Este documento describe los diferentes campos de aplicación del diseño, incluyendo el diseño gráfico, de vestuario, textil, de objetos e industrial, y de ambientes o interiores. También discute el proceso de diseño, métodos como el brainstorming y listas de control, y factores como la forma, función y dimensión estética, práctica y simbólica en el diseño.

1. 2-DISEÑO Y SU CONFIGURACIÓN
4-Campos de aplicación del diseño.
5-El proceso en el diseño. La aplicación de los métodos de diseño. Diseño y creatividad.
6-Diseño y función: Análisis de la dimensión pragmática, simbólica y estética del diseño.
7-Conocimiento y uso del lenguaje visual. Elementos básicos: Punto, línea, plano, color, forma y textura.
8-Lenguaje visual. Estructura, composición y aplicaciones: la repetición. Ordenación y composición modular.
Simetría. Dinamismo. Deconstrucción.

2. 4-CAMPOS DE APLICACIÓN DEL
DISEÑO

3. • Diseño gráfico:
El diseñador gráfico se preocupa de
programar, proyectar y realizar
comunicaciones visuales.
Esta actividad posibilita comunicar
gráficamente ideas, información y
hechos ya sean de personas o
empresas.
Algunas clasificaciones difundidas del
diseño gráfico son: el diseño gráfico
publicitario, el diseño editorial, el
diseño de identidad corporativa, el
diseño web, el diseño de envase, el
diseño tipográfico, la cartelería, la
señalética y el llamado diseño
multimedia, aplicaciones móviles,
juegos, entre otros.
Diseño de Carteles
THÉOPHILE STEINLEN
Esta es una de las tapas que
diseñó Jan Tschicold para la
editorial penguin.

4. • Diseño de Vestuario:
El diseño de vestuario se encarga de crear
y confeccionar ropa y vestuario . Se
preocupa de la moda, cultura, clima y
gustos para crear prendas que agraden a
un público específico (jóvenes, damas,
teatro, etc.)
Diseñador de vestuario Decó
Paul Poiret

5. • Diseño textil:
Esta actividad se preocupa de crear nuevas,
telas, tejidos, hilos, texturas y estampados
para la creación de género (industria textil).
Responde a las necesidades específicas de
la medicina, arquitectura, ingeniería y
deportes, moda, entre otros.

6. • Diseño de objetos o
diseño industrial:
Diseño industrial Actividad creativa y
técnica que consiste en idear un objeto
para que sea producido en serie por
medios industriales. Esta área del diseño
busca crear o modificar objetos de uso
cotidiano o necesidades específicas, para
hacerlos más cómodos, atractivos,
prácticos o agregarles nuevas funciones
para satisfacer al consumidor.
Esta es un área muy amplia ya que puede
incluir cualquier tipo de objeto utilitario:
como diseñador de automóviles, de
muebles de diseño, diseño de productos,
diseño a nivel artístico de efectos
especiales, diseño de parques temáticos
y todo aquel diseño que tenga que ver
con la producción a nivel industrial.
1. Pocket Radio T diseñado en los años 60 por
Dieter Rams
2. Exprimidor Braun Citromatic por Dieter Rams
1970
3. Hervidor de agua de Braun 2010
4. Plancha Texstyle 7
5. Radio Braun Tp1 por Dieter Rams 1959
6. Cafetera Aeromaster Kf20 por Richard Wilson

7. • Diseño de ambientes o
interiores:
Los diseñadores de interiores
o de ambientes están
encargados de proyectar
espacios de habitación en
casas, tiendas, oficinas,
restaurantes, etc. Configuran
tanto el volumen espacial
como la superficie,
mobiliario, texturas, colores,
etc. dentro de un espacio
arquitectónico dado o creado
por ellos mismos.

8. 5-El proceso en el diseño.
La aplicación de los métodos de
diseño. Diseño y creatividad

9. El proceso en el diseño
• El proceso de diseñar, suele implicar las siguientes fases:
• 1. Observar y analizar el medio en el cual se desenvuelve el ser humano, descubriendo alguna
necesidad.
• 2. Evaluar, mediante la organización y prioridad de las necesidades identificadas.
• 3. Planear y proyectar proponiendo un modo de solucionar esta necesidad, por medio de planos y
maquetas, tratando de descubrir la posibilidad y viabilidad de la(s) solución(es).
• 4. Construir y ejecutar llevando a la vida real la idea inicial, por medio de materiales y procesos
productivos.
Estos cuatro actos, se van haciendo uno tras otro, y a veces continuamente. Algunos teóricos del diseño
no ven una jerarquización tan clara, ya que estos actos aparecen una y otra vez en el proceso de
diseño.
Hoy por hoy, y debido al mejoramiento del trabajo del diseñador (gracias a mejores procesos de
producción y recursos informáticos), podemos destacar otro acto fundamental en el proceso:
Diseñar como acto cultural implica conocer criterios de diseño como presentación, producción,
significación, socialización, costos, estrategias de venta, entre otros. Estos criterios son
innumerables, pero son contables a medida que se definen los proyectos del diseño.
Taccia Table lamp, 1958
Achille Castiglione

10. Observar y
analizar
Construir y
ejecutar
Planear y
proyectar
Evaluar

11. Estas acciones se repiten en las siguientes fases del
diseño:
•1-Fase de la gestión del proyecto ESTUDIO DEL
PROBLEMA
•1-Fase del proceso de diseño FORMULACIÓN DE LA
SOLUCIÓN
1-FASE DE LA GESTIÓN DEL PROYECTO (ESTUDIO DEL
PROBLEMA)
Estudio de la factibilidad: posibles soluciones del
problema, análisis de la viabilidad del proyecto.
Definición del problema: lista de funciones y exigencias,
pliego de condiciones.
Estudio detallado: informe de pormenores técnicos de
funciones, operatividad y comercialización
Realización o construcción: prototipo
Evaluación: el prototipo se somete a pruebas, físicas, y
ensayos con consumidores

12. • 2-FASE DEL PROCESO DE DISEÑO
(FORMULACIÓN DE LA SOLUCIÓN)
• Identificación del problema:
incidencias en el entorno, economía,
reacciones de los usuarios.
• Análisis del problema: se valoran
todas las informaciones recibidas
sobre el problemas para extraer los
datos útiles respecto a la fabricación
y patentes.
• Síntesis y soluciones del problema: la
fase mas creativa somete el proyecto
a cuestionamiento hasta llegar a un
grado optimo de satisfacción.
• Convalidación y evaluación:
selección de una de las soluciones al
problema, para emprender la
creación de un modelo en el que se
evaluaran su compatibilidad con las
especificaciones iniciales
Achille Castiglione, 1961, sketch.

