BAU APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II. IMPRESIONISMO

1.
EBAU
TEMA
2.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
EL
IMPRESIONISMO:
CARACTERÍSTICAS
GENERALES,
CRONOLOGÍA,
AUTORES
Y
OBRAS

2. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
2
TEMA
2.
EL
IMPRESIONISMO:
CARACTERÍSTICAS
GENERALES,
CRONOLOGÍA,
AUTORES
Y
OBRAS
1.
Características
Generales
y
Cronología
Denominamos
Impresionismo
al
movimiento
pictórico
que
surge
en
París
en
el
último
cuarto
del
siglo
XIX.
Se
aplica
no
sólo
a
la
pintura
sino
también
a
la
música
y
a
la
literatura.
Podemos
definirlo
como
un
estilo
que
tiende
a
captar
más
la
impresión
sobre
el
ánimo
que
la
copia
de
la
realidad.
Es
más
sensual
e
inmediato
que
intelectual.
Cronológicamente,
el
Impresionismo
se
fragua
hacia
la
década
de
1860
hasta
1880,
e
incluso
durante
los
años
90
del
siglo
XIX.
La
primera
exposición
del
grupo
impresionista
fue
en
el
año
1874
en
el
taller
del
fotógrafo
Nadar.
Habitualmente
exponían
al
margen
del
Salón
oficial
parisino,
a
la
sazón,
controlado
por
la
Academia
de
Bellas
Artes
francesa.
Su
marco
geográfico
es
Francia,
concretamente
París
y
sus
alrededores,
aunque
también
podemos
hablar
de
un
impresionismo
americano,
italiano
–los
Macchiaioli-­‐,
etc.
El
contexto
histórico
de
este
estilo
es
la
Francia
de
Napoleón
III-­‐
el
Segundo
Imperio
Francés-­‐
con
hechos
relevantes
como
la
guerra
franco-­‐prusiana
de
1870,
el
fracaso
en
la
Comuna
de
París
(1871)
y
la
posterior
proclamación
de
la
III
República.
Se
producen
avances
científicos,
el
auge
del
capitalismo,
la
industrialización
y
el
proletariado
mientras
se
consolida
definitivamente
la
burguesía
como
clase
rectora
de
la
sociedad.

3. 3
El
Impresionismo
nace
como
una
evolución
del
Realismo
y
de
la
Escuela
paisajística
francesa
del
siglo
XIX.
Recordemos
que
la
base
del
Impresionismo
fue
el
Realismo,
una
corriente
cultural
que
surge
como
disyuntiva
al
Romanticismo
ya
desde
mediados
del
siglo
XIX.
De
hecho,
el
término
“realismo”
surgirá
en
1857
en
Francia
y
aglutinará
a
pintores
como
Courbet
o
Millet
y
a
escritores
de
la
talla
de
Flaubert,
Zola
o
Balzac.
El
término
“Impresionismo”
procede
de
un
cuadro
de
Monet
titulado“Impresión,
sol
naciente”.
En
los
primeros
momentos
se
utilizaba
el
vocablo
impresionismo
con
carácter
despectivo.
Se
asociaba
con
la
idea
de
lo
temporal,
lo
efímero,
lo
llamado
a
desaparecer
(sol,
luna,
agua…).
Podemos
considerarla
una
tendencia
pictórica
más
aristotélica
que
neoplatónica
ya
que
hasta
cierto
punto
busca
más
la
imitación
de
la
realidad
que
la
creación.
El
Impresionismo
no
fue
una
escuela,
ni
un
grupo
que
se
uniera
en
torno
a
un
manifiesto
o
programa
concreto.
Ningún
interés
de
tipo
ideológico
o
político
unía
a
los
impresionistas.
Cada
uno
creó
su
propio
estilo.
No
tenían
un
programa
concreto
aunque
coincidían
en:
*Su
aversión
por
el
arte
académico.
*Desinterés
total
por
el
“tema”
entendido
en
un
sentido
tradicional
(mitología,
historia…).
Se
interesan
por
los
motivos
de
la
vida
burguesa
(la
ciudad,
la
noche,
los
cafés,
los
teatros,
las
reuniones
domingueras
las
regatas,
los
paisajes).
