Beim 5. Forum für Fragen von Kunst und Öffentlichkeit vom 7.9. – 9.9. 2011 im L’arc Romainmôtier soll es um die Bedeutung, die Implikationen und Wahrheiten des Schönen in der Kultur der Gegenwart gehen. Das L’arc, eine Institution des Migros-Kulturprozent ist ein Ort transdisziplinärer Reflexion, an welchem sich Kulturschaffende und Wissenschaftler verschiedener Disziplinen treffen. Einmal im Jahr veranstalten die Hochschule Luzern Design und Kunst und das L‘arc in Kooperation eine Tagung. Teilnehmende sind Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler sowie Kunst- und Kulturschaffende aus verschiedenen Sparten.

1. Zu schön um
wahr zu sein?
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2. Tagung 7.-9. September 2011 im L'arc Romainmôtier
Thema: «Zu schön um wahr zu sein?»
5. Forum für Fragen von Kunst und Öffentlichkeit
Eine Zusammenarbeit von L'arc Romainmôtier und Hochschule Luzern –
Design & Kunst
Dieser Bericht wurde von Susanne Furrer und Greg Zeder verfasst.
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3. Einleitung
Aus der Einladung wortwörtlich übernommen:
Beim 5. Forum für Fragen von Kunst und Öffentlichkeit vom 7.9. – 9.9. 2011 im L’arc Romainmôtier soll es um die
Bedeutung, die Implikationen und Wahrheiten des Schönen in der Kultur der Gegenwart gehen. Das L’arc, eine
Institution des Migros-Kulturprozent ist ein Ort transdisziplinärer Reflexion, an welchem sich Kulturschaffende und
Wissenschaftler verschiedener Disziplinen treffen. Einmal im Jahr veranstalten die Hochschule Luzern Design und
Kunst und das L‘arc in Kooperation eine Tagung. Teilnehmende sind Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler
sowie Kunst- und Kulturschaffende aus verschiedenen Sparten.
Über Schönheit könne man - wie über Geschmack - streiten. Weil sie einerseits unmittelbar und emotional wirkt,
also subjektiv ist, andrerseits immer Allgemeingültigkeit anstrebt und somit auch objektive Massstäbe/Normen setzt,
ist Schönheit sowohl beschreibbar wie auch unsäglich. Sie ist, so Kant, das «subjektiv Allgemeine». Was die
Gegenwartskunst angeht lässt sich sagen, dass seit Baudelaire und Courbet (kurz: seit der Ästhetik des Hässlichen),
sicher aber seit der Moderne und der Zäsur durch den Begriff der «entarteten Kunst», das Schöne in der Kunst
einem Tabu unterlag. Wahr konnte für die Avantgarde nur das Unschöne sein. Dennoch gibt es in der
zeitgenössischen Kunst in den letzten Jahrzehnten eine Rückkehr zur Schönheit der Oberfläche und ein neues
Interesse an Kitsch, Mode- und Medienbildern; über den Umweg der Popkultur ist die Frage der Schönheit in Bezug
auf den Menschen wie auf der Ebene der Dinge wieder da.
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4. Kommt diese neue glänzende Oberflächigkeit des Schönen nochmals in Konflikt mit Wahrheit? Gibt es das
Bekenntnis zur Schönheit ohne Distanz und Ironie? Zum Beispiel in der Religion? Wo liegen die Grenze zu Kitsch,
Dekor, Mode, Pathos oder auch Leere und Langeweile? Was ist die Aufgabe und Faszination des Schönen heute in
der Kunst, evtl. anders als im Design? Was bedeutet Schönheit im interkulturellen Vergleich? Und interessieren sich
weibliche Künstlerinnen noch immer nicht für männliche Schönheit? Wie kommen das Schöne und das Flache in
der Popmusik zusammen? Hier könnte die Bedeutung der Schönheit in der Kunst auch weiterführen zur aktuellen
gesellschaftlichen Dimension von Schönheit und Schönheitszwang: Kann uns Schönheit noch berühren – nach der
Ausstülpung des Beauty-Star-Systems in das Leben von jedermann/-frau und der steigenden Zahl sogenannter
Schönheitsoperationen? Ist Schönheit so einfach?
(Veronika Selier, 2011)
Im Rahmen dieser Fragestellungen wurde von allen zwölf Teilnehmenden ein Referat aus ihrem Kerngebiet
gehalten. Neben Persönlichkeiten der Wissenschaft waren auch darstellende und bildende Künstlerinnen und
Künstler sowie ein Vertreter der Popkultur anwesend. Die sorgfältig zusammengestellte Gruppe aus Personen
verschiedener Kultursparten und Altersgruppen schenkte einen differenzierten Einblick in die Thematik.
Die Referate sind auf den folgenden Seiten chronologisch in zusammengefasster Form aufgeführt. Die einzelnen
«Summaries» erheben keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Siegeben lediglich die für die Verfasser dieses in
protokoll-ähnlichem Stil geführten Journals wichtigen Punkte wieder.
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5. Inhalt
Winfried Menninghaus: Die Schönheit des nackten Affen und die Entstehung der Künste ................................6
Benno Zehnder: Die Schöne Kunst .......................................................................................................................8
Silvia Henke: Schöne Haare und die (r)evolutionäre Kraft der Schönheit .........................................................12
Marie-Louise Nigg: Beschönigen - Die Natur der Kunst, die Kunst des Kitschigen?........................................13
Meret Ernst: Warum verlangen wir von den Dingen schön zu sein? ..................................................................18
Theres Wäckerlin: Fleiss ist die Wurzel aller Hässlichkeit (Oscar Wilde) .........................................................19
Stijn Ossevoort: In Search For Beauty ................................................................................................................19
Esther Sutter: Rohmaterial – die Schönheit im Blut ...........................................................................................26
Béatrice Jaccard: On Beauty – Jenseits vom Ebenmass .....................................................................................28
Marc Krebs: Pop, Püppchen und Puppen ............................................................................................................32
Alexandra d’Incau: Glitzer und Kitsch – Das Glücksrad....................................................................................35
Johannes Binotto: Schönheit und/als Exzess ......................................................................................................36
Schlusswort .........................................................................................................................................................42
Kurzbiografien der Teilnehmenden ....................................................................................................................43
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6. Winfried Menninghaus:
Die Schönheit des nackten Affen und
die Entstehung der Künste
Winfried Menninghaus zeigt in seinem Vortrag auf, warum die nackte Haut des Menschen als erste Leinwand zu
betrachten ist. Dabei bedient er sich der Theorie Darwins, wonach Lebewesen durch Selektion spezifische
Merkmale bis ins Extreme ausbilden um sexuell attraktiv zu sein (Ornamentierung – maximal stimulierendes
Merkmal). Die beinah totale Nacktheit des Menschen entspricht dadurch einer komplett sexualisierten Oberfläche
des menschlichen Körpers.
