Los 40 principales

PINTORES: - PIETRO CAVALLINI - ALESSANDRO DI MARTIANO DI VANNI FILIPEPI, SANDRO BOTTICELLI - HIERONYMUS BOSCH - LEONARDO DA VINCI - RAFAELLO SANZIO - DOMÉNIKOS THEOTOKÓPOULOS, “EL GRECO” - PETER PAUL RUBENS - FRANCISCO DE ZURBARÁN - VELAZQUEZ, DIEGO DE SILVA - BARTOLOME ESTEBAN MURILLO - HENRIETTA JOHNSTON - GOYA, FRANCISCO JOSE - JAMES ABBOTT McNEILL WHISTLER - CLAUDE-OSCAR MONET - PIERRE-AUGUSTE RENOIR - VINCENT WILLEM VAN GOGH - JOAQUÍN SOROLLA - PABLO PICASSO - JOAN MIRO - SALVADOR DALÍ

PIETRO CAVALLINI Pietro Cavallini (h. 1250 – h. 1330) fue un pintor italiano de estilo italo-gótico; también diseñó mosaicos. Trabajó a finales de la Edad Media. Se sabe poco de su biografía, áunque sí que era de Roma, pues firmaba pictorromanus. Su primera obra destacada fueron los ciclos de mosaico para la Basílica de San Pablo Extramuros, con historias del Antiguo y Nuevo Testamentos (1277-1285). Quedaron destruidos en el fuego de 1823. Su Juicio Final en la Basílica de Santa Cecilia en Trastevere en Roma, pintado hacia 1293 y considerada la obra maestra de Cavallini, demuestra un estilo artístico conocido como naturalismo romano. Este naturalismo influirá en la obra de artistas que trabajaron en otras ciudades italianas como Florencia y Siena. A partir de 1308 Cavallini trabajó en Nápoles en la corte del rey Carlos II de Anjou, en particular en las iglesias de San DomenicoMaggiore (1308) y Santa MariaDonnaregina (1317), junto a su paisano romano FilippoRusuti. Regresó a Roma antes de 1325, comenzando la decoración externa de la Basílica de San Pablo Extramuros en 1321, con una serie de mosaicos en estilo bizantino. Entre los alumnos de Cavallini estaba Giovanni di Bartolommeo.

La Anunciación, Santa Maria in Trastevere Juicio Final La Crucifixión

ALESSANDRO DI MARTIANO DI VANNI FILIPEPI, SANDRO BOTTICELLI Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores (on) en el arrabal de Ognissanti. A esta misma parroquia de Ognissanti o Todos los Santos pertenecieron los Vespucci, aliados de los Médicis, y de quienes recibiría encargos. Era el menor de cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di AmedeoFilipepi, de oficio curtidor, y su esposa Smeralda. Cuando nació Sandro, su hermano mayor Giovanni tenía 25 años, y se cree que lo adoptó y lo educó. Giovanni tenía el apodo de «Botticello» («tonelete»), sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano Antonio el que tenía este mote. De él deriva el apodo de «Botticelli». No se convirtió en aprendiz hasta alcanzar los catorce años de edad, lo que indicaría que recibió una educación más completa que otros artistas del Renacimiento. Según Vasari, fue primero aprendiz de orfebre con su hermano Antonio (en 1458). Accediendo a los deseos del niño, el padre lo mandó al taller de Fray FilippoLippi, en Prato (de 1464 a 1467). De este pintor recibe Botticelli sus mayores influencias: la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos (herencia del estilo del Gótico tardío) y un estilo íntimo. Curiosamente, años después, Botticelli acabaría siendo maestro, y teniendo en su taller al hijo de Filippo, FilippinoLippi. En 1467 Sandro vuelve a Florencia, frecuentando el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci. De esta época datan toda una serie de Madonas influidas por Lippi.

La primavera (1481-82) El Nacimiento de Venus, 1484 Retrato de una joven 1480-85

HIERONYMUS BOSCH Jero en Anthoniszoon van Aken, llamado Hieronymus Bosch, nació el dos de octubre de 1450 en Bolduque (Países Bajos). Fue un pintor flamenco. Firmó algunas de sus obras con Bosch. En español es conocido como el Bosco Para resaltar el género humano del pecado universal el pintor propone la meditación sobre las penas sufridas por Cristo. En los últimos años de su actividad, el estilo del Bosco cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. El Bosco no fechó ninguno de sus cuadros y sólo firmó algunos. Protagonista de sus cuadros es la humanidad, que incurre en el pecado y es condenada al Infierno; la única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos, a través de la imitación de sus vidas dedicadas a la meditación aunque estén rodeados por el mal, sea en las tablas con la Pasión de Cristo, a través de la meditación sobre las penas sufridas por Cristo, para rescatar al género humano del pecado universal. En los últimos años de su actividad, el estilo del Bosco cambió y creó cuadros con un número inferior de figuras y de mayor tamaño que parecen sobresalir del cuadro y acercarse al observador. El rey Felipe II de España compró muchas de sus obras después de la muerte del pintor; como resultado, el Museo del Prado de Madrid posee hoy en día varias de sus obras más famosas. El Bosco falleció en agosto de 1516 en el mismo lugar en el que nació.

La Coronación de espinas San Juan Bautista en meditación Cristo con la Cruz a cuesta

LEONARDO DA VINCI Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado del hombre del Renacimiento (Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519). Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado florentino, quien no le permitió conocer a su madre, una modesta campesina. Leonardo se formó como artista en Florencia, en el taller de Andrea Verrochio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como Milán (en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el mecenazgo del duque Ludovico Sforza, el Moro) o Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis). Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó a construirse, por lo que de su obra como escultor y arquitecto sólo quedan indicios en sus notas y bocetos personales. Por tanto, la obra pictórica de Leonardo da Vinci la que le ha hecho destacar como un personaje cumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros conservados, entre los cuales destacan La Gioconda o Mona Lisa, La Anunciación, La Virgen de las Rocas, La Santa Cena, La Virgen y Santa Ana, La Adoración de los Magos, el Retrato de Ginebra Benzi. Son composiciones muy estudiadas, basadas en la perfección del dibujo y con un cierto halo de misterio, en las que la gradación del color contribuye a completar el efecto de la perspectiva; en ellas introdujo la técnica del sfumato, Interesado por todas las ramas del saber y por todos los aspectos de la vida, los apuntes que dejó Leonardo contiene también incursiones en otros terrenos artísticos, como la música o la literatura. Según su criterio no debía existir separación entre el arte y la ciencia, como no la hubo en sus investigaciones, dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía humana, la zoología, la astronomía, la física o la ingeniería.

