Tema 20: El arte en el siglo XX

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SantillanaSALIRSALIRANTERIORANTERIOR
PRESENTACIÓNINICIO GALERÍA
INTRODUCCIÓN
PRESENTACIÓN
GALERÍA
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20 El arte del siglo XX

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Contexto histórico-artístico
Datos históricos relevantes
1600 1620 1640 1660 1680 1700 1720 1740 1760 1780 18001840 1860 1880 1900 1920 1940 1960 1980 2000 20201820
1848
Revoluciones
en Europa.
1922
Fundación
de la URSS.
Triunfo
del fascismo
en Italia.
1917
Revolución Rusa.
1914-18
I Guerra
Mundial.
1929
Depresión económica
mundial: crisis de la Bolsa
de Nueva York.
1933
Triunfo del nazismo
en Alemania.
1936-39
Guerra Civil
española.
1939-45
II Guerra Mundial.
1989-91
Desaparición
del comunismo en Europa.
1990
Reunificación de
Alemania.
2001
Ataque terrorista
a las Torres Gemelas.

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1600 1620 1640 1660 1680 1700 1720 1740 1760 1780 1800
Contexto histórico-artístico
Datos artísticos relevantes
1840 1860 1880 1900 1920 1940 1960 1980 2000 20201820
1889
Construcción
de la Torre Eiffel.
1853
Transformación
urbana de
París (barón
Haussmann).
1871
Incendio y
reconstrucción
de Chicago.
1874
Primera exposición
de los impresionistas.
1895
Proyección de
los hermanos
Lumière en París.
1900
Exposición Universal
de París: triunfo del Art
Nouveau.
1919
Fundación
de la Bauhaus.
1924
Manifiesto
del Surrealismo.
1927
Aparición del
cine sonoro.
1937
El Guernica en
la Exposición
Internacional
de París.
1981
Se funda ARCO,
Feria
Internacional de
Arte
Contemporáneo.
1996
Rafael Moneo
gana el premio
Pritzker de
arquitectura.

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El mundo en 1914

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El mundo actual

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Índice
1.- Arquitectura y urbanismo: un espíritu nuevo
1.1.- La Bauhaus
1.2.- Le Corbusier (1887-1965)
1.3.- Frank Lloyd Wright: el Organicismo
1.4.- Mies van der Rohe (1886-1969)
2.- La arquitectura y el urbanismo a finales del siglo XX
2.1.- Grandes planes urbanísticos: Brasilia
2.2.- Movimientos de renovación desde los años setenta
3.- La escultura
3.1.- Constantin Brancusi (1876-1957)
3.2.- Alberto Giacometti (1901-1966)
3.3.- Henry Moore (1898-1986)
3.4.- Calder (1898-1976)
3.5.- La escultura española

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Índice
4.- La pintura: los nuevos «ismos»
de las vanguardias
4.1.- El Expresionismo
4.2.- El Cubismo
4.3.- Fauvismo
4.4.- Dadaísmo
4.5.- El Arte Abstracto
4.6.- Surrealismo
5.-
Nuevas tendencias en las artes plásticas
de la segunda mitad del siglo XX
5.1.- Expresionismo Abstracto
5.2.- El Informalismo
5.3.- Pop-Art
5.4.- Op-Art
6.- Otras corrientes de las artes
plásticas de la segunda mitad
del siglo XX
6.1.- La Figuración
6.2.- Arte Minimal
6.3.- Postminimal
6.4.- Arte Conceptual
7.- Nuevos medios expresivos:
la cultura visual de masas
7.1.- La fotografía
7.2.- El cartel
7.3.- El cómic
7.4.- Diseño gráfico
7.5.- El cine
7.6.- Impacto de la tecnología visual

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Síntesis
El gran crecimiento de la ciudad moderna a lo largo del siglo XX obligó a seguir
planificando su desarrollo urbanístico y a buscar nuevas soluciones de
habitabilidad.
En el período de entreguerras, años veinte y treinta, nació en Europa una corriente
progresista que dominará el siglo llamada Racionalismo, Funcionalismo o Estilo
Internacional, que será la gran aportación del siglo XX a la arquitectura.
Los objetivos de esta corriente son la funcionalidad, el urbanismo y la mejora
de las condiciones físico-higiénicas de los espacios humanos.
Las características principales de esta corriente son:
El uso del vidrio, el acero y el hormigón armado, y el uso práctico y funcional, tal
como expresa la frase «lo que funciona bien es bello». Respecto a la estructura,
los pilares y las plantas diáfanas van a sustituir a la columna y al arco. La
composición será formal a base de superficies simples y ortogonales.
Sus grandes maestros fueron Gropius, Mies van der Rohe, Le Corbusier y Wright.

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La Bauhaus
Este término alemán, que significa «casa de la construcción», denominó a un
movimiento cultural y artístico que surgió en la primera escuela de diseño, arte y
arquitectura del mundo. Esta escuela, la Bauhaus, fue fundada en Weimar en
1919 por Walter Gropius en un tiempo de pesimismo en Europa.
El programa de la Bauhaus unía el estudio de los oficios
artesanos con la tecnología, el diseño con la producción,
y el arte con la ingeniería.
Su meta era servir de instrumento para mejorar la
sociedad a través del diseño, con productos duraderos,
baratos y bellos.
Uno de sus principios básicos fue la célebre frase «la
forma sigue a la función». Expresa que las dimensiones
y la apariencia de algo deben reflejar la función a la que el
objeto sirve.

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La Bauhaus
La Bauhaus creó los fundamentos para las tendencias
estéticas de la arquitectura moderna y del diseño
industrial.
En España, esta corriente fue introducida por Fernando
García Mercadal, arquitecto de amplia formación europea y
autor del vanguardista pabellón del rincón de Goya.
En 1930 fundó la Asociación de Arquitectos Españoles para
difundir la arquitectura moderna junto a Aizpurúa, Torres
Clavé y el colaborador de Le Corbusier, Josep Lluís Sert.
Este último fue autor de obras como el pabellón de España
de la Exposición Universal de París y la Fundación Maeght.