Diese These untermauert Winfried Menninghaus durch ein experimentell erzieltes Resultat: Probanden empfinden
jene Körper als sexuell attraktiver, je weniger behaart sie sind. Die weithin anerkannte Theorie, wonach die
Nacktheit des Körpers einer rein hygienischen Grundlage entspringt, entkräftet Winfried Menninghaus durch
Zitierung eines weiteren Experiments. Es zeigt auf, dass Menschen behaarte Tiere grundsätzlich als sauberer
empfinden als nackte. Ja sogar, dass je ähnlicher die Haarlosigkeit der Nacktheit des Menschen ist, der Mensch
sogar Ekel- oder Horrorgefühle entwickelt.
Gemäss Winfried Menninghaus ist Ornamentierung grundsätzlich mit Aufwand oder gar Gefahr verbunden: Der
Pfau ist beispielsweise dadurch gefährdet, weil er mit seinen übergrossen Federn nicht fliegen, respektive fliehen
kann. Der Mensch wiederum erfriert im Winter ohne Fell oder verbrennt sich die Haut an der Sonne. Die Evolution
hat dieses Phänomen also so weit getrieben, dass der Mensch gezwungen ist, sich mit Kleidung auszustaffieren um
zu überleben. Und mit der Kleidung kommt die Kultur ins Spiel.
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7. Winfried Menninghaus unterscheidet zwischen einer «Baseline-Ornamentierung», die Nacktheit des Menschen
beschreibt und einer «sekundären Ornamentierung». Letztere beschreibt die darauf folgende schützende und
schmückende Ausstaffierung wie beispielsweise Körperbemalung, Kleidung, Schmuck oder Piercings. Im
Gegensatz zur «Baseline-Ornamentierung» kann sie sich einer Mode unterwerfen und erhält damit eine kulturelle
Bedeutung: Die Farbe der Leinwand.
Beginnend mit dem Symbol eines nackten Pavianhinterns schafft es Winfried Menninghaus in eindrücklicher Weise
eine Reise durch die Evolution zu führen, die am Ende mit der nackten Haut als künstlerisch-kulturelle Leinwand
endet. Sukzessive enthaart er, sowohl in Bildern als auch symbolisch, den Menschen und bringt dabei den tierischen
Urmenschen Schritt für Schritt in die Gegenwart, wo seine Ornamentierung in der Modewelt seinen Widerhall
findet.
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Additional Informationen
Link: Freie Universität Berlin
http://www.fu-berlin.de/
Buch: «Das Versprechen der Schönheit» (2007) von Winfried Menninghaus
ISBN-10: 3-518-29416-4
EAN: 9783518294161
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8. Benno Zehnder: Die Schöne Kunst
Im Anschluss an die Evolutions-Theorie der Schönheit zeigt Benno Zehnder eine autobiografische Präsentation in
audio-visueller Form. Anlässlich seiner vor 50 Jahren erstellten ersten Zeichnung projiziert er eine Auswahl von
mehr als 300 Bildern, welche in einem 6-Sekunden-Intervall aufeinander folgten. Parallel dazu erzählt er seine
Geschichte, welche über die wichtigsten Stationen seiner persönlichen und künstlerischen Entwicklung Aufschluss
gibt
Biographie: Benno Zehnder erinnert sich an die Kindheit, als ihn ein Zeitungsbild fasziniert und zugleich verändert
hat («Mussolini am Strang»). Die Wirkung von Bildern und sein Interesse an Kunst führten ihn schliesslich an die
Kunstgewerbeschule Luzern. Dort lernte er das Handwerk des Zeichnens. Erst ein London-Aufenthalt führte ihn zur
Malerei. Beeindruckt zeigte er sich damals von der Englischen Gesellschaft, welche sich radikal von der Schweizer
Mentalität unterschied. Dies machte sich auch in der Kunst bemerkbar, die Benno Zehnder viel experimenteller und
bunter wahrnahm als diejenige aus der Heimat. Letztendlich führte ihn sein Lebensweg aber nicht in eine rein
künstlerische Tätigkeit sondern zu seiner Hauptaufgabe als Direktor der Schule für Gestaltung in Luzern, wobei er
der Kunst nebenberuflich immer verbunden blieb. Heute entwirft Benno Zehnder u.a. Farbkonzepte in und auf
Gebäuden.
Bilder: Die gezeigte Bildersammlung umfasste sowohl Zeichnungen, surreale Skizzen wie auch expressionistische
Bilder mit zum Teil zufälligen Motiven. Die Fotografien von bemalten Fassaden und Gebäudewänden runden das
Lebenswerk ab. Mehr als 300 Eindrücke in rund 30 Minuten – eine imposante Vorstellung.
Es ist beeindruckend, wie Benno Zehnder mit der Schönheit der Farben das Befinden der Menschen beeinflussen
kann, sei dies durch die Wirkung einer bemalten Fassade oder durch eine Komposition aus Strichen, Farben und
Formen auf der Leinwand.
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12. Silvia Henke: Schöne Haare und die (r)evolutionäre
Kraft der Schönheit
Silvia Henke setzt in einem ersten Schritt die Thematik der Schönheit mit der platonischen «Trias» in Szene:
Kalokagathia – das Wahre, das Gute, das Schöne. In einem zweiten Schritt führt sie aus, wie diese im Laufe der Zeit
sukzessive demontiert wird.
Gemäss Nietzsche wird das Schöne, das Gute und das Wahre durch die Moderne zerstört. Für Darwin dient die
Schönheit nur der Erhaltung der Rasse durch «Sexual Selection». Freud vermochte nichts wirklich substantielles
über Schönheit zu sagen, ausser dass wir sie empfinden. Die Schönheit verkommt im Laufe der Zeit sogar zur
Geissel der Menschheit – sie unterwirft sich dem Zweifel und treibt uns bis zur Schönheitschirurgie. Während in der
Vergangenheit die Schönheit gefeiert wurde, muss sie heute hinterfragt werden.
Eine geschichtliche Komponente bringt Silvia Henke mit der Schöpfungsgeschichte ins Spiel. Eva erliegt der
Verlockung durch den Apfel - nicht der offensichtlich sexuellen Männlichkeit Adams. Sie erliegt dessen Glanz und
erkennt so die dahinter verborgene Schönheit resp. die Erkenntnis.
Silvia Henke greift sodann mit der mittelalterlichen Schönheitstheorie «Claritas» (Klarheit, Glanz) das Thema des
Glanzes noch einmal auf und stellt damit einen Bezug zur Schöpfungsgeschichte her: Proportion, Symmetrie,
Klarheit.
Mit der evolutionären Entwicklung führt Silvia Henke die Zuhörer mit der These der «revolutionären Konsequenz»
letztendlich in die Zukunft. Anhand eines Filmausschnitts von Jean-Luc Godards «The Old Place» (2000) zeigt sie,
wie der Wunsch nach Sauberkeit (bzw. Glanz) schliesslich zur inneren und äusseren Befreiung führt: Der simple
Akt, sich die Haare zu waschen (ein Symbol der Selbstliebe), führt zur Revolution. Die Sauberkeit steht hier für die
Absenz des Chaos. Sauberkeit als Zeichen für eine positive und zukunftsgerichtete Lebenseinstellung. Silvia Henke
sieht hierin die Entwicklung von der Evolution zur Revolution.
