movimiento moderno

1. INICIOS DEL
MOVIMIENTO MODERNO
(1900 -1930).
Republica Bolivariana de Venezuela
Ministerio del Poder Popular para la Educación Superior
I.U.P. ¨Santiago Mariño¨
Cabimas Edo-Zulia
Elaborado por: Marin, Anyelo.
C.I: 26.716.584.
Prof.: Contramaestre, Carlos.

2. Introducción:
¿POR QUÉ SURGE EL MOVIMIENTO MODERNO?
El llamado Movimiento Moderno, también conocido como estilo internacional ,
surge a principios del siglo XX. Este movimiento parte de las vanguardias
europeas de principios de siglo y se va extendiendo a finales de los años veinte.
Habiendo concluido la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la sociedad
atravesaba por una etapa de cambios, desde económicos hasta sociales y
artísticos. Estos cambios reflejaban un nuevo pensamiento, que en arquitectura
se tradujo como el abandono de los “estilos” cargados, ornamentales, esos en
los que la importancia radicaba solamente en la parte estética de un edificio,
donde también había desperdicio de espacio. Así que se pone mayor énfasis en
la funcionalidad de una edificación, esto es, que las decoraciones y ornamentos
pasaron a tener un papel sin importancia, puesto que no cumplían con una
función determinada, así que se opta por trabajar espacios “pensados” para el
hombre, con espacios pensados y útiles que pudieran aprovecharse de la mejor
manera posible, sin desperdicio, sin ornamentos. Este fue uno de los principales
móviles de este movimiento:
Ajustar la arquitectura a la realidad

3. Índice
* Arts. And Crafts.
* Werkbund.
* La escuela Bauhaus.
* Baloom Frame.
* La Escuela de Chicago.
* Neoplasticismo.
* Constructivismo Ruso.
* Suprematismo.

4. Arts. And Crafts:
Es un movimiento artístico que nació a finales del siglo XIX en Inglaterra y que rápidamente se
extendió por Reino Unido y Estados Unidos. Toma inspiración de la obra de John Ruskin, y tuvo
su mayor expresión entre 1880 y 1910.
En su manifiesto titulado The Arts and Crafts of today, Morris sostiene que "Si no se infunde
arte a los objetos de uso cotidiano, se obtendrá un producto no sólo insignificante, sino un
producto que a cada paso de nuestra vida material y de su "progreso" tenderá a la "muerte" de
la raza humana".
Los efectos estéticos propuesto por W. Morris nos llevan, por un lado, a la revalorización del
hecho decorativo como elemento esencial en nuestras vidas, y por otro, a la exaltación de las
nuevas producciones mobiliarias debido al carácter racional de las nuevas producciones.
Dicho movimiento, agrupado en torno a la figura de Morris, alienta una reflexión crítica sobre las
posibles orientaciones estéticas en la era de las máquinas.
*¿Que es?:

5. Se dice que cuando los visitantes de la Feria
Universal de 1851 llegaban al Crystal Palace de
Londres, además de asombrarse por los avances
técnicos, se sorprendían por el mal gusto de todo lo
que se fabricaba en masa. De manera que la idea
de progreso industrial comenzó a mezclarse con la
intuición de que era necesaria una reacción que
devolviera a los objetos de la vida cotidiana una
cierta dimensión estética, que acompañase a las
funciones naturales para las que eran fabricados.
Esa reacción se denominó Arts and Crafts, Artes y
Oficios, ya que pretendió elevar la dignidad social y
estética del diseño y de todas las artes aplicadas,
integrándolas en un entorno arquitectónico
armonioso y bello.
Primeras propuestas.
Aunque la mayor parte de los ciudadanos ingleses
del XIX permanecían apáticos o satisfechos con el
nivel estético alcanzado por su poderosa industria,
las reacciones al recargado estilo dominante en la
época se iniciaron a finales de la década de 1840. A
este respecto hay que destacar la obra de Henry
Cole, que editó el Journal of Design and
Manufactures desde 1847.
Dos años después, en 1849, apareció la obra de
John Ruskin, Las siete lámparas de la arquitectura,
una de las obras fundamentales de la crítica de arte
del siglo XIX, que ya en 1843 había comenzado a
publicar una serie sobre Pintores contemporáneos,
y que en 1851-53 publicaría Las piedras de
Venecia.
Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts
experimentó un empuje importante en 1861 cuando
William Morris fundó la empresa Morris, Marshall,
Faulkner and Company, conocida generalmente
como Morris and Company.
En 1890 Morris fundó la Kelmscott Press, una
imprenta artesanal de la que salieron tiradas
reducidas de algunos de los libros impresos más
cuidadosamente producidos de toda la historia, y
que fue capaz de ejercer una poderosa influencia
sobre las grandes editoriales comerciales durante
varias décadas.
*Historia:

6. Entre las ideas más características del Arts and Crafts se
encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como
estéticos. Destacamos los más importantes:
 Rechazo de la separación entre el arte y la
artesanía. El diseño de los objetos útiles es
considerado una necesidad funcional y moral.
• Rechazo de los métodos industriales de trabajo,
que separan al trabajador de la obra que realiza,
fragmentado sus tareas.
• Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto
en la arquitectura (con el neogótico) como en las
artes aplicadas.
• Propuesta de la arquitectura como centro de
todas las actividades de diseño. Una idea que
sería recogida por el racionalismo de principios
del siglo XX.
• Propuesta de agrupación de los artesanos en
guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval
de trabajo colectivo.
• Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y
satisfactorio para el artista y para el cliente.
*Principios del Arts & Crafts:

7. *Conclusiones:
William Morris supone un punto de inflexión en la historia de las artes visuales.
Con su obra lleva el diseño industrial a nuevos términos, y es esencial en el
estudio de la historia del diseño gráfico por sus investigaciones y la fundación
del movimiento Arts and Crafts.Las exposiciones organizadas por la Arts and
Crafts Exhibition Society dieron lugar al nacimiento de una nueva filosofía que
atribuye un nuevo significado al universo de los objetos de uso cotidiano: telas,
tapicerías, muebles y menaje.
William Morris tuvo una gran influencia en el desarrollo del diseño industrial y
las artes visuales. Supuso una gran importancia el concepto vanguardista, es
decir, la unión entre el diseño y el arte, que influyó también en las escuelas
posteriores

8. Deutsche Werkbund:
* La Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de arquitectos,
artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich por Hermann Muthesius.
* Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del
diseño moderno y precursora de la Bauhaus.
* La Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el
estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de
producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con
otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos.
* Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a
la construcción de ciudades), que indica su amplio abanico de intereses.
*Objetivos:
* Promover el debate intelectual sobre el tema del diseño.
* Mejorar la calidad de los bienes de consumo alemanes.
* Mejorar la competitividad de los productos alemanes.
Favorecer los contactos entre empresarios y creadores.
Sin embargo apareció dentro de la Werkbund una división
interna identificada en dos hombres:
* Estandarización sí: Hermann Muthesius
* Estandarización no: Henry van de Velde

9. Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a
partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la
producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base,
permitiendo el nacimiento de la fabricación modular. Se pensó en la posibilidad
de fabricar edificios en serie.
Tuvo una primera etapa hasta el año 1934, con una breve pausa en sus
actividades en 1918, por los costes en la industria debido a la Primera guerra
mundial. Disuelta en la época del nazismo, fue restablecida después de la
Segunda guerra mundial en 1950.
*Historia:
Esta nación, no tenía en ese entonces una
tradición edilicia semejante a la inglesa o a la
francesa, sumada a un proceso de
industrialización creciente que ligada a la
consolidación de una nueva generación de
economistas, técnicos, políticos y artistas con
visión progresista, que de forma privilegiada
se ubicaron en altas posiciones sociales,
económicas y gubernamentales. Así en
contradicción con otras potencias europeas
esta generación de vanguardia tuvo la
oportunidad de explorar nuevos caminos y
formas de entender el mundo, en una
sociedad en proceso de transformación.

10. *Característica:
* Separación de estética y calidad.
* Normalización del formato DIN
* Erradicación de la decoración externa superflua.
* Sencillez, estandarización y eficacia.
* Ahorro para comerciante y cliente.
* Crearon la primera imagen corporativa para la
fábrica AEG (Peter Behrens)
* Concepto del buen diseño. Por “buena forma”
entendemos aquella que desarrollada desde sus
condiciones funcionales y técnicas, es la forma
natural de un producto, totalmente adecuado a
sus fines y que es bello al mismo tiempo.
A partir de 1900 Alemania se sitúa en el centro
de la cultura arquitectónica europea. Los
motivos de esta cadena de eventos afortunados
se debió a una condición transicional del país
bávaro que se puede resumir en: La falta de
antecedentes.

11. LA ESCUELA DEL ARTE, DEL DISEÑO
Y LA ARQUITECTURA DEL SIGLO XX.
La escuela Bauhaus fue fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar en 1919. Pese a
que su fundador fuese arquitecto y la gran influencia que tuvo en la arquitectura, no tuvo un
departamento dedicado a ella en sus primeros años. Fue definida como “el edificio del futuro”.
La razón, con ella se trataba de unir todas las artes y ha influido en todas las vanguardias
europeas. Entonces aprovechó para unir la Kunstgewerbeschule de Weimar (escuela
artesanal) y la Hochschule für Bildende Kunst de Weimar (la escuela de bellas artes). El
resultado fue la Staatliche Bauhaus. Todas las tendencias artísticas influyeron en el diseño y la
arquitectura. De hecho, la búsqueda de esa unión ideal iba encaminada especialmente a la
arquitectura. Pero además, la mayoría de las corrientes vanguardistas en Europa se
enriquecieron.
La escuela de oficios y diseño Bauhaus, o Staatliche Bauhaus, es uno
de los hitos del arte moderno. Tocó las distintas áreas artísticas,
aunque fue en la arquitectura donde más influyó. Las bellas artes y la
artesanía tenían el mismo valor dentro de la producción industrial. Su
significado es “Casa de la construcción” y de ahí salieron algunas de
las ideas y propuestas más interesantes de principios del siglo XX.
No sólo fue una escuela, también se convirtió en todo un movimiento
artístico.
*Historia:
BAUHAUS:

12. En la Bauhaus nacieron las bases normativas y los fundamentos
académicos del diseño industrial y el diseño gráfico tal y como
los conocemos. Los profesionalizó pero además lo hizo aportando
un estilo propio presente en todos los objetos usados en el día día.
En 1996 las obras de la escuela en Weimar y Dessau fueron
nombradas Patrimonio de la Humanidad.
La escuela de diseño creó un nuevo estilo tipográfico. Las
fuentes usadas eran Sans-serif. Herbert Bayer fue el publicista
más destacado de la Bauhaus. Estudió en la escuela durante 4
años y Gropius lo nombró director de impresión y publicidad. En
1925 una fuente Sans-serif universal y geométrica (Architype
Bayer).
La Bauhaus tenía que ofrecer más que una especialización académica para cumplir con sus
propósitos. Necesitaba nuevos métodos de enseñanza y para Gropius la base del arte
estaba en la artesanía. Estaba convencido de que los artistas tenían que volver al trabajo
manual. Por tanto, las clases las impartían artistas y artesanos. Los profesores procedían
de distintas ramas artísticas. Entre ellos han
desfilado Kandisnky, Itten, Muche, Marcks o Klee.
El objetivo era borrar la distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas. Con esta
escuela, Gropius agrupaba el compromiso político, la pedagogía moderna y la producción
industrial. Las ideas socialistas de su fundador se relacionaban con las intenciones de la
escuela: reformar la enseñanza de las artes para lograr un cambio en la sociedad
burguesa. Gropius quería estabilizar y reforzar la escuela Bauhaus impulsado por el periodo
revolucionario que vivía Alemania tras la guerra.

13. *Existen 3 etapas:
La primera etapa: transcurre desde la apertura de la
escuela en 1919 hasta 1923. Se trata del periodo más
romántico e idealista que vivió la Bauhaus. Cuando Gropius
unificó al Escuela de Bellas Artes con la de Artes Aplicadas,
nació la primera escuela de diseño del mundo. El manifiesto de
la Bauhaus ya dejaba ver sus pretensiones: recuperar la
artesanía como arte y unir arte y artesanía. Gracias a la
producción industrial los productos que salieran de esa armonía
podrían ser asequibles y consumidos por el gran público. De
esa forma dejarían de depender del Estado vendiendo sus
propios productos, ganando independencia.
Los alumnos tenían que hacer un curso preliminar llamado
“vorkurs” creado por Johannes Itten en el que se comprobaban
sus aptitudes. En él los estudiantes tomaban contacto con las
distintas especializaciones bajo la metodología del “aprender
trabajando”. Los alumnos lograban una formación en las distintas
áreas y conseguían orientarse en su formación. La clase de teatro
de Oskar Schlemmer era importante dentro de la escuela por ser
una actividad social en la que aparecían distintos medios de
expresión. Paul Klee y Kandinsky también se unieron a la escuela
en esta primera etapa.
 La segunda etapa: abarca los
años de 1923 hasta 1925. El
fundador del neoplasticismo,
Theo van Doesburg, creó una
revista y un movimiento
llamados “De Stijl” dio unas
conferencias en la escuela que
influyeron en ella. La Bauhaus
cambia de dirección y en 1923
deja paso a la Nueva
Objetividad. También le
alcanzó las ideas del
constructivismo gracias a la
incorporación como profesor
de László Moholy-Nagy. La
crisis económica hace que la
escuela pasase a instalarse en
Dessau. La sede se inauguró
en 1925.