Cualquier
objeto
afectado
por
la
luz
y
el
color,
puede
convertirse
en
tema
artístico.
*Preferencia
por
el
paisaje
pintado
al
aire
libre:
plein
air1
.
*Preocupación
por
captar
el
instante,
fijando
lo
móvil
sin
perder
la
movilidad.
*La
luz
es
la
protagonista:
los
objetos
sólo
se
ven
en
la
medida
en
que
la
luz
incide
sobre
ellos.
La
luz
y
sus
efectos
cambiantes
son
los
verdaderos
temas
del
cuadro.
Un
mismo
tema
es
pintado
repetidas
veces
a
diferentes
horas
del
día.
Las
formas
y
los
objetos
cambian
en
función
de
la
intensidad
de
la
luz.
El
cuadro
es
simplemente
un
efecto
de
luz.
*Coloración
de
las
sombras:
desaparecen
los
contrastes
de
claroscuro,
y
el
dibujo
se
extingue
o
se
reduce.
No
utilizan
prácticamente
ni
el
blanco
ni
el
negro
porque
no
existen
en
la
naturaleza.
Emplean
tonos
puros,
usan
solo
colores
complementarios
para
indicar
sombras.
*Pincelada
suelta:
prefieren
la
mancha
pastosa
y
gruesa.
Utilizan
toques
yuxtapuestos
de
colores
para
producir
un
efecto
a
cierta
distancia.
Generalmente
no
hay
un
dibujo
que
proceda
al
cuadro.
Aspecto
inacabado,
aparente
improvisación,
pintura
de
mancha.
*La
influencia
de
la
fotografía.
A
mediados
del
siglo
XIX
se
inventó
la
“fotografía
instantánea”
que
tuvo
un
gran
impacto
en
los
impresionistas.
Influye
en
la
nueva
valoración
del
espacio
y
la
composición
con
ángulos
y
encuadres
más
atrevidos
con
grandes
diagonales,
que
nos
remiten,
también,
a
la
influencia
de
las
estampas
japonesas.
Las
figuras,
a
veces,
no
ocupan
“el
centro”
del
cuadro
y
están
cortadas
por
los
bordes
del
cuadro.
Otorga
una
especie
de
dinamismo
o
flou
a
los
personajes.
Degas
y
Monet
fueron
grandes
fotógrafos,
Monet
incluso
tuvo
un
taller
de
fotografía
en
Giverny.
En
un
principio,
los
impresionistas
contaron
con
la
oposición
del
público.
Pero
pronto
tuvieron
el
apoyo
de
dos
fuerzas
sociales
emergentes:
la
crítica
de
arte2
,
que
se
encargará
de
encauzar
el
gusto
del
público;
y
los
marchantes,
los
vendedores
de
arte.
Propiciaron
el
desarrollo
del
marcado
del
arte
y
el
coleccionismo
privado
ya
que
exponían
con
galeristas
como
Vollard
o
Durand
Ruel.
1
Como
señaló
Renoir,
si
no
hubiera
habido
pintura
en
tubo
no
habría
habido
impresionismo,
porque
ello
propició
poder
pintar
al
aire
libre.
2
Las
tertulias,
los
Salones
extra-­‐oficiales
y
el
propio
escándalo
se
convirtieron
en
vehículos
propagandísticos
del
nuevo
estilo.

4. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
4
En
sus
inicios,
la
crítica
de
arte
les
acusaba
de
atacar
las
buenas
costumbres
artísticas,
que
no
respetaban
a
los
maestros,
que
sus
pinturas
no
tenían
“tema”,
que
les
faltaba
dibujo
y
que
dejaban
las
obras
sin
terminar.
Además,
provocaban
grandes
carcajadas
en
el
público
que
asistía
atónito
a
ver
los
cuadros.
El
Impresionismo
cuenta
con
varias
influencias
en
su
configuración:
*los
paisajistas
del
Realismo
francés
del
siglo
XIX
(Escuela
de
Barbizon).
*el
romántico
inglés
Turner.
*las
referencias,
especialmente
de
color
y
composición,
del
Siglo
de
Oro
español
(Velázquez
sobre
todo).
También
Goya
con
la
lechera
de
Burdeos.
