la
certeza.
Cuando has visto la ultrarealidad ya no
eres el mismo y cuando lo explicas y sientes
temor sabes que ya no tiene solución. Cortar
el mundo en dos para crear solo una vibración
vaporosa no parece razonable, pero es
precisamente la razón la que impide la
comprensión.
El continuo de un tejido lleno de
marfil y calamidades resiste a humanos
oscuros, deslizarse sobre este manto es
encontrar un final aun cuando no lo hay.
La alternativa se alinea, se hacen
hermanos de la misma realidad en la que no
creen.
El bajista de la mítica banda alemana
Can, edita esta maravilla producida por Rolf
Dammers, donde da rienda suelta a su gusto
por la electrónica, las musicas del mundo, y
la temática abstracta.
La utilización de samples de voces y
cantos africanos y asiaticos es la pincelada
maestra que produce el efecto deseado y se
convierte en un interesantisimo concepto
artístico donde la modernidad y la tradición
mas tribal se dan la mano y se envuelven
creando un obra única y compacta, pero llena
de libertad e ideada como una forma de
autoconocimiento.
Una obra definitiva llena de sonidos
imperecederos por su especial capacidaz para
evocar en el oyente extraños y profundos
sentimientos y por convertirse en un adelanto
de lo que nos está deparando el inicio del
siglo XXI.
Página 54

Battles
Mirrored
Año / 2007
Sello discográfico / Warp Records
Género / Math Rock
Dobleces y esperas en carreteras
secundarias. Dolor y varas de medir. Un
poder de solidez inmunda, un cruce de
caminos entre la subconsciencia de sueños
inocentes y la mas aspera y analítica
conciencia de números y formas de geometría
matricial.
Para volver a un comienzo hace falta
saber que no te has movido jamás del sitio.
Hace falta una humildad que no aparenta
existir.
El juego es una meta en si, la
devanación de hojas y la veracidad están
garantizadas bajo una realidad de nuevos y
extraños carotideos.
El sacrificio también es de una
existencia que se percibe, porque cuando
todos quieren volar siempre hay alguien que
debe permanecer en la torre de control.
La sensación aunque se expande se
contiene de alguna forma que no es facil de
explicar. Hay una idea previa, algo que se
traza como un plan maestro. Se intuye una
conversación para fijar las reglas que deben
llevar a un conjunto de elementos al estado
de un todo cohesionado.
La simbiosis está. La idea funciona. El
mundo gira. El aire sigue su viaje. Pero ahora
ya es diferente, porque alguién se atrevió a
vivir, y eso aterra. Cada segundo que pasa es
mas dificil salir de un círculo que se cierra
por pura densidad.
Este album puede convertirse en una
referencia universal de todo lo bueno que
está por llegar ... o podria ocurrir como con
algunas obras de arte que caen en el olvido
pero se mantienen como reconditas joyas
imperecederas ... el tiempo dirá.
Página 55

Tangerine Dream
Phaedra
Año / 1974
Sello discográfico / Virgin
El motor despega y crea un divergencia
en el espaciotiempo. Ahora existen dos
realidades que se anulan entre si porque
dibujan tendencias exactamente contrarias.
El mar de un solaris desconocido se
descubre al mirar a un espejo de papel de
plata. El espacio euclideo de tono azul oscuro
dibuja mas claridad, ahora si, ambos nunca
jamas volverán a rozarse, nunca volverán a
sentir que hay alguien mas.
Sentir que te partes en dos no es
agradable, ver como se destruye tu estómago
bajo un cuchillo de 2X2=32 es algo que no se
desea.
Pero una vez alli prefiero no volver.
Las orbitas son sólidas, rebotan sobre una
especie de nada, algo que no veo ni siento,
no percibo ni entiendo. Pero entre todos y
bajo un fórmula novedosa resuelvo que
existe.
Domar la pasta paralelepipeda es
magnífico pero improbable, las dudas me
asaltan, y aunque puedo pensar ya no
recuerdo como se hace.
Disco capital en la evolución de la
musica electronica, los alemanes Tangerine
Dream inspirados por las musas proponen un
mundo abstracto de sonidos etereos y
espaciales sonidos que se dirigen por los
arpegios hipnoticos de los sintetizadores mas
modernos (para la epoca).
Ya llevaban un tiempo editando
material de calidad, siempre con la intención
de aportar largas suites de musica sonora
electronica con caracter hipnotico y evasivo.
En este momento, incluyen arpegiadores que
suman una textura acertadisima a su musica.
El resultado es un paso hacia adelante de
enorme calado en su musica y con ello una
idea que se dispersa en la atmosfera
terrestre para abarcar casi la totalidad de la
musica electronica de los siguientes años.
Página 56