La Monalisa La batalla de Anghiari La último cena

RAFAELLO SANZIO RaffaelloSanzio, también conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael(Urbino, actual Italia, 6 de abril de 1483 – Roma, 6 de abril de 1520 ), fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportaciones en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

Los desposorios de la Virgen Escuela de Atenas La Galatea

DOMÉNIKOS THEOTOKÓPOULOS, “EL GRECO” Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura española. Nació en 1541 en Candía, Creta y pintó en un estilo bizantino tardío. El Greco era un hombre de gran erudición, aficionado a la literatura clásica. Alrededor del año 1566, se trasladó a Venecia, donde permaneció hasta 1570. Recibió una gran influencia de dos de los grandes maestros del renacimiento. Asimilando el colorido de Tiziano, y la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, de Tintoretto. La influencia de la obra de MichelangeloBuonarroti es evidente en su Piedad (1572). El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones, que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas. En Roma conoció a varios españoles que le persuadieron para que viajara a España. En 1577 llegó a Toledo y pronto recibió el primer encargo de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo y se puso a trabajar en La Trinidad (1579). La labor de El Greco como retratista fue muy significativa. Su visión personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística. El Greco gozó de una excelente posición en Toledo, donde recibió a miembros de la nobleza y de la elite intelectual, como los poetas Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, cuyos retratos pintó. Pintó también algunos cuadros de la ciudad de Toledo, temas de la mitología clásica y del Viejo Testamento, como el de la obra inacabada que muestra la escena apocalíptica de El quinto sello del Apocalipsis (1608), atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales. Murió en Toledo el 7 de abril de 1614.

Vista de Toledo (1610) La Trinidad (1579) El expolio (1579) Evidencia el alargamiento de figuras y el horror vacui (pavor a los espacios vacíos), rasgos típicos de El Greco.

PETER PAUL RUBENS Peter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), Su padre, Jan Rubens, era un abogado calvinista de Amberes (Brabant). Sin embargo, en 1570 tuvo que huir por motivos religiosos y se refugió en Colonia, en Renania del Norte-Westfalia (Alemania). En esta ciudad, el exconcejalJan Rubens, casado con María Pypelynckx, fué nombrado consejero jurídico de la segunda esposa de Guillermo de Orange, Ana de Sajonia, donde, a lo que parece, JanRuberns aprovechaba para convertirse en amante de la segunda esposa del Principe Guillermo .fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca tratando toda clase de temas, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Unos 3.000 cuadros de sus talleres donde al parecer, trabajaban en cadena. Fueron pintados por él y discípulos suyos como Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Cornelis de Vos, y Antoon van Dyck, que trabajaron en y para la Corte Española en Madrid . Buen linguista, fué diplomático entre distintas cortes europeas.

Clara Serena, hija de Rubens y de IsabellaBrandt, murió también en Amberes en 1623, como su madre, a los 12 años de edad Retratoecuestredel Duque de Lerma, 1603, Museo del Prado, Madrid. La Infanta real Isabel Clara Eugenia.

FRANCISCO DE ZURBARÁN Nació en Fuente de Cantos (al sur de la provincia de Badajoz) el 7 de noviembre de 1598. A los 16 años, y durante tres años, fue aprendiz en el taller sevillano de Pedro Díaz Villanueva -pintor de imágenes piadosas-. Una vez terminado el aprendizaje, Zurbarán se fue a Llerena. Con 18 años se estableció como pintor y al año siguiente contrajo matrimonio por primera vez con María Páez, una mujer viuda, diez años mayor. Se casaron en 1618 y ella murió en 1623. En 1625 contrajo matrimonio con Beatriz de Morales, también viuda y mayor que él. En 1644 fue su tercer y último matrimonio con Leonor de Tordera, una mujer mucho menor que él. En Llerena residió durante más de diez años realizando trabajos para diversos conventos de Extremadura y Sevilla. En 1629 fue invitado por el municipio de Sevilla y se instaló en la ciudad durante los siguientes 30 años, pero entre 1634 y 1635 se fue a Madrid con el encargo de pintar la serie mitológica de Los trabajos de Hércules y dos cuadros de batallas para el Palacio del Buen Retiro. Su momento de gran producción artística fue la década de 1640. En ese tiempo realizó varias pinturas para el monarca Felipe IV, por lo que alguna vez firmó pintor del Rey. En la siguiente década, por el contrario, comenzó a mermar el trabajo, ya que no recibía tantos encargos. Una de las causas pudo haber sido la competencia que le empezaba a hacer Murillo. Pero él, a pesar de este declive en su carrera, continuó pintando excelentes obras. En 1658 viajó por segunda vez a Madrid, donde se quedó a vivir de forma definitiva, aunque con dificultades económicas. Hasta su muerte, la cual ocurrió el 27 de agosto de 1664, estuvo sumido en una gran pobreza.

La Inmaculada Concepción Defensa de Cádiz Contra los Ingleses. La visión de San Pedro Nolasco (1628)

VELAZQUEZ, DIEGO DE SILVA El pintor más sobresaliente de la pintura española. Nace en Sevilla en 1599 y aprendiz del pintor Pacheco. En 1617 ya era maestro pintor y pinta con maestría técnica y gran personalidad. En sus primeras obras su estilo es naturalista, las figuras religiosas son retratos más que tipos ideales y la luz tiene ya una cualidad misteriosa. Su pincelada es densa pero ágil. En 1623 fue llamado a Madrid por el conde-duque de Olivares, sevillano como él. Felipe IV quedó prendado del artista y le nombró pintor de corte a la edad de veinticuatro años convirtiéndose en el más prestigioso pintor del país. Nunca perdió la admiración del rey. A partir de entonces abandonó el tema del bodegón y aunque pintó temas religiosos y mitológicos e históricos, se convirtió esencialmente en retratista en cuya tarea humanizó la tradición del retrato de corte tradicional, dotando a sus modelos de vida y carácterización psicológica. En 1628 conoció a Rubens y al año siguiente viajó a Roma, hasta 1631. Su pincelada es ahora más suelta, por influencia de los grandes maestros que conoce en este viaje y se nota maduración en la composición de sus cuadros. Está dentro de la tradición barroca pero sin ampulosidad ni embellecimientos alegóricos. En sus últimos años en Madrid siguió siendo objeto de honores y alcanzó nuevas metas como pintor. Su pincel es brillante y libre, es un hábil colorista. Subordina el detalle al efecto de conjunto. Pinta la atmósfera con una viveza sin precedentes. Todo esto culmina en su obra más famosa, Las Meninas, el mejor cuadro del mundo en opinión de muchos artistas y críticos.

