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"ARTE" - 1º de Secundaria – Frank Tenorio Rosales 1

Dedicado al amor de mi vida,
familiares y amigos que hicieron
posible la realización de este
texto.

El Arte comprende múltiples disciplinas cuya diversidad siempre ha sido
compleja de abordar, es por ello que el presente documento reúne
algunos de los aspectos más resaltantes de este vasto campo de la
manifestación humana.
El que los estudiantes logren como Aprendizaje Fundamental:
“Expresarse con los lenguajes del arte y apreciar el arte en su diversidad
de manifestaciones”, al culminar la Secundaria, supone que vivencien el
arte al percibir, investigar y disfrutar las expresiones artístico-culturales
de su contexto y de otras épocas y culturas así como al crear y
expresarse en diversos lenguajes (musicales, visuales, dramáticos,
audiovisuales, danza, u otros). De este modo configuran su identidad
personal, desarrollan su sensibilidad y su pensamiento creativo, crítico y
holístico, conociendo y valorando la diversidad cultural y el patrimonio.
Para tal fin, se presentan los conocimientos que permitirán desarrollar las
capacidades y competencias, tanto de expresión como apreciación
artística, correspondientes al Primer Grado de Secundaria.
Entre los primeros temas se aborda aspectos relacionados a las Artes
Visuales, para ello se recomienda contar con un cuaderno especial de
dibujo para su desarrollo práctico. Al abordar el campo de la Música, se
pone énfasis en la práctica auditiva, dado que de ello depende la
comprensión, apreciación e interpretación musical. Por su parte, en
relación al arte corporal: la danza, se muestra un profundo análisis de las
técnicas modernas de expresión corporal y el planteamiento de
desarrollo auditivo como eje entre la música y el movimiento.
Guardando una estrecha relación con la danza, se presenta al teatro
como una de las artes más completas porque involucra lo visual, auditivo
y coreográfico en una representación. En consecuencia, se muestra una
serie de ejercicios de iniciación dramática, expresión vocal y corporal con
el propósito de promover la libre expresión.
Cabe indicar que cada conocimiento abordado cuenta con una ficha de
evaluación y un apartado con recomendaciones prácticas para la
expresión artística en el aula.
Queda para ustedes, pues, un trabajo que confío contribuya al logro de
aprendizajes de los estudiantes convirtiéndose en una guía de
conocimientos acordes a nuestro contexto y que cada educador puede
aprovecharlos aplicando diversas estrategias metodológicas.
EL AUTOR
PRESENTACIÓN

Para que la naturaleza del "Arte" nos resulte clara, es necesario tomar como
punto de partida la estructura del ser humano. Se puede definir al ser
humano como una trinidad: está dotado de un intelecto para pensar, un
corazón para sentir y una voluntad para actuar. El campo del intelecto es la
ciencia. El ámbito del corazón es la religión, la moral. En cuanto a la
voluntad, le es necesario dar forma, crear. Por esta razón, se puede decir
que el arte pertenece al campo de la voluntad. La música, la danza, la
escultura, la arquitectura, la poesía, la pintura, etc. son distintos medios que
el hombre ha encontrado para exteriorizar, concretar lo que tiene en su
cabeza y en su corazón.
De otro lado, cada manifestación artística obedece a un tipo de emanación
interior, cuya esencia es perfecta y habita, pues, dentro de cada individuo.
Es más, resulta ser él mismo.
En tal sentido, se puede definir al ARTE como: "la manifestación del Espíritu
-ya que es esa esencia perfecta que está en nosotros, que somos nosotros-
a través de las diversas expresiones como pintura, teatro, música..."
Es posible afirmar que, cada persona es un artista. Pero para ser un
"verdadero artista" es necesario unir las tres dimensiones, esa trinidad de la
que estamos dotados. De no hacerlo, crearemos un conflicto interno que
dará lugar a una creación "no artística" llena de intelecto sin amor, o bien,
colmada de emoción sin razón.
La mejor forma de abordar el campo de las artes es, reconociendo lo que
somos en esencia, y que las manifestaciones artísticas no se limitan a la
creación de obras plásticas o escultóricas, sino que deben ser el conjunto de
manifestaciones cotidianas, cada una de nuestras acciones, ya que estas
están sujetas a nuestra voluntad, la que es inherente al intelecto y al amor.
Sólo así, el arte puede conmover a los humanos y despertarlos a la
verdadera vida. Sólo así, un verdadero artista retomará su papel de
sacerdote, filósofo y sabio. Porque la misión del artista consiste en realizar
en el plano físico lo que la inteligencia concibe como verdadero, lo que el
corazón siente como bueno, para que el mundo superior, el mundo del
Espíritu pueda descender a encarnarse en la materia.
VERDADERO
ARTISTA
CABEZA
intelecto
CORAZÓN
amor
VOLUNTAD
obras
INTRODUCCIÓN

El sonido: Clases y cualidades.
Música: Concepto y origen.
Elementos de la música: Ritmo - melodía.
El pentagrama: Líneas adicionales superiores e inferiores.
Claves o llaves.
Caligrafía Musical.
Las figuras de duración y sus silencios.
Ubicación de las notas musicales en el pentagrama.
Solfeo hablado y rítmico: ejercicios.
La voz: clasificación.
Técnica vocal: postura, respiración y dicción. Repertorio.
Instrumentos musicales.
Artes visuales. Concepto, clasificación.
Disciplinas artísticas.
Elementos constitutivos de las artes visuales: línea, color,
forma.
Materiales no convencionales. Reciclables: plásticos, vidrio,
telas, algodón etc. Naturales: hojas, arena, piedra, tintes
naturales, etc.
Dibujo básico. Lineal y geométrico.
Estudio básico de los colores: primarios, secundarios,
terciarios.
Técnicas creativas. Bidimensionales: dactilopintura, estarcido,
esgraﬁado. Tridimensionales: modelado, tallado.
ARTES
VISUALES
MÚSICA
Danza. Conceptualización y clasificación por su procedencia
geográfica e histórica.
Elementos de la danza. Cuerpo y espacio. Tiempo: pulso,
acento, compás, ritmo, fraseo.
Expresión corporal. Movimiento, equilibrio y relajación.
Desarrollo auditivo. Escucha activa.
Figuras coreográficas.
DANZA
El Teatro. Concepto. Historia del teatro.
Elementos técnicos del Teatro.
Expresión corporal.
Expresión vocal. Cualidades de la voz.
Juegos de iniciación dramática. Ejercicios plásticos y vocales.
Cuento vivo. Narración de cuentos.
Representaciones del teatro de Títeres.
Confección y manejo de títeres.
Apreciación estética teatral.
TEATRO
CONOCIMIENTOS

Visuales
Artes

Artes Visuales
Para comenzar con el estudio de las Artes Visuales
deberá saber que, éstas aparecen con la historia de la
humanidad, en el afán del hombre por comunicarse, por
dejar vestigios de su vida cotidiana, por ornamentar sus
objetos.
Dentro de esa gran variedad de disciplinas se encuentran
las siguientes:
En algunas manifestaciones artísticas de la actualidad, se
combinan estas disciplinas en función de las necesidades
expresivas de cada artista.
Fotografía.
Arquitectura.
Intervención
espacial,
performance, entre
otras.
Artes electrónicas:
vídeo, animación,
net art.
Escultura.
Grabado.
Dibujo.
Pintura.
Cine.
Diseño: industrial,
gráfico, de
interiores, de
modas, artesanía.
Detalle de pintura rupestre
encontrada en las cuevas de
Altamira, España. (c. 13000 a.C.)
Pintura egipcia, se caracterizó por
dibujar a los personajes con el
rostro de perfil y el torso de frente.
Obra maestra del Renacimiento
―La Gioconda‖ (siglo XV) de
Leonardo da Vinci.
Las artes visuales son el arte de la expresión a través
de la imagen y comprenden a todas las disciplinas
artísticas que pueden ser percibidas por el sentido de
la vista.
Conocimiento 1

CLASIFICACIÓN DE LAS ARTES
VISUALES
Las diferentes disciplinas que forman parte de las Artes
Visuales para un mejor estudio pueden ser agrupadas de
la siguiente manera:
BIDIMENSIONALES
PINTURA
DIBUJO
GRABADO
DISEÑO Y
ARTES
APLICADAS
FOTOGRAFÍA
DISEÑO
GRÁFICO
DISEÑO
INDUSTRIAL
ARTESANÍA
DISEÑO DE
INTERIORES
DISEÑO DE
MODAS
TRIDIMENSIONALES
ESCULTURA ARQUITECTURA
INTERVENCIÓN
ESPACIAL
AUDIOVISUALES
ARTES
ELECTRÓNICAS
CINE
MULTIMEDIA
ROBÓTICA
NET ART
DISEÑO
SONORO INFOGRAFÍA
VIDEO ART
“Caballo Silvestre”. (Detalle)
Frank Tenorio Rosales. Pintura
en la técnica de esmalte.
El "Hombre de Vitruvio". Dibujo
realizado a lápiz y tinta por
Leonardo da Vinci.
Escultura del periodo Neoclásico
(siglo XVIII).

DISCIPLINAS ARTÍSTICAS
Cada manifestación artística ofrece una gran posibilidad
de expresión, sin embargo el artista debe seleccionar
adecuadamente cuál de ellas va a utilizar de modo que
transmita eficazmente su mensaje. Algunas de ellas son:
EL DIBUJO: Es la representación de figuras o
imágenes mediante líneas y manchas.
LA PINTURA: Es el arte de representar en una
superficie plana un hecho real o imaginario a través del
color y la forma.
EL GRABADO: Es el
arte de grabar, estampar,
prensar o imprimir una
imagen sobre una
superficie valiéndose de
un modelo entintado en
sus incisiones.
LA FOTOGRAFÍA:
Es el arte de fijar y
reproducir por medio de
reacciones químicas, en
superficies
convenientemente
preparadas, las imágenes recogidas en la cámara oscura.
EL DISEÑO: Es el arte aplicado que organiza formas
y colores creando un todo armonioso, ya sea de imágenes
y texto (diseño gráfico), ropa y accesorios (diseño de
modas) los ambientes y los muebles que le comprenden
(diseño de interiores) o productos manufacturados
(diseño industrial).
Dibujo a lápiz sobre papel.
Modelo de ropa elaborado a
partir de un diseño de modas.
Accesorio correspondiente a un
diseño industrial.
Grabado en la técnica de xilografía,
Alemania, 1568.
Exclusivo modelo de un diseño de interiores.

LA ESCULTURA: Es el arte de modelar, tallar y
esculpir en materia adecuada, representando en relieve
cualquier figura o asunto.
LA ARQUITECTURA: Es el arte de proyectar y
construir edificios. Se divide en arquitectura civil
(edificios, monumentos públicos y particulares);
arquitectura hidráulica (construir debajo del agua);
arquitectura religiosa (templos, monasterios, sepulcros,
etc.) y; arquitectura naval (construcción de
embarcaciones).
EL VIDEO ART: Es el arte de representar un
determinado contenido mediante la narración filmo o
fotográfica valiéndose de equipos análogos o un software
de edición de imágenes y sonido en el computador.
EL CINE: Es el arte de representar imágenes en
movimiento por medio del cinematógrafo. La ilusión de
movimiento real se da por el fenómeno de la persistencia
de las imágenes de la retina, al ser proyectadas una
sucesión de fotografías.
“Discóbolo” (c. 450 a.C.) de
Mirón. Escultura del arte griego
clásico.
―El Partenón‖ (c. 447-437 a.C.) construcción dirigida por
Fidias en la Acrópolis de Atenas (Grecia).
Formato de ratio largo, propio de una filmación de cine.
Fotogramas que crean la ilusión
óptica de movimiento al ser
reproducidas a una velocidad de
diez por segundo. Esta técnica se
emplea en la animación de
imágenes o dibujos.
Secuencias de imágenes de un
video art.