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13. Marie-Louise Nigg: Beschönigen - Die Natur der Kunst,
die Kunst des Kitschigen?
Marie-Louise Nigg widmet sich in Ihrem Vortrag der Reibung zwischen den Definitionen «kitschig» und «schön».
Sie stellt dabei das natürliche Phänomen des Sonnuntergangs als Motiv in Szene, indem sie dieses in zwei Werken
aufgreift.
Ein vorgängiger Exkurs in die Vergangenheit zeigt auf, dass sich das Bild des Schönen im Laufe der Zeit stark
geändert hat. So stellte man sich im 18. Jahrhundert die Antike farblos vor, wobei die Kunst der Moderne
grundsätzlich in Kitschverdacht geraten kann. Hier führt sie an, dass Kitsch nicht unbedingt gleich zur Antikunst
entarten muss, sondern dass wir uns heute in der Welt von schöner oder kitschiger resp. kitschig-schöner Kunst
bewegen. Kunst darf heute wieder schön sein, die klassische Abgrenzung in der Moderne wird dadurch
aufgebrochen. Dies zeigt sie an der Videoeinspielung «Art must be beautiful» von Marina Abramović (→ Seite 15).
Eine kritische Auseinandersetzung zum Thema «Schönheit» in der Kunst.
Der heute schmale Grat zwischen den beiden sich reibenden Definitionen birgt die Gefahr, dass das einzelne
Kunstwerk missverstanden wird und das abwertende Prädikat «Kitsch» erhält. Anhand zweier Kunstwerke zeigt
Marie-Louise Nigg diese Abgrenzungsthematik auf:
Das Fräulein stand am Meere
Und seufzte lang und bang,
Es rührte sie so sehre
Der Sonnenuntergang.
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14. Heinrich Heine (1797 – 1856) könnte diese Szenerie zum mythischen Gefühlserlebnis hoch stilisieren und sie zu
Kitsch erstarren lassen. Stattdessen bricht er die Stimmung in dem er sich über sentimental-romantische
Naturergriffenheit lustig macht:
Mein Fräulein! Sein Sie munter,
Das ist ein altes Stück;
Hier vorne geht sie unter
Und kehrt von hinten zurück.
Dieser Hinweis auf die Reproduzierbarkeit des Vorgangs (Sonnenuntergang) entzaubert die Szene. Das
manipulative Element entfällt. Kitsch ist demnach effektgerichtet, manipulativ und verschleiert.
Olafur Eliassons Werk «The Weather Project» (→ Seite 16-17) integriert den Mechanismus hinter seiner Sonne
bewusst in das Werk und macht den Autor sowie die Reproduzierbarkeit der Szenerie offensichtlich. Die Sonne ist
zweigeteilt und gespiegelt, erzeugt keine Hitze, erscheint in einem offensichtlich künstlichen Raum und geht weder
auf noch unter. Die kitschigen Elemente sind auch hier vorzufinden. So verführt die Installation zur Distanzlosigkeit
des Publikums, wird durch seine Popularität schon beinah zum Massenkult – sie wird vermarket.
Beide Werke bedienen sich also sowohl der kitschigen Elemente, die stark auf einen Effekt abzielen als auch einer
entzaubernden Perspektive. Beide entkommen dem Kitsch-Status durch die gleichzeitige Aufdeckung der
dahinterstehenden Mechanik. Echter Kitsch kann diese Metaebene nicht aufweisen.
Die dem Vortrag nachfolgende Diskussion wirft die Frage auf, ob der Effekt wirklich als elementares Element des
Kitsches gesehen werden kann. Künstlerische Werke zielen seit jeher auf Effekt bzw. Emotion ab. So lockt man
beispielsweise Publikum in die Oper, indem man seine Erwartung an Spannung und Gefühle erfüllt.
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18. Meret Ernst: Warum verlangen wir von den Dingen
schön zu sein?
Einführende Information zur Präsentation:
Design: Bedeutet meistens Entwurf oder Formgebung. Es ist ein Lehnwort aus dem Englischen, das wiederum aus
dem lateinischen designare = (be)zeichnen abgeleitet ist und in viele Sprachen Eingang gefunden hat.
Kunst: Im engeren Sinne werden damit Ergebnisse gezielter menschlicher Tätigkeit benannt, die nicht eindeutig
durch Funktionen festgelegt sind. Kunst ist ein menschliches Kulturprodukt, das Ergebnis eines kreativen Prozesses.
Meret Ernst spricht davon, dass wir täglich von Dingen umgeben sind, dessen Schönheit wir entweder übersehen
oder einfach nicht beachten. Denn grundsätzlich soll ein Gegenstand eine Funktion haben. Erst mit der
Industrialisierung («Rationalisierung») und der damit einhergehenden maschinellen Produktion von Dingen oder
Gegenständen wurde dem ästhetischen Aspekt mehr Gewicht beigemessen. Sowohl die Form als auch die Funktion
wurden fortan bewusst gewählt. Es entstand ein Designerobjekt.
Seither herrscht ein reger Disput zwischen den Schwesterndisziplinen Kunst und Design: Ist Design ein rein
marketingtechnisches Hilfsmittel, das den Umsatz beim Verkauf von Objekten fördern soll? Muss überhaupt davon
ausgegangen werden, dass man das Schöne an Dingen voraussetzt? Was passiert, wenn (Produkte-)Designer die
Ästhetik in den Vordergrund stellen und die Funktion vernachlässigen? Entsteht dann Kunst? Ganz und gar nicht:
Meret Ernst führt aus, dass diese Design-Richtung uns zu Critical Design führt. In dieser Sparte ist bei der
Gestaltung eines Gegenstandes der Designer der Autor.
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19. Theres Wäckerlin: Fleiss ist die Wurzel aller
Hässlichkeit (Oscar Wilde)
Theres Wäckerlin interpretiert anhand ihrer Werke unter den Stichworten «Raum», «Material», «Sprache»,
«Einfachheit» und «Reduziertheit», «Tabu» und «Fleiss» die Aussage von Oscar Wilde.
Alltägliche und schmucklose Räume werden durch Ergänzung profaner Alltagselemente zu lichten, ästhetischen und
irisierenden Räumen. Aus Mehl gestaltete grosse, kubische Elemente laden zum Ausruhen ein (Foto links). Das
Werk ist hier eine kunstvoll gestaltete Oberfläche, die in der Tiefe nicht hält, was sie äusserlich darstellt. Theres
Wäckerlin zeigt auf, dass die Oberfläche den Eingang zu den tiefer liegenden Schichten darstellt. Die Oberfläche
birgt das Risiko, missverstanden zu werden.