Las Lanzas o la rendición de Breda (1634) Las meninas (1656) El aguador de Sevilla (1623)

BARTOLOME ESTEBAN MURILLO (Sevilla, 31 de diciembre de 1617 - Cádiz, 3 de abril de 1682) fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española, que tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante reconocimiento mundial Bartolomé Esteban Murillo nació en 1617 en la ciudad de Sevilla, hijo menor de una familia de catorce hermanos. El padre de Bartolomé Esteban Murillo era un cirujano barbero llamado Gaspar Esteban y su madre se llamaba María Pérez Murillo, de quien tomó el apellido para firmar su obra. Al morir sus padres cuando tan sólo tenía 10 años ,Bartolomé Esteban Murillo pasa al cuidado de una de sus hermanas mayores, Ana, casada con un barbero cirujano de nombre Juan Agustín de Lagares, con quien el joven Bartolomé Esteban Murillo mantendría muy buena relación. Aunque inculcado por su padre ya era aficionado al dibujo, se formó en el taller de su pariente Juan Castillo, respetado artista en Sevilla, donde pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. Bartolomé Esteban Murillo llegó a pasar allí 5 años, siendo uno de sus compañeros de taller el pintor granadino Alonso Cano Bartolomé Esteban Murillo tomó la resolución de abandonar su ciudad al menos por un tiempo; el inconveniente sería su situación económica, por lo que tras comprar una pieza de tela y hacerla trozos, pudo pintar en cada uno de ellos un cuadro que vendería a un mercader que embarcaba para Indias.

La Virgen de Sevilla La obra de Bartolomé Esteban Murillo fue adquiriendo importancia y evolucionó hacia un pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas. Murillo se convirtió en un excelente pintor y poco a poco cimentó su fama. La Inmaculada Concepción del Escorial El Nacimiento de la Virgen

HENRIETTA JOHNSTON Henrietta de BeaulieuDering Johnston (ca. 1674 – 1729), pintora de retratos en pastel, es reconocida como la primera mujer artista profesional de la cual se tiene registro en Norteamérica. Vivió en las colonias inglesas de América del Norte aproximadamente desde 1708. No se conocen ni el lugar ni su fecha de nacimiento, aunque se cree que fue cerca de la ciudad de Rennes, en el noroeste de Francia. Sus progenitores fueron franceses. Henrietta contrajo matrimonio con Robert Dering en 1694 y se mudó con él a Irlanda, donde tuvieron dos hijas; allí fue que comenzó a desarrollar la técnica del pastel, pintando a gente importante a la cual estaba relacionada por su matrimonio, entre ellos Jonh Percival, quien más tarde se convirtió en Conde de Egmont y uno de los Condes de Barrymore. Poco se conoce sobre la vida de esta artista en las colonias. Se sabe que viajó a algún lugar de Nueva York, donde hay cuatro retratos fechados en 1725. Regresó a Charles Town algún tiempo antes de su muerte en 1729.No se sabe mucho sobre su aprendizaje artístico; en la pose y el color muchos de sus retratos recuerdan a los de Sir GodfreyKneller, de moda en aquel tiempo en el Reino Unido y las colonias. Sus pasteles de Irlanda están realizados en profundos tonos tierra, mientras que los hechos en Carolina del Sur son generalmente más claros y más pequeños, pudiendo notarse la calidad de los materiales, probablemente importados. Cada personaje es retratado de la cintura para arriba, en pose erguida, con la cabeza un poco girada en dirección el espectador, los rostros con grandes ojos ovalados y detalles bien delineados de pestañas, rizos y adornos.

Pierre Bacot Utilizaba normalmente hojas de papel de 22,5 x 30 cm y un armazón simple de madera, en cuya parte posterior anotaba su nombre, además del lugar y fecha de realización de la obra. Señora Pierre Bacot Henriette Charlotte Chastaigne

GOYA, FRANCISCO JOSE Pintor y dibujante innovador, uno del triunvirato de los grandes pintores españoles, con El Greco y Velázquez. Una gran parte del arte de Goya se deriva de Velázquez, como una gran parte del arte del francés Manet o del español Picaso se deriva de Goya. Nació en Fuendetodos, cerca de Zaragoza en 1746. Su formación artística empezó a los 14 años como aprendiz de José Luzán. En 1763 fue a Madrid, y conoció a Francisco Bayéu, quien tuvo una gran influencia en la formación de Goya, y consiguió que se le asignara las pinturas al fresco de la Basílica del Pilar de Zaragoza (1771, 1780-82). En 1771 Goya fue a Italia por un año, a su regreso participó en varios proyectos al fresco, como la Cartuja de Aula Dei, en Zaragoza, en 1774. En 1786 Goya trabajaba en calidad de pintor oficial de Carlos III, el más ilustrado de los monarcas españoles del siglo XVIII. En el invierno de 1792, viajando por el sur de España, Goya contrajo una enfermedad que le dejó totalmente sordo, y marcó un pronunciado cambio en su estilo, haciéndole muy pesimista. Los horrores de la guerra se originaron en su observación personal de las matanzas de ciudadanos españoles por las tropas napoleónicas. Los cuadros de humor negro, como las escenas de brujas y otras actividades bizarras, figuran entre las más extraordinarias de sus últimos años. Goya murió en 1828, y aunque no dejó inmediatos discípulos de importancia, su influencia fue enorme en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte en general del siglo XX.