14. La última etapa: va de 1925 hasta el
cierre de la escuela de la Bauhaus en
1933. Moholy-Nagy abandona al escuela
en 1925 a causa de la presión de los
profesores y alumnos simpatizantes el
comunismo. En 1925 alcanzó el poder un
gobierno regional conservador, por lo que
la escuela era presionada para que
cerrara. Para mejorar la financiación y
animar a los integrantes del centro se
creó el “Círculo de Amigos de la
Bauhaus”, entre los que
estaban Einstein y Chagall. De 1927 a
1930, el director fue Hannes Meyer. En
1930 Mies van der Rohe se convierte en
director de la Bauhaus.
En 1933 el partido nazi decide cerrar la
escuela, así que su director la lleva a Berlín, en
un edificio viejo de telefonía. Allí no durará
mucho tiempo. Aunque Mies van der Rohe
asegurara que el centro no se relacionaba con
la política, en Abril tuvo que cerrar sus puertas
acusada de subversión. Los nazis veían a la
Bauhaus como socialista internacionalista y
cercana al judaísmo. Entonces muchos tuvieron
que exiliarse, como Walter Gropius. En Estados
Unidos se continuó con la escuela hasta la
Guerra Fría. László Moholy-Nagy creó en
Chicago en 1937 el New Bauhaus (la Nueva
Bauhaus) que pasaría a llamarse Institute of
Design.

15. Baloom Frame:
El Sistema de Bastidores conocido en Estados Unidos
como Ballon Frame, es el más utilizado a nivel mundial y es
reconocido porque entre sus múltiples ventajas reduce el tiempo de
realización, se abaratan costos, se incorporan materiales
ecológicos, renovables y reciclables como la madera y permite
realizar verdaderos proyectos a medida según las necesidades de
cada cliente.
El Concepto del sistema de construcción Ballon Frame es
sencillo: la sustitución de las tradicionales vigas y pilares de
madera por una estructura de listones más finos y numerosos, que
son más manejables y pueden clavarse entre sí. Con este sistema
de construcción están edificadas la gran mayoría de viviendas en
los Estados Unidos y Canadá.
el sistema que revolucionó
la construcción mundial.
• Orígenes:
El Ballon Frame surgió en los Estados Unidos durante el siglo XVIII, como adaptación de las
viviendas de madera europeas a los medios disponibles en el país americano, caracterizado por
la abundancia de madera y la escasez de carpinteros y mano de obra calificada en aquel
entonces.
Mediante el aligeramiento de las piezas de la estructura (listones de 1×2 pulgadas), se consiguió
sustituir las juntas de carpintería, que eran excesivamente complicadas de realizar para
personal no calificado en los Estados Unidos empleando en su lugar simples clavos.

16. Aunque la transición entre la estructura tradicional europea y el concepto de balloon frame
se produjo gradualmente a lo largo de más de un siglo, Con su evolución se han realizado
todo tipo de proyectos en el mundo, logrando viviendas de altísima calidad y que en
muchos casos están en pie después de casi dos siglos.
Argentina tiene un alto potencial para desarrollar este sistema constructivo ya que tiene
alta disponibilidad de maderas cultivadas como pino, álamo y eucalipto que se adaptan
muy bien a este sistema de construcción. Respecto del cultivo de árboles, Argentina
ostenta una de las tasas de crecimiento más importantes de mundo en especies forestales
como el eucalipto o el pino. Además hay una alta disponibilidad de tierras para expandir la
superficie forestada y alimentar un desarrollo de la construcción con madera con un
material renovable y reciclable.
El INTI (Instituto Nacional de Tecnología Industrial) elaboró el reglamento de construcción
con maderas nacionales INTI-CIRSOC con el fin de facilitar la presentación de proyectos en
el territorio nacional. Según los expertos de INTI este sistema tiene muchas posibilidades de
desarrollarse en el país. Algunas de sus características son:
• Mantenimiento: Es similar al de una construcción de material.
• Clima: Cualquier región del país es apta para este tipo de construcción, ya que la madera tiene
un tratamiento previo dependiendo de la zona donde se utilizará.
• Fuego: El riesgo de incendio es el mismo en cualquier tipo de vivienda, lo importante es que la
estructura de tiempo a evacuar. La madera permite a los bomberos calcular el daño
rápidamente con una inspección ocular.
• Insectos: Debajo del 19 % de humedad, la madera es inmune al ataque de insectos xilófagos y
hongos.
• Aislación: Una de sus grandes ventajas es su gran aislamiento térmico y acústico. Son
eficientes en cualquier clima.

17. La Escuela de Chicago:
Escuela de Chicago es la denominación histórica de un estilo arquitectónico
que se desarrolló en la ciudad de Chicago a finales del siglo XIX y comienzos
del siglo XX, pionera en la introducción de nuevos materiales y técnicas para
la construcción de grandes edificios comerciales y los primeros rascacielos.
Surge en Estados Unidos, donde las referencias históricas (arquitectura
historicista) tienen menos peso e importancia que en Europa. El contexto
socio-económico es el de una ciudad muy próspera y en considerable
incremento demográfico. El Gran incendio de Chicago (1871) dejó la mayor
parte de la ciudad destruida, lo que supuso el tener que volver a levantarla de
nuevo y dio al urbanismo una relevancia máxima. La necesidad de crear tan
considerable cantidad de nuevos edificios dio pie al surgimiento de la escuela,
al proporcionar una demanda de proyectos que ningún otro lugar podía
igualar.
Se produjo una gran especulación sobre los terrenos, lo que estimuló las
soluciones arquitectónicas que supusieran la construcción en vertical: muchos
pisos elevados sobre una planta reducida. El número de pisos de los primeros
edificios de la escuela (entre 10 y 16) es bastante modesto para los criterios
posteriores, pero para su época eran todo un logro. Paralelamente
aparecieron los primeros ascensores eléctricos.