Die Definition von der «Schönheit in der Kunst» stellen Theres Wäckerlin und Agatha Zobrist, als Künstlerinnen-
Team, auf eine persönliche Stufe und erhalten so eine erweiterte Begrifflichkeit: Für sie ist «schön» was
«harmonisch», «ausgewogen», «spannungsvoll», «rauh» oder sogar «hässlich» ist. Das «Schöne» zeigt hier das
«Gelungene». Schönheit liegt also im Sinne des Betrachters bzw. des Sprechenden. Schönheit ist dem Trend und der
Mode unterworfen, was die stetige Anpassung des Begriffes bedingt.
«Fleiss ist die Wurzel aller Hässlichkeit», sagte einst Oscar Wilde. Theres Wäckerlin greift diese Aussage auf,
wobei sie sich hier gleichzeitig widerspricht und bestätigt. Zeugen ihre Werke doch oft von grossem Fleiss, sind
trotzdem schön und nicht ganz frei von Spannung, von rauen und sogar hässlichen Elementen.
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Additional Informationen
Link: http://www.zobristwaeckerlin.ch
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22. Stijn Ossevoort: In Search For Beauty
Der holländische Designer Stijn Ossevoort stellt anlässlich der Tagung eine Auswahl seiner Projekte aus den letzten
10 Jahren vor. Seiner Meinung nach entsteht Schönheit aus der Wechselwirkung eines Objektes im Spannungsfeld
von Zeit, Gegensätzen (Kontrast) und der daraus resultierenden Erkenntnis. Als Beispiel dafür zeigt er uns einige
Bilder aus seiner Heimatstadt: Die Stadt Eindhoven hat in den Fünfzigerjahren zur Errichtung eines Bürokomplexes
kurzerhand eine Kirche abgerissen. Dieses Beispiel zeigt eindrücklich die Komponente «Zeit» im Zusammenhang
mit Schönheit («Beauty») auf. An dieser Stelle werden drei der Arbeiten von Ossevoort genauer erläutert:
Message in the Bottle (2000)
Bei «Message in the Bottle» handelt es sich um einen Anrufbeantworter, der die Sprachnachrichten nicht auf einem
Magnetband konserviert, sondern in kleinen Flaschen. Diese Fläschchen kann der Empfänger der Nachricht
herausnehmen, ins Regal stellen und anhören, wenn er Lust dazu hat. Diese Arbeit zeigt, dass ein Anrufbeantworter
nicht nur eine schwarze Box mit Knöpfen sein muss, oder gar nur Speicherplatz auf einem Server einer beliebigen
Telefon-Gesellschaft. Auch ein Anrufbeantworter kann ein schönes Objekt sein (→ Seite 24).
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23. Compass Coat (2002)
Ausgehend von der Geschichte eines jungen Mannes, der sich davor fürchtete, sich allein in einem dunklen Wald zu
verirren, entwickelte Ossevoort den Kompass-Mantel. Auf dem Mantel brachte er LED’s in Blumen resp.
Pflanzenform an. Die LED’s verknüpfte er mit einer eigens entwickelten, intelligenten Steuerung, die erkennt, in
welchem Winkel zum Nordpol die Person steht. Die Steuerung schaltet nur diejenigen LED’s ein, welche in
Richtung Nordpol zeigen. Mit diesem Mantel würde der zu Beginn erwähnte junge Mann den Weg aus dem Wald
finden (→ Seite 25).
Archaeology of the Future (2004)
Bei diesem Projekt handelt es sich um ein Buch, das keine Worte enthält. Erst wenn man dem Buch eine Frage stellt,
leuchtet auf dem Umschlag ein Wort auf. Ossevoort produzierte also ein Buch, das nicht die Vergangenheit
konserviert, sondern die Zukunft voraus sagt. Schlussendlich bleibt hier noch zu erwähnen, dass Ossevoort nicht
lediglich das Endprodukt als solches für «schön» empfindet. Auch die Entwicklung der Schaltpläne und die
Ausarbeitung der Ideen ausgehend von einer Geschichte empfindet er als «schön».
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26. Esther Sutter: Rohmaterial –
die Schönheit im Blut
Esther Sutter zeigt uns, wie der klassische (Spitzen-)Tanz den Rahmen des klassischen Balletts vorgibt. Als
Testimonials dafür nennt Esther Sutter zwei Namen: Marie Taglioni, deren Namen mit den Ursprüngen des
Spitzentanzes in Verbindung gebracht wird. Sie vermochte das Elfenhafte, Schwerelose und Nicht-Greifbare
einzigartig umzusetzen. Véronique Doisneau als Vertreterin der jüngsten Generation des klassischen Tanzes. Ein
eindrücklicher Filmausschnitt aus der Opéra de Paris zeigt –Véronique Doisneau als Frau, deren Persönlichkeit
gleichwertig mit dem Tanz ist (→ Seite 28). So nimmt der Raum, in dem sie über persönliche Dinge spricht
ebensoviel Platz ein wie ihre tänzerische Darbietung. Ohne Musik, schmucklos – reduziert auf ihren Körper, ihren
Ausdruck und ihre Persönlichkeit. Sogar die Musik singt sie selbst.
Innerhalb dieses Kreises des klassischen Tanzes entstand ab den 60er-Jahren eine neue Tanz-Bewegung mit dem
«Modern Dance». Genannt wird hier von Esther Sutter die Merce Cunningham Dance Company sowie die
Choreografin Martha Graham als erste «Begründerin». Sie verweist hier auch ausdrücklich auf die «Release
Technik» im Tanz. Aus dem «Modern Dance» geht der «Post Modern Dance» mit der «Judson Dance Bewegung»
in den 60er- und 70er-Jahren hervor. Pina Bausch mit dem Deutschen Tanztheater und Xavier Le Roy, dem
Choreographen der als Molekularbiologe aus der Wissenschaftswelt Einflüsse in seinen Tanz mitbrachte, werden
ebenfalls erwähnt.
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27. Pina Bausch umschrieb die Anforderungen des modernen Tanzes treffend mit den Worten: «Mich interessiert nicht,
wie sie sich bewegen. Mich interessiert, was sie bewegt.» Eine Tanztechnik, die innen wie auch aussen auf
Improvisation beruht. Aussen mittels einer «cleanen» Choreographie – also der Verzicht auf alles Ausschmückende,
Übertriebene und Überflüssige. Von Innen durch die Umsetzung der Gefühle im Ausdruck der Bewegung. Die
Tänzer werden zu Choreographen und bestimmen die Bewegung – nicht umgekehrt.
Die «Release Technik» als «eine Verschmelzung der Inhalte mit der Ästhetik»: Der Tänzer und Tänzerinnen sind
keine vorbereiteten sondern ein bereite, situative Körper, die sich an keine starre Choreographie halten und deren
Mitgestalter sie sind. Esther Sutter zeigt dies am Beispiel von Xavier Le Roy. Trotz der grossen Konzentration des
Tänzers und Eingeschränktheit der Choreographie ist keine Vorstellung gleich wie die vorhergehende. Das Gefühl
des Tänzers gestaltet den Tanz.