La maja desnuda (1803) Corrida de toros (1815) La lucha contra los mamelucos (1814)

JAMES ABBOTT McNEILL WHISTLER JamesAbbottMcNeillWhistler (Lowell, Massachusetts, EE. UU., 14 de julio de 1834 – Londres, 17 de julio de 1903) fue un pintor estadounidense, que vivió sobre todo en Francia e Inglaterra. Invitaron a su padre, George Washington Whistler, a Rusia en 1842 para construir el ferrocarril y aprendió francés en el colegio allí. Estuvo en la UnitedStatesMilitaryAcademy en West Point varios años y la dejó por suspender un examen de química. Muchas de sus obras fueron controvertidas y fue una figura clave en el movimiento estético. Ilustró Les Chauves-Souris con Antonio de La Gandara, uno de sus muchos amigos, entre los que destacaban impresionistas como ÉdouardManet u Oscar Wilde, de quien se rió cuando descubrió su homosexualidad y con quien se cree que mantuvo un romance, al igual que con Walter Richard Sickert, a quien acusaron de ser Jack el Destripador. Whistler compartió su amante, Joanna Hiffernan, con GustaveCourbet, como modelo. Los historiadores especulan que su L'Origine du monde fue motivo para romper su amistad con Courbet. Está enterrado en StNicholas'sChurch en Chiswick, Londres.

En sus comienzos fue pintor estilo realista victoriano clásico y posteriormente evolucionó a una forma de neo impresionismo. Madre de Whistler Crepúsculo en Valparaíso En el Piano

CLAUDE-OSCAR MONET (París, Francia, 14 de noviembre de 1840 - Giverny, 5 de diciembre de 1926) fue un pintor impresionista francés. Monet recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela de la mano de François-Charles Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David. A los 17 años falleció su madre, la única persona con cierto talento artístico de la familia. La pérdida supuso un duro golpe para el joven, quien establecerá una estrecha relación con su tía, Marie-Jeanne Lecadre, interesada por la pintura. Para que la formación del joven en París no significara un peso para la economía familiar solicitó, en dos ocasiones, una beca al ayuntamiento de Le Havre, aunque Monet empleó sus ahorros para irse a la capital, a pesar de la negativa paterna. Los problemas económicos serán una constante durante buena parte de la vida de Monet. En 1868 intenta suicidarse sin éxito por esta razón pero en verano las cosas parecen ir mejor y se traslada a la costa normanda con Camille y Jean, tomando parte en una exposición en Le Havre. Muere el 5 de diciembre de 1926 a los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste de París.

Los Nenúfares Mujeres en el jardín, 1867 Gondolas

PIERRE-AUGUSTE RENOIR Nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño", y una naturaleza con manzanas. Dibuja las formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por primera vez deja la pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más importante obra de este período Grandes baigneuses, cuadro que tardó tres años en completar. Pierre-Auguste Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus pinturas, recién pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto a su esposa. Como casi todos los restantes impresionistas, fue un autor ausente de los museos españoles hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza. La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, expuesta en una ampliación del mismo museo, cuenta también con ejemplos suyos. La Casa de Alba cuenta con un "Busto de mujer con sombrero de cerezas" (Palacio de Liria, Madrid) que fue adquirido por la actual duquesa en su juventud.

Le Bal au Moulin de la Galette Au concert dans une loge à l'Opéra El almuerzo de los romeros

VINCENT WILLEM VAN GOGH El pintor holandés Vincent Van Gogh es uno de los artistas más famosos y reconocidos de todos los tiempos. Nació en la ciudad de GrootZunder el día 30 de marzo de 1853, proveniente de una familia de clase media donde sus tíos se dedicaban a la venta de obras de arte, siendo este su primer contacto con la pintura. En el año 1873 se radica en la ciudad de Londres y en su regreso a Paris en 1886 crea junto a su hermano el grupo “impresionistas del sur”, con la intención de reunir a los artistas de la época. A lo largo de su vida sufrió una serie de desequilibrios emocionales que lo llevaron entre otras cosas a cortarse la oreja en 1880 y a vivir con una serie de trastornos, lo que se refleja maravillosamente en las pinturas de Van Gogh. Sus obras de arte más famosas e impactantes las comenzó a desarrollar luego de descubrir el estilo impresionista de los pintores franceses, donde incluso llegó a considerar que sus trabajos estaban pasados de moda y que ya no tenían ningún valor. En este momento de su vida deja de lado sus paletas oscuras y comienza a pintar sobre el óleo con tonalidades más vivas e intensas, incursionando desde allí en los retratos y paisajes abstractos donde las flores siempre están presentes. Las pinturas de Van Gogh se consideran un estilo post-impresionista, convirtiéndose en uno de los pintores referentes de la historia moderna junto a Dalí, Goya y Picasso. A lo largo de su vida llegó a pintar más de 900 cuadros, donde 27 de ellos se tratan de autorretratos de diferentes momentos y sentimientos.

Los comedores de patatas (1885) Autorretrato (1887) La noche estrellada

JOAQUÍN SOROLLA Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, 10 de agosto de 1923 a los 60 años de edad), fue un pintor y artista gráfico español impresionista. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Cuando apenas contaba con 2 años de edad, fallecieron sus padres de una epidemia. Al quedar huérfanos, su hermana Eugenia y él, su tía Isabel, hermana de su madre, y su marido, de profesión cerrajero, los acogieron. Pasados los años intentaron enseñarle, en vano, el oficio de la cerrajería, advirtiendo pronto que su verdadera vocación era la pintura. En 1874 empezó a estudiar en la Escuela Normal Superior donde le aconsejaron que también se matricularse en las clases nocturnas de dibujo en las Escuelas de Artesanos, en Valencia. En ésta última recibió, en 1879, una caja de pinturas y un diploma como premio «por su constante aplicación en el dibujo de figura». Ese mismo año, a la par que trabajaba en el taller de su tío, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en la que estudió junto a pintores como Manuel Matoses, Benlliure o Guadalajara. En 1920, mientras pintaba el retrato de la señora Pérez de Ayala en el jardín de su casa en Madrid, padeció un ataque de hemiplejía que mermó drásticamente sus facultades físicas y mentales. Murió en su casa de Cercedilla el 10 de agosto de 1923.