18. Los distintos arquitectos y talleres de arquitectura de la escuela de Chicago proponían soluciones similares
entre ellos, lo que determinó la definición de un verdadero estilo arquitectónico común: pilares de hormigón
como soporte o cimiento (que solucionan la dificultad de construir sobre un suelo arenoso y fangoso),
estructuras metálicas (ya experimentadas en la arquitectura del hierro del siglo XIX) revestidas según la
función del edificio, ventanas corridas que ocupaban la mayor parte de las fachadas (lo que más adelante
se llamará "muro cortina") y la eliminación, en muchos casos, de los muros de carga. Dejaron de realizarse
edificios con muros de piedra de gran grosor, en beneficio de atractivas fachadas de mampostería que
suprimen los elementos decorativos (habituales en la arquitectura ecléctica de finales del siglo XIX). Se
apuesta por superficies lisas y acristadas donde predominan las líneas horizontales y verticales.
Los modelos creados en Chicago pronto empezaron a ser emulados en otras ciudades de Estados Unidos,
y están en el origen de la renovación arquitectónica del primer tercio del siglo XX (funcionalismo
arquitectónico, Bauhaus, Movimiento Moderno).
La World's Columbian Exposition (Feria Mundial de Chicago) de 1893 dio la oportunidad de presentar la
nueva ciudad al mundo; y trajo como consecuencia un movimiento de reacción en la nueva generación de
arquitectos estadounidenses, muchos de ellos originarios del Medio Oeste, que se conoce con el nombre
de Prairie School ("escuela de la pradera").
Ya en 1938, la llegada a la ciudad de Mies van der Rohe (las autoridades nazis habían cerrado la Bauhaus
en Alemania) significó el desarrollo de los nuevos planteamientos que caracterizan la denominada segunda
escuela de Chicago.
Con el nombre de Chicago seven ("los siete de Chicago") se conoce a un grupo de siete arquitectos de los
años 1970
*Arquitectos
de la Escuela
de Chicago:
• William Le Baron Jenney (1832 - 1907).
• Henry Hobson Richardson (1838 - 1886).
• Burnham & Root.
• Holabird & Roche.
• Dankmar Adler (1844 - 1900).
• Louis Sullivan (1856 - 1924).

19. Neoplasticismo:
Fue el pintor neerlandés Piet Mondrian, en conjunto con su compatriota Theo van Doesburg,
quien inició el neoplasticismo entre los años 1917 y 1920; esto ubica por tanto a dicho
movimiento dentro de las corrientes del arte moderno, particularmente en los inicios del siglo
XX. Ambos hombres fueron los pioneros en un nuevo estilo pictórico que partió de cuestionar
cánones establecidos en este entonces, por lo que sus innovaciones despertaron elogios y
críticas de todas partes.
Mondrian y van Doesburg, además, fundaron De Stijl, una revista que contó con varios
contribuyentes y que aparte de divulgar el espíritu del movimiento sirvió de base para publicar
la esencia, o mejor dicho el manifiesto, de lo que era el neoplasticismo.
De esta manera, se puede decir que los artistas neoplasticistas se dieron a conocer ante el
mundo a través de medios de comunicación en los cuales se observó una plena consciencia
de sí mismos.
El neoplasticismo fue una corriente artística
que, desprendida del cubismo, buscó hacer que
el arte no tuviera elementos accesorios, sino
sólo los más elementales. Tales elementos
trataron de lograr que la expresión artística
tuviera una consciencia de lo primitivo y, más
aún, de lo objetivo, lo cual condujo a la noción
de lo universal, con la que se formó una
concepción de lo abstracto que se elevó a su
máxima expresión