13. Etapas de diseño a partir de la idea

15. 2- MÉTODOS DE TRABAJO
UTILIZADOS EN EL DISEÑO:
Los diferenciales semánticos
En este método se trata de
evaluar estadísticamente las
impresiones subjetivas que se
sienten ante un objeto o ante
una imagen.
• Elaboración de una lista de
calificativos (ítem) agrupados
por parejas constituyendo
una rejilla de encuesta
relacionada con uno o varios
objetos.
• Encuesta a distintos
individuos utilizando rejillas
para valorar los ítems , hasta
1000-
Evaluación de las encuestas que
nos permitirán resolver los
inconvenientes con
antelación.

16. Brainstorming (Tormenta de ideas)
Se emplea esta palabra inglesa para
expresar el método de desarrollar
ideas de forma imaginativa en un
grupo que debe dar ideas sin parar,
por muy absurdas que parezcan, y
en un mínimo de tiempo.
Este método se suele emplear
frecuentemente en empresas y
gabinetes de concepción, y requiere
un animador que coordine las
sesiones.
No se critican las ideas propuestas y
la libertad de expresión debe ser
fundamental.
Cada idea puede dar lugar a otra y,
aunque muchas ideas sean
contradictorias, lo que interesa es
que surjan cuestiones que ayuden a
configurar el producto solucionando
de antemano cualquier pormenor.
Paesaggio banale, Alessandro
Mendini, 1979. Image from Collezione
permanente Francesco Moschini e
Gabriel Vaduva A.A.M architettura arte
moderna

17. Listas de control
Estas listas se emplean con frecuencia
durante todo el proceso de concepción para
acotar mejor el problema.
Son una serie de preguntas relacionadas con:
•Expectativas respecto al problema que se
plantea, verificar la demanda.
•Aspectos que afectan al producto: fiabilidad,
duración, normativas.
•Cuestiones que afectan al usuario:
antropometría, seguridad de uso
manejabilidad.
•Aspectos que afectan a los límites técnicos y
económicos: métodos de fabricación, costes,
tiempo, valor.
•Elección de materiales: resistencia, dureza,
aspecto visual.
•Cuestiones que comprometen la
convalidación y las pruebas (ventajas e
inconvenientes, valoración de la elección de
soluciones, etc.).
• La política de imagen de la empresa (la
estrategia de imagen frente al consumidor en
calidad, credibilidad, etc.).
Listas de control para
programas informáticos

18. 3-DISEÑO Y CREATIVIDAD
Por encima de todas las posibles estrategias se destacan dos que deben estar siempre
presentes en la mente del diseñador para combinarlas con todas las restantes que se
enumeran: la suspensión del juicio y la negación de la mayor.
La suspensión del juicio es la estrategia fundamental definida en 1953 por Alex F. Osborn
en el texto Applied Imagination en el que introduce su famoso método. La negación de la
mayor consiste en la postura radical y crítica de preguntarse a cada etapa de la resolución
del problema si tiene sentido lo que se busca o sería mejor un cambio radical en el
planteamiento.
Por ejemplo, si nos plantean diseñar un nuevo automóvil, negar la mayor es preguntarse
“¿Es el método de transporte adecuado el automóvil particular?
¿No habrían soluciones mejores?”. Suponiendo que prosigamos con el proyecto, negar la
mayor más adelante consistiría en hacerse la pregunta: “¿Es necesario que el motor sea de
combustión? ¿No podría ser eléctrico?”. Y así a cada paso del proceso.
Sketch for the Mini Design: Alec
Issigonis Manufacturer: British
Motor Corporation

20. Diseño por analogía. Consiste en inspirarse en soluciones de otros ámbitos de aplicación
visionando analogías conceptuales o estructurales. Por ejemplo: los patines de cuatro ruedas
se basan en la analogía con un automóvil, mientras que los patines en línea se basan en la
analogía con una motocicleta y los patines de hielo se basan en la analogía con un barco
rompehielos.
Analogía del monopatín y el coche portada revista
Life años 50 EEUU
Contrucción de un prototipo a partir de unos patines

21. Cambio de visualización del problema. Entre los diversos ejemplos que demuestran cómo
un cambio de visualización del problema puede servir para aportar soluciones, que con la
anterior visualización eran impensables, se expone, con cierto nivel de detalle, la manera en
que el contenedor vino a solucionar radicalmente la ruina progresiva en la que estaba
sumergida la industria del transporte marítimo en los años 60. En lugar de visionar la
necesidad de reducir los costes de operación de los barcos, se trataba de visionar los
tiempos y costes de operación de la carga y descarga de las mercancías. En vez de visionar
el problema como una lucha contra el transporte por carretera, se trataba de buscar una
alianza estrecha con él.