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La Bauhaus
Arquitecto berlinés pionero de la arquitectura
moderna y el más célebre representante del
Racionalismo alemán.
Walter Gropius (1883-1969)
Fue el fundador de la Bauhaus, su primer
director y autor de su Manifiesto.
Acorde con el más puro Racionalismo, su obra
se basa en el uso de los nuevos materiales y en
optimizar el proceso constructivo para reducir
costes y tiempo.
Todas sus características quedan reflejadas en
el edificio que creó para la segunda sede de la
Bauhaus, en Dessau.

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Le Corbusier (1887-1965)
Le Corbusier fue el sobrenombre profesional que adoptó Charles Edouard
Jeanneret, pintor, teórico y arquitecto franco-suizo, considerado la principal figura
mundial de la arquitectura moderna.
Podemos establecer cinco postulados básicos en la
arquitectura de Le Corbusier:
El uso de bloques elevados sobre pilares cilíndricos de
acero, «pilotes».
Las cubiertas son planas y ajardinadas, lo que permite
usarlas como terraza.
La planta es libre. Esto permite disponer los tabiques
según las necesidades.
La fachada del edificio es independiente de la estructura.
Las ventanas son grandes y alargadas para disponer de
mayor iluminación y ventilación.

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Le Corbusier (1887-1965)
Todos estos principios los materializó en la
villa Saboya, en Poissy, uno de los
exponentes de la arquitectura moderna.
Aportó conceptos de gran
repercusión, como los bloques
colectivos que serán el prototipo
de vivienda social de la
posguerra, caso de la Unidad
habitacional.
Una de sus obras más
originales es la capilla de
Notre-Dame-du-Haut, en
Ronchamp.

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Frank Lloyd Wright: el Organicismo
Este arquitecto americano (1867-1959), discípulo de Le Corbusier, es uno de los
maestros de la arquitectura moderna, de radical originalidad.
Como principal representante del Organicismo, promovió la
armonía de la arquitectura con la naturaleza, con el
entorno y con el ser humano.
Opuesto al Racionalismo, sus viviendas son de líneas
sencillas y novedosas por su funcionalidad, técnica y formas.
La casa Kaufmann es el mejor ejemplo del Organicismo, de
la integración total de arquitectura y paisaje.
Otra de sus obras emblemáticas es el Museo Guggenheim
de Nueva York, creado para exhibir arte vanguardista.

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Mies van der Rohe (1886-1969)
Fue un influyente arquitecto y diseñador industrial alemán,
colaborador de Gropius y director de la Bauhaus en su última etapa.
Su arquitectura es de carácter universal, sencilla y honesta,
tal como refleja su frase «menos es más», lema que
adoptarán los arquitectos vanguardistas.
En Estados Unidos dejó muestras de una de sus facetas
como arquitecto: la construcción de enormes rascacielos.
Quizá el mejor ejemplo de su teoría de la arquitectura «de piel
y huesos», sea el edificio Seagram.
Es autor de una de las obras más innovadoras de la
arquitectura moderna: el pabellón de Alemania.

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Grandes planes urbanísticos: Brasilia
Brasilia fue creada como nueva capital federal de Brasil entre 1955 y 1960. Fue la
consagración mundial de Oscar Niemeyer (1907) como arquitecto e introductor
en Hispanoamérica de la arquitectura moderna, y del urbanista Lucio Costa,
autor del plano del conjunto.
Para la realización del proyecto, Niemeyer se inspiró en
Le Corbusier, dentro de un enfoque racionalista de la
arquitectura urbana, desde lo útil y funcional.
Niemeyer levantó una innovadora capital de gran
cohesión arquitectónica, donde los grandes volúmenes de
los rascacielos conviven con edificios de gran belleza
plástica, formas nuevas e imaginativas y superficies
curvas como la Catedral o el palacio Presidencial.

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Movimientos de renovación desde los años setenta
Una vez se reconstruyó Europa con una arquitectura dominada por el
Funcionalismo, comenzaron a finales de los años sesenta una serie de
movimientos de renovación de las ideas estéticas. En ellos desempeñará un
papel crucial la innovación tecnológica.
En los años setenta se recuperó la tradición en
cuanto a las formas, pero no a la técnica.
Creció el interés por la edificación a pequeña escala.
Se volvió al ornamento, en columnas y pilastras,
dando lugar a un Neoeclecticismo.
Forman parte de esta tendencia nombres como
Ricardo Bofill o Niemeyer.

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Movimientos de renovación desde los años setenta
A finales de la década de 1980 nació el
Deconstructivismo. Buscaba fragmentar el edificio,
separando además la forma de la función.
Se trata de construcciones dinámicas, de formas no
lineales, y aparentemente irrealizables.
Entre ellas destaca el espectacular Museo
Guggenheim de Bilbao, del maestro americano
Frank O. Gehry.
La tendencia High Tech muestra la estructura del
edificio con sus componentes tecnológicos.
Integran este estilo nombres tan destacados como
Norman Foster.
Jean Nouvel, Renzo Piano, Richard Rogers y
Santiago Calatrava.

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Síntesis
La llegada de los movimientos de vanguardia reaviva el interés por la escultura,
que había permanecido en un segundo plano en épocas anteriores.
3.- La escultura
En esta nueva etapa se abandona el estilo figurativo.
Ahora el objeto deja de ser estático y compacto gracias al movimiento y a los
huecos que crean espacios interiores.
Cualquier material sirve para crear un objeto escultórico.
Los contenidos y las formas de expresión se inspiran en las culturas primitivas y
clásicas.
También se investiga sobre formas y volúmenes, nuevas técnicas y nuevos
materiales.

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3.- La escultura
Constantin Brancusi (1876-1957)
Este escultor rumano está considerado uno de los padres
de la escultura moderna junto a Giacometti y Henry Moore.
Evolucionó a un estilo innovador inspirado en las esculturas
primitivas y africanas.
Se caracterizó por simplificar y depurar el objeto al máximo con
formas cerradas y estilizadas.
Uno de sus temas preferidos fue captar los pájaros en el vuelo,
su movimiento en el espacio.
Emplea materiales como la piedra, el mármol, la madera y el
metal, pulidos al máximo.