Pop Group
Y
Año / 1979
Sello discográfico / Radar
Nacionalidad / UK.
Luz tenue y enfocada sobre una matriz
de rombos multicolor. La sonoridad no se
encadila pero ahuma un espacio oscuro. La
división frecuencial se explicita con la
simpleza de unos instrumentos concisos y
preclaros.
Un perturbado voluntario toma el
control de un micro secundario para
declamar un amor inverosimil por la vida
estomacal. Negrean los ritmos, y se deshacen
en sus inicios para convertir el ambiente en
una obra beatnik, un free Jazz sin free ni
Jazz.
Cuando todo parece circunscribirse a
una idea concreta y con sentido de repente se
variopintea en calamidades vibracionales. En
exorcismos mentales para evacuar a ratones y
cortaduras de antiguas fuentes de poder.
La insolencia se transforma en energía
positiva, en libertinaje artístico. Las reglas
otrora pertubadoras hace tiempo que
saltarán por las rendijas del muro a una
altura variable. Lo que queda es eso, es la
sensación de un vacio agujeretivo.
Un piano residentil es de un color
crema. La corosidad es hermosa asquerosa. El
ritmo de un binario que no se me va, hasta
llegar a un precipicio que desborda todo en
una flexibilidad de armonia sencilla y
explicativa.
El espacio se transforma en un nuevo
instrumento que brinda vida a las formas
menos humanas y las convierte en retales de
líquidos vacuos.
La voz es un instrumento libre y atonal
que se centra en contar mensajes obsesivos.
"Blood Money" es un buen ejemplo. La
experimentación abstracta y los temas mas
ritmicos generan una variedad destacable que
aporta aire y credibilidad al conjunto.
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Sonic Youth
Sister
Año / 1987
Sello discográfico / SST
Sonic Youth en la busqueda de un algo
que aun no tienen claro se encuentran cara a
cara con una de sus primeras obras de arte
absolutamente completas. Sister es de una
rareza contenida, una volatilidad entrelazada
de ideas inconexas que se hilan de forma
placidamente armoniosa.
El ruidismo se atrapa en gotas
minúsculas, en barridos del tiempo, en la
dualidad que pasa del rock apunkado de
Moore a la poesia Beatnik de Gordon. Con
pasajes de instrumentación que trata de
simular una normalidad anodina.
El sonido apagado desdibuja una
bestialidad sonora que latente empuja con
violencia para aflorar a un mundo de
descubrimientos y de firmas legítimas.
El ritmo hyperactivo se expande y se
entrecorta con arrogancia en una nueva era
para la banda que abre un tempo lento y
aletargado que sorpresivamente manifiesta
un estado catatónico sobre el que las ideas de
introspección autoanalítica se desarrollan con
soltura y altura de miras.
El ruido ceñido a un espacio limitado
sirve como una textura y un recuerdo de lo
que se es realmente. Pero Sister es ademas
una expansión del lenguaje sonicyouthero.
El aprendizaje por error de que mas
rápido no significa llegar antes. Que la
camara lenta descubre detalles del
movimiento que estando ocultos estaban ahí,
esperando un nuevo ojo que los mirase para
esparcirse como canela en polvo sobre un
mundo tambien nuevo que trata de
reinventarse otra vez mas para contar las
mismas historias a nuevos seres.
Página 58