22. Lógica inversa. Aplicar la lógica inversa a los productos y servicios existentes nos aporta
visiones originales que, a veces, pueden sernos de gran utilidad creativa. Por ejemplo: Una
silla está pensada para que una persona se aposente en ella. ¿Podemos pensar en que
tenga sentido que una persona sirva para que una silla se aposente en él? Pues resulta que
sí, esta es la idea que inspiró al portabebés frontal.
Diseño por síntesis: llegamos al concepto con los ejemplos paradigmáticos de la navaja
suiza o de los teléfonos inteligentes. Aprende rápidamente a aplicarlo a situaciones
cotidianas
Lógica inversa Diseño por síntesis

23. Eliminación de opciones. en algunos problemas concretos, la única estrategia posible es
la perseverancia de ir probando una tras otra todas las alternativas posibles hasta encontrar
la válida. Thomas A. Edison había ensayado más de mil combinaciones posibles para el
filamento de su bombilla eléctrica cuando los periodistas les preguntaron porque no
abandonaba. La respuesta del inventor fue sabia: “No abandonamos porque a cada fallo
aprendemos cosas y estamos más cerca de la solución”.

24. 6-Diseño y función: Análisis de la
dimensión pragmática, simbólica y
estética del diseño.

25. Diseño y función
Se ha planteado por parte de algunos historiadores del diseño un debate entre planteamientos
enfrentados, utilidad o función por un lado y estética por otro, presentando el diseño como una
disciplina carente de interés por lo estético.
Hoy día, ambos son componentes de un mismo objetivo; es cierto que la funcionalidad debe primar
en todo diseño, pero la utilidad no está enfrentada con el componente de belleza .
Diferentes maneras de concebir el diseño, en determinados momentos, manifiestan las siguientes
tendencias:
• La relevancia de la forma sobre la función.
• El predominio de la función sobre la forma.
• La consideración de la forma y la función con la misma importancia.

26. Forma
Sabemos que la forma es la apariencia
externa y visible de las cosas y objetos,
apariencia que las define, configura y
distingue de otras.
Función
La función se debe expresar mediante
una forma adecuada, que será más o
menos exigente según la familia o área
del diseño en que nos movamos.
El diseño actual concibe la forma como
uno de los rasgos de la función, el más
importante, pues la forma de todo
objeto dependerá del uso o utilidad que
vaya a tener. Según esto, "la forma es
la adaptabilidad de un producto o
sistema a la función a que se
destine"; es el fundamento del llamado
diseño funcional.
Image of “form follows function” sofa by Daan Mulder

27. Análisis de la dimensión práctica, estética y simbólica en los productos de
diseño
Estilismo Styling Sreamline
Tendencia del diseño en la que el valor simbólico del producto supera a su dimensión
práctica y sintáctica. Styling significa 'maquillaje’ o 'camuflaje'. Surgió en los Estados
Unidos en los años 1940-1950. Siguiendo los imperativos del mercado, primó la
apariencia externa del producto para seducir al consumidor mediante efectos de estilo.

28. Formalismo: Relevancia de la forma sobre la función:
Se da cuando la dimensión sintáctica (formal) del producto prima sobre la simbólica y la
práctica; el requisito formal puede sobre las demás exigencias del diseño. "El poder de la
forma y la facilidad con que se puede jugar con ella fascina a los creadores"
El formalismo da la mayor importancia al placer visual, proponiendo un juego visual
intencionado.

29. Funcionalismo: Primero la función después la forma:
La forma sigue a la función
“Form follows function”
Louis Sullivan(1896)
Aforismo que animó a la creación de los
arquitectos en el Movimiento moderno
Audiorio de Chicago 1889 Louis Sullivan

30. Funcionalismo: Primero la función después la forma: Otra tendencia en el diseño
consideraba que reproducir las formas del pasado obstaculizaba la función de los objetos
nuevos. En esta opción, un diseño es bello cuando los aspectos formales están
supeditados a la función. A principios del siglo XX se consolidó el movimiento funcionalista,
que somete la forma del objeto a su función. La idea de belleza deja de ser el motor del
diseño y se convierte en una consecuencia: la belleza viene por añadidura. En síntesis,
ésta es la teoría defendida por la célebre escuela Bauhaus,.
Ejemplos de Diseño Ulm

31. Función y forma tienen la misma importancia:
Actualmente los profesionales del diseño tienden a considerar que los aspectos formales y de
funcionalidad tienen la misma importancia y, por lo tanto, se tienen que plantear y estudiar
conjuntamente.
Un objeto es bello porque satisface una necesidad y, también, porque presenta una forma que
comunica su función y es visualmente atractiva para complacer al consumidor.
Diseños de Ron Arad

32. -Función Práctica: Se refiere a las funciones técnicas u operativas del objeto. Determina
la utilidad del producto.
-Función estética de los objetos: Más allá de la indispensable adecuación entre forma y
función, se busca la belleza a través de las formas, colores y texturas. Entre dos productos
de iguales prestaciones técnicas y precios, cualquier usuario elegirá seguramente al que
encuentre más bello.
-Función simbólica de los objetos:
Algunos objetos sirven además para marcar un estatus social y unas relaciones de
poder.
Leer el sistema de los objetos Jean Braudillard

33. 7-Conocimiento y uso del lenguaje
visual. Elementos básicos: Punto, línea,
plano, color, forma y textura

34. Elementos de la imagen
El punto
• El elemento más simple
• Posee una gran fuerza atractiva como marca
• Carece de dimensiones
• Forma parte de cualquier otra forma geométrica
• Una sucesión de puntos o un punto en movimiento genera
una recta
• Numerosos puntos distribuidos sobre una sola superficie
generan un plano
• Un conjunto de puntos distribuidos en todas las dimensiones
configuran un volumen sólido
• El punto es el centro de atención y atracción de cualquier
campo visual
– Su situación puede establecer los ejes básicos de la
estructura
– Varios puntos juntos se perciben agrupados creando
formas
– Una secuencia de puntos puede imprimir ritmo a la
imagen, creando una dirección de movimiento
– Ayuda a dirigir la visión del observador