Ayamonte (1919). Pesca del Atún. Patio de la casa Sorolla, Madrid, 1917 (Colección Carmen Thyssen-Bornemisza). Marina (1880) correspondiente a la primera etapa de Sorolla, cuando aún no había acabado su formación académica

PABLO PICASSO Nació de octubre el 25 de 1881 en Málaga, España. Fue un estudiante brillante. Picasso aprobó con distinción los exámenes de incorporación a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Según cuenta la historia, su padre fue uno de los pilares en el desarrollo de la obra incipiente de Picasso, incitándolo a pintar a temprana edad, debido al reconocimiento que su padre hacía a las virtudes artísticas de su hijo. En la obra de Picasso son observables diversos períodos de desarrollo. "El período azul" comprendió desde 1900 a 1904. Es caracterizado por el uso de diversas cortinas del azul que subrayan el estilo melancólico de sus temas ; gente sufriente enmarcadas en cuerpos finos, medio hambrientas, etc.Durante el período rosa de Picasso, desde 1905 hasta mediados de 1906, su obra se movió hacia tonalidadesS rosas , con temáticas cercanas al mundo del circo. En 1937 el artista crea la pintura Guernica, una protesta contra el ataque aéreo ,contra una aldea de Basque durante la Guerra Civil Española. El Guernica es un mural enorme en colores blanco y negro. Guernica fue exhibido en el museo del arte moderno en York nueva hasta 1981. Fue trasladado al museo de Prado en Madrid, España hacia 1981 y cambiado más adelante al Museo de Arte de la Reina Sofía en 1992. Picasso condicionó la "repatriación" del Guernica a España, al término del gobierno fascista de Franco.

GUERNICA Periodo Expresionista BAÑISTA AL BORDE DEL MAR Periodo Surrealista LOS AMANTES Periodo clásico

JOAN MIRO (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, España, 1983) Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp. De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos. Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como TristanTzaras. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior. Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho. La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo.

El carnaval del arlequín (1925) La Sonrisa de una Lágrima (1973) Interior holandes (1928)

SALVADOR DALÍ (Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989) Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí". Puesto que la persecución sería incesante y el objetivo no habría de alcanzarse nunca y, dado que en ningún recodo de su biografía estaba previsto que hallara el equilibrio y la paz, decidió ser excesivo en todo, interpretar numerosos personajes y sublimar su angustia en una pluralidad de delirios humorísticos y sórdidos. Se definió a sí mismo como "perverso polimorfo, rezagado y anarquizante", "blando, débil y repulsivo. Su longeva existencia, tercamente consagrada a torturar la materia y los lienzos con los frutos más perversos de su feraz imaginación, se mantuvo igualmente fiel a un paisaje deslumbrante de su infancia: Port-Lligat, una bahía abrazada de rocas donde el espíritu se remansa, ora para elevarse hacia los misterios más sublimes, ora para corromperse como las aguas quietas. Místico y narciso, Salvador Dalí, convirtió la irresponsabilidad provocativa no en una ética, pero sí en una estética, una lúgubre estética donde lo bello ya no se concibe sin que contenga el inquietante fulgor de lo siniestro. Dalí exhibió de forma provocativa todas las circunstancias íntimas de su vida y su pensamiento.

LandscapeNear Figueras1910 Shirley Temple1939 The Battle of Tetuan1961-62

ESCULTORES - MICHELANGELO DI LODOVICO BUONARROTI SIMONI - GIAN LORENZO BERNINI - ANTONIO CANOVA - AUGUSTE RODIN - CONSTANTIN BRANCUSI - HENRY SPENCER MOORE - ALEXANDER CALDER - ALBERTO GIACOMETTI - FERNANDO BOTERO ANGULO - JUAN MUÑOZ

MICHELANGELO DI LODOVICO BUONARROTI SIMONI Michelangelo di LodovicoBuonarrotiSimoni(Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renancentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por s sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido. Vita de MichelangeloBuonarroti, escrita en 1553 por AscanioCondivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole: ...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos...

La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal. La Piedad de la basílica de San Pedro del Vaticano

Crucifijo del Santo Spirito Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un Crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura.

-Título: Ángel de San Domenico.-Autor: Miguel Ángel.-¿Qué es?: Es una escultura exenta, de mármol.-Fecha: Creada en 1495.-Localización: Basílica de San Domenico en Bolonia.-Datos Técnicos: 2,048×1,536 Recibió el encargo de parte de Francesco Aldovrandi, de realizar tres esculturas para completar la sepultura del fundador del convento de San DomenicoMaggiore, llamada Arca de Santo Domingo, para la que esculpió un Ángel porta candelabro, arrodillado que forma pareja con otro realizado por Niccolòdell'Arca, además un San Próculo y un San Petronio Ángelde San Domenico de Bolonia (1495).

GIAN LORENZO BERNINI Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. Bernini era ya un artista de fama internacional, y en 1664 el ministro Colbert durante el reinado de Luis XIV, convence al papa para que le ceda a su artista predilecto. Así, en 1665 Bernini parte para Francia, con el encargo de reestructurar el palacio del Louvre. Fue recibido como un príncipe, sin embargo la experiencia francesa duró tan solo seis meses. Su estilo no gustaba a los comisionados franceses, que prefirieron encargar el trabajo a Claude Perrault. Sí que realizó, a pesar de todo, un Retrato ecuestre de Luis XIV.

Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. Tiene una altura de 3,5 metros. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo Éxtasis de Santa Teresa.

Sepulcro de mármol, que el cardenal PaluzzoAlbertoniAltieri encargó al genial escultor Gian Lorenzo Bernini (1589-1680). Éste, tras el éxito de su "Éxtasis de Santa Teresa", y en plena madurez artística, representó a la beata LudovicaAlbertoni moribunda, recostada y en éxtasis, expresando al mismo tiempo en su rostro el sufrimiento humano y el gozo espiritual. El mismo Bernini dispuso la capilla de manera que un chorro e luz cayera desde una claraboya invisible sobre el rostro de la beata. Éxtasis de la beata LudovicaAlbertoni.