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30. Béatrice Jaccard: On Beauty –
Jenseits vom Ebenmass
Auf die Eingangsfrage was Schönheit sei, antwortet Béatrice Jaccard: «Ein ‹schöner› Ballettänzer, resp. eine
‹schöne› Ballettänzerin kann die Ballettlinie perfekt ausführen. Es braucht einen bestimmten Körperbau,
beispielweise die richtige Hüftrotation, lange Beine und dehnbare Bänder.» Schönheit ist keiner äusseren Ästhetik
unterworfen. Schönheit kann inszeniert und zerstört werden – eine manipulierbare Empfindung. Béatrice Jaccard
zeigt dies am Beispiel dreier Filmausschnitte der Compagnie Drift (→ Seite 31):
Werk 1: «On Beauty», ein Stück von Tänzern, mit und ohne Behinderung zeigt, dass gezielt inszenierte Schönheit
eingesetzt werden kann, um einer Szenerie «Gewicht, Wichtigkeit, Status und Würde» zu verleihen. Der Tanz der
attraktiven Tänzerin im Rollstuhl wirkt sinnlich, gefühl- und liebevoll, wunderschön und zerbrechlich. Die
vermeintlich schwache Frau wird im Laufe des Stückes ihren Partner umbringen. Diese gegensätzlichen Elemente
(Gebrechlichkeit und Aggression, Schönheit und Behinderung) wirken dabei bestürzend.
Werk 2: «Au bleu Cochon» demonstriert, dass eine alltägliche Handlung mittels choreographischen Mitteln so weit
überhöht werden kann, dass sie in einer «absurden Ästhetik» endet.
Werk 3: «Machines à sons» zeigt, wie durch das Herausnehmen von Spannung Kitsch entstehen kann.
Spannung, Choreographie und Attraktivität sind hier also nur drei von unzähligen Stilmitteln, um Schönheit zu
inszenieren. Gibt es also objektive und klar bestimmbare Schönheit oder ist sie eine Frage des Vorurteils, der
Inszenierung bzw. der Anforderung? Béatrice Jaccard zeigt im Gespräch auf, dass es möglich ist, die klassisch
bestimmten Schönheitselemente aufzubrechen und wie sie dadurch persönlich zu einer neuen, eigenen «Schönheit»
fand.
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32. Marc Krebs: Pop, Püppchen und Puppen
Pop: Der Basler Musikjournalist Marc Krebs zeigt uns eine «multimediale Chaos-Präsentation» quer durch die
Popgeschichte der letzten drei Dekaden, eine Hommage an Musikvideos – von MTV bis YouTube. Den Fokus legt
er dabei auf die Popmusik, da dieser Stil seit jeher als Transportmittel von Botschaften und Emotionen dient.
Krebs zeigt mit einer Auswahl von Musikvideos den Wandel der Mode und der Musik auf. Erzeugten die Bands der
Achtziger-Jahre ein «Wir-Gefühl» (Bsp. «We Are The World»), so singen Britney Spears, Christina Aguilera und
Co. Jahre später über sich und ihre Probleme, Wünsche, Gefühle (Bsp. «Oops! I did it again»). Auch interessant:
Waren in den Achtziger-Jahren hauptsächlich männliche Bands in den Charts, so sind es heute vor allem weibliche
Solo-Künstlerinnen. Dies mag auch damit zusammenhängen, dass sich das Pop-Business durch die Digitalisierung
individualisiert hat – von MTV zu YouTube eben.
Püppchen: Der Glanz, die Schönheit, der Kitsch des Pops haben auch eine Schattenseite: Unzählige Beispiele
zeigen, dass Fans ihren Stars den Rücken zudrehen, sobald sie ihren Glanz verlieren – sei dies durch Drogen- oder
Tablettensucht oder den Zerfall der (jugendlichen) Schönheit. Das Gegenteil bewies Susan Boyle. Die schottische
Sängerin wurde in einer Talentshow entdeckt. Die rührende Geschichte machte sie vom «hässlichen Entlein» zum
Popstar – allerdings nicht sehr lange.
Die Ästhetik der Popvideos ist über die Jahre soweit gegangen, dass Frauen («Püppchen») nur noch zu Accessoires
degradiert wurden. Interessant ist dabei aber auch, dass andere Künstlerinnen wie z.B. Pink oder Steffe La Cheffe
genau diese Thematik in ihren Songs aufgreifen und dadurch nicht nur erfolgreich, sondern auch ernst genommen
werden. In dieselbe Kerbe schlägt Stefanie Germanotta a.k.a. Lady Gaga, welche laut Krebs mit ihrem an David
Bowie angelehnten androgynen Stil eine Ausnahmeerscheinung im aktuellen Popgeschehen darstellt.
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33. Puppen: Zum Ende der Präsentation leitet Krebs das Thema zu den Puppen über: Als Beispiel nennt er hier die
Gruppe Kraftwerk, welche entweder ohne Gesichtsmimik auf der Bühne stehen oder sogar Roboter statt sich selbst
auf die Bühne stellen. Der grösste Hit von Kraftwerk hiess übrigens «Das Modell». Der Song, bei dem es um ein
Supermodel geht, bildet gleichzeitig den Schluss des Referats. Die anschliessende Fragerunde mündet schliesslich in
der Präsentation von weiteren, originellen Music-Clips.
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Additional Informationen
Quote: Pop music is about «fuck me» – Rock music is about «fuck you»!
(Chrissie Hynde, The Pretenders)
Links:
Video: OK Go – White Knuckles
http://www.youtube.com/watch?v=nHlJODYBLKs
Video: Air – Harder, Better, Faster, Stronger (Finger Style)
http://www.myspace.com/video/arienne-hj-rdis/daft-punk-finger-stylee/11834875
Video: Aha – Take On Me (Offical Video)
http://www.youtube.com/watch?v=djV11Xbc914
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35. Alexandra d’Incau: Glitzer und Kitsch –
Das Glücksrad
Alexandra D’Incau stellt das Thema «die Kluft zwischen der zauberhaften Schönheit von Erinnerungen und
profaner Realität» ins Zentrum. Sie lässt dafür in ihrem vorgestellten Werk die Show Glücksrad als Symbol für die
idealisierte Schönheit an eine pseudo-perfekte Kindheit wieder aufleben.
Im Laufe des Prozesses – angefangen bei der Idee, über die Erstellung der Elemente, der Ausstellung bis hin zur
Zerstörung des Werkes und sogar darüber hinaus – gelangt sie zur folgenden Erkenntnis: Der Versuch, das
Glamouröse in der kindlichen Erinnerung in die Realität der Erwachsenen zu retten muss zwangsläufig scheitern.
Das Werk aus dem «ewigen Material» Styropor wirkt in dieser auf Realismus reduzierten Welt verloren: «Es kann
keine Verzauberung in einem entzauberten Raum stattfinden.»