35. Elementos de la imagen
La línea
• Carece de espesor y su longitud puede ser infinita
• Forma parte de otras formas geométricas
• Una sucesión de líneas o una línea que se desplaza
en dirección contraria a su longitud genera un plano
• Una línea cerrada puede generar un contorno
• Un conjunto de líneas distribuidas en las tres
dimensiones configuran un volumen sólido cuando
ocupan todo el espacio
• Un conjunto de líneas distribuidas en las tres
dimensiones configuran un volumen hueco cuando
forma superficies unidas entre sí envolviendo un
espacio
• La línea es un elemento muy expresivo y versátil
que crea ten- sión y afecta al resto de elementos
cercanos
• Casi siempre expresa movimiento, dinamismo,
tensión y direc- ción
• En el campo bidimensional, la línea separa
espacios

36. EL plano
Carece de espesor y su superficie puede ser infinita
• Abarca o incluye al punto y a la línea
• Una sucesión de planos o un plano que se desplaza en
dirección contraria a su extensión genera un volumen
sólido
• El plano puede ser recto o curvo: el primero se extiende
en dos dimensiones del espacio (bidimensional) y el
segundo se ex- tiende en tres (tridimensional)
• Tres planos rectos o más que se cortan entre sí
envolviendo un espacio pueden configurar un volumen
hueco
• El plano recto es un elemento poco expresivo, pero su
presencia genera separación y división, afectando al resto
de elementos cercanos
• El plano curvo es dinámico y si se cierra sobre sí mismo
puede generar un volumen geométrico

37. El círculo
La forma circular equivale al punto, a un centro de atención de gran
poder simbólico, y remite a connotaciones tales como protección,
fertilidad, totalidad, infinitud, divinidad celestial y universo. Representa
dos conceptos opuestos: desde el giro incesante hasta el punto más
estático.
El cuadrado
Resulta una figura muy estable y representa el equilibrio y la estabilidad.
Mantenido sobre uno de sus lados, expresa horizontalidad y verticalidad.
En esta disposición, el cuadrado se asocia a conceptos como
permanencia, simetría, quietud, bienestar y tranquilidad. Si se coloca
apoyado sobre uno de sus vértices, sugiere dinamismo y tendencia a la
ascensión, marcada por la punta del vértice superior.
El triángulo
Se trata de una figura muy estable, su direccionalidad queda marcada por
la tendencia inclinada de sus lados y por su forma de flecha ascendente
cuando se apoya sobre uno de sus lados. En esta posición puede implicar
verticalidad, agudeza y seguridad, acción, tensión y agresividad. Si uno de
los vértices se dispone «mirando» hacia la izquierda o hacia la derecha, la
sensación, es la de desplazamiento hacia una u otra dirección

38. Del plano al volumen

39. El color
• Características:
– Tonalidad o matiz: longitud de onda
– Saturación o intensidad: pureza del color
– Valor o luminosidad : cantidad de luz
• Sistemas de color:
– Aditivo:
– SÍNTESIS ADITIVA (EL COLOR LUZ) Los colores que
percibimos a través de la luz (focos, televisión, cine,
etc.) son el naranja, el verde y el violeta, si bien
algunos textos citan el rojo, el verde y el azul. La
fusión de estos colores crea y compone la luz blanca,
motivo por el cual a esta mezcla se le denomina
síntesis aditiva. Las mezclas parciales de estos colores
luz dan origen a la mayoría de los colores del
espectro visible . La síntesis aditiva se produce
cuando los colores luz se mezclan entre sí
produciendo el blanco.

40. – Sustractivo:
– SÍNTESIS SUSTRACTIVA (EL COLOR PIGMENTO)
– Los colores primarios basados en la luz reflejada de los
pigmentos aplicados a las superficies son: magenta, cyan y
amarillo. Aunque en lenguaje coloquial al magenta se le
nombra como rojo y al cyan, azul, los tonos varían
ligeramente si se busca realizar mezclas adecuadas para
producir nuevos colores. Por ello, se mantiene la
denominación actual de los pigmentos primarios (magenta,
cyan y amarillo), ya que son los colores básicos de las tintas
utilizadas en la mayoría de los sistemas de impresión. Al
contrario que en la síntesis aditiva, la mezcla de estos tres
colores primarios produce una aproximación al negro, es
decir, un color más oscuro y de menor cantidad de luz, por lo
que a esta mezcla se la conoce como síntesis sustractiva.
Dado que el color así obtenido no es lo bastante intenso en la
práctica, a las mezclas se les agrega pigmento negro. Así pues,
los procedimientos de imprenta para imprimir en color
(tricomía y cuatricomía) se basan en la síntesis sustractiva. La
síntesis sustractiva se produce cuando los colores pigmento,
los que usamos para pintar, se mezclan entre sí produciendo
el negro.

41. El color
• Formas de relación dinámica entre los colores:
– Armonía: crea una composición con variaciones cromáticas suaves y
graduales relacionando colores afines
– Contraste: yuxtapone colores diferentes entre sí, fundamentalmente
colores complementarios:
• Rojo-verde, amarillo-violeta, azul-naranja
• La composición llama fuertemente la atención
• Si es muy acentuado puede reducir la legibilidad al producirse vibración
– Es necesario conocer las relaciones cromáticas para combinar
correctamente los colores

42. Elementos de la imagen
El color
• Papel del color en la imagen:
– Contribuye a la recreación del espacio
• Ayuda a simular la profundidad (sombreado)
• Sugiere distancia (difuminación progresiva del tono)
– Ayuda a dinamizar la composición a través de la interacción de los
colores
• Los colores claros son excéntricos y los oscuros concéntricos
• Los colores saturados producen un fuerte impacto y se relacionan con
sensaciones dinámicas y alegres. Los colores no saturados transmiten
sensaciones débiles y más sutiles
– El color transmite “sentimientos”
• Hay colores cálidos y fríos, ligeros y pesados, tristes y alegres
• La percepción del color es subjetiva y depende de factores culturales

43. Usos del color
• Denotativo: color de una imagen
hace referencia al color de la cosa
que representa (ejemplo: dibujo de
un tomate rojo)
• Informativo: color se usa como
elemento diferenciador (ejemplo:
líneas del metro de distintos
colores)
• Simbólico: el color tiene un
significado que depende de cada
cultura (ejemplo: blanco pureza)
• Psicológico: el color aporta
sensaciones que son comunes a
todas las personas (ejemplo: azul
frescor)

44. • 1. El blanco: como el negro, se hallan en los extremos de la
gama de los grises. Tienen un valor límite, frecuentemente
extremos de brillo y de saturación, y también un valor neutro
(ausencia de color). También es un valor latente capaz de
potenciar los otros colores vecinos. El blanco puede expresar
paz, soleado, feliz, activo, puro e inocente; crea una impresión
luminosa de vacío positivo y de infinito. El blanco es el fondo
universal de la comunicación gráfica.

