2. Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, de abril de
1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador,
junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó en la génesis de
muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una
gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo.
En el pintor español Pablo Picasso se resumen todos los cambios y las
significaciones simbólicas, científicas y sociales del arte pictórico del siglo XX. Es la
clave de la pintura y aun en general del arte de nuestra época. Son evidentes sus
aportaciones morfológicas, la revolución de las formas en su obra, pero más
significativa resulta su relación con la sociedad y la época en que vivió. En el
primer aspecto, es la figura representativa del cubismo; en el segundo, una de las
cumbres del expresionismo, si bien nunca figurará entre sus grupos y actuará de
forma autónoma.
Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el que
asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades que el lenguaje
pictórico tiene para retratar a la sociedad o los problemas de una época.
4. 1881 Nace en Málaga
1895 Se traslada con su familia a Barcelona.
1898 Primera exposición individual en Els Quatre Gats, en Barcelona
1900 Primer viaje a París.
1901 Inicia el período azul, denominado así por el predominio de los tonos azules y
caracterizado por su temática de signo pesimista: la miseria humana y la marginación se
representan con figuras ligeramente alargadas.
1904 Se instala definitivamente en París. Inicia el período rosa, más vital, en que predomina la
temática cirquense.
1907 Pinta Les demoiselles d'Avignon, de tan revolucionaria concepción que el cuadro es
rechazado incluso por pintores y críticos vanguardistas.
1908 Primeros cuadros cubistas
1912 Primeros Papiers collés o collages.
1925 Trabaja en sus primeras esculturas.
1937 Pinta el Guernica, mural inspirado en el bombardeo de esta ciudad vasca, para cuya
realización esbozó más de 60 croquis preparatorios
1944 Se afilia al Partido Comunista Francés.
1946 Comienza una etapa dedicada a la cerámica
1958 Pinta el mural La caída de Ícaro para el edificio de la Unesco, en París.
1961 Se instala en Mougins.
1973 Muere en Mougins.
5. Sus primeras etapas corresponden al figurativismo.
En la denominada época azul domina un sentimiento patético, expresado
con una monocromía que posiblemente se inspiró en ideas debatidas en la
tertulia modernista barcelonesa de "Els Quatre Gats". Instalado en París,
se inclinó decididamente por la monocromía azul para destacar la
melodía de las líneas en un muestrario de personajes dolientes. El Picasso
de veinte años parece conmovido por el sufrimiento y retrata un mundo
de mendigos y ciegos de cuerpos escuálidos y cabezas vencidas.
En la siguiente etapa, la época rosa, combina poco a poco los tonos más
amables para plasmar el mundo del circo con sus juglares y
saltimbanquis. Si se compara La comida frugal de la época azul con los
retratos o escenas de circo correspondientes a la época rosa, se percibe,
más allá de las diferencias entre la tristeza compasiva y una cierta
serenidad aceptada, la profundización en la observación del hombre y los
ambientes sociales. Su vida en el "Bateau Lavoir" parisino tuvo la misma
intensidad que la de los cenáculos modernistas barceloneses, y esas
vivencias se llevaron a la tela.
7. Picasso pasaría en pocos años de las formas expresivas al nivel de
las formas simbólicas. La revolución se inició con Les demoiselles
d'Avignon (1907), manifiesto del arte del siglo XX. Varios
cuadernos de apuntes y cambios en las figuras y la composición
desembocaron en el grupo de mujeres, donde la corporeidad
humana y los rostros se intensificaron mediante deformaciones.
La influencia del arte africano y la herencia del arte ibérico
llevaron a Picasso a ensayar esta nueva anatomía llena de
presagios terribles, como si buceara en niveles todavía no
explorados de la realidad humana. Era el manifiesto del cubismo,
corriente que ocuparía la actividad del pintor durante una decena
de años, aunque sus conquistas geométricas reaparecerían en toda
la producción posterior.
9. El drama de las figuras cubistas sintonizaba perfectamente con los desastres de la guerra. Al finalizar
la contienda, Picasso, sin abandonar el cubismo (como se percibe en Tres músicos del Museo
Metropolitano de Nueva York, de 1923), inicia la etapa denominada clasicista, caracterizada por la
representación del movimiento en los decorados para los ballets rusos de Diaghilev.
Hacia 1925 cambió la temática y algunos autores hablan de fase surrealista. En efecto, en algunas
obras parece aproximarse a los ensayos de representación onírica. Pero a su mirada analítica no se le
ocultaban los fenómenos amenazadores, entre ellos el ascenso de los fascismos, y por otra parte sabía
que gran parte de los habitantes de las urbes vivía en ambientes degradados. Para expresar las
vivencias de miedo o inseguridad hacia el futuro inicia las deformaciones que caracterizarán al
expresionismo. Es el período de las metamorfosis, basadas primero en curvas y en elipses calmantes,
luego en ángulos y trazos enérgicos que traducen un espíritu atormentado.