MIDIENDO CONOCIMIENTOS
1. RESPONDE MARCANDO LA ALTERNATIVA
CORRECTA:
¿Qué son las artes visuales?
a. Son el arte de la expresión a través de la imagen.
b. Son la pintura, la escultura y la arquitectura.
c. Son las obras hechas con pigmentos.
¿Cómo se clasifican las artes visuales?
a. Artes plásticas, bellas artes y artes aplicadas.
b. Diseño, artes aplicadas y artes electrónicas.
c. Bidimensionales, tridimensionales y audiovisuales.
2. RESPONDE LAS SIGUIENTES PREGUNTAS:
¿Cuándo aparecen las artes visuales?
______________________________________________
____________________________________________
¿Por qué surgen las artes visuales?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué diferencia hay entre el dibujo y la pintura?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué diferencia hay entre el video art y el cine?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________
3. MARCA VERDADERO (V) O FALSO (F)
SEGÚN CORRESPONDA:
( ) La arquitectura pertenece a las artes visuales
bidimensionales.
( ) La fotografía es un arte que nace en el siglo XX.
( ) El diseño gráfico es el arte de armonizar texto e
imágenes para transmitir un mensaje.
( ) El net art es aquel que se realiza para ser
apreciado por internet.
( ) En una filmación de cine el movimiento es real.
ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA
Realiza un dibujo
creativo con lápiz de
grafito sobre cartulina
o papel bond, evita
sombrearlo y delinéalo
empleando un
“finepen” o lapicero de
tinta líquida.
Realiza una pintura de
un paisaje empleando
témperas sobre
cartulina. Es
recomendable usar
pinceles planos.
Investiga sobre algún
software de edición de
video como Sony
Vegas, Adobe Premier,
Movie Maker, etc. y
crea un video art.
RECUERDA
Para dibujar debes
emplear el lápiz
adecuado. Los lápices
blandos llevan la letra
"B" y están numerados
del 1 al 10. Los duros
llevan la letra "H" y
también están
numerados del 1 al 10.
Hay una variedad más:
los semiblandos. Éstos
llevan las letras "HB"
y no tienen
numeración.

Elementos Constitutivos
de las Artes Visuales
Las manifestaciones artísticas que están comprendidas en
las Artes Visuales poseen principios básicos, es decir que
se sujetan a ciertas leyes y requieren de determinados
elementos plásticos para su producción.
LA COMPOSICIÓN
Existen muchas metodologías para iniciar el estudio de
las Artes Visuales, en este caso se empezará con las
disciplinas bidimensionales.
Para realizar una composición de arte visual se debe
conocer, interpretar y aplicar sus leyes y elementos.
LEYES DE LA COMPOSICIÓN
Una obra con orden pictórico técnico requiere de la
aplicación de ciertas leyes compositivas, las más
importantes son:
1. LEY DE ORO: Indica que se
debe resaltar la unidad de la
variedad, sin que ésta pierda
interés visual creando un todo
armonioso.
2. LEY DE COMPENSACIÓN:
Señala que debe haber equilibrio
de masas en la obra.
3. LEY DE SIMETRÍA: Se refiere a
la armonía de posición de las
partes o puntos similares de un
todo.
Ley de oro: En el cuadro vemos
que la unidad es el jinete y su
caballo, sin embargo los demás
elementos como el cielo y el suelo
no son ajenos de belleza.
Ley de compensación: En este cuadro vemos que los personajes
de la izquierda (Horacios) compensan equilibradamente con las
damas de la derecha, mientras que en el centro se muestra a una
sola persona.
Ley de simetría: En esta fotografía
se puede ver que la línea central
divide el rostro humano en dos
lados guales.
La composición es la organización de los diversos
elementos de la obra, haciéndola legible y dándole
interés visual. El equilibrio y la interrelación de
líneas, masas, colores y movimientos, son otros
tantos aspectos de la composición.
Conocimiento 2

ELEMENTOS DE LA COMPOSICIÓN
Como ya se hizo referencia, los elementos de la
composición pictórica son unidades que están presentes
en las diversas disciplinas de las Artes Visuales.
A diferencia de las leyes, que se ocupan de la ubicación,
orden y equilibrio de las figuras; los elementos de la
composición se muestran concretamente como líneas,
colores, formas, etc.
1. LA LÍNEA: Es uno de los elementos de mayor
importancia, pues resulta ser la base del dibujo.
Geométricamente es la extensión considerada en una
sola dimensión, la longitud. Matemáticamente es
una sucesión de puntos.
Todas las formas poseen un límite en su estructura,
ese límite está constituido por la línea. Sin embargo,
existen varias formas de representarla, puede ser
delineando los contornos con una línea de un
determinado grosor o simplemente evitando la línea
de contorno y produciendo el límite de las formas
empleando color o texturas.
Los elementos de la composición en las Artes
Visuales son unidades plásticas que poseen una
naturaleza espacial, constituyendo la estructura en
la que se basa el espacio plástico.
La línea curva sugiere belleza
y movimiento.
Existen dos formas de hacer
líneas en un espacio plano:
LÍNEAS
REGULARES: Son las
que están hechas con
la ayuda de
instrumentos. Se usan
en los dibujos
geométricos.
LÍNEAS
IRREGULARES: Son
las realizadas a mano
alzada. Son ideales
para representar
formas naturales.
Dibujo en el que la línea actúa
como el contorno de la forma.
La línea en este dibujo se evidencia
gracias al color y no como
resultado de un delineado formal.
En la composición, la línea, determina o
limita las figuras, dándole la forma a todo
cuanto se grafica.

PROPIEDADES DE LA LÍNEA
 Transmite su propia belleza.
 Divide o limita un espacio.
 Define las formas mediante el borde o símbolo.
 Atrae la visión por un camino determinado.
 Produce degradación tonal.
 Es el principio de la composición artística.
 Crea el diseño.
SIGNIFICACIÓN DE LA LÍNEA
Toda línea expresa ideas o sentimientos, los cuales
podemos enmarcar como connotaciones psicológicas de
la línea. Así tenemos:
SEGÚN SU FORMA Y ESTRUCTURA:
 LÍNEA RECTA: Sugiere rigidez y fuerza. Esta
puede ser vertical u horizontal, pero también:
Inclinada: Produce inseguridad e inestabilidad.
Quebrada: Se la interpreta como agitación y
nerviosismo.
LÍNEA CURVA: Sugiere gracia, belleza,
movimiento, alegría. También puede estar en
posición vertical, horizontal o inclinada y son las:
Onduladas: Significa gracia, belleza y
conocimiento.
Circulares: Implican unidad y conjunto.
Curvas cerradas: Produce sensaciones de
movimiento, dinamismo, comunicación.
Espirales: Tiene dos significaciones, impulso
ascendente y debacle descendente.
ESTUDIO DE LA
LÍNEA
FORMA Y
ESTRUCTURA: Si
partiendo de un punto,
la línea se mueve
siempre en la misma
dirección, da lugar a
una recta y, si cambia
constantemente de
dirección, origina una
línea curva.
POSICIÓN EN EL
ESPACIO: Al ubicarse
en el espacio puede ser
horizontal, vertical,
inclinada (con relación
al horizonte).
VALORACIÓN: El
grosor de la línea
indica su potencia
relativa y cuando este
valor es ascendente, o
decreciente indica una
acción.
RITMO: La sucesión
de líneas produce,
cuando tienen una
misma posición en el
espacio, una idea
predominante que
ayuda a reforzar el
tema.
RELACIÓN: Cuando
las líneas se relacionan
entre sí, pueden ser:
paralelas,
perpendiculares,
convergentes,
divergentes.
Diseño elaborado en base a
líneas rectas.
Dibujo que mezcla líneas rectas y curvas.

LÍNEA MIXTA: sugiere el significado de las dos
que la componen, o sea, belleza y rigidez. Las líneas
mixtas pueden ser:
Estrellada: Sugiere violencia.
Rectas cruzadas (equis): Denota agresividad,
intranquilidad y lucha.
SEGÚN SU POSICIÓN EN EL ESPACIO:
VERTICAL: Da la sensación de estabilidad,
firmeza, elevación, espiritualidad y solemnidad.
HORIZONTAL: Sugiere tranquilidad, reposo,
quietud, paz.
SEGÚN SU RELACIÓN:
PARALELAS: Indican alternancia permanente,
polaridad y equivalencia.
PERPENDICULARES: Sugieren posesión y
ubicación. Son aquellas que forman con otra línea o
un plano, un ángulo recto.
CONVERGENTES Y DIVERGENTES: Se las
interpreta como concentración o dispersión
respectivamente. Son las que se juntan en un mismo
punto o parten de este.
LAS LÍNEAS
SEGÚN SU
ESTRUCTURA
SEGÚN SU
POSICIÓN
SEGÚN SU
RELACIÓN
SEGÚN SU
VALORACIÓN
A B
RECTA
B D
A C QUEBRADA
A B
CURVA
MIXTA
HORIZONTAL
VERTICAL
INCLINADAS
PARALELAS
PERPENDICULARES
CONVERGENTES
DIVERGENTES
GRADACIÓN
VERTICAL
GRADACIÓN
HORIZONTAL
La posición vertical indica
solemnidad y firmeza como la
torre Eiffel.

2. EL COLOR: Es la impresión que produce en la
vista la luz reflejada por un cuerpo. La luz solar se
compone de siete colores elementales que
constituyen el espectro, y son: rojo, anaranjado,
amarillo, verde, azul, añil (índigo) y violeta.
Recuerde siempre que el ―negro‖ resulta de la
ausencia de toda impresión luminosa, y el ―blanco‖
se compone de todos los del espectro, por tanto éstos
no son colores.
USO DEL COLOR
Luego de realizar algunos dibujos creativos en los
que se ha empleado la línea en sus diversas
variedades, ha llegado el momento de darles color.
Inicialmente se puede usar el mismo lápiz de grafito
o lápices de colores.
Para obtener diversas tonalidades de un mismo color
se debe practicar la degradación de éste sobre
determinados espacios, para que ello resulte se
ejercer presión con el lápiz para obtener tonos más
oscuros y suavemente para tonos claros.
Luego de realizar algunas prácticas de degradación
de color puede empezar a colorear sus dibujos.
Antes de hacerlo es recomendable delinear el gráfico
con ―finepen‖ u otro plumón de punta fina y,
después borre los trazos de lápiz, ya que podría
mancharse el color a aplicar.
B
Como se puede apreciar, en el cuadro ―A‖ hay una fragmentación
de color, como si éste se encasillara en ciertos recuadros, lo cual
no es conveniente, por eso en el cuadro ―B‖ se muestra como debe
trabajarse la degradación del color.
A
Fuente luminosa
natural
Sombra
proyectada
Sombra
propia
Penumbra
Zona
iluminada
Al incidir la luz sobre una forma se
producen sombras, por ello al
momento de pintar con
degradación de color se debe
considerar dónde está la fuente
luminosa.
En el dibujo superior se muestra
el color entero, mientras que en el
inferior hay degradación.