45. •2. El negro: es
el símbolo del
silencio, del
misterio y, en
ocasiones,
puede significar
impuro y
maligno.
Confiere
nobleza y
elegancia,
sobre todo
cuando es
brillante.

46. • 3. El gris es el centro de todo,
pero es un centro neutro y pasivo,
que simboliza la indecisión y la
ausencia de energía, expresa duda
y melancolía. El blanco y el negro,
con sus gradaciones de gris, son
del color de la lógica y de lo
esencial: la forma. Por otra parte,
el blanco y el negro junto con el
oro y plata, son los colores del
prestigio . Los colores metálicos
tienen una imagen lustrosa,
adoptando las cualidades de los
metales que representan. Dan
impresión de frialdad metálica,
pero también dan sensación de
brillantez, lujo, elegancia, por su
asociación con la opulencia y los
metales preciosos.

47. • 4. El amarillo: es el color
más luminoso, más cálido,
ardiente y expansivo. Es el
color del sol, de la luz y del
oro, y como tal es violento,
intenso y agudo. Suelen
interpretarse como
animados, joviales,
excitantes, afectivos e
impulsivos. Está también
relacionado con la
naturaleza.

48. • El naranja: más que el rojo,
posee una fuerza activa,
radiante y expansiva. Tiene
un carácter acogedor, cálido,
estimulante y una cualidad
dinámica muy positiva y
energética.

49. • 6. El rojo: significa la vitalidad, es el color de
la sangre, de la pasión, de la fuerza bruta y
del fuego. Color fundamental, ligado al
principio de la vida, expresa la sensualidad,
la virilidad, la energía; es exultante y
agresivo. El rojo es el símbolo de la pasión
ardiente y desbordada, de la sexualidad y el
erotismo. En general los rojos suelen ser
percibidos como osados, sociables,
excitantes, potentes y protectores.
• Este color puede significar cólera y
agresividad.
• Asimismo se puede relacionar con la guerra,
la sangre, la pasión, el amor, el peligro, la
fuerza, la energía...
• Estamos hablando de un color cálido,
asociado con el sol, el calor, de tal manera
que es posible sentirse más acalorado en un
ambiente pintado de rojo, aunque
objetivamente la temperatura no haya
variado.

50. • 7. El azul: es el símbolo de la
profundidad. Inmaterial y frío,
suscita una predisposición
favorable. La sensación de
placidez que provoca el azul es
distinta de la calma o reposo
terrestres, propios del verde.
• Es un color reservado y entra
dentro de los colores fríos.
Expresa armonía, amistad,
fidelidad, serenidad, sosiego...
y posee la virtud de crear la
ilusión óptica de retroceder.
Este color se asocia con el
cielo, el mar y el aire.
• El azul claro puede sugerir
optimismo.
• Cuanto más se clarifica más
pierde atracción y se vuelve
indiferente y vacío. Cuanto
más se oscurece más atrae
hacia el infinito.

51. • 8. El verde: es el color más
tranquilo y sedante. Evoca la
vegetación, el frescor y la
naturaleza. Es el color de la
calma indiferente: no
transmite alegría, tristeza o
pasión. Cuando algo
reverdece suscita la
esperanza de una vida
renovada. El verde que
tiende al amarillo, cobra
fuerza activa y soleada; si en
él predomina el azul resulta
más sobrio y sofisticado.

52. Usos del color en el Diseño
El color es el alma del diseño, está particularmente enraizado en las emociones
humanas. A través del tiempo, el color se ha usado en muchas formas.
función práctica, el color distingue, identifica y designa en un rango de estatus;
función simbólica, puede reflejar, por ejemplo, amor, peligro, paz, verdad, pureza,
maldad o muerte; finalmente,
Función informativa en señalética es aplicado tanto a señales informativas, como
prohibitivas o de advertencia.
El color es código, un lenguaje inmediato que tiene la ventaja de superar muchas
barreras idiomáticas con sus consiguientes problemas de decodificación (el color rojo,
por ejemplo, se considera internacionalmente como el color obligado de las señales de
peligro)
Los diseñadores usan el color en forma controlada para crear condiciones visuales de
unificación, diferenciación, secuencia y carácter. Con el color es posible generar
sentimientos, sugiere acciones y crear efectos, logrando con ello la integración total
del diseño.
La principal misión del color es llamar la atención; o sea, primero atraer al público y
después conservar su atención si lo que le trajo tiene significado o interés para el
espectador,

53. TEXTURA
La textura es una cualidad de la superficie al igual que el color.
La textura, permite crear sensaciones añadiendo riqueza al diseño. La textura es una
cualidad diferencial que ayuda a distinguir y reconocer los objetos.
Existen dos tipos de textura: Táctil y Visual.
Estas Pueden ser de dos clases:
•Texturas irregulares: los elementos gráficos que producen la textura, de carácter
geométrico o irregular, se distribuyen de forma caótica contribuyendo a plasmar una
superficie de interés visual más espontáneo y cercano a las texturas naturales
•texturas geométricas: que en el caso de las texturas geométricas, basadas en un
sistema de ordenación pautado a través de un orden geométrico repetitivo.
Textura en el Diseño: Ocupa un lugar preferencial en el ámbito del diseño de interior
son una parte diaria de los entornos que pisamos, vivimos o visitamos. En Diseño
industrial la maleabilidad y conjunción de texturas permitirá darle a un objeto
determinado diferentes sensaciones y mejorar su rendimiento, facilitando el agarre, la
limpieza, la adherencia. En diseño textil la textura es un elemento fundamental tanto
la táctil y la visual, el espesor yel tramado del tejido influye en la forma de los pliegues,
la caida... En Diseño gráfico se trabaja con ambas en los acabados de imprenta,
selección de papel, gofrados y barnices. La textura visual se produce con tramados,
reticulas, distintos procesos de tratamiento de las imágenes.