20. *Definición:
En un sentido amplio, el
neoplasticismo puede definirse
como aquella doctrina de la
plástica pura en la cual la
pintura posee una concepción
sumamente analítica y menos
apegada al universo
materialista, razón por la cual
se persigue un retorno a las
formas y colores más
elementales.
De esta manera, el
neoplasticismo denota un
cromatismo básico que, sin
embargo, quiere ser
trascendental, es decir, que
quiere abstraerse de la
realidad externa.
Con lo anterior se quiere dar a
entender que el neoplasticismo
no tiene la intención de
representar el mundo real, sino
las formas y colores básicos de
ese mundo real. Por ejemplo,
Mondrian, en uno de sus
cuadros de la serie de Las
Dunas (ver imagen de arriba, la
que encabeza este segmento),
no pintó esas dunas tal como
son, sino solamente sus líneas
sinuosas y sus tonalidades
amarillentas. Mondrian, pues,
hizo que su mencionado lienzo
fuera una realidad aparte,
separada, de la que podía
observar.
*Historia:
Los Países Bajos y la Gran
Guerra
Para 1917 (año en que comenzó su actividad el neoplasticismo), Europa se encontraba en un
sangriento conflicto bélico, la Primera Guerra Mundial (1914-1918), o la “Gran Guerra”, como le
decían en ese entonces.
Alemania y Francia se batían en un duelo a muerte por la defensa de sus fronteras. Rusia estaba
en un caos que un año más tarde acabaría con el zarismo. El imperio Austro-Húngaro hacía
esfuerzos por evitar la derrota. Otras partes del Viejo Continente estaban en llamas.
Los Países Bajos, por su parte, se mantuvieron alejados del enfrentamiento entre naciones, pues
fueron neutrales en estos fatídicos años de beligerancia. Sin embargo, eso no quiere decir que no
sufrieron las consecuencias de la Primera Guerra Mundial.

21. Búsqueda de renovación estética.
Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal.
Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente).
Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la
esencia.
Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y
cubos.
Planteamiento totalmente racionalista.
Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa
proporción, siempre verticales, horizontales formando ángulos rectos.
Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la
compensación de las formas y los colores.
Uso de pocos colores.
Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros
(blanco, negro y grises).
Empleo de fondos claros.
Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres.
Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos
trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.
*Características :
El neoplasticismo se caracterizó por diversos
aspectos que distinguen a esta doctrina artística
de las demás. En la siguiente lista se muestran
los que son más representativos:

22. *Escultura neoplasticista:
Georges Vantongerloo: en escultura se va a tratar de
hacer como en arquitectura, plasmar lo visto en la pintura
neoplasticista y aplicarlo a otros ámbitos. Esto mismo es lo
que intenta hacer Vantongerloo. En obras como Interrelación
de volúmenes, Construcción de relación de volúmenes y
Construcción Y = AXZ + BK + 18 apreciamos formas
geométricas, líneas horizontales y verticales que se cortan y
se interrelaciónan, buscando sensación de volumen cerrado,
sin color, todo muy sencillo. Todos formados a partir de
bloques.
Gerrit Rietveld: el artista que ya vimos en arquitectura
neoplasticista realizará también muestras de diseño.
Destacan la Silla roja y azul, Silla zigzag o Lámpara para el
estudio del Dr.Hartog en Maarssen. Aplica todas las
características ya vistas en el movimiento neoplasticista a
objetos utilitarios y funcionales; líneas horizontales y
verticales que se cortan, utilización de colores típicos de
esta corriente, etc. En la silla zigzag vemos un magnífico
ejemplo donde la línea horizontal, vertical y oblicua están
fusionadas.
*Arquitectura
neoplasticista:
Un ejemplo claro de
arquitectura neoplasticista es la
Casa Schröder de Gerrit
Rietveld y Truus Schröder-
Schrader, quien encargó el
proyecto para lo que fue su
residencia, y la de sus tres
hijos, hasta su muerte en 1985.
El requisito principal era un
diseño preferiblemente sin
paredes. Ejerció también
influencia sobre Pieter Oud,
Walter Gropius, van der Rohe,
Le Corbusier.

23. *Sobre el color Neoplástico:
El cromatismo en la arquitectura neoplástica se caracteriza por el empleo
de colores planos y abstractos. Su gama se reduce a los tonos
primarios (el rojo, el amarillo y el azul) y los neutros (blanco, negro y
gris). Algunos autores relacionan esta gama cromática que podríamos
denominar “esencial”, con la noción de “primitivismo” que persiguen otros
movimientos artísticos coetáneos y que motiva a otros colegas
arquitectos a recurrir al empleo del blanco (Besset, 1993).
El filósofo neoplatónico M. J. H. Schoenmaekers (1875-1944) postulaba
una ordenación geométrica del universo y dotaba a los tres colores
básicos de un sentido metafísico, lo que sin duda tuvo una influencia
directa en la gama cromática del grupo. En su escrito Het Niewe
Wereldbeeld (1915) afirmaba: “Los tres colores primarios son
esencialmente el amarillo, el azul y el rojo. Son los únicos colores que
existen. (…) El amarillo es el movimiento del rayo (la vertical). (…) El
azul es el color que contrasta con el amarillo (el firmamento horizontal).
(…) El rojo es el acoplamiento del amarillo y el azul.” En el mismo texto
ofrece una justificación semejante para limitar la expresión neoplástica a
los elementos ortogonales: “Los dos valores contrarios, fundamentales y
completos, que configuran nuestra tierra y todo lo que está en ella son: la
línea de fuerza horizontal que es el curso del la tierra alrededor del Sol, y
el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos, que tienen
su origen en el centro del sol.” (Schoenmaekers, 1915, en: Frampton,
1981)