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3.- La escultura
Alberto Giacometti (1901-1966)
Escultor y pintor suizo, uno de los más originales y representativos
del siglo XX.
Abandonó el surrealismo y creó un característico y singular estilo
figurativo, reflejo de su sentido trágico de la vida y del vacío
existencial del ser humano contemporáneo.
Sus bustos y figuras humanas se caracterizan por las formas
alargadas, filiformes, y por sus superficies fibrosas.
Siempre expresan su fragilidad y su total aislamiento en el mundo,
en el espacio, como testimonio de la soledad del ser humano
actual.

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3.- La escultura
Henry Moore (1898-1986)
Dominó distintos materiales, como la piedra, la madera,
el hormigón, el mármol o el bronce.
Creó formas y volúmenes de gran tamaño sobre la
figura humana, desde la figuración a la abstracción,
como expresión de la realidad vital del ser humano.
Hacia 1940 empezó a horadar los materiales,
oponiendo las figuras cóncavas a las convexas como
complemento entre la forma y el espacio.
De origen británico, es uno de los grandes escultores del siglo XX. Admirador de
Miguel Ángel, halla su inspiración en el mundo primitivo no occidental y en el arte
egipcio, etrusco y azteca.
Entre sus temas usuales, desde 1930, está la extensa
serie de la maternidad, en la que muestra de forma
abstracta la conexión entre una madre y su hijo.

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3.- La escultura
Calder (1898-1976)
Escultor estadounidense de gran versatilidad, es uno de los artistas más
innovadores e ingeniosos del siglo.
Se inició en la Abstracción en París a principios de los años treinta
bajo la influencia de artistas como Miró o Mondrian, primero como
pintor y más tarde como escultor.
Experimentó también con el movimiento y desarrolló dos modos
de escultura: el móvil, con el que surge el arte dinámico; y el
estable (stabile), de formas abstractas e inmóviles.
Sus móviles son estructuras de formas orgánicas abstractas,
hechas con metal, cable, plomo y pintura, suspendidas en el aire.
Se balancean suavemente con el movimiento dado por el mismo
aire o por un impulso inicial, adoptando así formas variadas.

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3.- La escultura
La escultura española
En la primera mitad del siglo XX, la escultura española experimentó
una fuerte renovación mediante el poder expresivo de las formas y el
interés por los nuevos lenguajes, materiales y técnicas.
Julio González (1876-1942)
De familia de orfebres y herreros, su carrera transcurre en París con
el estímulo de su amigo Picasso, con el que exploró el Cubismo.
Sus bustos y figuras humanas se caracterizan por las formas
alargadas, filiformes, y por sus superficies fibrosas.
Evolucionó a un estilo propio entre el Surrealismo y la Abstracción,
fusionando la materia y el espacio.
Revolucionó la escultura con la técnica del hierro soldado.
Entre sus numerosas obras cabe citar Mujer ante el espejo.

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3.- La escultura
Pablo Gargallo (1881-1934)
Su obra es de las más destacadas e innovadoras del siglo.
Partió del Modernismo catalán, pero recibió influencias de Brancusi,
del Cubismo y, por último, de la corriente expresionista.
Así, creó un estilo propio en el que destacan las siguientes
características:
El uso de chapas de hierro recortadas y de nuevas técnicas.
La incorporación del vacío y de huecos como elemento escultórico.
La combinación de planos cóncavos y convexos.
La coexistencia de dos tendencias, una más figurativa y otra más
vanguardista.
Una de sus obras más conocidas es El profeta.

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3.- La escultura
Eduardo Chillida (1924-2002)
Este escultor destaca por la gran elegancia de sus
estructuras abiertas en diálogo con el entorno.
En hierro, acero, mármol o terracota creó formas
irreales, pero con una nueva visión espacial que gira
sobre la relación vacío-lleno.
Chillida se interesó por los volúmenes y espacios
encerrados en formas geométricas de gran pureza.
Muchas obras de Chillida se encuentran situadas en
espacios públicos, como El peine de los vientos.

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Síntesis
La renovación que provocaron en la pintura a finales del siglo anterior el
Impresionismo, el Postimpresionismo y el Simbolismo, tanto en la iconografía
como en las características formales -composición, cromatismo y técnicas-, fue el
caldo de cultivo en el que surgió la amplia variedad de tendencias de las nuevas
vanguardias del siglo XX.
4.- La pintura: los nuevos «ismos» de las vanguardias

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El Expresionismo
Nació en Alemania en 1905 y perduró hasta 1933, cuando el régimen nazi subió
al poder y lo prohibió tras declarar el arte vanguardista como «arte degenerado».
La ideología de este movimiento, vinculada a las teorías de
Niesztche y Freud y al pesimismo que vivía Europa, se basa en la
expresión, en transmitir los sentimientos y emociones del artista
mediante la deformación de la realidad por medio del color y del
dinamismo.
Lo integraban distintos grupos artísticos, como Die Brücke («El
puente»), creado por Kirchner en 1905, de carácter radical y crítico,
y Der Blaue Reiter («El jinete azul»), tendencia de gran lirismo cuyo
maestro fue Kandinsky con el apoyo de Paul Klee.

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El Expresionismo
Edvard Munch (1863-1944)
Considerado el padre del Expresionismo, su estilo se caracterizó
por pinceladas audaces y líneas sinuosas, por un colorido arbitrario,
con grandes masas de color, y por motivos simplificados.
En El grito, obra que se considera el primer cuadro expresionista,
representó la desesperación y la angustia del ser humano.
Emil Nolde (1876-1956)
Es uno de los grandes nombres del Expresionismo alemán, como
autor de un arte muy expresivo y emocional.
Usa una estética distorsionada de estridentes colores que aplica
con pinceladas cortas, empastadas y nerviosas. Un ejemplo de su
obra es el Políptico de la vida de Cristo.