Klaus Schulze
Irrlicht
Año / 1972
Sello discográfico / Ohr
Género / Kraut Punk
El centro del universo es un lugar
desconocido pero real, su delicadeza está en
su movimiento, en ese cilindro troncocónico
que se desborda y desaparace de nuestra
vista en un horizonte vertical.
La transfusión de granos grisaceos es
ya un hecho, la desaparación de cualquier
contacto con vida cercana aisla pero tiene
sentido. Lo tiene porque sobre esta onda de
frecuencia megaherzica crecen estructuras, y
hay que verlas.
Son finisimas láminas de un metal
desconocido. Un recuerdo en la espera, un
sonido ambivalente que se desatina y se abre
paso en un manto de pura densidad. Es el
simbolo del pasado. Y de repente un silencio
que duele. Entrecorta la sugestión. Permite
el paso a un nuevo estado que esta vez ya no
tiene explicación.
Profundo album que edita en su debut
en solitario el músico alemán Klaus Schulze.
Una obra maestra de sónido ambiental, de
corte espacial y evasivo que llega a cotas de
densidad dificilmente asimilables y que
además se construye con elementos de una
simpleza apabullante.
En efecto, los tres cortes del disco,
funcionan como largas suites sonoras de corte
sinfónico, que evitan la melodía y se centran
en el sonido monotonal como una forma
hipnótica, utilizan la música como elemento
central que transporta la mente del oyente
hacia un lugar insondable de naturaleza
espiritual.
Klaus centra su obra alrededor de un
zumbido grave y repetitivo sobre el cual se
escuchan en segundo plano deformes sonidos
similares a cuerdas de orquesta, llenas de
reverberación, parecen salir de las
profundidades del universo, estas aparecen
intermitentemente, parecen llegar con la
inspiración espontanea e improvisada del
artista.
Página 59

Cocteau Twins
Treasure
Año / 1984
Sello discográfico / 4AD
Género / Dream Pop
Nacionalidad / UK.
Embriagadora mezcla de pop, folk
postmoderno y electrónica, con un procesado
de ultramundos y aparejos étnicos.
La subyacente delicadeza vocal
impregnada de efectos alejantes y
onirizantes se acompaña de una simpleza
dispar de instrumentos variados que se
utilizan con soltura sobre un universo de
saturación estilística, donde la melodia juega
un papel paralelo.
El conjunto de seres busca con acierto
una tercera via que les permita tener sentido
en un larga duración. Las guitarras y el ritmo
se abstractan para dar cabida a una voz de
forma infusa que rehusa olvidar su emblema
pop.
Las guitarras son cristalinas, limpias
como el agua a 4º centigrados, los delays se
convierten en el elemento que las transmuta
en armas etereas y suspirantes.
La voz aguda y tremendamente
procesada dibuja melodias complejas e
intrincadas que aun asi no pierden una nota
en devaneos y mantiene su caracter
asequible.
Hacia la tercera parte del disco el
ritmo soporta atmosferas mas abstractas y
experimentales, el camino ha sido abonado
convenientemente para llegar hasta este
lugar y entender y disfrutar cada nota y
concepto subyacente.
Perfección conceptual. Cada vez mas
deshecho por el sentimiento y la embriaguez
de la musica, nota a nota llegamos
escaladamente hasta un climax de sonido
onírico.
Página 60