El clímax de tensión expresionista se alcanzará durante la guerra civil española. El Guernica es, más
que una escena concreta, un símbolo, en el que se renuncia al color y se reduce la gama cromática a
una especie de grisalla. Las llamas, el guerrero muerto con la flor en la mano, el caballo herido, son
símbolos del dolor de la guerra. Las figuras crispadas expresan el dolor como un alarido. Y un grito,
más que una palabra articulada, viene a ser esta obra testimonio.
Durante la Segunda Guerra Mundial insiste en temas dramáticos, como Cráneo de buey (1942), donde
se unen el dolor de la guerra en la Francia ocupada y el que el artista siente por la muerte de su amigo,
el escultor Julio González. Tras la guerra se inicia un período de calma en el arte picassiano. Es el
momento de las palomas y los balcones abiertos hacia el azul del Mediterráneo. Aunque la guerra de
Corea ponga un paréntesis a estas visiones idílicas con nuevos testimonios sobre la crueldad y el
sufrimiento.
16. El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y
encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris.
Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se
trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. El cubismo es la
primera vanguardia que rompe con la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la
perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se
representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. Por eso aparecían al mismo
tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, en un rostro humano, la
nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte
horizontal. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los
detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre
con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.
Entre las circunstancias que contribuyeron a su surgimiento, se ha señalado tradicionalmente
tanto la obra de Cézanne como el arte de otras culturas, particularmente la africana.
Cézanne pretendió representar la realidad reduciéndola a sus formas esenciales,
intentando representar los volúmenes sobre la superficie plana del lienzo de una manera
nueva, tendencia que fue seguida por los cubistas. Lo que Picasso y Braque tomaron de
Cézanne fue la técnica para resolver ese problema de lograr una nueva figuración de las
cosas, dando a los objetos solidez y densidad, apartándose de las tendencias impresionistas
que habían acabado disolviendo las formas en su búsqueda exclusiva de los efectos de la
luz.
El arte africano aporta una nueva forma de ver y entender el arte
17. Oleo sobre lienzo. 1907
Museo de Arte Moderno.
Nueva York
Influencias:
o Primitivos
• Arte ibérico
• Arte africano
o Cezanne
Estas influencias llevan a Picasso a la estilización de las proporciones, a la rigurosa
geometrización y finalmente a la deformación radical
18. Óleo sobre lienzo. 1909
Propiedad privada.
Nueva York
Se aprecia la geometrización y no resulta difícil la identificación de la representación
“El cubismo se ha mantenido dentro de los límites de la pintura y nunca ha pretendido
sobrepasarlos” (PICASSO)
19. Por otro lado, el imperialismo puso a Occidente en contacto con otras civilizaciones
con un arte propio y distinto del europeo. A través de diversas exposiciones,
Picasso conoció la escultura ibérica y la africana, que simplificaban las formas y,
además, ponían en evidencia que la pintura tradicional obedecía a una pura
convención a la hora de representar los objetos conforme a las ideas renacentistas
de perspectiva lineal y aérea. Lo que parece actualmente excesivo a los
historiadores de arte es atribuir una influencia directa de las máscaras africanas
con la obra picassiana.
Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía, pues esta, al
representar la realidad visual de manera más exacta que la pintura, liberó a este
último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante
nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera
transcripción a las dos dimensiones de la apariencia externa de las cosas. La
aparición del cubismo se ha relacionado, además, con otros dos hechos acontecidos
en la misma década que revelan que las cosas pueden ser diferentes a como
aparentan ser: el psicoanálisis al evidenciar que pueden existir motivaciones más
profundas para los actos y pensamientos humanos, y la teoría de la relatividad,
que revela que el mundo no es exactamente, en su estructura profunda, como lo
presentaba la geometría euclidiana.
20. En 1909 Braque y Picasso consiguen desarrollar la nueva tendencia.
Juntos crearon las dos tendencias del cubismo.
La primera es el cubismo analítico (1909-1912), en donde la pintura es
casi monocroma en gris y ocre. Los colores en este momento no
interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la
geometrización, no el cromatismo. Fueron elaborando un «nuevo
lenguaje» que analiza la realidad y la descompone en múltiples elementos
geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando
definitivamente la unidad del punto de vista de la perspectiva
renacentista. Se introducen en la pintura los «pasos», definidos como
ligeras interrupciones de la línea del contorno. Los volúmenes grandes se
fragmentan en volúmenes más pequeños. Entre las obras de esta fase del
cubismo se encuentra el Retrato de Kahnweiler (1910, Instituto de Arte de
Chicago).
A este período también se le llama de cubismo hermético, pues por la
cantidad de puntos de vista representados, algunas obras parecen casi
abstractas.
21. Óleo sobre lienzo. 1910
Museo Pushkin
Moscu
Muestra su aspecto físico a partir
de abreviaturas geométricas
Las formas geométricas deshacen
los contornos y representan
fragmentos de la realidad
“El hecho de que el cubismo no
fuese entendido durante mucho
tiempo y de que todavía haya
personas que no vean nada en él, no
significa nada. Yo no se leer inglés
(…) Pero esto no significa que no
exista el inglés y ¿por qué iba a echar
la culpa a otro y no a mí mismo si no
puedo entender algo de lo que no
tengo ni idea?” (PICASSO)
22. En la fase analítica el cubismo se presenta en público. Pero no por obra de Picasso
y Braque, que exponían privadamente en la galería Kahnweiler, sino por otros
pintores que conocieron la obra de aquéllos en sus talleres.