SIGNIFICACIÓN DEL COLOR
Cada color emite una sensación diferente, por ello se
dice que tienen la capacidad de comunicar un estado de
ánimo por sí mismo sin necesidad de pertenecer a alguna
forma determinada. Para estudiar esta cualidad de los
colores los reunimos en dos grupos:
COLORES CÁLIDOS: Son los que se asocian al
fuego y dan la sensación de calor. Estos son:
magenta, amarillo y anaranjado en sus diversas
tonalidades. Psicológicamente denotan alegría y
agresividad.
COLORES FRÍOS: Son los que se asocian al agua
y emiten la sensación de frío. Éstos son: cyán, verde
y violeta en sus diversas tonalidades y
combinaciones. Psicológicamente irradian tristeza y
depresión.
A medida que vaya aplicando y experimentando con el
uso del color, usted podrá utilizar sus connotaciones
psicológicas para transmitir con mayor fidelidad sus
intenciones expresivas a través de una composición
artística. Algunos significados del color son:
 ROJO = Pasión, peligro, enojo
 MARRÓN = Enfermedad
 AMARILLO = Armonía, amor incondicional
 BLANCO = Pureza
 VERDE = Naturaleza, ecología
 NEGRO = Vacío, muerte
 AZUL = Libertad
 ROSADO = Amor
El dibujo de la izquierda ha sido pintado con colores fríos y el de la derecha con
los cálidos. Aquí se puede notar claramente el efecto contrario que produce el
color al ser aplicado, incluso, en una misma forma.
Diversas tonalidades de
colores cálidos.
Diversas tonalidades de
colores fríos.
FORMAS BÁSICAS
QUE COMPONEN EL
COLOR
Ningún color puede ser
considerado un valor
absoluto, de hecho los
colores se influyen
mutuamente si se
acercan. Los colores
tienen diferente realce
según el contexto en el
que se dispongan o se
encuentren.
Existen dos formas
compositivas del color,
armonía y contraste.
ARMONÍA: Es la
coordinación de los
diferentes valores que
el color adquiere en
una composición.
EL CONTRASTE: Es
cuando en una
composición los colores
no tienen nada en
común.

3. LA FORMA: Es la figura exterior de un cuerpo. Al
observar la naturaleza se verá que todo cuanto existe
posee una determinada estructura corpórea, es por
eso que se debe saber interpretarla para poder
plasmarla en un espacio plano.
Dibujar figuras geométricas como cuadrados
triángulos, rectángulos o círculos, resulta más
sencillo que hacer cubos, prismas, cilindros o esferas
Esto se debe a que las últimas poseen una dimensión
más en relación a las primeras. De este modo las
formas pueden percibirse de dos clases:
CLASES DE FORMA
a) FORMA BIDIMENSIONAL: Es aquella que
posee dos dimensiones (largo y ancho), por ende,
no existe en la naturaleza física y sólo puede ser
representada en un espacio plano.
b) FORMA TRIDIMENSIONAL: Esta clase de
forma es la que le corresponde a nuestra
naturaleza física, por lo tanto, la podemos hallar
en todo cuanto nos rodea. Como su nombre lo
indica la forma tridimensional posee tres
medidas o dimensiones (largo, ancho y altura) y
para representarla gráficamente en un espacio
plano se debe usar las clases de sombra pues
presentan volumen.
círculo
ancho
Vemos que estas formas básicas
cuentan con dos dimensiones e
incluso el color no presenta
degradación.
hexágono
largo
altura
La esfera es una forma
tridimensional que al ser
representada gráficamente debe
presentar zonas iluminadas y
sombras que figuren el volumen.
Al adicionar una dimensión más al
triángulo, cuadrado o círculo se
obtiene la pirámide, cubo y esfera.
Este gráfico posee una
dimensión más -en
comparación con la forma
bidimensional- la cual le
proporciona volumen. Para
que sea semejante a lo
natural se emplea el
elemento color produciendo
variaciones tonales por
efectos de la luz.
cuadrado
triángulo
ancho
largo

USO DE LA FORMA
La mejor manera de representar adecuadamente la forma
en un espacio plano, es mediante la práctica. El punto de
partida a esa labor sería el desarrollo de la capacidad
visual.
Es recomendable que practique observando y reteniendo
la estructura básica y geométrica de determinados
objetos de uso frecuente como vasos, jarras, libros,
botellas, etc. Posteriormente, aplicando el elemento
línea, dibuje la distribución del objeto empleando formas
bidimensionales (cuadrados, triángulos, círculos, etc.).
Una vez culminado este proceso se debe generar la
tridimensionalidad, primero mediante la línea y luego a
través del elemento color, es decir empleando la
degradación del color.
La composición geométrica le permitirá no solo
diferenciar las clases de forma sino la perfecta
representación gráfica de los diversos elementos de la
naturaleza.
Uso de formas bidimensionales
para dibujar un bodegón.
Representación de formas
tridimensionales con la línea.
Representación de formas tridimensionales
mediante el color.
Para dibujar formas
tridimensionales se debe trazar
líneas de referencia para lograr
una perfecta simetría.
LA COMPOSICIÓN
GEOMÉTRICA
Es el método compositivo
mediante el cual se
reducen las formas de la
naturaleza a figuras
geométricas. Así por
ejemplo para dibujar una
botella se puede usar
rectángulos y ovoides.

CORRECTA:
¿Qué es la composición pictórica?
a. Es la agrupación de imágenes en un espacio plano.
b. Es la perfecta organización de elementos plásticos.
c. Es una forma de reunir elementos pictóricos.
¿Cuáles son las leyes de la composición?
a. Ley de oro, ley de simetría y ley de compensación.
b. Ley de oro, ley de equilibrio y ley de unidad.
c. Ley de simetría y ley de asimetría.
¿Qué es la línea?
______________________________________________
____________________________________________
¿Qué es el color?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué características tiene la forma bidimensional?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué características tiene la forma tridimensional?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________
SEGÚN CORRESPONDA:
( ) La ley de oro señala que se debe resaltar la
unidad de la variedad.
( ) La línea define las formas mediante el borde.
( ) La línea ondulada significa unidad y conjunto.
( ) El blanco y el negro son colores.
( ) El color rojo representa enojo, pasión y peligro.
( ) Una forma compositiva del color es la armonía.
( ) El cubo es una forma bidimensional.
ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA
Recorta diversas
figuras de periódicos o
revistas y pégalas en un
espacio determinado
considerando la ley de
oro.
Haz un dibujo
empleando únicamente
líneas rectas o curvas.
Lo puedes hacer con
lapicero de tinta líquida
o “finepen”.
Dibuja y pinta un
esquema para
diferenciar los colores
cálidos de los colores
fríos.
Dibuja y pinta con
témperas formas
bidimensionales y
formas
tridimensionales.
RECUERDA
Para pintar formas
tridimensionales debes
usar la degradación del
color, con lápices de
color dependerá del
grado de presión que se
ejerza, con la témpera
se debe mezclar el
color a degradar con
blanco y con acuarelas
se usa una mayor
cantidad de agua para
el color seleccionado.

Materiales no Convencionales
Ahora continuará aprendiendo del maravilloso mundo de
las artes plásticas, y es momento de poner en práctica lo
que hasta ahora ha aprendido. Para ello, debe identificar
y reconocer algunos materiales cuyo uso no es frecuente
en la creación de las artes visuales.
LOS MATERIALES NO CONVENCIONALES
La utilización de materiales como óleos, acrílicos,
témperas y acuarelas en la composición pictórica o
arcilla, mármol, madera y hierro en la composición
escultórica, está dentro de lo tradicional; por el contrario,
si se emplean vegetales, telas, huesos, alambres, botellas
de plástico o latas en la creación artística, se está usando
elementos no habituales y su uso en algunas obras podría
causar extrañeza.
Algunos materiales no convencionales a los cuales puede
recurrir para crear obras artísticas son los siguientes, pero
recuerde que, es sólo una sugerencia ya que existen
muchos más:
- Telas
- Algodón
- Botellas de plástico
- Palitos de madera
- Huesos
- Metales
- Latas
- Alambre
Samuel Baroni (Venezuela)
El gran árbol, 1992
Ensamblaje en madera, tela,
cuerda y asfalto
“Calavera”. Obra del
grupo argentino
Mondongo, ellos usan
materiales no
convencionales
perecederos como galletas,
migas de pan, chicles,
caramelos… tratados con
una solución de resina
tóxica para evitar su
corrupción.
Escultura de alambre del artista
polaco Malgorzata Paszko.
Los materiales no convencionales son todos aquellos
elementos alternativos que por su plasticidad pueden
ser empleados para crear composiciones artísticas.
“Calavera”. Detalle
Conocimiento 3

CLASIFICACIÓN DE LOS MATERIALES
NO CONVENCIONALES
Para una mejor utilización de los materiales alternativos
o no convencionales es necesario reconocer su
procedencia. Así, se los puede clasificar en dos grupos:
los reciclables y los naturales.
1. MATERIALES RECICLABLES: Los productos
no convencionales pueden ser seleccionados a partir
de una conducta ecológica, es decir que pueden ser
almacenados y reutilizados, entre ellos están los
plásticos, vidrios, telas, algodón, cartón, palitos de
madera, latas, etc.
A mediados de los años setenta se fraguó el
movimiento de ―arte povera‖, el cual se basa en la
utilización de materiales considerados ‗pobres‘, de
muy fácil obtención: como madera, hojas o rocas,
placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o
arcilla, o también materiales de desecho y, por lo
tanto, carentes de valor. La utilización de materiales
de desecho para crear obras de arte o piezas de
diseño, ha tenido su continuación en nuestros días,
utilizando materiales como CDs, envases PET,
vinilos, botones, fragmentos de bicicletas o cualquier
otro material reciclado. Algunos artistas que trabajan
con materiales procedentes del reciclaje son Tom
Deininger, Zac Freeman o Johnston Foster.
Una variante interesante del arte creado con materiales reciclables es el
que Eric Bartholomew vio en un mercadillo cerca de Chicago, consistente
en palos de escoba de madera humanizados y caracterizados como
personas con peines, chapas de cerveza, asas, cepillos y otros originales
objetos encontrados.
Existen obras de arte
hechas con los llamados
objetos encontrados,
también conocidos en
inglés como readymade
y, en francés, como objet
trouvé. Se trata de
objetos fabricados
originariamente para
usos concretos y
mundanos, ya sean
industriales, pensados
para el hogar, con fines
decorativos o recreativos,
pero que son
reconvertidos o
modificados en arte.
Marcel Duchamp es considerado el
creador del readymade con su
obra ―La Fuente‖ (la del famoso
urinario invertido) a principios del
siglo XX.
―Peter‖ – Zac Freeman, artista
norteamericano. Él construye
capas y capas de objetos
encontrados, compensaciones
emitidos y de la chatarra en
retratos cuyo detalle y sutileza sólo
surge con la distancia.

2. MATERIALES NATURALES: A diferencia de los
materiales reciclables, los materiales naturales
corresponden a todos aquellos recursos que ofrece la
naturaleza y que pueden ser utilizados en la
composición plástica. Así por ejemplo se pueden usar
hojas, arena, piedra, tintes naturales, etc.
Hay regiones en el Perú donde se ha utilizado
adecuadamente los recursos de orden natural para la
construcción arquitectónica. El Templo de
Pachacamac al Sur de Lima, citando un modelo, está
construido de adobe (ladrillo de barro mezclado con
paja) y a pesar del paso del tiempo y las condiciones
climáticas de la zona se conserva hasta la fecha.
Los materiales naturales nos permiten producir
composiciones en base a aquellos recursos con los que
cuenta una determinada región, ya sean los materiales
ya antes citados e incluso su paisaje, clima, etc.
Aprovechar los recursos de la región implica
también utilizar todo cuanto ofrece la naturaleza
como medio geográfico. Pintar la belleza del mar no
es privilegio de todos los artistas -por el solo motivo
de vivir en la Sierra o en la Selva-; sin embargo,
ellos podrán pintar los hermosos nevados de la
Cordillera de los Andes o los enigmáticos bosques
tropicales de la Amazonía.
Las ciudades que están ubicadas en la Costa, como Mollendo, ofrecen a
los artistas la posibilidad de componer sus obras contrastando los
colores de su atmósfera y las aguas de su mar.
Vicuñas en la serranía peruana. Su
lana es aprovechada como un
inmejorable material para
elaborar textiles artísticos.
Calle tradicional en Cuzco.
Templo de Pachacamac en Lima.
Lago Sandoval en Madre de Dios.