Neu!
75
Año / 1975
Sello discográfico / Brain
Género / Kraut Punk
La encrucijada entre una armonia
expansiva un ritmo simplista y repetitivo y un
universo de texturas sospechosas crean en 75
un nuevo paradigma para la música
electrónica que ha dado frutos diversos y
creativos.
La sublimidad de las vibraciones
estremece, asombra un sonido de tal
delicadeza en una estructura tan tenue y un
sentido tan real.
La música de Neu fluye como las aguas
de un rio (utilizando la analogia que el
mismo grupo usa para explicar su inspiración)
es constante e incesante, aparantemente
simple pero lleno de momentos de sublimes
remolines sonoros. Iggy Pop, fan declarado
del grupo, explicaba que la música de Neu
permite que los pensamientos de la zona
creativa del cerebro fluyan con facilidad.
Iggy siempre acierta.
El album tiene un carácter bastardo
heredado del rock progresivo y la musica
electrónica que crecia y mutaba por entonces
a lomos de los grupos experimentales
alemanes.
Neu son lideres del movimiento,
aportan su punto de vista peculiar, la
simpleza y la melodia oculta entre mantos de
sonido envolvente y descongestionante.
Mantienen un pulso tranquilo, pausada que
revitaliza con ritmos asincopados, la
constancia que aborda un estado de hipnosis
controlada.
Hero rompe la constancia con rock de
corte simplista, muy a lo rolling stone. Se
dice que Bowie, muy influido por los
alemanes en ese momento, se inspira en el
tema y en el album al completo para su
famosa obra Heroes. Las similitudes son
evidentes.
Página 61

Public Image Limited
Flowers Of Romance
Año / 1981
Sello discográfico / Virgin
Género / Post Punk
Nacionalidad / UK.
Es una escapada de instrumentos, un
páramo sonoro donde abundan ritmos de
rigidez involuntaria y un grito difuso que
tropieza en ondas infrarrojas con burbujas
rugosas de espacios crecientes.
La melodia no avisa pero permanece
en un estado de simpleza, se aboca en el
revés de recovecos y antenas de aguja. La
abundancia no es algo que exista para nada.
Es una oda a un pensamiento ideal.
Flowers of romance permanece al otro
lado de la verja, donde los objetos se
empequeñecen hasta una esencia de
vergonzosa realidad.
La banda secuela de John Lydon,
exvocalista de los sex pistols, explora
territorios mas abstractos y deformes, mas
complejos que la banda materna. Flowers Of
Romance marca el punto culminante y de
mayor aclamación de toda su carrera.
Su música carece de estructura formal,
de melodia conductual. Manejan atmosferas
atonales y deformes bajo melodias planas y
deformes. No rellenan el espacio vacio con
sonidos impropios, se dejan llevar y no temen
expresarse con minimalismo instrumental.
Flowers of Romance huele a exorcismo
interior, tiene aires tribales por la
simplicidad y retitividad de su patrones
ritmicos, se asemeja a las extravagancias de
The Residents en Eskimo. Captura el espiritu
demente de los Pink Floyds de Syd Barrett.
El album está cargado de intuición y
expresión animal, odio y rencor reconducido
por un camino de autocomprensión. Hay
infinidad de momentos intensos e
interesantes, el trabajo es sobrecogedor y
nunca sobrepasa la delgada linea hacia lo
incoherente.
Página 62

King Sunny Ade
Juju Music
Año / 1982
Sello discográfico / Mango
Género / Afro Beat
Nacionalidad / Nigeria
Llenarse la boca de tierra húmeda,
cerrar los ojos y sonreir. El afro beat trae
estas sensaciones, lo llena todo de un color
verdoso, lo aliña con la repetición que crea
un estado de ánimo divergente y con sonidos
ultramarinos provenientes de un occidente
tan distante como presente.
Los ochenta traen extraños fenomenos
que se asoman con timidez y nos permiten
capturar ideas y sonidos diversos y
minoritarios. Africa tenia un potencial
inmenso en músicos que reteniendo las
esencias de su raiz se abren a los sonidos
anglos que vienen del otro lado del Atlántico.
Jazz, rock, blues o latin son especias que
esparcen semillas de creatividad por todo el
continente.
King Sunny Ade es una de las figuras
que mejor representa este proceso. Aupado
por los guiños de artistas norteamericanos al
sonido africano, hablese de Talking Heads o
Paul Simon, consigue una repercusión
internacional merecida que llega hasta
nuestros dias.
Su música contiene capas complejas de
percusión que funcionan como soporte
animico sobre el que se construye musica de
aspecto minimalista, efectos bizarros,
armonias terrosas y letras de aire tradicional.
Juju Music, aparte de las
peculiaridades y el exotismo, es una obra de
arte llena de autenticidad y de ritmos
contagiosos.
La suavización de la esencia desvanece
la atención, la retrae y la hace dudar sobre
problemas antiguos y coetaneos. No se puede
querer estar en todos lados como un dios
cualquiera. Quien mucho abarca.
Página 63