54. La forma: figura y fondo
Leyes de la Gestalt Los psicólogos iniciadores de esta corriente, Max Wertheimer
(1880-1943), Wolfgang Köhler y Kurt Koffa (1887-1941), desarrollaron el programa de
investigación de la Gestalt a principios de la década de 1910. Uno de los principios
fundamentales de la corriente Gestalt es la llamada ley de la Prägnanz (Pregnancia), que
afirma la tendencia de la experiencia perceptiva a adoptar las formas más simples posibles.
Otras leyes enunciadas serían:
Ley del Cierre - Nuestra mente añade los
elementos faltantes para completar una
figura. Ley del Cierre
LEY DE LA SEMEJANZA: Se tiende a agrupar
en un conjunto homogéneo aquellos
estímulos que son semejantes entre sí.
LEY DE LA PROXIMIDAD: Ante varios
estímulos iguales se tiende a agrupar en un
conjunto homogéneo aquellos que se
encuentran más próximos entre si.
LEY DEL MOVIMIENTO COMÚN:Ante un
conjunto de elementos percibimos como un
todo aquellos que se desplazan a la vez, y en
la misma dirección, aún no siendo los más
próximos entre sí.

55. LEY DEL CONTRASTE: La percepción del
tamaño de un elemento resulta influida por
la relación que éste guarda con los demás
elementos del conjunto.
LEY DE LA UNIFORMIDAD: Se tiende a
percibir como un todo los objetos o lineas
que mantienen una misma dirección.
LEY DE LA BUENA FORMA (simplicity)
(organización) Los elementos son
organizados en figuras lo más simétricas,
regulares y estables que sea posible.
LEY DE FIGURA Y FONDO es un elemento
que existe en un espacio o “campo”
destacándose en su interrelación con otros
elementos. Fondo: Todo aquello que no es
figura, es la parte del campo que contiene
elementos interrelacionados que sostienen a
la figura que por su contraste tienden a
desaparecer.

56. 8-Lenguaje visual. Estructura, composición y
aplicaciones: la repetición. Ordenación y
composición modular. Simetría. Dinamismo.
Deconstrucción.

57. LA SECCIÓN AUREA
Su nombre tiene algo de mítico porque
suena mucho más de lo que realmente
se le conoce. Se le llama también divina
proporción, número de oro, regla dorada,
etc. Su construcción y uso no es nada
complicado, lo que pasa es que es
mucho más inmediato hacer una
proporción estática, basada en la
igualdad, como dividir algo por un
número entero, lo mismo que establecer
un ritmo de crecimiento a partir de por
ejemplo la duplicación: 1, 2, 4, 8, 16... En
el mundo de la informática es lo usual, y
cuando nos condicionan factores
materiales, espaciales, físicos, la
cuadrícula es la forma más cómoda de
adaptarse a estos condicionantes. Sin
embargo en la naturaleza se manifiestan
otras organizaciones formales y
principios proporcionales mucho más
interesantes como modelo para el trabajo
creativo.

58. La proporción áurea está formulada ya en los Elementos de Euclides (s.-III), en una construcción
geométrica denominada División de un segmento en media y extrema razón. La idea es tan
simple como perfecta: El todo se divide en dos partes tal que, la razón proporcional entre la parte
menor y la mayor, es igual a la existente entre la mayor y el total, es decir, la suma de ambas.
El segmento de partida es AB. Para aplicarle la Sección Áurea se le coloca perpendicularmente en
un extremo (B) otro segmento que mida exactamente la mitad. Se define así un triángulo
rectángulo con los catetos en proporción 1:2. Pues bien, a la hipotenusa se le resta el cateto
menor (arco de la derecha) y la diferencia, que llevamos al segmento AB con otro arco, es la
sección áurea de éste. La parte menor Bfi es a la mayor Afi como ésta es a la suma AB.

59. Un rectángulo áureo es aquel en que sus lados están en razón áurea. Se puede construir
rápidamente a partir de un cuadrado: cogemos el punto medio de la base, tomamos con un
compás la distancia hasta uno de los vértices superiores y con un arco llevamos esta medida a la
prolongación de la base. El rectángulo ampliado es áureo, como también la ampliación, si
suprimimos el cuadrado inicial, tiene esta misma proporción:

60. CENTROS DE INTERÉS:
La sección áurea puede usarse para encontrar los centros de interés de una fotografía, dividiendo
cada uno de los lados en partes áureas y marcando los centros de interés en las intersecciones.
El hecho de que la división en tercios sea muy utilizada en fotografía y maquetación hace que se
encuentren mas ejemplos de composición en tercios que en sección áurea en imágenes
contemporáneas.

61. Lenguaje visual. Estructura, composición y
aplicaciones
• Es la forma de ordenar y organizar los elementos morfológicos de la imagen en el
espacio estructural que ofrece el formato
• Principios: unidad y claridad
• El equilibrio nos permite organizar una composición
• El equilibrio en el diseño se puede conseguir de muchas maneras, tratando de
buscar la compensación entre los elementos como si de una balanza se tratara.
• Surge entonces el concepto de peso visual, equivalente al peso físico, pero más
subjetivo, ya que está sometido a parámetros perceptivos, socioculturales y
emocionales. Aún así, el peso visual es un término que identifica la propiedad de
aumentar o disminuir el equilibrio de los elementos porque ejerce una fuerza
óptica.