Erst die ungewollte Zerstörung des Werkes bringt am Ende doch noch unerwartete Schönheit an den Tag. D’Incau
erkennt, dass die Kraft des Werkes in der Auseinandersetzung oder gar der Aufarbeitung des eigentlich emotionalen
Inhalts der Thematik besteht: Durch das Erwachsenwerden und dem damit verbundenen Verlust
der kindlich-idealisierten Glitzerwelt beim Eintritt in die Realität. Indem ihr Werk demontiert wurde, greift der
Trümmerhaufen diesen Zusammenbruch wieder auf. «Kunst muss wahr sein, bevor sie schön ist.»
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38. Johannes Binotto: Schönheit
und/als Exzess
In der letzten Präsentation dieser Tagung erläutert uns der Autor und Filmkritiker Johannes Binotto die Schönheit
des Films aus seiner Perspektive – respektive aus der Sicht von Busby Berkeley. Die Präsentation trägt denn auch
den Untertitel «Busby Berkeley und das schrecklich Schöne im Filmmusical». Um den Ausdruck und die Schönheit
des Films richtig einordnen zu können, weist uns Binotto auf das Paradox der in Bildern «eingefangenen» Schönheit
hin: Ein Bild (Foto) sei leidglich eine Momentaufnahme, und auf diesem sei auch immer der Tod eingeschlossen,
und zwar weil das festgehaltene Objekt ja lediglich zum Zeitpunkt der Herstellung real ist. Ein Film sei demnach ein
Zustand «zwischen Leben und Tod».
Deutlich wird diese These, als Binotto Filmausschnitte aus der Zeit des klassischen Hollywoods (Dreissiger- bis
Fünfziger-Jahre) zeigt. Neu war damals auch, dass mit der Kamera Perspektiven festgehalten wurden, welche das
Publikum im Vergleich zu Theater oder Musical zuvor nie zu Gesicht bekam. Als Beispiel zeigt Binotto Ausschnitte
aus «Footlight Parade» (1933), «Dames» (1934) oder «Gold Diggers of 1935» (1935) von Busby Berkeley. Die
Kamera war nun die Solistin. Die Film-Szenen uferten oft in fast schon militärisch choreografierten Tanzszenen aus.
Diese übertrieben schönen Bilder passten zur damaligen Zeit (Depression): Die Filme verzauberten das damals
«arme Volk».
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39. In seinem berühmten Werk «The Analysis of Beauty» von 1735 behauptete der englische Philosoph und Künstler
William Hogarth, geschwungene Formen seien besonders geeignet, um den Effekt des Schönen zu erzeugen. Die
geschwungene Linie (siehe Deckblatt des erwähnten Buches) war mithin die Schönheit in ihrer reinsten Form. Es
scheint als ob Berkeley genau diesen Gedanken verfolgte und zugleich dessen absolute Monstrosität zeigte. In
seinen Aufnahmen aus der Vogelperspektive vermengen sich die einzelnen Leiber der Showgirls tatsächlich zu einer
Schlangenlinie. Doch machen diese Ansichten zugleich klar: im exzessiven Streben nach Idealität kippt das Schöne
unversehens in sein unheimliches Gegenteil, ins Abstossende und Beängstigende.
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Additional Informationen
Film: Footlight Parade (USA, 1933, Warner Brothers, Regie: Lloyd Bacon + Busby Berkeley)
http://www.youtube.com/watch?v=6I3yAeyDsVQ
Film: Dames (USA, 1934, Warner Brothers, Regie: Ray Enright + Busby Berkeley)
http://www.youtube.com/watch?v=OA52-IbB98o
Film: Gold Diggers of 1935 (USA, 1935, Warner Brothers, Regie: Busby Berkeley)
http://www.youtube.com/watch?v=1gGVryQDvv4
Buch: The Analysis of Beauty (William Hogarth, 1753)
http://archiv.ub.uni-heidelberg.de/artdok/volltexte/2010/1217/pdf/Davis_Fontes52.pdf
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40. 40

41. 41

42. Schlusswort
Zu schön um wahr zu sein? Eine Frage, eine These? Der Begriff «Schönheit» wurde sowohl aus dem Blickwinkel
der Wissenschaft aber auch der Perspektive der bildenden und darstellenden Kunst betrachtet. Schönheit im
Vergleich, oder als Gegensatz. Schönheit geht mit Faszination und Bewunderung einher, kann aber auch rasch in
Kitsch umkippen, sie ist dem evolutionären Wandel unterworfen, kann als Symbol für Revolution dienen und zum
Zwang werden. Schönheit ist relativ, sowohl für den individuellen Betrachter im einen einzigen Moment, aber auch
für die Gesellschaft Jahrhunderte vor oder nach diesem Moment. Schönheit ist ein abstrakter Begriff, der stark mit
allen Aspekten menschlichen Daseins verbunden ist.
Im Verlauf der Tagung wurden kaum Antworten zur Frage der Schönheit gegeben – dafür viele neue Fragen
aufgeworfen. Das vielfältige Thema und der geschichtsträchtige Ort haben dafür gesorgt, dass alle Teilnehmenden,
durch unzählige interessante Gedanken für neue Arbeiten und Projekte inspiriert wurden.
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43. Kurzbiografien der Teilnehmenden
Johannes Binotto, Dr. des., ist wissenschaftlicher Assistent am Englischen Seminar der Universiät Zürich und
freier Autor. Er schreibt regelmässig für die Neue Zürcher Zeitung und die Zeitschrift «Filmbulletin» und lehrt
kontinuierlich zu «Film & Psychoanalyse» am Zürcher Lacan-Seminar oder der Psychiatrischen Universitätsklinik
Zürich (Burghölzli). Zu den jüngsten Publikationen zählen ein Buchbeitrag zum Mafioso als Hysteriker, sowie
verschiedene Aufsätze zu den Schnittstellen von Psychoanalyse, Architekturtheorie, Literatur und Film. Johannes
Binotto hat mit einer Studie zum Freudschen Unheimlichen und dessen Räumlichkeit in Kunst, Literatur und Film
dissertiert.
Meret Ernst, Dr. phil., wurde 1966 geboren. Nach dem Studium der Kunstgeschichte, Filmwissenschaft und
Publizistik an der Universität Zürich arbeitete sie als wissenschaftliche Mitarbeiterin und Ausstellungskuratorin am
Museum für Gestaltung Zürich. 1999 bis 2002 folgte Konzeption und Umsetzung der Ausstellung «Strangers in
Paradise» für die Migros an der Expo.02 in Biel zusammen mit Christoph Stratenwerth, Projektleiter, und Michel
Schaltenbrand, Szenografie. Seit 1996 schreibt Meret Ernst über Design, visuelle Kommunikation, Kino, Kunst und
übernahm Lehraufträge am Seminar für Filmwissenschaft der Uni Zürich, an der HGK Zürich, der Schule für
Gestaltung Bern und Biel und seit 2003 an Fachhochschulen (ZHdK, FHNW, HSLU). Seit 2003 leitet sie die
Redaktion für Kultur und Design bei der Zeitschrift Hochparterre. Sie ist seit 2005 Vorstandsmitglied der Swiss
Design Association SDA, seit 2007 Stiftungsrätin Stapferhaus Lenzburg. Meret Ernst ist als Design-Expertin in
zahlreichen Jurys vertreten.