24. Constructivismo, la arquitectura
vanguardista rusa:
El constructivismo ruso es el movimiento arquitectónico que mejor se
conoce en occidente. Para la cultura nacional rusa, en su totalidad, el
período del vanguardismo ruso en el arte, y particularmente, en el campo
de la arquitectura, es un periodo que comprende una parte muy
importante de esta cultura. Los rusos han sido siempre una nación de
intérpretes geniales de esta apertura hacia lo occidental, y han llevado
sus aportes hasta la cumbre misma del proceso histórico-cultural y
artístico de la humanidad. Tal fue la herencia de Bizancio en la Rusia
Antigua, y también, con la cultura europea desde los tiempos de Pedro
El Grande; y mejor, si hablamos, de una cultura rusa “moderna” cuando
desarrollaron un ambiente cultural propio gracias al vanguardismo de la
primera década del Siglo XX.
Por los caminos de la arquitectura, y el vanguardismo de los años veinte
de este Siglo XX, podemos acercarnos a la espiritualidad, a la
cosmovisión, y a las tradiciones, de varios pueblos islámicos, eslavos y
occidentales, que desde la revolución bolchevique han venido buscando
desarrollar sus propias individualidades a través de un estado
multinacional. Los rusos han ocupado un ambiente cultural -muy
sugestivo- gracias al vanguardismo desde la primera década del siglo
veinte.

25. El constructivismo ruso fue un buen momento para la historia de la arquitectura. Pero,
sobre todo, es una parte importante de esa historia del vanguardismo -como escuela y
como tendencia arquitectónica-. Así, como también, es la parte más importante de este
original movimiento artístico de ruptura con la tradición rusa. El constructivismo ruso -
como concepción vanguardista- fue capaz de dar muchas ideas nuevas para la
arquitectura: esa corriente de la arquitectura universal que se llama “desconstructivismo”
por ejemplo, y que está enraizada dentro del constructivismo ruso. El constructivismo
ruso tuvo el acierto de no conformarse con el “prolekultur”, sino que solo formó parte de
ese “prolekultur”.
El “prolekultur” fue una corriente de extrema
izquierda en todo el arte, en toda la cultura rusa,
que buscaba una nueva unidad entre la ciencia,
la industria y el arte. Y, con mucha lucidez
política, el constructivismo formó parte orgánica
de este movimiento cultural.
El constructivismo fue el único movimiento ruso
que logró captar la atención a nivel mundial en
el exterior. Solo comparable a este éxito cultural
-con etiqueta de revuelta- son las obras
cinematográficas de Eisenstein y de Pudovkin.

26. El término «constructivismo» aparece por primera vez como algo positivo
en el Manifiesto Realista (1920) de Gabo Diem. Alekséi Gan utilizó la
palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Aplicó
el constructivismo a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica
se debió, en parte, al suprematismo de Kasimir Malévich.
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El constructivismo arquitectónico ruso tiene el equivalente del Bauhaus alemán,
y fue parte importante del vanguardismo de los años veinte. Dentro de esta
vanguardia, el constructivismo ruso fue una rama de las tantas de ese árbol
frondoso. Metido en esa vanguardia, el constructivismo ruso no fue un
movimiento más de los tantos que existieron. Sucedió que el constructivismo
ruso dentro de todas estas tendencias nuevas impulsó mejor su concepción, y
fue el único movimiento arquitectónico y pictórico que logró realizarse totalmente
en la práctica. Los otros movimientos -cognoscibles y coexistentes- de ese
momento solo quedaron como decoraciones fantásticas, como ideas novedosas
y expresiones sinceras, de creadores alborotados.

27. *Tatlin, arte constructivo y
productivismo:
La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de
Vladímir Tatlin para el Monumento a la Tercera Internacional
(1919) que combinaba una estética de máquina con
componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como
los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo Diem
criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo «O se crean
casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero
no ambos». Esto llevó a una división importante dentro del
grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista (de
Naum Gabo y Antoine Pevsner) afirmó la existencia de un
núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la
versión del constructivismo adaptable y utilitaria que
sostenían Tatlin y Ródchenko. La obra de Tatlin fue
inmediatamente alabada por artistas en Alemania como una
revolución en el arte: una foto de 1920 muestra a George
Grosz y John Heartfield sosteniendo una pancarta diciendo
«El arte está muerto. ¡Larga vida al arte de la máquina de
Tatlin!», mientras que los diseños para la torre se publicaron
en la revista de Bruno Taut Fruhlicht.