*las
estampas
japonesas3
,
muy
de
moda
en
la
época.
La
pintura
impresionista
es
amable,
hedonista,
alegre,
frecuentemente
de
paisaje,
llena
de
luz
y
color,
con
pinceladas
muy
cortas
que
a
veces
dejan
entrever
el
blanco
del
lienzo.
No
son
cuadros
grandes
puesto
que
responden
a
encargos
privados.
Están
alejados
de
cualquier
compromiso
social
(casi
todos
los
impresionistas
se
fueron
de
vacaciones
al
campo
o
a
Inglaterra
durante
la
represión
de
los
movimientos
obreros
de
la
década
de
1880)
y
no
tardaron
en
ser
refrendados
por
una
amplia
aceptación
social,
de
esta
burguesía
que
se
veía
retratada
en
los
lienzos
impresionistas.
El
Impresionismo
ha
sido
uno
de
los
movimientos
pictóricos
más
valorados
en
toda
la
historia
del
arte.
Algunas
pinturas
impresionistas
han
alcanzado
precios
estratosféricos
en
las
subastas
internacionales
de
arte
y
las
exposiciones
de
sus
obras
suelen
atraer
a
miles
de
espectadores.
Ha
sido
clave
en
el
desarrollo
del
arte
posterior,
especialmente
del
Neoimpresionismo
o
Puntillismo
de
Seurat
y
Signac
y
del
Postimpresionismo
-­‐Toulouse-­‐
Lautrec,
Cézanne,
Van
Gogh,
Gauguin-­‐
y
las
vanguardias
(Nabis,
Fauvismo,
etc.).
Aparte
de
en
colecciones
privadas,
la
pintura
impresionista
se
conserva
en
grandes
museos
de
todo
el
mundo
como
los
Museos
d´Orsay
y
Marmottan
de
París,
el
Musée
des
Impressionnismes
en
Giverny
(Francia),
el
Courtault
Institut
de
Londres,
el
Metropolitan
de
Nueva
York,
la
Phillips
Collection
de
Washington,
el
Museo
Pushkin
de
Moscú
y
el
Hermitage
de
San
Petersburgo,
el
Thyssen
de
Madrid,
etc.
2.
Autores
y
Obras
Los
impresionistas
se
agruparon
en
torno
a
la
figura
de
Édouard
MANET
(1832-­‐1883),
un
artista
eslabón
entre
el
Realismo
y
el
Impresionismo.
Fue
un
excelente
pintor
incomprendido,
aunque
al
final
de
su
vida
el
gobierno
francés
le
concedió
la
condecoración
“Legión
de
Honor”.
No
fue
plenamente
impresionista,
aunque
éstos
le
consideraban
el
cabecilla
del
grupo.
Le
apasionaba
la
temática
española,
y
de
hecho
adoraba
a
Velázquez
“el
pintor
de
los
pintores”
para
él,
y
Goya.
Ambos
le
influyeron
muchísimo.
Un
crítico
de
arte
en
Francia
le
llegó
a
denominar
“el
parisino
español”.4
Manet
rechazaba
la
pintura
pompier
o
academicista
vigente
en
Francia
durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX.
5
Los
principales
representantes
del
Impresionismo
fueron
Claude
Monet,
Pierre-­‐Auguste
Renoir6
,
Edgar
Degas
(que
nunca
quiso
que
le
llamaran
impresionista),
Camille
Pisarro
(de
origen
español),
Alfred
Sisley
(de
origen
inglés),
Bazille,
Berthe
Morisot,
Mary
Cassatt,
etc.
Degas
fue
el
pintor
de
las
bailarinas
y
caballos
–entre
otros
temas-­‐
con
profundas
diagonales
y
perspectivas
de
influencia
japonesa
y
de
fotográfica.
Édouard
MANET
en
1863
expuso
el
célebre
Almuerzo
en
la
hierba
o
almuerzo
campestre
que
causó
desolación
y
escándalo.
Fue
tachada
de
pornográfica.
El
público
se
preguntaba
¿dónde
está
el
tema?
No
era
mitológico,
ni
literario.
Si
todas
las
figuras
hubieran
ido
desnudas
no
habría
existido
ningún
problema.