UTILIZACIÓN DE LOS RECURSOS
NATURALES DE LA COMUNIDAD
En esta parte, vamos a dedicar un apartado especial a
Arequipa y en especial a uno de los recursos naturales,
puesto que no es el único, que mayor atención capta en
los pintores: el paisaje arequipeño. Al respecto, el artista
Jaime Estruch dice:
El paisaje arequipeño ha sido la máxima inspiración de
sus pintores. Ese paisaje puede interesar también al poeta
y al turista. Para que interese al turista debe tener
elementos excepcionales y "sui géneris" que no existan
en otro lugar. De hecho así es, el paisaje arequipeño es
único en el Perú desde el punto de vista de composición
del lugar.
Si revisamos la literatura local veremos que los poetas y
escritores han rivalizado para plasmar una idea de la
bella Arequipa. Cantan las níveas cumbres de sus
montañas, las cantarinas aguas del Chili, la policromía de
sus campos y la rutilante luz de su campiña.
El mejor captador del paisaje arequipeño es el pintor que
ha sabido plasmar en sus lienzos los rasgos típicos de ese
paisaje: la luz y el color.
El análisis crítico de esa pintura nos dice que la belleza
paisajista de Arequipa ha sido captada a través de su luz,
de su geología, del agro y del sillar.
Los extranjeros que han viajado mucho nos afirman que
no hay en el mundo una luz como la que existe en esta
zona de volcanes. Ese "eterno cielo azul" del himno
arequipeño es el elemento esencial de esa luminosidad.
El verdadero paisajista, tiene el compromiso de captar
esa luz si quiere ser auténtico pintor de Arequipa.
"Tiabaya". Técnica de acuarela de
Jaime Estruch. Aprovecha las
bondades naturales del lugar.
"Cayma". Otro típico paisaje
arequipeño. No sólo las formas
naturales como el volcán y la
vegetación son aprovechadas, sino
el clima y el tipo de construcciones.
La geología de
nuestro medio
telúrico es colosal,
grandiosa, atractiva
y siempre se
impondrá por esas
masas sobresalientes
que se llaman
Chachani, Misti y
Pichu-Pichu, telón
de fondo para un
paisaje
inconfundible de la
Ciudad Blanca.
"Calle de Arequipa". Óleo sobre
tela de José Malanca.

Cuando un arequipeño tiene invitados, los pasea por la
campiña como lo mejor que puede ofrecer, halagar el
espíritu y reposar su cuerpo. La luz del campo se
confabula para producir esa policromía de matices, sobre
todo en los verdes, geométricamente distribuidos en ese
inmenso tablero de las chacras bien delimitadas por
árboles, arbustos y bordos estrechos que señalan la
demarcación de propiedades.
Los pintores más representativos de Arequipa se han
ensañado para reproducir el unísono de un crepúsculo,
esos colores centelleantes y cambiantes que brindan
seducción para los auténticos impresionistas. La Ciudad
Blanca se llama así por su sillar sacado de la entraña de
la tierra y que constituye el músculo de su volcán. Las
viejas y tortuosas callejas de antaño, inspiradoras del
artista, están construidas con esa piedra blanca cuya
principal vena se halla en las vecinas quebradas de
Añashuaico.
Sabemos de la fascinación de un blanco en una acuarela
con la típica casita de sillar y con su techo torneado.
Se reprocha el abusar del tema de un Misti como tema
manoseado, pero, este majestuoso e imponente volcán
nunca estará de más en un auténtico paisaje arequipeño.
En la repetición se puede producir las matizaciones de la
hora, de la estación del año y de los cambios lunares en
el paisaje local. Un día gris, un día de "nevada" se pinta
de diferente manera a la de un día luminoso de sol.
"Characato". Matices y colores
propios del lugar.
Arequipa ofrece variados temas
compositivos. Aquí se aprecia al
Chachani, uno de sus volcanes.
Interior del monasterio de Santa
Catalina. Acuarela de Yemy
Alemán. El estilo arquitectónico es
motivador de numerosas pinturas.
"Palomas". Yemy Alemán. Cada detalle del paisaje arequipeño,
inclusive su fauna, representa un motivo aprovechable a la pintura.
Aquí, por ejemplo, se ha recurrido a aquellas avecillas que se han
convertido en un atractivo más de la Plaza Mayor.
Dadas esas condiciones
climatológicas y la
circunstancia horaria,
difícilmente se repite el
impresionismo de un
paisaje de Arequipa.
Volcanes, sillar y
campiña, tres elementos
indispensables del
paisajismo arequipeño.

CORRECTA:
Las clases de materiales no convencionales son:
a. Materiales naturales y materiales artificiales.
b. Materiales reciclables y materiales naturales.
c. Materiales reciclables y materiales reutilizables.
¿Cuáles son algunos materiales reciclables?
a. Hojas, tintes naturales, arena, piedras, etc.
b. Plástico, vidrios, algodón, cartón, latas, etc.
c. Ladrillos, barro, arcilla, maderas, etc.
¿Qué son los materiales no convencionales?
______________________________________________
____________________________________________
¿Cuáles podrían ser algunos materiales reciclables?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué características tienen los materiales naturales?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿En qué consiste el ready made?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________
SEGÚN CORRESPONDA:
( ) Los materiales no convencionales propician una
nueva forma creativa de hacer arte.
( ) Son materiales reciclables los papeles y vidrios.
( ) Los materiales naturales implica el uso del paisaje
que ofrece una determinada región.
( ) Son materiales naturales las hojas, la arena, etc.
( ) La arcilla es un material natural no convencional.
( ) En los años 70 surgió el ―arte povera‖.
ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA
Selecciona un conjunto
de materiales
reciclados y clasifícalos
en diferentes frascos
para que puedas
elegirlos
adecuadamente en el
momento necesario.
Diseña gráficamente
una composición
plástica de tu
preferencia para que
realices
tridimensionalmente.
Elabora tu diseño
empleando los diversos
materiales que hayas
podido reciclar.
Selecciona materiales
naturales y siguiendo el
mismo procedimiento
anterior elabora una
obra personal.
RECUERDA
Para proteger tus
composiciones
plásticas debes cubrirlo
con una capa de
barniz, laca, u otro
material de
conservación. Además
es recomendable
elaborar tus
producciones sobre
una superficie que
sirva como base.

El Dibujo Básico
Del maravilloso mundo de las artes visuales, el dibujo es
sin duda la manifestación por excelencia, ya que es
considerado como el lenguaje gráfico universal, utilizado
por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y,
en un sentido más amplio, su cultura.
También se puede decir que el dibujo es la técnica
gráfica basada en el uso de la línea. Se realiza
normalmente sobre papel, cartón, etc. Puede emplear el
color o prescindir de él. Para su trazado se utilizan
diversos instrumentos y materiales como el lápiz, carbón,
pluma, y otros. Que dan nombre a las diversas
modalidades.
FASES DEL DIBUJO
1. EL APUNTE: Es la primera fase para lograr un buen
dibujo. Consiste en trazar un conjunto de líneas y
puntos de ubicación respecto a las formas que se han
de graficar en el papel o cartulina.
2. EL BOCETO: Esta es la etapa en que gracias a los
apuntes ya tomados, se procede a definir y dar
estructura a las formas con sus respectivas sombras y
texturas. Así ya se tendrá las figuras más definidas y
listas para darles los detalles finales.
3. EL DIBUJO TERMINADO: Es el resultado de las
dos etapas anteriores. Es el dibujo ya culminado, con
todos los detalles y correcciones suficientes para
hacer de éste un trabajo lleno de calidad artística y
perfección.
Conocimiento 4
El dibujo es un signo gráfico que trata de sugerir
emociones estéticas, ya sea reproduciendo las
formas naturales o creadas por la fantasía (dibujo
figurativo), o bien valiéndose únicamente de
combinaciones, de líneas y manchas sin intención
limitativa (dibujo no figurativo).
―Autorretrato‖ (1512) de
Leonardo Da Vinci. Dibujo
realizado con tinta.
Dibujo de bodegón en la fase de
apunte.
Dibujo en la fase de boceto.
Dibujo en la fase terminada.

INSTRUMENTOS DE DIBUJO
Para realizar un dibujo artístico se requiere de una serie
de herramientas que son necesarias para la creación
gráfica.
1. EL LÁPIZ: Es una barra de grafito encerrada en un
cilindro o prisma de madera blanda. Según el grado
de dureza, los lápices se clasifican por números y se
acompaña de las letras H (del inglés hard =duro)
trazando líneas de color gris, B (del inglés black
=negro) trazando líneas de color negro y F (del inglés
firm=firme) que es un tipo intermedio.
2. EL PORTAMINAS: En dibujo lineal son
recomendables, más cómodos y limpios que el lápiz.
Son de plástico o metal y alojan en su interior la
mina, que es desplazada hacia afuera por un resorte.
3. LA GOMA: Se emplea para hacer desaparecer
trazos incorrectos, manchas o sobras. Por lo general
son blandas para no romper el papel, claras para no
mancharlo y flexibles.
4. LA REGLA: Se utiliza para medir longitudes y
llevar cotas al plano. Conviene que sea de plástico y
de la mejor calidad. Las hay de diferentes medidas
(30 cm, 60 cm, etc.). El escalímetro es una regla
especial, generalmente de forma triangular, aunque
también los hay planos. El triangular, el más usado,
tiene tres caras y en cada una, una escala.
5. LA ESCUADRA Y EL CARTABÓN: El juego de
escuadra (45°-45°-90°) y cartabón (30°-60°-90°)
constituye el principal instrumento de trazado que
acompaña al lápiz. Deben ser también de plástico y,
aunque pueden estar graduadas, no es conveniente,
ya que para medir se debe utilizar la regla. Se utilizan
para trazar líneas rectas, paralelas o que formen
diferentes ángulos entre sí.
Representación circular de los
valores del lápiz según su dureza
(9H-9B)
Los lápices de mina
blanda son los mejores
para trabajos de
sombreado y para
cuando sea preciso un
trazo de distintos
gruesos, un trazo blando
y dúctil. Es decir, son
apropiados, en general,
para el dibujo artístico.
Los lápices de mina dura
son los adecuados para
trabajos de delineación y
dibujó industrial. Su
trazo es gris, de perfil
seco y limpio.
La goma también permite resaltar los brillos en los dibujos pasándola
por los sitios más blancos, como en el caso del dibujo de la derecha.
La pluma estilográfica es un
instrumento de dibujo, que
contiene un depósito de tinta
líquida compuesta principalmente
de agua. La tinta se queda en este
depósito gracias a la presión
atmosférica hasta que es utilizada.

TÉCNICAS DE DIBUJO
Al momento de hacer uso de algún instrumento de dibujo
como los lápices, la tinta, los lápices de color, etc. se está
ejecutando una determinada técnica.
Entre las principales técnicas que puede ir practicando
están las siguientes:
1. DIBUJO A LÁPIZ: Los lápices están hechos de un
material que se llama grafito. El grafito es lo que
pinta. El grafito lo mezclan con arcilla. Si tiene
mucha arcilla el lápiz pinta clarito y si tiene poca
arcilla pinta obscuro. A los lápices que tienen mucha
arcilla se les llama duros y a los que tienen poca
suaves o blandos.
2. DIBUJO AL CARBONCILLO: Permite la
realización de una extensa gama de tonos que
abarcan desde los más sutiles grises a los negros más
profundos. Proveniente de la madera carbonizado del
bonetero, su polvo es muy inestable; esto representa
una gran cualidad, es muy fácilmente manipulable y
permite la realización de degradados tonales frotando
con el dedo, trapo o difumino.
3. DIBUJO A LA TINTA: Generalmente, como ya
sabe, se utiliza la tinta china, que puede ser aplicada
con plumas, pinceles o bolígrafos. Sea cual fuere el
instrumento utilizado, se está aplicando una técnica
específica: dibujo a la pluma, al pincel, a pincel seco,
a pluma y pincel, etc. Cuando se mezcla con agua se
suele llamar técnica de aguada.
4. DIBUJO DE SANGUINA: La sanguina es una
técnica pictórica basada en una variedad de óxido
férrico llamada hematites, que se presenta bajo la
forma de polvo, barra o placa. Puede tener distintas
tonalidades, todas ellas en la gama del rojo -de ahí su
nombre, ya que recuerda a la sangre-, desde el rojo
anaranjado hasta el rojo pardovioláceo. Ha sido
usada por artistas como Leonardo da Vinci.
Dibujo en la técnica de lápiz.
Dibujo en la técnica de carboncillo.
Dibujo en la técnica de tinta china.
Dibujo en la técnica de sanguina.
Para dominar la técnica se debe obtener degradaciones de color
presionando con mayor o menor intensidad el lápiz.