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El Cubismo
Este estilo comenzó en París en 1907 con la obra Las señoritas de Avignon de
Picasso, lienzo que rompió con los valores artísticos tradicionales, y supuso el
nacimiento de un lenguaje innovador y radical de enorme influencia en todo el
arte del siglo XX.
El Cubismo entiende el cuadro como una superficie
bidimensional, y rompe así con la idea clásica de
perspectiva.
Las figuras se esquematizan y las formas se
geometrizan.
El punto de vista único se abandona y se
yuxtaponen las diversas imágenes que muestran la
realidad cuando la miramos desde distintos ángulos,
y que se descomponen en varios planos
geométricos.

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El Cubismo
En su etapa inicial, llamada «Cubismo Analítico»
(1908-1912), los objetos se reducen a formas
geométricas fragmentadas en planos, y el colorido
es apagado, de tonos verdes, grises y ocres.
Los temas más usuales son naturalezas muertas,
paisajes y retratos.
La etapa siguiente y última, el «Cubismo
Sintético» (1912-1920), surge de la técnica del
collage realizada por Picasso en 1912.
En los temas aparecen guitarras, violines,
naturalezas muertas, retratos o bañistas.
Los artistas más representativos del Cubismo son
Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.

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El Cubismo
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)
A este artista malagueño le cabe el honor de emprender
una revolución visual y conceptual que abarcó la
pintura, la escultura, la cerámica y el grabado.
En París se inicia su etapa azul (1901-1904), llamada
así por el color predominante en estas obras.
Se trata de cuadros de gran intensidad emotiva y
tristeza, que tratan sobre ciegos, mendigos, enfermos
y otros personajes desamparados.

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El Cubismo
En 1905 entra en la etapa rosa, de mayor lirismo
gracias al uso de colores pastel, de tonos cálidos, líneas
suaves y proporciones alargadas.
Refleja con gran afecto la maternidad y la melancolía
que envuelve el mundo del circo, a sus acróbatas,
saltimbanquis y arlequines.
En 1906 rompe con su estilo anterior tras conocer una
exposición de escultura ibérica que se realizó en el
Louvre y descubrir el arte africano.
Picasso comenzó a simplificar los rasgos y los
volúmenes. Estas influencias y estudios se plasmaron
en Las señoritas de Avignon.

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El Cubismo
Picasso practicó tanto el Cubismo Analítico como el
Cubismo Sintético. Una de sus obras maestras de esta
etapa es Los tres músicos.
Durante la Primera Guerra Mundial residió en Italia,
donde estudió la cultura antigua y el Renacimiento.
Entonces inicia su etapa de clasicismo y figuración,
con sus retratos y temas mitológicos. En esta época
pintó su obra Dos mujeres corriendo por la playa.

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El Cubismo
En 1937 realiza el Guernica al conocer el bombardeo de
esta población por parte de los alemanes durante la Guerra
Civil española. La obra simboliza el horror de la guerra y la
ira, que logra transmitir gracias a una composición austera
y al uso de los colores blancos, negros y grises.
Picasso pasó gran parte de
su última etapa
estudiando a los clásicos y
realizó versiones de sus
grandes obras. Un ejemplo
son Las Meninas.

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El Cubismo
Georges Braque (1882-1963)
Braque nació en Francia y, aunque en sus inicios fue
fauvista, está considerado creador del Cubismo junto a
Picasso.
Influido por los trabajos de Cézanne y por su labor
previa de pintor-decorador, su obra refleja un profundo
interés por lo táctil y por la armonía de la composición.
Braque enriqueció el Cubismo Analítico al incorporar en
sus cuadros letras de imprenta y pigmentos mezclados
con arena, creando superficies de variadas texturas.

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El Cubismo
Juan Gris (1887-1927)
Hoy día está considerado un maestro del Cubismo
Sintético y una figura esencial del panorama artístico del
siglo XX.
Fue un excelente dibujante e ilustró numerosos libros y
revistas.
Con su viaje a París en 1906 entró en contacto con
Picasso y su círculo, e inició su propio estilo en la línea
del collage y del Cubismo Sintético, alcanzando una
gran maestría.

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Fauvismo
Fue la primera vanguardia del siglo XX y nació en París en 1905. El Fauvismo se
caracterizó por pintar lo que sentía, no lo que veía. Los artistas lo lograron
gracias a la autonomía del color sobre la forma. Además, el color, de tonos
intensos y puros pero de gran armonía cromática, dependerá del sentimiento del
artista y no de la realidad.
Henri Matisse (1869-1954)
Pintor francés, máximo representante del Fauvismo y
uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Tras un viaje a África y a Tahití, comenzó a emplear
colores expresivos, de tintas uniformes y formas planas.
Además, introdujo arabescos.
Uno de sus cuadros más conocidos es La danza.

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Dadaísmo
El término Dadá fue elegido al azar de un diccionario y carece de significado
especial, supone el uso de la burla como medio para destruir los principios
artísticos más afianzados.
Este movimiento surgió en Zurich (Suiza) durante la
Primera Guerra Mundial, como actitud de rechazo ante la
realidad circundante por parte de un grupo de jóvenes
artistas, entre los que se encontraban Arp y Tristán Tzara.
Los dadaístas reivindicaban los objetos industriales, la
imprenta, el cine, el sexo y, sobre todo, la fiesta, el
espectáculo y el humor.
El Dadaísmo aporta al arte actual su eterna provocación, la
importancia de la imaginación, una nueva estética y la
validez del proceso creativo.

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Dadaísmo
Marcel Duchamp (1887-1968)
Duchamp, pintor franco-americano, es el artista más
influyente en la evolución del arte del siglo XX.
Revolucionó el mundo artístico al presentar como obras
de arte una serie de objetos cotidianos, los «ready-
made», término que supone que cualquier objeto que
elija un artista, independientemente de su valor artístico,
puede ser considerado «arte», ya que lo que importan
son las ideas.
En este sentido, su obra más célebre es Fuente,
considerada una de las obras más influyentes del
siglo, al marcar el inicio de la modernidad.