Alexandra d’Incau: geboren 1980 in Winterthur. Ich lebe und arbeite seit 12 Jahren in Zürich. Nach meinem
Fotografie-Studium an der Zadek 2006 arbeitete ich während zweier Jahre als Projektleitern in einer Multimedia-
Agentur. 2011 Abschluss des Master of Art in fine arts, Schwerpunkt art teaching, an der Hochschule Luzern. Seit
September 2011 Assistentin desselben Studienganges. In meiner künstlerischen Arbeit bewege ich mich zwischen
digitaler high end und rudimentärer do it yourself Optik. im Moment beschäftige ich mich mit der Kluft zwischen
der zauberhaften Schönheit von Erinnerungen / Vorstellungen und profaner Realität.
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44. Susanne Furrer, geboren und aufgewachsen in Zürich, arbeitet an der Universität Luzern im Bereich
Öffentlichkeitsarbeit. Als Studentin für Kulturmanagement MAS an der Fachhochschule Design & Kunst in Luzern
ist sie Teilnehmerin am Symposium für das Protokoll.
Béatrice Jaccard: Choreographin/Tänzerin; künstl. Ko-Leiterin der Cie Drift. Drift hat bis jetzt 34 Bühnenstücke,
Performances und Installationen herausgebracht und in 31 Ländern gezeigt. Choreographie und Opernregieaufträge
an Stadttheatern Freiburg/Heidelberg, Detmold, Luzerner Theater. Werkstattbeitrag (1990) und Ehrengabe (2002)
der Stadt Zürich sowie Schweizer Choreographiepreis (2007).
Marc Krebs (*1974) studierte einige Semester Französisch und Geschichte an der Uni Basel, ehe er 1996 in den
Musikjournalismus einstieg. Zunächst als Freelancer für Printmedien (u.a. «Tages-Anzeiger», «Du», «Die Zeit»),
dann als Chefredaktor des Schweizer Musikmagazins «Music Scene» und TV-Moderator/Redaktor der
Jugendkultursendung «Kompressor». In den letzten sieben Jahren arbeitete er als Kulturredaktor bei der «Basler
Zeitung». 2009 erschien sein erstes Buch, «POP Basel – Musik und Subkultur» (Christoph Merian Verlag).
Wilfried Menninghaus (* 1952) dessen akademische Karriere einst mit einer Immatrikulation in Informatik
startete, forscht heute am Peter Szondi-Institut für Allgemeine und Vergleichende Literaturwissenschaft der FU
Berlin. Zahlreiche Gastprofessuren u.a. in Yale, Berkeley und Princeton haben ihm das amerikanische College-
System nahe gebracht. Darin fällen die Studenten noch keine abschließende Studienentscheidung, sondern besuchen
Seminare sowohl in den «Humanities» als auch in den «Sciences». Interdisziplinäre Forschung betreibt
Menninghaus an vorderster Front. Er ist Sprecher des Exzellenzclusters «Languages of Emotion» an der Freien
Universität Berlin, wo Wissenschaftler aus mehr als 20 Disziplinen – von der Tanzforschung bis zur kognitiven
Neurowissenschaft – die Zusammenhänge von Sprache und Emotion ergründen. Zahlreiche Publikationen, u.a. «Das
Versprechen der Schönheit» (2003), «Ekel» (2002), «Wozu Kunst» (2011), alle im Suhrkamp Verlag.
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45. Marie-Louise Nigg (*1966) studierte Germanistik, Kunstgeschichte und Komparatistik. Bis 2001 freiberufliche
Kunstkritikerin bei verschiedenen Schweizer Tageszeitungen. Professorin für Kunst- und Kulturgeschichte an der
Hochschule Luzern Design & Kunst; Schwerpunkte kulturwissenschaftlicher Lehr- und Forschungstätigkeit: Fragen
der Aufmerksamkeit, der Fremd- und Raumwahrnehmung sowie der Interdisziplinarität und Transkulturalität.
Aktuell: Promotionsstudium bei Dr. Thomas Macho an der Humboldt Universität zu Berlin zum Thema Gehen und
Raumproduktion in Literatur und Kunst.
Stijn Ossevoort erwarb ein Master Ingenieursdiplom (MSc) an der Delft University of Technology und ein Master
Diplom Product Design (MA) am Royal College of Arts in London. Er arbeitete als Designer unter anderem in den
Agenturen Design Workshop, Ottawa (Kanada) und Indes BV, Hengelo (Niederlande) sowie bei Philips Design,
Eindhoven (Niederlande). Zusammen mit Ron Arad, London (UK) entstanden verschiedene
Ausstellungsinstallationen. Zuletzt war er als Design Innovation Manager bei Roca Sanitario SA in Barcelona tätig.
Im Sommer 2009 wechselte er an die Hochschule Luzern – Design & Kunst, wo er eine Forschungsdozentur in
Product Design am Institut Design innehat.
Esther Sutter Straub, geboren 1948 in der Schweiz, ist freie Fachjournalistin für Kultur und Tanz für Printmedien
und bei Radio DRS 2. Sie ist als Beauftragte für Kommunikation in der Suisse Romande sowie als Verfasserin der
Programmtexte langjährige Mitarbeiterin des internationalen Tanzfestival Steps des Migros-Kulturprozent. Esther
Sutter Straub war während 12 Jahren Stiftungsrätin und Expertin für Tanz und internationalen Austausch der
Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia. Als Tänzerin war sie Mitglied der der Sparte Ballett/Tanz am Theater Basel
und an der Deutschen Oper am Rhein in Düsseldorf. Neben ihrer journalistischen Arbeit führt Esther Sutter heute
das Studio für Tanz und Taiji in Basel (www.tanzundtaiji.ch)
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46. Theres Waeckerlin geboren 1965 in Basel, lebt in Zürich. 1985 machte sie in Aarau die Eidgenössische Matura.
1986 bis 1991 Studium an der damaligen Schule für Gestaltung in Zürich. Seit 1992 arbeitet sie unter dem Namen
Zobrist/Waeckerlin gemeinsam mit Agatha Zobrist als Künstlerin. Das Duo ist vor allem im Bereich der
ortspezifischen Installation tätig, daneben entstehen aber auch Plastiken, Objekte und immer wieder Performances
Kontinuierlich werden ihre Arbeiten in Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland gezeigt.
Internationale Symposien führten sie nach Litauen, Estland, Tschechien und Rumänien. Zobrist/Waeckerlin haben
für ihr Schaffen verschiedene Preise und Stipendien bekommen und lebten in längeren Atelieraufenthalten in
Vilnius, Paris, Kairo und Berlin. Einige ihrer Werke sind in öffentlichen und privaten Sammlungen zu finden und
als Kunst am Bau permanent zu sehen. Beide sind Gründungsmitglieder der Performance- und Künstlerinnengruppe
mit. Theres Waeckerlin ist seit 2002 Dozentin für Kunst an der HSLU, Abteilung Kunst & Vermittlung und arbeitet
verschiedentlich in Kommissionen und Jurys.