CLASES DE DIBUJO
Los dibujos se pueden clasificar según diversos criterios.
Si se trata de la representación, los dibujos se clasifican
en:
1. DIBUJO LINEAL: Generalmente se tratan de
imágenes compuesta por líneas sólidas y en un sólo
tono. Se puede conseguir diferentes variaciones
lineales a través de sombreados usando líneas más
anchas y de tamaños diferentes. Este tipo de dibujo
suele resaltar de cualquier otro por ofrecer una
imagen más clara y con la información básica.
CÓMO HACER DIBUJOS LINEALES
En dibujo, cuantos menos puntos de referencia claros
haya en la imagen más difícil será. Es decir, el dibujo se
realiza con medidas en el espacio que vamos tomando
con la vista y a veces con ayudas como cuadrículas o
reglas. Si los puntos de apoyo visual no son más
parecidos a una cuadrícula recta, si son formas curvas,
inclinadas y desequilibrios, entonces a la vista le cuesta
más. Los temas con rectas como un edificio sencillo
pueden ser más fáciles de dibujar gracias al orden u
estructura que poseen. La vista no se marea tanto
midiendo el espacio entre las formas.
Por lo tanto, lo primero que debe hacer siempre antes de
atreverse con un dibujo, va a ser observar bien el
modelo. Mirar qué puntos pueden servirnos como apoyo
visual para a partir de esos puntos ir midiendo la
colocación del resto de elementos.
Dibujo de Alberto Durero.
Distribuye las líneas en su sitio,
más en la ropa, menos en las zonas
de luz. Encaje perfecto con un
trabajo ágil.
Mediante el dibujo lineal se tiene una concepción concreta de cada
forma o estructura que compone una figura.
Siguiendo las fases del dibujo se
pueden lograr dibujos lineales con
mayor proporcionalidad.
3

2. DIBUJO GEOMÉTRICO: Es la representación
delineada, acotada y proporcionada de un objeto
existente o proyectado, de manera que resulte
perfectamente definido en un lenguaje normalizado
universal. Consiste en la representación gráfica
exacta de un objeto o una idea práctica.
El dibujo geométrico es utilizado para el trazo de las
figuras de geometría elemental, descriptiva y
analítica; la perspectiva ordinaria, cortes de objetos,
croquis, esquemas, planos; representar topografías,
trabajos de ingeniería, edificios y piezas de
maquinaria. Esta representación se guía por normas
fijas y preestablecidas para poder describir de modo
exacto y claro, dimensiones, formas, características y
la construcción de lo que se quiere reproducir.
Cabe recordar que para realizar dibujos geométricos
se deben emplear instrumentos de medición.
Construcción del pentágono:
1. Teniendo el segmento AB, se
traza una línea perpendicular en la
mitad, luego se proyecta el punto N
empleando un compás colocando la
punta sobre B.
2. Con centro en M y radio MN, se
traza un arco hasta formar el
punto O a la altura de AB.
3. Con un radio AO partiendo de
los puntos A y B, se trazan arcos
que se cortan en el punto D.
4. Desde el punto D, se traza un
arco de radio AB, cortando a los
arcos y creando los puntos E y C.
Para diseñar la figura final, se procede así: 1. Se traza un círculo a partir
de la recta AD a cuya mitad se traza una recta vertical. Luego se trazan
dos arcos con el mismo radio de la circunferencia desde los puntos A y D
formando B, C, F y E. 2. Se unen los puntos formados obteniendo el
hexágono. 3. Se trazan líneas rectas uniendo los puntos BDF y ACE. 4. Se
trazan triángulos más pequeños proporcionales. 5. Se borran algunos
trazos y se obtiene la estrella hexagonal.
La estrella pentagonal. Para realizar este diseño se parte de la
construcción de un pentágono (tal como se muestra en los gráficos de la
izquierda). Primero se trazan líneas uniendo los ángulos y luego desde
cada ángulo externo hacia los internos. Finalmente se delinea la figura y
se pinta según la muestra.

CORRECTA:
¿Cuáles son las clases de dibujo?
a. Dibujo lineal y dibujo geométrico.
b. Dibujo básico y dibujo geométrico.
c. Dibujo a lápiz, dibujo a carboncillo, etc.
¿Cuáles son instrumentos de dibujo?
a. Lápiz, sanguina, tinta, carboncillo, colores.
b. Regla, escuadra, cartabón, estilógrafo.
c. Pincel, paleta, agua, lienzo, cartulina.
¿Qué es el dibujo?
______________________________________________
____________________________________________
¿Cuáles son las técnicas de dibujo?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué diferencia hay entre la escuadra y el cartabón?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué diferencias hay entre el dibujo lineal y el
geométrico?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________
SEGÚN CORRESPONDA:
( ) Las fases del dibujo son apunte, boceto y dibujo
terminado.
( ) Son instrumentos de dibujo la regla y la goma.
( ) El dibujo geométrico se realiza a mano alzada.
( ) El apunte el acabado final del dibujo.
( ) Los lápices blandos son mejores para sombrear.
( ) Los lápices H tienen un trazado gris.
ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA
Realiza trazos lineales
con diversas formas
regulares o irregulares
sobre hojas de papel
bond.
Realiza degradaciones
de color empleando
lápices blandos.
Realiza un dibujo
lineal copiando algún
modelo impreso y
siguiendo las fases del
dibujo.
Realiza un dibujo
copiando un modelo
real siguiendo las fases
del dibujo.
Realiza los diseños
geométricos
presentados en el
capítulo
correspondiente.
RECUERDA
Para realizar dibujos
geométricos debes
emplear los diferentes
instrumentos de
medición como la
regla, la escuadra, el
cartabón, etc.
Así mismo, es
recomendable usar
lápices duros pues
serán más fáciles de
borrar y ofrecen un
trazo fino.

Estudio Básico del Color
Para estudiar el color, recuerde que es un elemento de las
artes visuales y que está determinado por la percepción
visual, por lo tanto se debe analizar ciertas características
de la visión.
PERCEPCIÓN DEL COLOR
En la retina del ojo existen millones de células
especializadas en detectar las longitudes de onda
procedentes de nuestro entorno. Estas células
fotoreceptoras, conos y los bastones, recogen parte del
espectro de la luz y, gracias al ―efecto fotoeléctrico‖, lo
transforman en impulsos eléctricos, que son enviados al
cerebro a través de los nervios ópticos, para crear la
sensación del color.
Cuando el sistema de conos y bastones de una persona
no es el correcto se pueden producir una serie de
irregularidades en la apreciación del color, al igual que
cuando las partes del cerebro encargadas de procesar
estos datos están dañadas. Esta es la explicación de
fenómenos como el Daltonismo. Una persona daltónica
no aprecia las gamas de colores en su justa medida,
confundiendo los rojos con los verdes.
La imagen formada en la retina es
plana, en 2 dimensiones. Vemos
imágenes en 3 dimensiones por la
separación de aproximadamente 6
cm. de nuestros ojos.
El Color es la impresión producida al incidir en la
retina los rayos luminosos difundidos o reflejados
por los cuerpos.
Conocimiento 5
Los conos son los responsables de la visión del color y se cree que hay tres
tipos de conos, sensibles a los colores rojo, verde y azul, respectivamente.
COLORES FRÍOS Y
CÁLIDOS
Se denominan colores
cálidos a aquellos que
"participan" del rojo o
del amarillo y fríos a los
que lo hacen del azul.
Ambos tipos de colores
tienen efectos
"sicológicos" diferentes,
pero por lo que resultan
interesantes para el
maquetista es porque
contrastan muy bien y su
combinación resalta el
trabajo de pintura.
Tomando, en el sentido
de las agujas del reloj,
los colores del gráfico
mostrado arriba, desde el
amarillo verde al violeta
rojo (ambos incluidos),
obtendremos los fríos. El
resto serán,
evidentemente, los
cálidos.

MODELOS DE COLOR
Recordemos que un ojo humano normal posee solo tres
tipos de conos receptores, y que estos responden a
longitudes de onda específicas de luz roja, verde y azul,
por lo tanto podemos inferir que los colores primarios
son estos: rojo, verde y azul, y podemos identificarlos
como los colores primarios en la luz.
Ahora, si tenemos una sustancia (pigmento) que no emita
luz, la luz blanca del ambiente incidirá en el pigmento, el
cual absorbe ciertas longitudes de onda y refleja otras,
dando como resultado el color aparente de la sustancia (o
pigmento).
1. SÍNTESIS ADITIVA: Los colores producidos por
luces (en el monitor de nuestro computador, en el
cine, televisión, etc.) tienen como colores primarios,
al rojo, el verde y el azul (RGB) cuya fusión crea y
compone la luz blanca, por eso a esta mezcla se le
denomina, síntesis aditiva y las mezclas parciales de
estas luces dan origen a la mayoría de los colores del
espectro visible.
2. SÍNTESIS SUSTRACTIVA: Los colores
sustractivos son colores basados en la luz reflejada
desde los pigmentos aplicados a las superficies.
Forman esta síntesis sustractiva, el color magenta, el
cian y el amarillo. Son los colores básicos de las
tintas que se usan en la mayoría de los sistemas de
impresión, motivo por el cual estos colores han
desplazado en la consideración de colores primarios a
los tradicionales.
Mezcla aditiva. Colores luz (la suma
es blanco)
Mezcla sustractiva. Colores pigmento
(la suma es negro)
Imagen a todo color empleando la
síntesis sustractiva.
Capa magenta (sustrae el verde).
Capa cian (sustrae el rojo).
Capa amarilla (sustrae el azul).
El proceso de reproducción aditiva
utiliza luz roja, verde y azul para
producir el resto de colores.
Valiéndose de una lámpara y un
prisma, Isaac Newton en 1704
experimentó a través de la
ejecución blanca sobre un prisma y
esta se separó en un arco iris de
varios colores.

EL CÍRCULO CROMÁTICO
La forma en que se clasifican los colores según su
relación de armonía se llama círculo cromático. Aquí se
ubican a los colores según su naturaleza y
combinaciones:
1. COLORES PRIMARIOS: magenta, amarillo y
cian. Los utilizados para la impresión.
2. COLORES SECUNDARIOS: verde, violeta y
naranja. Los colores secundarios se obtienen de la
mezcla en una misma proporción de los colores
primarios.
3. COLORES TERCIARIOS: Consideramos como
colores terciarios: rojo violáceo, rojo anaranjado,
amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso
y azul violáceo. Los colores terciarios, surgen de la
combinación en una misma proporción de un color
primario y otro secundario.
El Círculo Cromático es la disposición de colores según su naturaleza,
aquí se muestran los colores empleados por los pintores basándose en
la síntesis sustractiva.
En el círculo cromático están dispuestos los colores
de modo que el que está al frente, es el color
complementario. Los que están hacia los lados, son
los colores análogos. Del mismo modo se puede
identificar a los colores cálidos y fríos trazando una
línea que lo divida en dos, desde el amarillo verdoso,
al rojo violáceo.
Obra de la artista Checa Martina
Shapiro. Se observa que
predomina el uso de colores
primarios en su composición.
PRÁCTICA PARA OBTENER
COLORES SECUNDARIOS:
Dibuje seis rectángulos que se
intersecten (tal como se muestra
arriba). Pinte los espacios sólo
empleando cian magenta y
amarillo.
Cian Amarillo
Magenta Amarillo
Magenta Cian
En 1790, Goethe creó un círculo
cromático en acuarela con los tres
colores primarios – amarillo puro,
azul ultramar y un aclarado tono
púrpura –, junto con sus
complementarios.