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El Arte Abstracto
Esta corriente comenzó a tomar forma con las primeras obras de Kandinsky
hacia 1910. Consistía en «abstraerse de» los elementos visibles de la naturaleza,
lo que llevaba a la libertad total en la elección de los colores y en el motivo a
desarrollar sobre el lienzo.
En un primer momento, se llamó Abstracción lírica o
cromática, y estuvo representada por Kandinsky y Paul
Klee.
A partir de 1913 la Abstracción pasó a denominarse
Abstracción geométrica y estuvo encabezada por
Malevich y por Mondrian.
En ambas corrientes son inexistentes las representaciones
de la realidad, y el interés se centra en experimentos
sobre el color y la composición.

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El Arte Abstracto
Wassily Kandinsky (1866-1944)
Kandinsky fue un pintor y teórico del arte de origen ruso.
En 1910 abandonó el arte figurativo y se inició en la
Abstracción lírica.
En sus obras consigue transmitir un gran dinamismo y
mucha energía al contraponer líneas y manchas de
colores brillantes que armonizan entre sí.
Kazimir Malevich (1878-1935)
Pintor y teórico ruso, creador del Suprematismo. Amante de las
formas puras, dejó atrás cualquier recurso pictórico y optó por las
formas geométricas simples y una reducida gama de colores.

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El Arte Abstracto
Piet Mondrian (1872-1944)
Este pintor fue el fundador de un movimiento estético en
Holanda, el Neoplasticismo, dentro de la Abstracción
geométrica.
Esta tendencia busca liberar al arte de todo lo
accesorio para llegar al «arte puro».
Mondrian creó un nuevo lenguaje para sus lienzos, a los
que llamó Composiciones.
Mediante la utilización de las formas geométricas y los
colores elementales pretendía llegar a representar la
esencia del universo.

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Surrealismo
Movimiento literario y artístico, elitista y de izquierdas, que nació en Francia en
1924 impulsado por André Breton. Este defendió en su Manifiesto la
inconsciencia, el sueño y la locura.
Los surrealistas intentaron expresar por medio de la plástica, las imágenes
procedentes del mundo onírico, del inconsciente, fuera de toda preocupación
estética y moral.

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Surrealismo
Max Ernst (1891-1976)
Investigador infatigable, introdujo las técnicas del collage
y del fotomontaje en el Surrealismo. Su temática gira
sobre el mundo de las alucinaciones y de la imaginación.
En 1921 comenzó su etapa surrealista en París con una
serie de obras en las que seres fantasmagóricos y
figuras humanas habitan en paisajes irreales.
René Magritte (1898-1967)
Su obra es enigmática y extraña, rodeada de un halo de misterio
propio de su inspiración en la literatura policíaca. Sus personajes se
caracterizan por sus rostros impenetrables, carentes de expresión.

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Surrealismo
Salvador Dalí (1904-1989)
Este polifacético artista catalán, personaje excéntrico y
provocador, destacó por su obra surrealista.
El estilo de Dalí se basaba en imágenes irreales en
paisajes desnudos. Estas imágenes las tomaba
directamente de los sueños y están relacionadas con el
psicoanálisis. En ellas plasmaba sus obsesiones.
Joan Miró (1893-1983)
Aportó una visión de su inconsciente mágica y lírica, llena de
gran fantasía. Sobre fondos blancos o azules y con una gama de
colores brillantes creaba en el espacio diferentes signos
reconocibles con un fuerte contenido simbólico.

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Síntesis
Tras la Segunda Guerra Mundial comienza una nueva etapa en el arte
estrechamente vinculada con la evolución de los tiempos.
5.- Nuevas tendencias en las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
Se crean múltiples y novedosas formas de expresión debidas a la total libertad de
creación para reinterpretar la nueva realidad.
Estas tendencias establecen una ruptura con las corrientes estéticas anteriores, y
en ellas se busca la originalidad y provocar una nueva mirada del espectador ante
la obra de arte.

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Expresionismo Abstracto
Esta corriente fusiona la Abstracción y el Surrealismo. Surgió en Estados Unidos
en 1947, cuando los artistas rompieron con la figuración y con las influencias
europeas para crear un nuevo estilo que reflejara sus propias identidades
artísticas.
La Gestual o Pintura de acción (Action painting). Esta
técnica consiste en acciones y gestos como derramar, dejar
gotear, arrojar la pintura sobre el lienzo sin tensar, aplicarla
directamente desde el tubo, embadurnarlo con las manos o
mezclar materiales para lograr diversas texturas.
Dentro del Expresionismo Abstracto se desarrollan dos
tendencias:
Jackson Pollock y Willem de Kooning encabezan esta
tendencia.

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En ella solo se tienen en cuenta las posibles mezclas de
color y sus múltiples combinaciones. Además, se utilizan
formatos de grandes dimensiones.
La segunda es la llamada Pintura de superficie-color
(Color field-painting).
Su preferido era el rojo porque a través de él pensaba que
podía expresar todas sus emociones.
En esta tendencia destaca el artista ruso Mark Rothko,
cuya obra se caracteriza por la investigación del color.

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Jackson Pollock (1912-1956)
Nacido en la América profunda, representa el
genuino Expresionismo Abstracto americano.
El goteo de pintura, el dripping, sobre unas
inmensas telas le permitía crear auténticas
marañas de líneas con puntos de color.
Willem de Kooning (1904-1997)
El término Action painting se aplicó en los años cuarenta a su obra
debido a sus trazos enérgicos, amplios y muy marcados, con
espesas capas de óleo y pigmentos que imprimen al lienzo gran
densidad y fuerza.

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El Informalismo
En paralelo con el Expresionismo Abstracto americano, el Informalismo surgió en
Europa hacia 1945. Refleja su expresividad con total libertad en cuanto al uso de
la pintura y los materiales. En lugar de emplear el dibujo introduce signos y
garabatos.
La pintura matérica, que utiliza arena, aglutinantes, harapos,
maderas o serrín, además de desgarros y cortes en el lienzo.
Dentro del Informalismo se distinguen distintas tendencias:
La corriente tachista o manchista, que usa manchas de color.
Entre sus artistas destacan Pierre Soulages, Lucio Fontana y
el grupo Cobra.
Entre los españoles se encuentran algunos de los informalistas
más reconocidos, como Manolo Millares, Martín Chirino,
Antonio Saura y Antoni Tàpies.