Richard Dawson
Nothing Important
Año / 2014
Sello discográfico / Weird World
Género / Folk
Nacionalidad / UK.
Osadia creada bajo un estado
catatónico, la creatividad en una puerta de
amplitud abismal, con un procedimiento de
media vocal que tan solo pone como premisa
"la veracidad interior".
Estas y otras perlas afilan las cuerdas
de una guitarra de afinación compleja para
un artista de apariencia irresoluta.
Demostración palpante de que la realidad se
esconde en rincones impredecibles.
La liturgia de unas notas que se
anteponen a su destino escapando por la
rendija de unos dedos ansiosos de libertad.
La complementación octogenaria de letras
vocalizadas con un claridad omnipotente. La
simpleza y autenticidad de un sonido
cristalino y sin artificios. Suma y sigue.
Es la propia apariencia de un album
inoperativo quien muestra un camino de
belleza inimaginada. En el interior de un
cementerio de complejidades, de acordes
retorcidos y de almas clásicas que se asoman
en una creación que traza una linea
impredecible entre el rock duro de amplio
espectro mediático y la psicodelía de dopaje
necesario.
Obra de arte descomunal, una
inflexión cósmica que auna influencias
lejanas y tradicionales embutidas en la
simpleza orgánica del folk y el blues, recoge
la tradición experimental psicodélica de
Captain Beefheart, Frank Zappa, o Red
Crayola, tiene similitudes con la ligereza y
libertinaje de algunas propuestas del New
Wave, gente como television o Richard
Thompson.
Pero mas alla de las conexiones con las
influencias Nothing Important es un trabajo
que se ancla a un presente por su
originalidad, por su capacidad para crear un
objeto único de extraña belleza, absorvente,
profundo, honesto, distinto.
Página 64

Flipper
Album Generic Flipper
Año / 1982
Sello discográfico / Domino Records
Diversión colectiva en una agrupación
de motivación creciente, sumidos en una
vapor sonoro que se deshace y te entierra en
mierdadeprimera a las primeras de cambio.
Hay un sofá y una muchedumbre de lisérgicos
personajes que acompañan la música con
unas palmadas dobladoras de asustadizos
pájaros hermanados y ACNEASTE.
Cuando nadie te lo pide todo se vuelve
rudo y serio. El mundo se convierte en una
parodia de saturno. La música es una escusa y
es de agredecer, porque de otra forma nos
hubieramos perdido un pedazo de realidad en
formato de guantazo entolaputaboca.
Y ya no volverá a ocurrir algo
semejante, pero sinceramente, importa una
mierda. Lo que cuenta es que esta gente se
reunieron en un momento irrepetible del
siglo para crear una declaración soberbia.
Libre y disfuncional debut discografico
de los americanos Flipper quienes se negaron
desde un principio a poner limites
estructurales o conceptuales a su musica.
La huella que dejan es reseñable, el
sonido alternativo americano de los ochenta
se fundamenta en ellos, les debemos pues la
enorme variedad y riqueza creativa de ese
periodo musical. Las similitudes conceptuales
con los Sonic Youth son evidentes, si bien los
otros son mas musicos y estructuran el ruido
artisticamente, mientras que Flipper son
anarquicos e incapaces de definirse en un
contorno de cosas, por decir algo.
El album es corto pero denso, no tiene
una escucha facil, todas las canciones se
acercan al lado mas desagradable y
desaliñado del rock.
La producción casi que brilla por su
ausencia suena a directo grabado con un par
de micros, no se cuida ni un detalle, es
urgencia pura, espontaneidad irreversible.
Página 65

Discos para escapar de matrix

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