62. Lenguaje visual. Estructura, composición y
aplicaciones
• el peso visual: depende de varios factores:
• La distancia del elemento al centro: cuanto más cerca más peso
• El tamaño del elemento: en igualdad de condiciones, el elemento mayor tendrá mas peso.
• La forma, la textura y el color de los elementos: el efecto texturado aumenta el peso, así como
los elementos irregulares y los colores cálidos.
• La ubicación arriba-abajo: un elemento pesará más cuanto más elevado esté.
• La ubicación izquierda-derecha: un elemento pesará más a la derecha que a la izquierda.
• La relación de espacio respecto al elemento: cuando se encuentra aislado pesa más que
rodeado de otros elementos.
• La percepción del peso visual puede estar influida también por el estado de ánimo o la
emotividad del espectador.
• La percepción del peso visual puede estar influida también por el tema de la imagen.
• Las direcciones visuales: tensiones visuales que crean recorridos de la mirada del lector
sobre la imagen y afectan a su equilibrio: pueden ser direcciones visuales representadas:
líneas objetos puntiagudos, direcciones visuales inducidas: miradas, direcciones del
movimiento de los objetos representados, perspectiva.

63. • el peso
Arriba y de izquierda a derecha: aunque se trate de un esquema excesivamente simplista, los
principios del peso visual se basan en percepciones de peso gravitatorio que se suelen explicar
como elementos en una balanza. Así, en igualdad de condiciones (de color, de forma o de
textura), un objeto mayor pesa más que uno menor; dos objetos iguales se equilibran y un objeto
de un cierto tamaño puede equilibrarse con dos menores. Por otro lado, un objeto menor puede
también equilibrarse con uno mayor si éste tiene algún rasgo que le permita ser más ligero (color
más claro, textura más suave, etc.). Abajo: un elemento pesa más cuanto más cerca esté del
centro (viñeta izquierda) pero menos si está rodeado de otros elementos (viñeta derecha).

64. INTERRELACIÓN DE LAS FORMAS TRIDIMENSIONALES
EN EL ESPACIO. EQUILIBRIOS Y TENSIONES
• La utilización más eficaz de los mecanismos de la percepción visual consiste en identificar claves visuales en un sentido
u en otro, en equilibrio o en desequilibrio, fuertes o débiles. Los gestalistas se ocupan de esta necesidad y llaman a
esos dos estados visuales opuestos nivelación y aguzamiento.
• Aguzamiento se puede considerar equivalente a contraste y nivelación a armonía. Lo fundamental es tener la
conciencia de que estos dos polos de la composición visual son instrumentos fundamentales para construir una
formulación visual con claridad. Los pesos de los elementos deben estar compensados. La manera de medir el peso de
las formas y líneas del diseño es, analizando la importancia visual de estos dentro de nuestra composición.
• Existen dos tipos de equilibrio: El equilibrio simétrico. El equilibrio asimétrico. Si dividimos la composición en dos
extremos, el equilibrio simétrico se produce cuando encontramos igualdad de peso y tono en ambos lados de nuestra
composición, y el equilibrio asimétrico se produce cuando no existe las mismas dimensiones (ya sea de tamaño,
color...) en ambos lados, pero aún así existe equilibrio entre los elementos.
• La regularidad absoluta puede refinarse y regularse encaminándola hacia un resultado final perfecto dentro de una
formulación visual. Nada se deja entonces al azar, a la emoción o a la interpretación subjetiva en cualquiera de los
extremos del modelo comunicativo. Es tremendamente previsible. Esto ocurre con el estilo griego, por ejemplo el
desarrollado en el diseño y construcción del Parthenon: no sólo se utiliza la fórmula de la sección áurea, sino que
también se emplea el más completo equilibrio axial o simétrico. A este estilo lo denominamos clásico y comunica un
total equilibrio. Sin embargo, el atractivo de la simetría tiene límites; un toque de asimetría puede hacer que resulte
aún más atractivo, añadiendo un toque de individualidad y singularidad. La simetría, en cierta manera, da sensación de
orden y alivia la tensión; la asimetría hace lo contrario, crea agitación y tensión, pero puede conseguir que una imagen
no sea monótona.
.

65. Tipos de equilibrio: simétrico y asimétrico
composición estática- dinámica
EQUILIBRIO AXIAL O SIMÉTRICO: se genera un equilibrio simétrico
cuando se divide una composición en dos partes iguales, dando
lugar a la igualdad de color, textura, formas, tamaño y
estructura (simetría especular). Ningún elemento sobresale más
que otro respecto a su correspondiente simétrico y todo pare-ce
en perfecto orden..
• EQUILIBRIO OCULTO, INFORMAL O ASIMÉTRICO, : se produce
cuando a cada lado de la división imaginaria de una
composición los elementos no se corresponden en tamaño,
color, forma, color o estructura (no existe la simetría especular),
pero sí se advierte una impresión de equilibrio entre los
elementos. Al haber diferentes pesos visuales a cada lado del
eje, el efecto ejerce una mayor impresión de actividad, provoca
sensaciones más vitales, más dinámicas, y consigue evitar la
monotonía. Cuando en el aparente desorden, los elementos que
se distribuyen en la composición se contraponen y se
contrarrestan unos a otros tratando de mantener un estado de
equilibrio de pesos visuales, direcciones y tensiones, el efecto
visual del conjunto aparecerá más rico en matices y más
atrayente en su apreciación

66. Repetición, ordenación y composición modular
MODULACIÓN El diseño modular es una técnica ancestral que se viene utilizando tanto como
superficies decorativas en la arquitectura como en variados objetos elaborados por el ser
humano (vasijas, tejidos, etc.). La modulación se fundamenta en el uso repetitivo de un
elemento estructural, llamado módulo, que alcanza a cubrir una superficie mediante una
estructura invisible que organiza el espacio visual, llamada a veces retícula.
Arriba: estas dos superficies de módulos repetidos se apoyan en una estructura apenas perceptible basada en una misma
red o malla exagonal. Mientras en la imagen izquierda se aprecia un juego de triángulos en blanco y negro, en la imagen
derecha el motivo reproduce hexágonos entrelazados que permiten ver polígonos estrellados y otras formas geométricas
en los huecos que dejan entre sí dichas figuras. Los motivos de esta segunda superficie se desarrollan a partir de varias
mallas exagonales superpuestas sobre la que aquí vemos.