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Pop-Art
El Pop-Art nació entre los años 1950 y 1960 en Estados Unidos e Inglaterra. Se
basa en el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la
comunicación de masas.
Las dos figuras más destacadas fueron Andy Warhol y Roy
Lichtenstein.
El Pop español se desarrolló más tardíamente, entre los años
1960 y 1970, y fue la voz crítica de la falta de libertades
sociales y políticas del franquismo.
Su foco más destacado fue Valencia y está estrechamente
unido a la obra del Equipo Crónica, del Equipo Realidad y de
Juan Genovés.
Se trata de un arte popular, ingenioso, joven, efímero y que se
produce en serie por medio de serigrafías, del collage y del
fotomontaje.

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Pop-Art
Andy Warhol (1928-1987)
Es la figura más conocida del Pop-Art. Fue pintor,
escultor, cineasta, fotógrafo, publicista y editor.
Alcanzó gran popularidad al pintar una serie de retratos
de personas y objetos muy conocidos, como las botellas
de Coca-Cola y las latas de sopa Campbell.
Roy Lichtenstein (1923-1997)
Pintor y escultor, autor de la vertiente más creativa del Pop
estadounidense, se caracterizó por su afinidad con las técnicas de
reproducción, como el empleo de puntos, contornos marcados y
brillantes colores primarios.

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Op-Art
Esta tendencia también es conocida como Arte óptico. Se trata de un
movimiento de Abstracción Geométrica surgido en Estados Unidos a inicios de
los años sesenta, que buscaba crear efectos visuales de movimiento, de relieve
o de profundidad, en superficies planas y estáticas.
Victor Vasarely (1906-1997)
Pintor francés de origen húngaro que está considerado
como el padre del Op-Art.
En París, su residencia desde 1931, abordó la Abstracción
con estudios sobre el color, la óptica y el movimiento.
Transforma el lienzo en un campo de infinitas posibilidades
visuales gracias a la interacción de los colores para dar la
sensación de movimiento.

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6.- Otras corrientes de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX
La Figuración
Es una opción más de la modernidad, de carácter realista y que convive con la
Abstracción.
En España, la Figuración ha estado siempre muy
presente. Casi todos los artistas abstractos españoles
tuvieron un componente realista, excepto Palazuelo y
Chillida.
Antonio López, escultor y pintor, es el maestro de la
pintura realista contemporánea.
Su obra muestra un lenguaje muy personal mediante la
integración de color y dibujo.

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Arte Minimal
Término acuñado en 1965 por la revista Art Magazine, que designa una serie de
obras que surgen como reacción al exceso pictórico y compositivo del
Expresionismo Abstracto.
Se caracteriza por una obra innovadora de formas
puras, geométricas, sin adornos, sin tema y poco
expresivas, casi impersonales, que buscan el efecto de
la luz sobre los materiales y el efecto espacial.
Frank Stella y Sol Lewitt están entre sus mayores
representantes.

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Postminimal
Estilo que nace como reacción al Minimal, y que está en contra de la rigidez de
sus formas geométricas y su austera expresividad.
Esta tendencia concibe el arte como una simple
actividad creativa, como un comportamiento ajeno a
cualquier otra pretensión.
Engloba distintas formas de arte, que llevan a un punto
más excéntrico y original, con formas no
preconcebidas.
Artistas como Richard Serra y Eva Hesse usan sacos,
cuerdas, vinilos, látex y alambres como acto de
provocación.

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Arte Conceptual
Corriente experimental nacida en los años sesenta. Se trata de un arte interesado
por las ideas, a las que considera el motor y la esencia de la obra de arte. No
importa tanto el objeto representado como las ideas que se quieren representar.
Happening
Esta tendencia artística rechaza el proceso tradicional de
creación y lo sustituye por una manifestación colectiva en la
que el público participa activamente y donde el resultado
tiene igual importancia que el proceso.
Entre sus integrantes destacan Vostell y Joseph Beuys. En
1965 realizó su célebre performance Cómo explicar un
cuadro a una liebre muerta, en una galería de Dusseldorf.

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Arte Conceptual
Land Art
Esta tendencia tiene como materia prima la naturaleza, las
piedras, maderas, arenas, tierra, etc.
El soporte y el material es el propio paisaje rural o urbano.
Su técnica es la instalación al aire libre. Body Art
Corriente conceptual de los años sesenta en la que se trabaja el
cuerpo como material plástico; se pinta, se ensucia, se calca, se
tatúa. Suele realizarse como una performance.Arte Povera
Este término significa en italiano «arte pobre». Se trataba de
una reacción frente al arte tradicional que se consideraba
hecho con materiales nobles y con un sentido de exaltación
de la belleza.

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Síntesis
7.- Nuevos medios expresivos: la cultura visual de masas
Desde mediados del siglo XIX se han desarrollado nuevas formas de expresión
artística que se engloban dentro de lo que conocemos como cultura visual.
Con este término nos referimos a la interpretación de las múltiples imágenes que
nos llegan cada día desde el mundo de la publicidad, el cine, la prensa, Internet o
la televisión, y que son difundidas masivamente.
Este mundo de las imágenes, en su mayoría artificiales, influye en nuestro modo
de vivir y de pensar.

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La fotografía
La técnica de la fotografía era un proceso caro, que además no permitía la
elaboración de copias. Estos dos problemas fueron solventados a finales del XIX
y principios del XX. Es en estos momentos cuando la fotografía se introduce
dentro del mundo del arte.
Al principio, los artistas que se decantaron por la
fotografía estuvieron muy influenciados por las
corrientes pictóricas.
A partir de la Segunda Guerra Mundial desarrollaron
sus propias tendencias, entre las que cabe destacar la
manipulación de la fotografía.
En España, desde los años ochenta, encontramos la
obra de Ouka Leele como ejemplo de manipulación
fotográfica, y de unión de pintura y fotografía.