COLORES COMPLEMENTARIOS,
ANÁLOGOS Y MONOCROMOS
Al trabajar con colores, éstos pueden contrastarse o
situarse al lado o encima unos de otros. Cuando esto
ocurre, se producen efectos visuales que destacan o
disminuyen la intensidad (tono) de algunos.
Así, por ejemplo, cuando situamos un color de tono claro
(amarillo verdoso) sobre un fondo blanco parecerá más
"suave" de lo que realmente es, mientras que si lo
ubicamos sobre el negro aparentará ser más "intenso".
Pero también existen parejas de colores denominados
complementarios, entre los que no se producen estos
efectos visuales, ayudando al "artista" a obtener el efecto
visual de "tono" deseado.
1. LOS COLORES COMPLEMENTARIOS: son
aquellos colores diametralmente opuestos en el
círculo cromático, que al mezclarlos entre sí, se
neutralizan y al yuxtaponer se potencializan.
2. COLORES ANÁLOGOS: Se utilizan de manera
adjunta y producen una sensación de armonía. Son
aquellos colores que tienen un tinte en común. Por
ejemplo:
3. COLORES MONOCROMÁTICOS: Al utilizarlos
producen una sensación de unidad y estabilidad se
pueden usar con diferente intensidad (más claro o
más oscuro).
El complementario de un
color primario es siempre
uno secundario.
El complementario de un
color terciario es siempre
otro terciario.
Composición en base a colores
complementarios (amarillo –
violeta).
Composición en base a colores
análogos al amarillo.
Composición monocroma, se usa
como base al cian.

CORRECTA:
¿Cuáles son los modelos de color?
a. Síntesis primaria y secundaria.
b. Síntesis aditiva y síntesis sustractiva.
c. Colores primarios secundarios y terciarios.
¿Cuáles son los colores secundarios?
a. Cian magenta y amarillo.
b. Verde, violeta y naranja.
c. Azul violáceo, verde anaranjado y rojo violáceo.
¿Qué es el color?
______________________________________________
____________________________________________
¿Cómo se percibe el color?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué características tiene el Círculo Cromático?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué características hay entre los colores
complementarios, análogos y monocromáticos?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________
SEGÚN CORRESPONDA:
( ) Los colores primarios son cian, magenta y
amarillo.
( ) De la mezcla de primarios se obtienen terciarios.
( ) El negro se obtiene mezclando los primarios.
( ) La luz blanca comprende a todos los colores.
( ) Los primarios aditivos son los que usan los
artistas para pintar sus cuadros.
ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA
Construye tu propio
círculo cromático
empleando témperas y
siguiendo los siguientes
pasos:
a. Dibuja en una
cartulina un círculo
y divídelo con líneas
rectas en 12
espacios iguales.
b. Prepara los
diferentes colores
en una paleta de
mezcla y pinta los
espacios según el
orden que se
muestra en la
página anterior.
Realiza prácticas de
mezcla de colores
primarios y pinta una
composición personal.
RECUERDA
Tradicionalmente se
presentan como colores
primarios al rojo, azul
y amarillo, por lo tanto
en las témperas
escolares no están el
cian ni el magenta por
lo que es recomendable
realizar algunas
mezclas para acercarse
a estas tonalidades y
poder obtener los
secundarios y demás.

Técnicas Creativas
La creatividad es parte fundamental del arte, de ella
depende la originalidad que el artista plasma en sus
creaciones. Una producción artística creativa está basada,
pues, en los principios y conocimientos compositivos
que se ha adquirido, los cuales se suman a la
expresividad y predisposición o actitud artística.
Ahora aprenderá una serie de técnicas plásticas que
requieren de mucha creatividad para que se obtengan
resultados fantásticos, para ello las desarrollaremos en
dos grupos: las técnicas creativas bidimensionales y las
técnicas tridimensionales.
TÉCNICAS BIDIMENSIONALES
Reciben este denominación porque se realizan en un
espacio plano de dos dimensiones (largo y ancho). Entre
ellas tenemos a las siguientes:
1. LA DACTILOPINTURA: El término dáctilos es un
vocablo griego que significa ―dedos‖ lo cual supone
en que consiste esta técnica. Utilizar los dedos y las
manos para pintar favorece el desarrollo de la
sensibilidad visual, táctil y kinestésica; la motricidad
fina, la coordinación visomotora, la expresión y la
creatividad.
Aunque hablamos de ―pintar con los dedos‖ o de
―dactilopintura‖, esta técnica puede desarrollarse
empleando: las palmas de las manos, los dedos, las
uñas, el canto de la o las manos, los nudillos, los
codos, los antebrazos y los pies.
Cristobal Ortega nació en Quito el
24 de octubre de 1965, es un artista
plástico que revolucionó el arte de
la dáctilopintura. Pinta cuadros
empleando sólo sus manos en unos
cuantos minutos.
Conocimiento 6
La dactilopintura motiva la creatividad pictórica.
Diseño creativo de dactilopintura a
partir de huellas de la mano con
témperas sobre papel.
La creatividad,
pensamiento original,
imaginación
constructiva,
pensamiento divergente o
pensamiento creativo, es
la generación de nuevas
ideas o conceptos, o de
nuevas asociaciones
entre ideas y conceptos
conocidos, que
habitualmente producen
soluciones originales.

2. EL ESTARCIDO: También llamado esténcil (del
inglés stencil) es una técnica artística de decoración
en que una plantilla con un dibujo recortado es usada
para aplicar pintura, lanzándola a través de dicho
recorte, obteniéndose un dibujo con esa forma.
Una de las formas más usuales de hacerlo es
recortando la imagen deseada sobre una hoja de
papel duro; el dibujo aparece como un espacio
abierto con zonas sólidas alrededor. La plantilla así
obtenida se sitúa sobre una nueva hoja de papel y se
aplica la pintura sobre toda la superficie. Las zonas
de pintura que llegan a la hoja inferior quedan
limitadas a la forma de los huecos de la plantilla,
creando así la imagen deseada.
Si bien el proceso de estarcido se utilizaba ya en la
antigua Roma, alcanzó el mayor grado de
popularidad en Estados Unidos durante los años
sesenta, cuando muchos artistas utilizaban como
medio de expresión los colores puros y las imágenes
de contornos marcados.
Parte recortada que
se desecha Plantilla útil. Diseño acabado.
Plantilla para realizar un
estarcido. Se cala la cartulina luego
de realizar un dibujo y se procede
a pintar una base de papel. Se
pueden emplear diferentes colores
según la creatividad del artista.
Manos estarcidas con una especie
de aerógrafo de hueso, en la Cueva
de las Manos, río Pinturas
(provincia de Santa Cruz,
Argentina), c. 7350 a. C.
Al calar las plantillas se debe
proceder con mucho cuidado
empleando un cutter o cuchilla.
Además para evitar dañar la mesa
de trabajo se debe poner un cartón
o vidrio.
Puedes diseñar tu propio estarcido
empleando una foto personal.

3. EL ESGRAFIADO: Esta técnica decorativa consiste
en hacer incisiones sobre el cuerpo de un soporte, de
manera de descubrir una capa inferior de otro color.
Generalmente se utilizan plantillas para obtener
patrones geométricos.
El término proviene del italiano sgraffiare, es decir,
hacer incisiones o rascar con una herramienta
especial llamada grafio.
La técnica de esgrafiado, muy por el contrario de lo
que se cree, puede resultar muy sencilla y da la
posibilidad de crear verdaderas obras de arte muy
coloridas con unos pocos elementos y como siempre,
la ayuda de la creatividad e imaginación.
Generalmente en la escuela se suele emplear
crayones y témperas o tinta china, por lo tanto se hará
un procedimiento sencillo:
a) Pinte el soporte escogido con los crayones de
colores, cubriendo todo el soporte de distintos
colores.
b) Una vez pintada toda la hoja, cubra toda la
superficie con témpera negra, tapando los colores
que hay debajo.
c) Cuando este cubierta la cartulina se debe esperar
que la témpera seque unos minutos. Luego se
puede comenzar a esgrafiar, escogiendo cualquier
elemento punzante. La idea es levantar la témpera
negra descubriendo el color que hay debajo.
Puedes dibujar con clips, tenedores y espátula.
d) Otra opción en lugar de utilizar témpera negra
para cubrir, consiste en utilizar crayón negro o
tinta china, repitiendo el proceso anterior.
Son múltiples los diseños que se
pueden conseguir aplicando esta
técnica.
La técnica del esgrafiado favorece
el desarrollo del dibujo lineal.
Esgrafiado con crayones y témpera
de Margarita Espertino.
El grosor así como el movimiento
de la línea influye mucho en el
resultado final. Recuerde que
puede usar diferentes objetos
punzantes para conseguir los
efectos que se proponga.

TÉCNICAS TRIDIMENSIONALES
Estas técnicas tienen por característica el volumen, es
decir que corresponden básicamente a la escultura. Su
elaboración requiere, por lo tanto, materiales maleables
de diversos tipos.
1. EL MODELADO: Es una técnica de escultura que
consiste en la creación de una representación o
imagen de un objeto real. Modelar es dar la forma
deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones
de la masa. Se puede modelar empleando los
siguientes materiales dúctiles:
a) ARCILLA: Surge de la descomposición de rocas
con contenido en feldespato a lo largo de miles de
años. Presenta diversas coloraciones según las
impurezas que contiene, desde el rojo anaranjado
hasta el blanco cuando es pura. Se caracteriza por
adquirir plasticidad al ser mezclada con agua, y
también sonoridad y dureza al calentarla por
encima de 800 °C.
b) CERA: La cera se modela como material auxiliar
para la realización de bocetos, estos sirven al
escultor ya sea como guía para visualizar su obra
final en otro material, o como matriz para el
vaciado posterior en bronce. Más recientemente
se ha utilizado para la creación de personajes que
se exponen en numerosos museos de cera.
c) PLASTILINA: Se modela con las manos o
pequeñas espátulas, prácticamente igual que la
cera, y sirve como boceto para la obra
escultórica. La plastilina encuentra también un
lugar destacado en animación. Nick Park es un
promotor de su uso, que ganó dos premios Óscar
con los cortometrajes de Wallace y Gromit
(1992-1995).
Normalmente para el trabajo de
las esculturas en arcilla, muchas
culturas utilizaron las mismas
técnicas que para la alfarería, con
rollos, placas o tubos de arcilla.
Escultura de cera de los personajes
de la película ―Vengadores‖ en el
Museo Madame Tussauds de la
ciudad de Nueva York.
Algunos instrumentos que ayudan en el modelado son las espátulas,
las estecas, raspadores, hilo de cortar y rodillo.
Personajes principales del
cortometraje ―Wallace y Gromit‖.
Diseños realizados con plastilina.
Algunas técnicas de
modelado son: el
modelado directo, el cual
se hace empleando las
manos y con algunos
instrumentos; la
alfarería, que consiste en
la construcción de la
pieza valiéndose del uso
del torno, y; la moldería,
que emplea moldes de
yeso.