El trabajo en mármol blanco está tallado en 1641 y forma parte de una larga tradición de bustos que representan a personajes famosos como los de Francesco I de Este, Alejandro VII, Luis XIV, Paulo V, Urbano VIII, Carlos I de Inglaterra. La escultura está bien tallada con mucho detalle en el vestido y la expresión de la cara, que se caracteriza por un aire noble. Busto del cardenal Richelieu

ANTONIO CANOVA AnonioCanova (1757- 1822). Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces Canova ya deslumbraba con sus obras talladas en marmol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canova fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Canova era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es facil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo situan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana.

Cupido y Psyche Las Tres Gracias. Magdalena Penitente

AUGUSTE RODIN Auguste Rodin (París, 12 de noviembre de 1840 - Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.

Las Puertas del Infierno son, en definitiva, una reflexión sobre la condición humana, con sus luces y sombras. Distinguimos toques de romanticismo y simbolismo en la temática de la obra y un enfoque más realista si tenemos en cuenta los efectos de la luz (y por la afinidad artística y personal del autor). Algunas de las numerosas figuras fueron más tarde reproducidas por Rodin de forma independiente, como es el caso de su famosa escultura El pensador (ubicado en el dintel de la puerta), así como Las tres sombras (que aparecen en la parte más superior). La figura El beso y los laterales son partes de estas puertas que también hay que destacar. Las Puertas del Infierno

La Catedral: recibe este nombre un par de manos que figuran la creación, la herramienta con las que crea el hombre. Esta obra será muy importante. Es relevante observarla con diferentes puntos de vista para apreciar todos los detalles que esconde este par de manos. Gran nivel de detalle, con la piel, las venas, todo muy real (contraste también entre la superficie pulida que corresponde a la piel de las manos y la superficie rugosa de la base donde éstas se encuentran apoyadas).

Los Burgueses de Calais: se trata de un encargo que representa una hazaña heroica de un conjunto de personas de la ciudad de Calais, que se opone a la ocupación de ésta. Rodin hará una escultura en un podio bajo, a ras del suelo (para que la gente pueda contemplarla mejor). Son un conjunto de seis personas, prácticamente individualizadas debido a la vestimenta, el rostro, su expresión, el gesto de las manos, etc

CONSTANTIN BRANCUSI ConstantinBrâncuşi (ConstantinBrancusi en la grafía francesa) fue el más famoso escultor rumano, nacido en Hobiţa (distrito 9 Gorj, cerca de la ciudad de TârguJiu) en 1876 y fallecido en París en 1957. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumanía y Australia. Brancusi estudió en Craiova (ciudad del distrito 9 Dolj, Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional militar de Bellas Artes en Bucarest desde 1894 hasta 1981. Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios. Como estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno. Entabló amistad con AmedeoModigliani, Erik Satie y Marcel Duchamp. Su obra evolucionó hacia una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. Brâncuşi, Roché & Satie. Golf playa, Fontainebleau (1923) Realizó una serie de esculturas en metal llamadas "Pájaro en el inframundo".

La puerta del beso es una escultura de travertino realizada por el escultor ConstantinBrâncuşi, que forma parte del tríptico del Ansamblul Monumental TârguJiu .Se encuentra en el callejón de la entrada del parque de la ciudad de TârguJiu, está hecha de piedra porosa, extraída de las minas que se encuentran por los alrededores. La escultura está formada por columnas anchas, paralelas, que apoyan una especie de techo de unas dimensiones mayores que las de las columnas, teniendo este la anchura de 6.45m, la altura de 5.13 y el grosor de 1.69m. En las caras de cada una de las columnas se encuentra el símbolo del beso

"Columna sin fin" en Tîrgu-Jiu. La Mesa del Silencio

HENRY SPENCER MOORE Henry Spencer Moore (Castleford, 30 de julio de 1898 – MuchHadham, 31 de agosto de 1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público. Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

Una estatua de piedra de ChacMool en Chichén Itzá. Este tipo de escultura influyó en el estilo de Moore. La escultura de bronce de Moore Die Liegende (localizada en Stuttgart) es una de sus primeras figuras reclinadas. La estatua de bronce FamilyGroup (1950), localizada en la entrada de The Barclay School en Stevenage (Hertfordshire), fue la primera comisión de gran escala de Moore después de la Segunda Guerra Mundial.

ALEXANDER CALDER Alexander Calder (22 de julio de 1898, Lawnton, Pensilvania - 11 de noviembre de 1976, Nueva York) fue un escultor estadounidense. Hijo y abuelo de escultores, siendo su madre pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1872, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Angeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P.. En 1885, contribuyó con ilustraciones para la NationalPoliceGazette. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas. Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura.

Pez de Acero - Material: metal, cable, plomo y pintura - Medidas:292x348x304 cm ,[object Object],1934 - 36 años Seis Puntos sobre una montaña ,[object Object]

Museo: HirshhornMuseum1956-58 años

Quatres Ales - Material: Acero pintado - Medidas: 5x 3,54x 3,20 - Museo: Fundación Miró (Barcelona) Escultor estadounidense de gran vitalidad y versatilidad, famoso por sus móviles, considerado como uno de los artistas más innovadores e ingeniosos del siglo XX. Recibió una gran influencia de artistas abstractos europeos como Joan Miró, Jean Arp y PietMondrian. Experimentó también con el movimiento, lo cual le condujo al desarrollo de los dos modos de escultura que le hicieron famoso, el móvil y el estable (stábile).

ALBERTO GIACOMETTI Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901 - Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo. Tras terminar la enseñanza secundaria, se trasladó a Ginebra para cursar estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes. Perfeccionista, Giacometti estaba obsesionado con crear sus esculturas exactamente como las veía a través de su exclusivo punto de vista de la realidad. En 1954 recibió el encargo de diseñar un medallón con la imagen de Henri Matisse, por lo que creó numerosos dibujos durante los últimos meses de vida del pintor. En 1962 recibió el gran premio de escultura en la Bienal de Venecia, lo que le llevó a convertirse en una celebridad internacional.