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El cartel
Es el medio publicitario más eficaz, ya que se encuentra en paredes, vallas,
estadios o marquesinas. Se realiza en papel, cartón o material plástico de gran
tamaño y se caracteriza por la interrelación entre texto e imagen para definir el
producto de manera viva y penetrante.
A fines del siglo XIX, París fue la ciudad pionera en el
uso de los carteles como elemento decorativo, un
ejemplo fueron los realizados por Toulouse-Lautrec.
En España sobresale Josep Renau (1907-1982), autor
de una excelente serie de carteles, fotomontajes y
murales de contenido político o comercial.

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El cómic
Su origen se remonta a mediados del XIX, y a finales de ese siglo alcanzó su
éxito como producto de consumo.
Se trata de viñetas que integran textos en imágenes y
que se organizan sucesivamente, con una planificación
influenciada por el cine.
La técnica empleada suele ser a plumilla o a pincel, y
en ocasiones, con dos o cuatro tintas.
Entre los títulos a recordar están Flash Gordon (1951),
de Dan Barry; Corto Maltés (1967-1996), de Hugo
Pratt; El Capitán Trueno (1956), de Víctor Mora, y las
tiras de Mafalda (1964), de Quino.

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Diseño gráfico
Esta actividad expresa mensajes gráficos a través de un lenguaje visual en
campos diversos: publicidad, libros, multimedia, imagen corporativa o páginas
web.
Es una nueva forma de expresión y de comunicación
visual cuyos mensajes se difunden por medios digitales
o impresos.
Esta actividad tiene un carácter interdisciplinar, al
requerir nociones de fotografía, dibujo, tipografía,
comunicación…
Se realiza en sectores muy distintos, como la
publicidad, el desarrollo de imágenes corporativas, el
diseño de revistas, libros, carátulas de discos...

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El cine
Esta forma de arte se basa en la fotografía en movimiento mediante la proyección
de fotogramas de forma rápida y sucesiva. Su historia comienza en París en
1895, su éxito fue inmediato, y alcanzó su madurez en 1920 con la incorporación
de sonidos, en forma de diálogos, música o efectos sonoros.
Entre su gran diversidad de géneros, podemos citar:
El comercial, de visión fácil y amable, para disfrute del espectador.
El independiente, creado sin apoyo inicial de ninguna productora.
El documental, basado en imágenes tomadas de la realidad.
El experimental, que usa un medio de expresión más artístico.
El de animación, por medio de dibujos animados.

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Impacto de la tecnología visual
Los grandes y acelerados avances producidos en las últimas décadas, con la
aparición del ordenador, el vídeo y la digitalización, han llevado a nuevas formas
creativas que combinan el mundo del arte y la ciencia.
Esto ha originado una cultura digital llena de nuevos lenguajes
electrónicos sobre la percepción y el movimiento, con la imagen
virtual, la interactividad o la robótica como parte fundamental del
proceso de creación artística.
El videoarte apareció allá por los años sesenta simultáneamente en
Europa y Estados Unidos. Tuvo desde sus inicios una vocación
antimercantilista y desarrolló una gran capacidad para alterar la
posición del arte y del artista.

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Galería de imágenes
1.- Arquitectura y urbanismo:
un espíritu nuevo
Fundación Maeght
Edificio de la Bauhaus
Villa Saboya o Villa Savoye
Alzado de Villa Saboya
Planta de los tres pisos de Villa Saboya
Primer piso de Villa Saboya
Rampa de acceso y planta baja de Villa Saboya
Unidad habitacional
Capilla de Notre-Dame-du-Haut
La casa Kaufmann o casa de la cascada
Interior de la casa Kaufmann
Maqueta de la casa Kaufmann
Museo Guggenheim de Nueva York
Cúpula del Museo Guggenheim
Edificio Seagram
Pabellón de Alemania
Interior del pabellón de Alemania
2.- La arquitectura y el urbanismo
a finales del siglo XX
Brasilia
Catedral de Brasilia
Palacio presidencial de Brasilia
Santuario de Meritxell
Museo Guggenheim de Bilbao
Banco de Shanghai
Ciudad de las Artes y las Ciencias
3.- La escultura
Pájaro en el espacio
Mujer de pie
Mujer reclinada con niño
Spiral
Mujer ante el espejo
El profeta
El peine de los vientos

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Galería de imágenes
4.- La pintura: los nuevos «ismos»
de las vanguardias
El grito
Políptico de la vida de Cristo
Las señoritas de Avignon
Paisaje de Meudon
Naturaleza muerta con asiento de rejilla
Las dos hermanas
Familia de acróbatas con mono
Los tres músicos
Dos mujeres corriendo por la playa
Guernica
Figuras del Guernica
Las Meninas
Saint Martorell
La mesa del músico
La danza
Fuente
El jardín del amor
Cruz negra
Composición en rojo, amarillo y azul
La vestimenta de la esposa
Los amantes
La persistencia de la memoria
El carnaval de Arlequín
5.- Nuevas tendencias en las
artes plásticas de la segunda
mitad del siglo XX
Uno
Mujer I
Cuatro agujeros
Serigrafía
Lata de sopa Campbell
Bodegón con peces de colores
Cebras
6.- Otras corrientes de las artes
plásticas de la segunda mitad
del siglo XX
Gran Vía
Cinturón triangular
Cómo explicar un cuadro a una liebre muerta
7.- Nuevos medios expresivos:
la cultura visual de masas
Madrid
The American way of life
Fotograma de «El viaje de Chihiro»
Rascacielos en Dubai

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Fundación Maeght (1964),
Saint-Paul, Francia.
Josep Lluís Sert.

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Edificio de la Bauhaus (1923-1925), Dessau. Walter Gropius.

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Villa Saboya o Villa Savoye (1929), Poissy, a las afueras de París.
Le Corbusier.