28. Suprematismo:
Fue un movimiento artístico ruso que se desarrolló paralelamente al
Constructivismo. Formado en Rusia en 1915-1916. Término
utilizado por Kasimir Malevich como referente a su teoría y
producción artística desarrollada a manera de manifiesto y cuyo
fundamento se establece en la “pura no-objetualidad”.
Como estilo artístico el suprematismo es un intento por dogmatizar
en “principios formales puros” la estética geométrico-constructiva
que había nacido en el círculo artístico del Vanguardismo ruso y que
trabajaban artistas como Tatlin, Rodchenko y los hermanos
Pevsner.
• Historia:
Se inició con las ideas del pintor Kazimir Malévich, quien promovía la
abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la
supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El
suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura
sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Surgió en forma
paralela al constructivismo.
Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera
manifestación la pintura de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo
blanco” de 1915. La primera exposición del suprematismo fue en Moscú
en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y el
Cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kazimir Malévich y el poeta
Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto.

29. *Fundamento:
Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura,
y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron
aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo.
La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en
1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver
al realismo.
Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran
influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la
Bauhaus.
El suprematismo promueve el gusto por la abstracción geométrica y el arte no figurativo. Para
ello los suprematistas buscan la “supremacía formal” en la representación de un universo
visual poblado por formas geométricas puras. De esta exención se desprende que el
suprematismo rechace el arte convencional y se adentre en la búsqueda de la pura
sensibilidad en la geometría; hasta caer en una abstracción casi insuperable y simple. Para los
artistas suprematistas lograr esto, debían suprimir todo lo expresivo y anecdótico que se
hallaba en las producciones abstractas. En consonancia con ello este movimiento propició una
nueva modulación de las formas y sus concepciones plásticas, gestando producciones
artísticas que, para ese entonces, segunda década del Siglo XX, gestaron nuevos conceptos
sobre las “formas puras y absolutas” en diálogo con la plasmación de atractivas armonías
sencillas.

30. *Manifiesto
suprematista:
En 1915, se expuso en Moscú, Rusia, la pintura
suprematista “Cuadrado negro y cuadrado rojo”. Ese
mismo año el pintor Kasimir Malevich y el poeta Vladímir
Maiakovski escriben el manifiesto suprematista. En 1920
Malevich concluye sus teorías suprematistas escribiendo
su ensayo “El suprematismo”, también conocido como “El
mundo de la no representación”.
• Características de sus producciones:
El manifiesto suprematista propuso la liberación de la determinación sensorial, es decir, de la
experiencia objetiva. De esta forma la pintura suprematista se declaraba contraria a toda
deformación del espacio ilimitado y se tornaba defensora de lo mensurable y dimensional.
* Pintura carente de significación al romper con
la determinación sensorial.
* Predominio de las formas básicas de la
geometría
* Uso de los colores Amarillo, Rojo, Verde y
Azul y los no colores Blanco, Negro y Gris.
* Estética que se traduce en el trabajo con las
masas cromáticas puras de la geometría y el
espacio bidimensional.
* Valoración del acto creativo
* Marcada simplicidad compositiva y
organización formal.
* Predominio de conceptos como armonía,
tensión, superposición, contacto, semejanza,
etc.
* Sensaciones de movimiento.
* Predominio del uso del color plano.
* Composiciones con alto dominio de los
conceptos de equilibrio simétrico-asimétrico.

31. Conclusión:
A todas esas cuestiones y a muchas otras dieron cumplida respuesta los grandes
arquitectos de la primera mitad del siglo. Con ellos se produce una absoluta
ruptura con respecto a las tradiciones constructivas de épocas pasadas. Es lo que
llamamos el movimiento moderno. Un periodo en el que los cambios aparecen
por doquier. El más significativo es, quizás, la idea de que cada edificio debe
adaptarse a la función que va a desempeñar, lo que requiere una tipología de los
edificios bien diferenciada. Pero hay mucho más: las nuevas posibilidades
constructivas que ofrecen el hormigón armado, el vidrio y otros materiales van a
ser profundamente desarrolladas. Si hasta ahora la columna o el arco eran
elementos distintivos del quehacer arquitectónico, los pilares y las plantas diáfanas
van a pasar a ocupar el primer plano. La línea recta se adueña de la arquitectura.
En definitiva, nuevos materiales, nuevas formas, nuevos volúmenes.
Pocas veces en la Historia del Arte podemos asistir a un episodio de renovación
tan profunda como el que experimentó la arquitectura desde comienzos del siglo
XX. Con la consolidación de las revoluciones industriales, esta centuria había
traído a las sociedades desarrolladas cambios de todo tipo y, con ellos, en el
campo constructivo, se generó un nuevo abanico de necesidades. Cómo atender
a las demandas de una población en crecimiento y concentrada en las ciudades.