Se presentaron al Salón de los Independientes de 1911. En su sala 41 aparecieron
obras de Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Fernand Léger y
Robert Delaunay.
Provocaron el escándalo y rechazo de público y crítica. Ello llevó a que se
construyera ya una obra doctrinal de primera hora explicando los hallazgos de la
nueva tendencia.
El primer estudio teórico del cubismo lo hicieron en 1912 Gleizes y Metzinger:
Du cubisme («Sobre el cubismo»).
Apollinaire, por su parte, escribió Les peintres cubistes («Los pintores cubistas.
Meditaciones estéticas») en 1913.
Otros poetas, además de Apollinaire, defendieron el nuevo estilo: Pierre
Reverdy y Max Jacob.
Hubo otras adhesiones, como la de la mecenas Gertrude Stein o los marchantes
como Ambroise Vollard y Henry Kahnweiler.
23. Óleo sobre lienzo. 1911
Guggenheim Foundation
Venecia
Muestra a un hombre sentado en un
sillón fumando en pipa, con una
especie de rollo de papel en las
manos
Está construida sobre un armazón
abstracto piramidal
El “realismo” de ciertos elementos
funciona como clave para acceder al
motivo
Esta es una de las obras que marca
la culminación del cubismo analítico
24. Óleo sobre lienzo. 1912
Kunstmuseum
Basilea
Se utilizan amplios planos.
Estructura ortogonal
Predominan las verticales y
horizontales sobre las oblicuas
Se diferencia la figura del fondo
Las letras , introducidas por
Braque en la pintura en 1910, dan las
claves para la interpretación de la
representación
La introducción de las letras, que
llevará al desarrollo del collage y la
reintroducción del color abren el
camino al desarrollo del cubismo
sintético
25. En El Portugués (1911) de Braque aparecen palabras y números, lo
que abrió una nueva vía que llevó al segundo período del
cubismo, el cubismo sintético (1912-1914).
Braque, que había sido el primero en utilizar la caligrafía, y que
más de una vez intentó imitar la madera o el mármol, fue quien
inició esta última fase del cubismo al poner papel collé pegado
directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a poner
periódicos y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage.
En 1912 Picasso realizó su primer collage, Naturaleza muerta con silla
de paja (Museo Picasso, París), en el que añade al lienzo pasta de
papel y hule.
26. Collage. 1912
Museo Picasso
Paris
Esta obra marca en el desarrollo del cubismo la introducción del collage
27. Las obras sintéticas son más simples, más sencillas de entender en cuanto a que son
más figurativas, se ve claramente lo que se pretende representar. Los objetos ya no
se reducen a volúmenes y planos expuestos en diversas perspectivas hasta ser
irreconocibles, sino que se reducen a sus atributos esenciales, a aquello que los
caracteriza de manera inequívoca y sin lo cual no serían lo que son.
El color es más rico que en la fase anterior, como puede verse en los rojos y azules
de Botella de Suze (1913, Saint Louis, Missouri, Universidad Washington).
Para representar los objetos «tipo» de manera objetiva y permanente, y no a través
de la subjetividad del pincel, se recurre a lo que parece un ensamblaje. Los cuadros
están formados por diversos materiales cotidianos que se pegaban o clavaban a la
tela, como tiras de papel de tapicerías, periódico, partituras, naipes, cajetillas de
cigarros o cajas de cerillas. El cuadro se construye con elementos diversos, tanto
tradicionales (la pintura al óleo) como nuevos (como el papel de periódico).
Los cafés y la música inspiraron estos bodegones.
Obras de Picasso pertenecientes a esta fase del cubismo sintético son El jugador de
cartas (1913-14) o Naturaleza muerta verde (1914).
La Primera Guerra Mundial puso fin a la fase más creadora del cubismo. Muchos
de los pintores cubistas, al ser franceses, fueron llamados a la lucha (Braque, Léger,
Metzinger, Gleizes, Villon y Lhote). El cubismo, como movimiento pictórico, se
puede dar por terminado hacia 1919.
28. Collage. 1913
Universidad Washington
Saint Louis, Missouri
El color vuelve a la obra de
Picasso tras la fase monocroma
del cubismo analítico
29.
30.
31. ARNALDO, Javier. Las vanguardias históricas
(I) , en Historia del Arte. Vol. 45. Historia 16.
Madrid, 1989
VV. AA. Picasso, tradición y vanguardia. Museo
Nacional del prado. Madrid, 2006
WALTHER, Ingo F. Pablo Picasso. 1881-1973. El
genio del siglo. Taschen. Colonia, 1993
www.artcyclopedia.com
www.arssummum.com
www.enseñ-arte.com
www.wikipedia.com