La Bola suspendida (1931) es una escultura construida como una jaula abierta de barras de hierro en cuyo interior se encuentra una esfera con una hendidura y colgada de una cuerda que roza, con un vaivén, la arista afilada de una pieza semirrecostada en forma de media luna o de gajo de naranja. Existen dos versiones, una realizada en madera y otra en escayola. El hombre que camina La Bola suspendida (1931)

FERNANDO BOTERO ANGULO Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual. A partir de 1983, Botero comenzó una serie de exposiciones a través de todo el mundo que aún hoy no acaba. Es así como sus obras son expuestas y por supuesto conocidas en ciudades como: Londres, Roma, San Francisco, Filadelfia, Boston, Chicago, Basilea, entre muchas otras ciudades que no se alcanzaría a mencionar. Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia y hasta en las Pirámides de Egipto

El rapto de Europa Mujer con espejo El Romano

JUAN MUÑOZ Juan Muñoz (Madrid, 16 de junio de 1953 - Ibiza, 28 de agosto de 2001) fue un famoso escultor español. Juan Muñoz nació en Madrid en 1953, el segundo de una familia de siete hermanos. En la década de los setenta viajó a Inglaterra para estudiar en el CroydonCollege y luego en el Central School of Art and Design. Allí conoció a su esposa, la escultora Cristina Iglesias, con quien tuvo dos hijos. En 1982 viajó a Estados Unidos para estudiar en el Pratt Centre de Nueva York con una beca. Tuvo su primera exposición en 1984 en la galería Fernando Vijande de Madrid. Desde entonces expuso sus trabajos frecuentemente en Europa y otras partes del mundo. A comienzos de los años noventa, Juan Muñoz comenzó a producir obras de carácter "narrativo" -rompiendo los límites de la escultura tradicional- las cuales constan de instalaciones de figuras de tamaño ligeramente inferior al natural en interacción mutua distribuidas en ambientes tanto cerrados como abiertos. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas. Sus figuras monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, en universalidad por su falta de particularización, pero esa ausencia de individualidad nos cuestiona y, tal vez, hasta incomoda. Para sus esculturas, Juan Muñoz utilizó principalmente papel maché, resina y finalmente bronce. Juan Muñoz falleció súbitamente de un paro cardíaco provocado por un aneurisma de esófago y una hemorragia interna a los 48 años de edad veraneando en Santa Eulalia del Río, Ibiza, el 28 de agosto de 2001.

Una habitación donde siempre llueve, Barcelona Thirteen Laughing at Each Other (2001) en Oporto. Primer pasamanos, 1987

FOTOGRAFOS - GYULA HALÁSZ - MANUEL ÁLVAREZ BRAVO - HENRI CARTIER BRESSON - ROBERT CAPA - JOSÉ ANTONIO DUCE

GYULA HALÁSZ Brassaï es el pseudónimo de GyulaHalász (1899 - 1984), fotógrafo húngaro conocido por su trabajo desarrollado en París, ciudad donde desarrolló su carrera. GyulaHalász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, GyulaHalász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. El trabajo de GyulaHalász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, GyulaHalász murió el 8 de julio de 1984 en Eze, Alpes-Maritimes, al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París.

"La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón..."

MANUEL ÁLVAREZ BRAVO Manuel Álvarez Bravo (Ciudad de México, 4 de febrero de 1902 - 19 de octubre de 2002) fue un fotógrafo y cinefotógrafo mexicano. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad. Trabajó al lado del cineasta ruso SergéiEisenstein. Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música. A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacta. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Alvarez Bravo.

El ensueño 8 x 10” Plata/gelatina 1931 El umbral 8 x 10” Plata/gelatina 1931 Frida con globos parada 8 x 10” Plata/gelatina 1931 Las imágenes, matriz de la obra de Manuel Álvarez Bravo registran personas, lugares y objetos que reflejan nuestra historia; contando un secreto, que no sólo tiene que ver con nuestra tierra, paisajes y tradiciones, sino que nos tocan en lo personal. Son imágenes relacionadas con nuestras ilusiones, nuestros fracasos, nuestras esperanzas, y que nos transportan hasta los recuerdos de la infancia. Este es el elemento poético que lo distingue y que al mismo tiempo lo hace universal.

HENRI CARTIER BRESSON Nacido en el año 1908 en Chanteloup, en Francia, no fue sino hasta cumplir los 23 años cuando empezó con la fotografía. Una Kodak Box Brownie fue su primera cámara fotográfica, y fue un año después cuando adquirió la que le hizo famoso: una Leica. Empezó con la fotografía deportiva, que le encantaba, pero pronto se dedicó al fotorreportaje, y así, junto al también famosísimo Robert Capa, fundó la agencia Magnum Photos. Tuvo el honor de ser el primer fotógrafo que vio expuesta su obra en el Museo del Louvre, en París. Y es que fue un artista en el arte de saber captar el instante preciso. El “momento decisivo” como él lo llamaba. Nunca recortó los negativos, siempre los utilizaba completos y viajó por todo el mundo para hacer muchas de sus maravillosas fotografías. En el año 1974 se dedicó a la pintura, y junto a su mujer creó la Fundación Henri CartierBresson en la que recopiló la obra de toda su vida. Henri CartierBresson murió el 4 de agosto de 2004 a los 95 años.

Srinagar, Kashmir, 1948 Alicante (1933) New England, U.S.A, 1947 El trabajo que realizó en su irreemplazable formato de 35mm, es también excepcional a nivel técnico, y más aún teniendo en cuenta su naturaleza de “cazador de la instantánea”, que le obligaba a utilizar cámaras manejables y silenciosas, a permanecer en tensión ante la búsqueda de la instantánea, y a ser rápido en la composición, preparación y disparo.

ROBERT CAPA Robert Capa (ErnöFriedmann), nació en la ciudad de Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913, en el seno de una familia judía con buen pasar económico. Su madre una diseñadora de modas y su padre un pensador intelectual con influencias aristocráticas. En Hungría, en esos tiempos, era costumbre pertenecer a un círculo, ya fuera artístico o político, y Endré, que no fue una excepción, entró a dichos círculos, donde era tradición poner sobrenombres. Así fue como recibió el apodo de Bandi. Posiblemente, el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. En 1954, encontrándose en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente.

Muerte de un Miliciano, tomada en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, el 5 de septiembre de 1936. Teruel-1937. Un soldado muerto en líneas telefónicas. DESOLACIÓN Y GUERRA. Un tanque abandonado en la cuneta de una carretera de Teruel, en enero de 1938.