MODELADO DIRECTO CON ARCILLA
En esta técnica el bloque de arcilla, en estado húmedo, es
modelado en forma directa con las manos y con la ayuda
de estecas, herramientas de madera o metal con diversas
formas. Gracias al carácter sensible que posee la arcilla
podemos realizar en ella cualquier tipo de impresiones
sobre la superficie de la pieza.
Para el presente diseño, puede utilizar una bolsa de
arcilla roja o blanca preparada y deberá seguir los
siguientes pasos:
a) Amasar una buena cantidad de arcilla para evitar que
haya globos de aire interno, lo puede hacer con las
manos o empleando un rodillo u otro semejante.
b) Forme varias esferas y demás piezas según se
muestra en el gráfico, para ello puede emplear la
palma de la mano y la superficie de la mesa.
c) Una las diferentes formas guiándose de la muestra,
para unir las piezas debe emplear barbotina, que es
un concentrado de tres cantidades de agua por una
de arcilla, puede utilizar los dedos humedeciendo
ambas piezas a pegar.
d) Los detalles lineales se realizan con estecas u otros
elementos parecidos. Una vez concluido se debe
dejar secar por una semana o llevarlo al horno
cerámico y posteriormente puede ser barnizado o
pintado.
Diseño básico para empezar el
modelado en arcilla. Se debe
realizar cada una de las piezas y
luego pegarlas empleando la
técnica de la barbotina.
Se debe amasar correctamente la
arcilla con el fin de evitar globos
internos de aire.
Puede ayudarse de una base para
modelar esferas y otras formas.
En el presente diseño hay piezas
planas, para ello debe hacer
primero las esferas para los ojos y
el hocico, luego debe aplanarlas y
recién pegarlas.
Los instrumentos básicos para
modelar son las estecas que pueden
ser hechos con palitos de chupete.

MODELADO DIRECTO CON PLASTILINA
Ahora cambiamos de material y vamos a utilizar
plastilina para hacer un diseño más complejo. Para ello
se necesita plastilina de diversos colores que también
pueden obtenerse mezclando dos colores primarios.
Los instrumentos son semejantes al modelado con arcilla
y no requieren mayor especialización.
a) Teniendo el color de la piel (se puede mezclar
blanco con rojo), se hace una esfera y se la va
alargando, luego se hace una forma cilíndrica y se
unen para formar el cuello y el cráneo.
b) Se van añadiendo pequeñas cantidades para obtener
volúmenes en el rostro ya sea para la frente, la
barbilla, los pómulos, etc.
c) Seguidamente se modela una nariz y se la pega
donde corresponde, se sigue añadiendo masa hasta
obtener una forma adecuada.
d) Para la boca, se coloca una tira de color blanco para
los dientes, se los detalla con algún instrumento.
Luego se pegan los labios con un tono más rosado.
e) Los ojos se hacen colocando formas blancas de base
y encima círculos oscuros para el iris y las pupilas.
Se colocan tiras arriba y abajo para los parpados.
f) Con plastilina negra se pegan tiras para las cejas y se
crean detalles logrando que se mezcle con el color
piel. Se aplican otros detalles de negro y finalmente
el cabello. Los lentes se modelan por separado.
Diseño en plastilina a colores.
Puede ser de busto o cuerpo
entero.
Primera fase del diseño.
Se añaden formas para los detalles.

2. EL TALLADO: Es otra técnica escultórica que
consiste en desbastar el material seleccionado (piedra
o madera), dándole la forma deseada. Para iniciarse
en este campo se puede recurrir a algunos materiales
fáciles de tallar como el jabón:
a) MADERA: Su función es básicamente
decorativa lográndose producir verdaderas obras
de arte empleando unos pocos instrumentos.
Entre ellos se puede mencionar a las gubias,
formones, mazos y prensas. De preferencia la
madera debe ser dura para obtener un mejor
acabado, por ejemplo el nogal, el cedro, etc.
b) JABÓN: Es sin duda uno de los materiales más
sencillos para iniciarse en el campo de la
escultura. Su particularidad radica en la facilidad
para desbastar el material e incluso se puede
emplear agua para alizar la superficie. Se puede
emplear desde jabones para ropa hasta jabones de
tocador en barra.
c) TUBÉRCULO: Al igual que el jabón, se puede
aprovechar algunos tubérculos como la papa o el
camote para tallar algunos diseños sencillos.
Actualmente se emplea este tipo de escultura para
decorar algunos platos gastronómicos.
Modelo sencillo de talla en madera.
Escultura de bulto redondo.
La madera se puede tallar en relieve, es decir sobre la superficie
de esta. El acabado será tanto en alto como bajo relieve.
Con un toque de creatividad se pueden lograr excelentes diseños
con el jabón.
Las principales herramientas para
el tallado de madera son las
gubias, los formones, las cuchillas
y el mazo.
Para tallar en jabón artesanal se
emplea básicamente las cuchillas
como instrumento de desbaste.
Para empezar debe practicar con
modelos sencillos en relieve.
Cualquier trozo de madera es útil
para empezar a demostrar su
destreza en el tallado.

TALLADO EN MADERA
Para poner en práctica esta técnica deberá contar con los
instrumentos adecuados y un trozo de madera:
a) Seleccionar un trozo de madera de unos 20 x 15 cm
y 2 cm de espesor. Hacer un dibujo en una hoja de
papel y luego traspasarlo a la madera. Considere
dejar un espacio de 1 cm en el borde la madera.
b) Empleando una gubia de punta se empieza
delineando la figura y luego con una gubia de media
caña debe desbastar de afuera hacia dentro. El borde
debe permanecer intacto.
c) Al tallar los pétalos, se debe evitar cortar el círculo
central pues debe ser el referente de nivel.
d) Una vez culminado el tallado se debe suavizar con
un lija fino y luego se puede barnizar. Para darle una
mayor utilidad al trabajo se le puede añadir armellas
para que se pueda colgar objetos.
TALLADO EN JABÓN
a) Seleccionar un jabón de tocador en barra de
cualquier color y dibujar un círculo central con la
punta de una gubia o un cuchillo. Luego se marca
los pétalos y se raspa por fuera del dibujo.
b) Se continúa raspando hasta lograr la forma deseada.
Para alisar los bordes se puede emplear agua y se
frota con los dedos o simplemente raspando con el
cuchillo siguiendo la veta del jabón.
Una recomendación importante es
desbastar la madera siguiendo las
vetas y en dirección hacia afuera.
Para evitar accidentes es
recomendable emplear prensas
que sujeten la madera a la mesa de
trabajo.
Primer paso para tallar una flor en
un jabón de barra: Dibujar un
círculo en el medio con un
elemento punzante de metal.
El dibujo de la flor puede ser
elaborado previamente en papel.
Se debe desbastar la zona externa
de la flor y luego suavizar.

CORRECTA:
¿Cuáles son técnicas creativas bidimensionales?
a. El esgrafiado, la dactilopintura y el estarcido.
b. El modelado, el tallado y dactilopintura.
c. El modelado en arcilla y plastilina.
¿Cuáles son algunas técnicas de escultura?
a. El modelado y el esgrafiado.
b. El esgrafiado y el estarcido.
c. El modelado y el tallado.
¿Qué es el modelado?
______________________________________________
____________________________________________
¿En qué consiste el tallado en madera?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué diferencia hay entre esgrafiado y estarcido?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué instrumentos se emplean para el tallado?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________
SEGÚN CORRESPONDA:
( ) El esgrafiado consiste en pintar con plantillas.
( ) La dactilopintura se realiza empleando pinceles.
( ) Se emplean gubias para modelar arcilla.
( ) La plastilina se mezcla con agua para modelar.
( ) Algunos materiales para tallar son la madera, el
jabón y tubérculos.
( ) Actualmente se emplea la plastilina para modelar
figuras que se usan en el cine.
ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA
Realiza un diseño
propio de esgrafiado
empleando crayones y
témperas.
Realiza un diseño
personal de estarcido
empleando varias
plantillas para que tu
trabajo tenga varios
colores (una plantilla
para cada color).
Realiza una escultura
pequeña empleando
arcilla o plastilina.
Decórala y protégela
con barniz o laca y
preséntala en una
exposición junto a tus
compañeros de aula.
También puedes hacer
tallados en madera o
jabón.
RECUERDA
Para realizar
cualquiera de estas
técnicas creativas
bidimensionales o
tridimensionales debes
contar un los
instrumentos
adecuados así como un
vestuario especial (un
delantal por ejemplo)
ya que podrías
manchar tu ropa
habitual.

Música

El Sonido
Luego de haber estudiado el maravilloso mundo de las
artes visuales, ahora corresponde aprender y disfrutar de
los secretos que encierra el arte musical. Cada día usted
oye diversas composiciones sonoras y seguramente
muchas de ellas son de su total agrado, mientras que,
otras le son indiferentes pues resultan no afines a su
preferencia. Pero, se ha preguntado ¿por qué? ¿Qué es en
realidad la música?
Así como en el dibujo, se recomienda observar con
mucho detenimiento para concebir las formas, armonías
y colores; en la música, se debe aprender, en primer
término, a escuchar, para poder determinar su verdadero
valor y saber interpretarla. Es por ello que en esta
primera parte analizaremos todo lo relacionado a los
sonidos.
El sonido no es un objeto que se mueve por el aire si no
una sensación creada por el cerebro al percibir ligeras
vibraciones en el aire.
El sonido se produce por la vibración de las partículas. A
cada una de estas vibraciones se las llama Hertz Hz.
Nombre dado por el alemán Heinrich Rudolf Hertz ya
que descubrió la forma de producir y detectar ondas
electromagnéticas.
Llamamos sonido a la sensación
que percibimos a través del oído y
que es causada por la vibración de
los cuerpos sonoros.
El sonido es la sensación en el órgano del oído
producida por el movimiento ondulatorio, debido a
los cambios de presión en un medio elástico y
generados por movimientos vibratorios de un cuerpo
sonoro.
Conocimiento 7
Las ondas sonoras al llegar al oído externo, viajan por el oído medio e
interno gracias a las vibraciones activando los impulsos nerviosos que van
al cerebro.
La velocidad del sonido
es la dinámica de
propagación de las ondas
sonoras. En la atmósfera
terrestre es de 341 m/s (a
20 °C de temperatura y a
nivel del mar). La
velocidad del sonido
varía en función del
medio en el que se
trasmite.
El eco se produce cuando las ondas
sonoras chocan con un obstáculo
rebotando en sentido contrario.
No solamente el oído percibe las
vibraciones de los cuerpos sonoros.
Mediante el tacto y la vista
también podemos percibir estas
vibraciones.

CLASIFICACIÓN DEL SONIDO
Todos los sonidos que percibimos a través del oído, no
son iguales. Unos son agradables y otros desagradables;
unos fuertes y otros suaves, unos altos y otros bajos.
Hay unos sonidos que podemos imitar, pero no los
podemos cantar, por ejemplo: el tic-tac del reloj, el
redoble de un tambor o el sonido producido por un
cuerpo al caer. El ruido lo podemos imitar pero no
cantar.
En cambio hay otros sonidos que podemos cantar, como
el sonido de una trompeta, la melodía ejecutada en un
piano, el sonido de una campana. El sonido se puede
imitar cantando.
Según las vibraciones producidas por los cuerpos
sonoros, los sonidos pueden ser:
1. SONIDOS DETERMINADOS O MUSICALES:
Cuando las vibraciones de los cuerpos sonoros son
REGULARES se produce el sonido determinado o
musical; el vibrar de una cuerda de guitarra, al frotar
una cuerda de violín.
2. SONIDOS INDETERMINADOS O RUIDOS:
Cuando las vibraciones son IRREGULARES se
producen los ruidos: La caída de un objeto, una
palmada, cerrar una puerta, etc. Generalmente los
ruidos cesan violentamente.
Se debe diferenciar claramente los ruidos, de los sonidos musicales.
Ciertos instrumentos musicales
producen sonidos indeterminados.
Triángulo
Bongó
Timbal
Los sonidos emanados por los
instrumentos musicales
corresponden a sonidos
determinados o musicales.
Una palmada es un sonido
indeterminado.