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Alzado de Villa Saboya o Villa Savoye

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Planta de los tres pisos de Villa Saboya o Villa Savoye
Planta baja Primer piso Azotea

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Primer piso de Villa Saboya o Villa Savoye
Primer piso, terraza
Primer piso, interior

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Rampa de acceso y planta baja de Villa Saboya o Villa Savoye
Rampa de acceso a la azotea
Planta baja, escalera

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Unidad habitacional
(1947-1951), Marsella.
Le Corbusier.

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Capilla de Notre-Dame-du-Haut (1955), Ronchamp. Le Corbusier.

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La casa Kaufmann o casa de la cascada (1937), Pensilvania (EE.UU.).
Frank Lloyd Wright.

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Interior de la casa Kaufmann o casa de la cascada

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Maqueta de la casa Kaufmann o casa de la cascada
1 Gran bloque de piedra que alberga la chimenea y la escalera
2 Terrazas horizontales y superpuestas.

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Museo Guggenheim (1957-1959), Nueva York. Frank Lloyd Wright.

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Cúpula
del Museo Guggenheim

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Edificio Seagram
(1954-1958), Nueva York.
Mies van der Rohe.

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Pabellón de Alemania (se construyó en 1929. Fue demolido posteriormente
y reconstruido en 1986), Parque de Montjuïc, Barcelona. Mies van der Rohe.

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Interior del pabellón de Alemania

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Brasilia (1955-1960), Brasil. Oscar Niemeyer.

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Catedral de Brasilia

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Palacio presidencial de Brasilia

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Santuario de Meritxell (1974), Andorra. Ricardo Bofill.

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Museo Guggenheim (1991-1997), Bilbao. Frank O. Gehry.

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Banco de Shanghai
(1979-1986),
Hong Kong. Norman Foster.

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Ciudad de las Artes y las Ciencias (1998-2002), Valencia. Santiago Calatrava.

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Pájaro en el espacio (1928),
MoMA (Museum of Moderm Art),
Nueva York. Constantin Brancusi.

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Mujer de pie (1956),
Galería de arte
de la Universidad de Yale,
Estados Unidos. Alberto Giacometti.

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Mujer reclinada con niño, muestra temporal en Florencia. Henry Moore.

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Spiral (1958),
edificio de la UNESCO,
París. Calder.

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Mujer ante el espejo (1936),
IVAM (Instituto
Valenciano de Arte Moderno).
Julio González.

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El profeta (1936),
Hay siete versiones de la obra
ubicadas en distintos museos.
Pablo Gargallo.

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El peine de los vientos (1976), San Sebastián. Eduardo Chillida.

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El grito (1893),
Galería Nacional de Oslo
(Noruega).
Edvard Munch.

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Políptico de la vida
de Cristo (1912),
Fundación Nolde,
Seebüll, Alemania.
Emil Nolde.

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Las señoritas
de Avignon (1907),
Museo de Arte
Moderno de Nueva
York. Pablo Picasso.

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Paisaje de Meudon
(1911), colección particular.
Albert Gleizes.

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Naturaleza muerta con asiento de rejilla (1912),
Museo Picasso, París. Pablo Picasso.

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Las dos hermanas (1902),
Museo del Ermitage,
San Petersburgo.
Pablo Picasso.

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Familia de acróbatas
con mono (1905),
Museo de Arte de Göteborg.
Pablo Picasso.

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Los tres músicos (1921), MoMA, Nueva York. Pablo Picasso.

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Dos mujeres corriendo por la playa (1922), Museo Picasso, París.
Pablo Picasso.

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Guernica (1937), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.
Pablo Picasso.

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La paloma La bombilla
El toro La casa en llamas
La mujer del quinqué

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El caballo herido por una lanza La mujer medio arrodillada
El guerrero muerto y descuartizado

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Las Meninas (1957), Museo Picasso, Barcelona. Pablo Picasso.

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Saint Martorell (1913),
Museo Nacional de Arte
Moderno, Centro Georges
Pompidou, París.
Georges Braque.

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La mesa del músico (1913), Kunstmuseum, Basel, Suiza. Juan Gris.

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La danza (1909), Museo del Ermitage, San Petersburgo. Henri Matisse.

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Fuente (1917).
Marcel Duchamp.

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El jardín del amor
(improvisación
número 27)
(1912), Metropolitan
Museum, Nueva York.
Wassily Kandinsky.

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Cruz negra (1923), Museo Estatal Ruso, San Petersburgo. Kazimir Malevich.

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Composición
en rojo, amarillo
y azul (1921),
Gemeentemuseum,
La Haya. Piet Mondrian.

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La vestimenta
de la esposa (1939),
Colección Peggy Guggenheim,
Venecia. Max Ernst.

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Los amantes (1928), MoMA, Nueva York. René Magritte.

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La persistencia de la memoria (1931), MoMA, Nueva York. Salvador Dalí.

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El carnaval de Arlequín (1925), Galería Albright-Knox, Buffalo. Joan Miró.

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Uno (1950), Museo de Arte Moderno (MoMA), Nueva York. Jackson Pollock.

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Mujer I (1952),
MoMA, Nueva York.
Willen de Kooning.

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Cuatro agujeros, colección particular. Antoni Tàpies.

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Serigrafía. Equipo Crónica.

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Lata de sopa Campbell
(1965). Andy Warhol.

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Bodegón con peces
de colores (1972),
colección particular.
Roy Lichtenstein.

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Cebras (1950), Colección particular, Bélgica. Victor Vasarely.

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Gran Vía (1981),
colección particular.
Antonio López.

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Cinturón triangular (1967), Galería de arte Albright-Knox,
Nueva York. Richard Serra.

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Cómo explicar un cuadro
a una liebre muerta.
Joseph Beuys.

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Madrid (1984). Ouka Leele.

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The American
way of life.
Josep Renau.

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Fotograma de «El viaje de Chihiro» (2001).
Dirigida por Hayao Miyazaki.

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Rascacielos en Dubai

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Historia y Arte
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La Bauhaus
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Dalí
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Cine e Historia del Arte
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“LE CORBUSIER”
“CHILLIDA”
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