67. RETÍCULAS La retícula es una herramienta
invisible pero perceptible, sobre la
cual se distribuyen los diferentes
elementos gráficos, pero también es
un método que proporciona una
estructura para construir elementos.
Sirve para organizar, configurar y conseguir
una mejor visualización o
comunicación visual mediante
soluciones rápidas, seguras y legibles.
Aunque en ocasiones se confunden los
términos
La retícula es el sistema que estructura y
planifica la distribución de la
información en fragmentos
manejables para orientar al
espectador a encontrar la información
apropiada.
Las retículas más comunes se forman a
base de columnas, márgenes y
espacios horizontales, en campos que
puedan acoger cualquiera de los
elementos del diseño.
Este es un modelo de plantilla o retícula proporcionada
por un programa informático de diseño para la
elaboración de un folleto. En esta estructura se
adaptan los textos de distinto tamaño, el logotipo y las
imágenes en aquellos campos que se han dispuesto
para que sirvan de guía en el caso de pretender
realizar un diseño de este tipo..

68. CONTRASTE Y ARMONÍA
El equilibrio informal o asimétrico,
Está altamente cargado de fuerza gráfica y dinamismo. Prescinde por completo de la simetría, y el
equilibrio se consigue aquí en base a contraponer y contrastar los pesos visuales de los elementos,
buscando diferentes densidades tanto formales como de color que consigan armonizar visualmente
dentro de una asimetría intencionada.
• Lo que si que debemos tener claro es que para que consigamos una declaración visual válida, hay que
decidirse por lo contrastado o por lo armonioso. El área intermedia entre una técnica u otra es
confusa y poco clara, y normalmente debemos evitarla por dar lugar a una comunicación tan mala
como estéticamente fea
• Dondis en el libro La sintaxis de la imagen nos dice, Cuando las intenciones visuales del diseñador no
están nítidamente perfiladas y controladas, el resultado es ambiguo y el efecto creado es insatisfactorio
para el público. ... hay que evitar la ambigüedad por ser el efecto visual más indeseable:
• Cuando elegimos el camino de la armonía, en donde tenemos un trabajo visual nivelado, estamos
eligiendo unas soluciones más sencillas de establecer en donde tenemos unas reglas visuales que
podemos seguir sin problemas para la resolución de la composición visual, también tenemos una parte
negativa, que será la previsibilidad de los resultados compositivos, la excesiva armonía genera
aburrimiento y no despertaremos la sorpresa del espectador
• El contraste nos permite excitar y atraer la atención del receptor, dramatizar mediante la utilización de
diferentes contrastes (de color, textura, tamaño...), da un aspecto más dinámico a nuestro diseño. El
contraste es una herramienta esencial para producir y controlar diferentes efectos visuales.

69. 7-La figura de la izquierda esta bien equilibrada los tamaños, proporciones de los
cuadrados están compensados. Si comparamos la vertical de a con la de b vemos a b
vacilante, en b las proporciones se basan en diferencias tan pequeñas que dejan al ojo
inseguro
8—en la figura a las líneas no son ni claramente ortogonales ni claramente oblicuas,
sus tamaños no difieren. Preferimos la opción b por su mayor claridad

70. CONTRASTE EN LA COMPOSICIÓN
• Contraste: Una obra de arte es una composición de tensiones y resoluciones, de equilibrios y
desequilibrios, de coherencia rítmica en una unidad precaria, pero continua. La vida es un proceso natural
compuesto por estas tensiones, estos equilibrios y estos ritmos; eso es lo que sentimos, en la serenidad o
en la emoción (Susanne Langer Problems of Art).El contraste puede conseguirse a través de múltiples
articulaciones:
• Contraste de tono: La utilización de tonos muy contrastados, claridad-oscuridad, establecen el contraste
tonal. El mayor peso tonal lo tendría aquél elemento con mayor oscuridad o intensidad tonal, a medida
que elimináramos tono al elemento perdería fuerza y dimensión dentro de la composición, por lo cual
deberíamos redimensionarlo para que siguiera manteniendo su peso en el conjunto del dibujo.
• Contraste de colores: El tono tiene mayor fuerza que el propio color en el establecimiento del contraste.
Dentro de las dimensiones del color (el matiz, el tono y el croma) el tono domina. Después de la cualidad
tonal, el contraste de color más interesante es la se establece en cuanto a cálidos-fríos. Como ya vimos en
el tema color, las gamas frías verdes-azules tienen un carácter regresivo, mientras que las gamas cálidas
rojos-amatillos, tienen un carácter expansivo. Mediante la utilización adecuada de la temperatura de color
en diferentes elementos de la composición podremos dar mayor dimensión a un determinado elemento o
bien dar la sensación de mayor proximidad. El contraste complementario es el equilibrio relativo entre
cálido y frío, el color complementario es el que se sitúa en el lugar exactamente opuesto de la rueda de
colores
• .Contraste de contornos: Los contornos irregulares ganan la partida en cuanto a atención a los regulares,
reconocibles y previsibles. Una forma abstracta atrae mucho más la atención que una forma geométrica
conocida. De la misma forma la creación de texturas o trazos diferentes se intensifican cuando las
yuxtaponemos.
• Contraste de escala: El contraste también puede ser conseguido mediante la contraposición de elementos
a diferentes escalas de las normales, o la utilización de proporciones irreales. De esta forma estamos
negando la experiencia de percepción que puede tener el receptor en cuanto a las escalas de los
elementos y por lo tanto creamos una percepción inusual y dramatizamos la percepción del elemento

72. Técnicas de comunicación visual
(Dondis: la sintaxis de la imagen)