CUALIDADES DEL SONIDO
La música está formada por sonidos musicales, pero no
todos estos sonidos tienen las mismas características,
algunos son más extensos, otros más agudos e incluso
más fuertes unos que otros. Las principales cualidades
del sonido son:
1. DURACIÓN: La duración de los sonidos depende
del tiempo que permanezcan vibrando, desde que se
produce el sonido hasta que termina. Esta duración
de los sonidos puede medirse en tiempos, para ellos
se emplea figuras que determinan esta cualidad.
2. ALTURA: Dos sonidos que tengan la misma
duración pero en cambio tienen diferente frecuencia
o número de vibraciones por segundo, tendrán
diferente altura; es decir un sonido será más agudo
que otro. Cuanto mayor sea el número de vibraciones
por segundo producidas por un sonido, este será más
agudo o alto; a menor número de vibraciones por
segundo corresponderla un sonido más grave o bajo.
3. INTENSIDAD: Esta cualidad permite que los
sonidos sean muy suaves, suaves, medio fuertes,
fuertes o fortísimos.
La mayor o menor intensidad del sonido no varía el
número de sus vibraciones, o sea la altura: esto
quiere decir que varios sonidos pueden tener la
misma altura, porque tienen el mismo número de
vibraciones, pero pueden ser diferentes en su
intensidad: unos serán fuertes, otros suaves, medio
fuertes, fortísimos, etc.
4. TIMBRE: Por medio de esta cualidad podemos
reconocer, sin necesidad de verlos, los instrumentos
que producen los sonidos. Igualmente, por esta
cualidad, podemos reconocer a la persona que habla
o canta.
La DURACIÓN de un sonido
depende del tiempo que
permanezca vibrando un cuerpo
sonoro.
En la música, la ALTURA está
determinada por notas musicales.
La altura del sonido depende del
mayor o menor número de
vibraciones por segundo.
LA INTENSIDAD es la cualidad
del sonido que depende de la
mayor o menor fuerza con que se
produce el sonido.
El TIMBRE es el sonido
característico que producen los
diferentes instrumentos musicales
y la voz humana. Es como el color
a la pintura.
Una Corchea tiene menos duración que una Negra o una Blanca.
= =
=

CORRECTA:
¿Cuáles son las clases de sonidos?
a. Sonidos determinados y sonidos indeterminados.
b. Sonidos musicales o ruidos.
c. Altura, intensidad, timbre y duración.
¿De qué depende la altura der los sonidos?
a. De la mayor o menor fuerza con que se emita.
b. Del número de vibraciones por segundo.
c. Del tiempo que permanezca vibrando.
¿Qué es el sonido?
______________________________________________
____________________________________________
¿Qué diferencia hay entre sonidos determinados y
sonidos indeterminados?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Qué diferencia hay entre altura e intensidad?
______________________________________________
____________________________________________
____________________________________________
¿Cómo se produce el sonido?
______________________________________________
______________________________________________
____________________________________________
3. ESCRIBA LA CUALIDAD DEL SONIDO QUE
PRODUZCA LA CARACTERÍSTICA DADA:
Sonido grave: _______________________
Sonido prolongado: _______________________
Sonido suave: _______________________
Sonido breve: _______________________
Sonido agudo: _______________________
Sonido nasal: _______________________
Sonido fortísimo: _______________________
ACTIVIDADES DE
EXPRESIÓN
ARTÍSTICA
Para comprobar que
las vibraciones pueden
ser vistas coloca una
cuerda de nylon atada
a dos ejes, ténsala bien
y hazla vibrar, además
de escuchar su sonido
podrás ver el
movimiento de la
cuerda. También
puedes controlar su
tiempo de duración
dependiendo de cuánto
estires de la cuerda
antes de soltarla para
que vibre.
Escucha diferentes
sonidos y anota en un
registro si son
determinados o
indeterminados. Luego
valídalo.
RECUERDA
Los sonidos musicales
son producidos por los
instrumentos
musicales, sin embargo
hay instrumentos que
producen sonidos
indeterminados como
el tambor, el bombo,
los platillos, etc.

La Música
Es más fácil sentirla y reproducirla que explicarla o
definirla. Todos entendemos qué es la música, pero
¿cuántos pueden poner en palabras cuáles son sus
características esenciales o aquello que le da sentido?
La música es el lenguaje espiritual, al escucharla,
percibimos que en nuestro interior se produce una serie
de estados de ánimo como alegría, admiración, tristeza e
incluso miedo.
El término música tiene su origen del latín ―musica‖ que
a su vez deriva del término griego ―mousike‖ y que hacía
referencia a la educación del espíritu la cual era colocada
bajo la advocación de las musas de las artes.
Algunas de las principales definiciones que se han dado a
lo largo de la historia para la música son las siguientes:
 Jean-Jacques Rousseau: ―Arte de combinar los
sonidos de una manera agradable al oído‖.
 Héctor Berlioz: ―Arte de conmover por la
combinación de los sonidos a los hombres
inteligentes y dotados de una organización especial‖.
 François-Joseph Fétis: ―Es el arte de conmover por la
combinación de los sonidos‖.
 Hilarión Eslava: ―Música es el arte de combinar bien
los sonidos y el tiempo‖.
Berlioz (1803 – 1869). Compositor francés representante del
Romanticismo.
Nadie puede negar que nos gusta la
música, ya sea cantar, tocar un
instrumento o escuchar una
melodía.
Conocimiento 8
La música es el arte que consiste en dotar a los
sonidos y los silencios de una cierta organización. El
resultado de este orden resulta lógico, coherente y
agradable al oído.
Jean-Jacques Rousseau (1712 -
1778). Escritor, filósofo, músico,
botánico y naturalista franco-
helvético definido como un
ilustrado.
François-Joseph Fétis (1784 —
1871) fue un compositor, profesor
y musicólogo belga. Fue también
uno de los críticos musicales más
influyentes del siglo XIX.
La música refleja mejor
que cualquier otra cosa
la nobleza y profundidad
de nuestro sentir y la
cultura de una sociedad.

ORIGEN DE LA MÚSICA
La música está íntimamente ligada a la vida del hombre,
se halla en los momentos más importantes de su vida y se
ha valido de ella para expresar sus estados de ánimo. De
allí la importancia de la música en la formación moral y
espiritual de los pueblos y sobre todo de los jóvenes.
¿Qué sería del hombre sin música? Donde estemos la
oímos: reuniones sociales, en la oficina, desfiles
militares, en el transporte, etc.
Hace muchísimos siglos, cuando la gente todavía vivía
en cavernas; el canto de los pájaros, el salpicar de la
lluvia, el silbido del viento entre los árboles, el rugir del
océano y las olas chocando con las rocas, producían
cierta música, posiblemente la primera manifestación
musical.
QUIÉN INVENTÓ LA MÚSICA
Esta pregunta es semejante a interrogarnos sobre quién
inventó la risa, los gestos, el llanto, en fin. A la
humanidad le ocurrió tal como a un niño pequeño que
sabe ―decir‖ sin necesidad de recurrir a las palabras y es
que hay maneras de expresarse que son más espontáneas
que las palabras.
En definitiva hay emociones que no se pueden decir con
palabras pues no podrían abarcar completamente tal
sentimiento: la alegría, el amor, la religiosidad, el dolor,
el miedo, la tristeza y muchos más.
En ese afán por querer comunicarse integramente, nace
la música y nacieron todas las artes que son la forma más
perfecta de expresión del hombre.
Papiro egipcio (1500 a. de C.). Se recomendaba el uso de la música
para curar la infertilidad de las mujeres.
En los pueblos prehispánicos se
empleó la música en las
festividades religiosas, militares y
sociales.
Donde quiera que estemos, ya sea
en casa, en el trabajo o en el auto
siempre escuchamos música.
Danza en las Cuevas de El Cogul
(Lérida). En esta pintura rupestre
varias mujeres danzan alrededor
de un hombre desnudo. Los ritos
asociados con danzas y ritmos
repetitivos eran habituales en casi
todas las culturas prehistóricas.
Pitágoras considera a la música
como «una medicina para el
alma», y Aristóteles la utiliza para
llegar a la catarsis emocional.

CÓMO SE ORIGINÓ LA MÚSICA
Es difícil precisar con exactitud el origen de la música y
enmarcarlo en una época precisa de la historia. Sin
embargo, se conoce que desde la Prehistoria los hombres
usaron diferentes objetos para emitir sonidos. No
obstante, como el objetivo de esta actividad era
comunicarse entre sí o simplemente replicar los sonidos
que escuchaban en la naturaleza, no se puede hablar de
música en el sentido más estricto del término.
El origen de la música, entendida como la creación de
sonidos complejos, tuvo que esperar un poco más.
Muchos investigadores coinciden en que el término
―música‖ deriva del vocablo griego ―musa‖, las famosas
deidades de la mitología griega y romana que tenían la
capacidad de inspirar a los hombres dedicados a las artes.
Rebuscando en el tiempo, vemos que en la Antigua
Grecia ya se conocía la música. El famoso filósofo
Platón solía afirmar que ―de la misma forma en que la
gimnástica sirve para fortalecer el cuerpo, la música es el
vehículo para enriquecer el ánimo‖.
Sin embargo, no fue hasta la difusión del catolicismo que
la música cobró auge. Con el objetivo de alabar a Dios,
se creó la música sagrada, los cantos gregorianos y, más
tarde, la notación musical, o sea, el alfabeto musical que
brindó la posibilidad de escribir música utilizando los
símbolos adecuados que le permitían a los músicos
seguir el ritmo y la entonación.
Atenea junto a las musas, de Frans Floris (c. 1560).
Se tiene restos de flautas tubulares
de hueso de 3, y luego de 5 orificios
de digitación, como instrumentos
puramente melódicos fabricados
en la prehistoria.
El filósofo Platón consideraba a la
música como la base de la
educación que abarcaba también
la poesía y la danza. En Grecia la
música estaba considerada como
un medio eficaz para la educación
moral de los ciudadanos.
En Roma, durante el reinado de
rey etrusco Servio Tulio, 578-534
a.C, fueron instituidos
formalmente los grupos de músicos
en las Milicias Romanas,
integrados por instrumentos de
viento y con funciones específicas
para las ceremonias y el combate.
El canto gregoriano nace en la
Edad Media y aporta la polifonía a
la música.

De hecho, el origen de la música escrita (utilizando los
primeros símbolos) resale alrededor del siglo VI de la era
cristiana. Sin embargo, estos símbolos eran muy
limitados y no permitían cubrir adecuadamente todas las
extensiones musicales y la complejidad armónica. Por
eso, en el periodo comprendido entre 992 y 1050, Guido
d‘Arezzo se creó el primer sistema de escritura musical
definido ―diastemático‖, que consistía en transcribir
símbolos que representaban una escritura. Así, por
primera vez en la historia, se pudieron indicar todas las
alturas de las notas musicales.
Guido llamó ese sistema ‗tetragrama‘ ya que las notas
musicales se desarrollaban en una red de cuatros líneas
paralelas. Este sistema fue el precursor del moderno
pentagrama y de las notas musicales que utilizamos hoy
en día.
Guido de Arezzo es también el responsable de los
nombres de las notas musicales. En aquella época solía
cantarse un himno a san Juan el Bautista, que tenía la
particularidad de que cada frase musical empezaba con
una nota superior a la que antecedía. Guido tuvo la idea
de emplear la primera sílaba de cada frase para
identificar las notas que con ellas se entonaban.
Nota
Texto original
en latín
Traducción
Ut - Do
Re
Mi
Fa
Sol
La
Si
Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes.
Para que puedan
exaltar a pleno pulmón
las maravillas
estos siervos tuyos
perdona la falta
de nuestros labios impuros
San Juan.
Himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis— atribuido
a Pablo el Diácono.
Guido de Arezzo (Arezzo, Toscana
991/992 - † Avellano c.1050) fue un
monje benedictino italiano, teórico
musical y figura central de la
música de la Edad Media.
Carlos I el Grande, llamado
Carlomagno (742, 747 o 748 – 814).
Ordenó el establecimiento de
escuelas donde se practica la
música litúrgica.
En Jerusalén, el Rey David
(músico y poeta) regresaba de
organizar la música en la Villa
Santa. La Biblia no señala
escritura musical, pero si cánticos
sagrados.

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