Greg Zeder (*1978) arbeitet als DJ und Label Manager von Little Jig Records. Mitarbeit an einem Betriebskonzept
für das Kulturhaus Südpol Luzern (Ersatz für die BOA). Mitglied im Organisationskomitee des Luzerner Fest.
Zurzeit Ausbildung im MAS Kulturmanagement Praxis (HSLU Design & Kunst in Luzern)
Benno Zehnder, 1960 – 1964 Kunstgewerbeschule Luzern; 1964 – 1970 London Freischaffender Gestalter und
Maler¸ Didaktische Ausstellungsgestaltungen für Design Centre, Swiss Center, Royal Academy, (alle in London)¸
1970 - 1973 Leiter Post Graduate Course (MA) in Film-Animation am City of Birmingham Polytechnic¸ 1973 –
1981 in Corsham / Wilts. GB Head of Department of Visual Comunication (BAhons) an der Bath Academy of Art,
Corsham/ Wilts; 1981 – 1997 Direktor der Schule für Gestaltung/ Höheren Schule für Gestaltung Luzern; Seit 1997
Dozent an der Hochschule für Kunst und Gestaltung Luzern (bis 2006); Atelier für Farbkonzepte und Malerei.
Künstlerische Tätigkeit seit 1965: Ausstellungen u.a. Burleighfield House Oxford. City Art Gallery Bristol.GB.
Festival Gallery Bath.GB. Serpentine Gallery London. Kunstverein Olten. Kunstmuseum Olten. Gemeindegalerie
Wettingen. Gersag Zentrum Emmen.LU. Galerie Partikel.Luzern. MAZ Horw.LU. Galerie im Trudelhaus Baden.
Gallerie Mäder Basel. Galerie im Amtshimmel. Baden. Das DING. Luzern.
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47. Silvia Henke, Prof. Dr., (*1962), Kulturwissenschaftlerin, Leitung Abteilung Theorie und Dozentin für
Kulturtheorie an der Hochschule für Kunst und Gestaltung in Luzern. Studium der Germanistik und Romanistik in
Basel und Hamburg, Lehrbeauftragte für neuere deutsche Literaturwissenschaft Universität Basel. Promotion zu
Drama und Dramentheorie Anf. 20. Jhd., freie Publizistin. Aktuelle Arbeitsschwerpunkte: Kunst und Wissenschaft,
Kunst und Religion, Kunst und Psychoanalyse, weibliche Pornographie, Genderfragen. Publikationen (zuletzt):
«Aus einem Haufen Elend ein Sujet machen»? Zu Annemarie Schwarzenbachs impliziter Fototheorie, in Sofie de
Cock (Hrsg.), inside/out. Bielefeld: aisthesis 2008, «Das Imaginäre ist Schwindel erregend», in: Simon Zumsteg et
al. (Hrsg.), Archipele des Imaginären, Zürich/Wien/New York: Ed. Voldemer 2008., Verlust der Unverkennbarkeit.
Handschrift und Crossover in den Künsten (mit Beat Schläpfer und Veronika Sellier), Luzern: interact 2008; The
possibility of a sign, in: Eva Meyer (Ed.); What does the veil know? Zürich/Wien/New York: Ed. Voldemer 2009,
Frauen und Männer auf der Kunstlaufbahn (mit Katrin Borer und Brigitte Dätwyler), Luzern:interact 2009, «Und er
sah, dass es gut war» – Zur Frage der Qualität in der Kultur der Gegenwart (mit Beat Schläpfer und Veronika
Sellier), Luzern: interact 2010.
Beat Schläpfer Lic. phil.Ib (*1952), Leitung MAS Kulturmanagement Praxis an der HSLU – Design&Kunst
Luzern. Er ist Germanist und Historiker. Sein Büro «Kulturelle Konzepte» in Zürich organisiert Ausstellungen und
Symposien zu kulturpolitischen und zeitgeschichtlichen Fragen und berät Organisationen im Kulturbereich.
Ausstellungen (Auswahl) «Fluchtpunkt Zürich - Schauplätze der Selbstbehauptung und des Ueberlebens 1933 -
1945 (1987 ff.) Swiss, made. Die Schweiz im Austausch mit der Welt (1998 ff.) Symposien (Auswahl ab 2000):
Scheitern als Erfolg. Ittinger Gespräche anlässlich des 25. Jahrestages des Bestehens der Stiftung Kartause Ittingen
(2002); Le saut sur le nozoN. Über die Grenzen: Chancen und Möglichkeiten kultureller Kontakte in der Schweiz
(2004); Sorgen im Verkehrsparadies - Herausforderungen an die Freizeit- und EinkaufsMobilität (2005), All the
world’s on stage –Kulturelle Vielfalt in Zeiten der Globalisierung (2007) Forum für Fragen von Kunst und
Öffentlichkeit (zusammen mit Silvia Henke und Veronika Sellier) ab (2007) Publikationen (Auswahl) Schauspiel in
der Schweiz. Theater und Publikum in fünf Jahrhunderten (1999), Aufzeichnungen zu Canetti. In: Werner Morlang
(Hrsg.), Canetti in Zürich, Erinnerungen und Gespräche, Zürich (Nagel und Kimche), 2005, Geschenktes Leben.
Prof. Dr. Ruedi Lüthys Initiative gegen die Aids-Epidemie in Simbabwe». Werd Verlag, 2006.
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48. Veronika Sellier Dr. phil, (*1950), Studium der Kunstgeschichte und Theaterwissenschaften in München und Paris.
Übersetzungen aus dem Französischen. Tätigkeit als Dramaturgin in Frankreich, Deutschland und der Schweiz.
Redaktionelle Mitarbeit am Hessischen Rundfunk. Seit 1996 Leiterin des L’arc, einer Institution des Migros-
Kulturprozent. Lehraufträge u.a. an der ETH Zürich, Hochschule der Künste Bern, Hochschule Luzern Design &
Kunst, Kulturmanagement. Diverse Veröffentlichungen: Zuletzt: Hrsg. Stückwerk 4, Dramatiker/Innen in der
Deutschschweiz. Theater der Zeit, Berlin 2005; «La belle voisine- Dramatiker in der Westschweiz» In: Sonderfall
Schweiz, Hrsg Walser/Engelhart. Theater der Zeit, Berlin 2006; Herausgeberin und Mitautorin (mit Silvia Henke
und Beat Schläpfer): Verlust der Unverkennbarkeit. – Handschrift und Crossover in den Künsten. ORGAN 1 -
Schriftenreihe der Hochschule Luzern Design & Kunst. Luzern 2008; Herausgeberin und Mitautorin (mit Silvia
Henke und Beat Schläpfer) von «Und er sah, dass es gut war….» Zur Frage der Qualität in der Kultur. - ORGAN 4 –
ebd. 2010.
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