JOSÉ ANTONIO DUCE José Antonio Duce Gracia, 68 años, nació en Zaragoza. Fotógrafo vocacional, a los 19 años realizó su primera fotografía con una cámara oscura fabricada por él mismo, en 1952. Estudió Fotografía en la Academia Fotográfica Hispano Americana de Barcelona (cursos 53-54 y 54-55). Ha sido Profesor de Fotografía y Cinematografía en la Escuela de Publicidad y Marketing de Zaragoza durante los cursos 67-68 y 68-69. En 1969 abrió su estudio en Zaragoza como fotógrafo independiente, especializado en fotografía publicitaria y creativa. Entre otros premios internacionales ha sido galardonado con el PortraitPhotoContest (Chicago-USA), el Nikon International PhotoContest (Japón), el LanscapePhotoSalon (Nueva Zelanda), el Salón de la Infancia (Moscú URRS), el III Ricoh International PhotoContest (Tokyo-Japón), el 40 Salon Internacional Sao Paulo (Brasil), el 18th FIAP color PrintBiennel 96 (Irlanda) y el VI Salón Internacional de Fotografía (La Habana, Cuba). También ha obtenido numerosos premios nacionales de fotografía y sus obras están en numerosos museos y colecciones. Sus fotos se han publicado en carteles, libros y revistas de todo el mundo. Y, por si fuera poco, es director de cine.

Blanca Argentina Mayte La bruja en el jardin Ha sido pionero en la utilización de la fotografía y las técnicas digitales.

ARTISTAS VARIOS - FRANK GEHRY - SANTIAGO CALATRAVA - ALEXANDER GUSTAVE EIFFEL - BANKSY - FRANCISCO ALBA MEDINA

FRANK GEHRY Nació con el nombre de EphraimGoldberg en Toronto, Canadá, EL 28 de febrero de 1929 pero adoptó más tarde la nacionalidad norteamericana. Su familia era de origen judío-polaca, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña Se graduó en 1954 (año en que se cambió el nombre por presiones de su ex-mujer) de sus estudios de arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de VictorGruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para absolver el servicio militar, y a su regreso fue admitido a la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen. En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París. Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.

Sala de Conciertos Walt Disney Los Ángeles, EE.UU Casa Danzante, Praga Museo Guggenheim, Bilbao

SANTIAGO CALATRAVA Santiago Calatrava, (Benimámet, Valencia, 28 de julio de 1951) es un arquitecto y escultor español, quien además tiene estudios de ingeniería civil realizados en Zúrich. Santiago Calatrava nació en 1951 en la pedanía de Benimàmet de Valencia. Las familias de sus padres, por ambos lados, se dedicaban a la exportación de cítricos, lo cual les permitió conocer otros países de Europa. Según consta en la biografía de su página web, desde los ocho años estudió en la Escuela de Bellas Artes donde empezó formalmente su preparación como dibujante y pintor. Se interesaba por las grandes obras de los maestros clásicos y que deseaba ampliar su formación, se trasladó en 1975 a Zúrich, donde estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología, en el cual se graduó con un doctorado en 1979. En 2007 le fue concedido el Premio Nacional de Arquitectura.

Turning Torso (Malmö, Suecia) Puente del Alamillo, Sevilla. Auditorio de Tenerife (España)

Panorámica diurna de la Ciudad de las Artes y de las Ciencias, en Valencia (España) Panorámica nocturna de la Ciudad de las Artes y de las Ciencias, en Valencia (España) L'Hemisfèric en la Ciudad de las Artes y de las Ciencias (Valencia, España)

ALEXANDER GUSTAVE EIFFEL Alexandre Gustave Eiffel (15 de diciembre de 1832, Dijon - 27 de diciembre de 1923, París) fue un ingeniero francés, especialista en estructuras metálicas. El apellido Eiffel fue adoptado por uno de sus antepasados a principios del siglo XVIII, tomado de su lugar de nacimiento: Marmagen, en la región de Eiffel, ya que en francés no se podía pronunciar su verdadero nombre: AlessandreGustafBönickhausen. No pudo ingresar en la ÉcolePolytechnique y estudió en la ÉcoleCentrale de París, en la que se graduó como Ingeniero en 1855. Poco después empezó a trabajar en una empresa de equipos para ferrocarriles. Su construcción más famosa es la Torre Eiffel. Construida entre los años 1887 y 1889 para la Exposición Universal de 1889 en París, Francia. Esta gran estructura de hierro, a parte de un símbolo parisino, llegaría a tener varios usos a lo largo de la historia. En sus últimos años empezó a estudiar aerodinámica. Eiffel murió el 27 de diciembre de 1923, a la edad de 91 años, en su mansión de la RueRabelais de París y fue enterrado en el cementerio de Levallois-Perret, en la misma localidad.

Torre Eiffel Catedral de San Marcos de Arica Puente de Fuentidueña, del siglo XIX, sobre el río Tajo.

BANKSY Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del graffiti británico. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un ingeniero de fotocopiadoras, entrenó como un carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de los 80'". Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre "Robin Banks" y "robbingbanks" ("robando bancos" en inglés). Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años.Recientemente fue capturado por el objetivo de un telefono móvil trabajando en una de sus obras en Bristol, Inglaterra. El diario británico 'The Mail OnSunday ‘ ha desvelado que Banksy es RobinGunningham, de 34 años, RobinGunningham.

Graffiti paintings on the Israeli West Bank barrier by Banksy near Qalandia - July 2005 Hombre desnudo, imagen obra de Banksy, en Park Street, Bristol, en la pared de una clínica de enfermedades sexuales, Bristol, Inglaterra. Según consulta popular efectuada, El ayuntamiento ha decidido que esta imagen no será borrada

Hecho en Londres Los grafittis de Bansky son fácilmente encontrados por las calles de Londres y cargan consigo un contenido social y una aparente aversión al abuso de autoridad y poder. Las criticas sociales en forma de esténcil de ese misterioso artista inglés mezclan la realidad con una idea; son irónicas y divertidas, provocando en el espectador una identificación total. A seguir podremos ver algunos de esos trabajos que hicieron del artista de calle un importante nombre y referencia artística.

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