En
la
disposición
de
las
figuras
se
inspiró
en
un
grabado
basado
en
Rafael.
3
Desde
el
punto
de
vista
plástico,
en
estas
estampas
se
utilizaban
principalmente
grandes
masas
planas
de
color,
con
una
casi
completa
ausencia
de
sombras,
una
despreocupación
por
la
perspectiva,
encuadres
asimétricos
de
las
escenas
y
una
gran
capacidad
de
síntesis
por
parte
de
los
artistas
para
plasmar
los
temas.
4
Baudelaire
lo
quería
muchísimo,
decía
de
él:
me
parece
difícil
no
amar
su
carácter
tanto
como
su
talento.
5
Este
arte
normativo
de
raíz
neoclásica
pretendía
basarse
en
el
ideal
de
la
cultura
grecorromana.
El
pintor
Jacques-­‐Louis
David
fue
el
modelo
a
seguir.
Los
pintores
pompier
dibujaban
maravillosamente
pues
dominaban
la
técnica
que
aprendían
en
las
escuelas
de
arte
donde
imperaba
el
ideal
académico.
6
Su
hijo
Jean
Renoir
fue
uno
de
los
más
importantes
cineastas
franceses.

5. 5
En
este
cuadro
hay
muchos
elementos
nuevos:
la
luz,
el
paisaje
difuminado,
el
contraste
entre
las
carnes
blancas
de
los
desnudos
femeninos
y
las
levitas
oscuras
de
los
caballeros,
y,
en
primer
término,
la
naturaleza
muerta,
que
tiene
protagonismo
por
sí
misma.
Por
otra
parte,
este
lienzo
se
convirtió
en
la
Biblia
estética
de
los
impresionistas
por
su
novedoso
tratamiento
formal.
La
luz
se
difunde
por
el
aire
en
todo
el
cuadro
yuxtaponiendo
zonas
claras
y
oscuras
por
todo
el
lienzo.
Probablemente
el
más
importante
y
representativo
pintor
del
Impresionismo
es
Claude
MONET
(1840-­‐1926).
Nació
en
1840
en
el
seno
de
una
familia
de
comerciantes.
Viajó
a
Londres
y
a
Holanda.
Llegó
a
pintar
cerca
de
tres
mil
cuadros,
la
mayoría
paisajes,
marinas
y
escenas
fluviales.
Es
el
gran
pintor
de
flores
y
del
agua.
Su
máxima
preocupación
es
la
captación
de
la
luz
a
distintas
horas
del
día
como
se
observa
en
la
serie
de
pinturas
sobre
la
catedral
de
Rouan.
En
muchas
de
sus
obras
camina
ya
hacia
la
abstracción.
Los
problemas
económicos
serán
una
constante
durante
buena
parte
de
la
vida
de
Monet.
Afortunadamente,
paulatinamente,
la
fama
de
Monet
va
subiendo
al
igual
que

6. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
6
su
cotización,
y
fue
tomando
parte
en
mayor
número
de
muestras
-­‐
exposiciones
Internacionales,
individuales,
colectivas-­‐.
Sus
pinceladas
eran
muy
sueltas
y
cortas.
Murió
casi
ciego.
Entre
sus
obras
destacamos
Impresión,
sol
naciente;
los
nenúfares;
la
estación
de
San
Lazare;
la
catedral
de
Rouan,
etc.
Impresión,
sol
naciente
es
una
imagen
tomada
directamente
del
natural
por
Monet
en
Le
Havre,
representando
las
neblinas
del
puerto
al
amanecer
mientras
que
el
sol
lucha
por
despuntar,
creando
magníficos
reflejos
anaranjados
en
el
mar
y
en
el
cielo.
Intenta
captar
como
la
luz
incide
sobre
el
mar.
La
sensación
atmosférica
domina
una
escena
en
donde
las
formas
desaparecen
casi
por
completo.
Los
colores
han
sido
aplicados
con
pinceladas
rápidas
y
empastadas,
apreciándose
la
dirección
del
pincel
a
simple
vista,
resultando
una
imagen
de
enorme
atractivo
tanto
por
su
significado
como
por
su
estética.
Pierre-­‐Auguste
RENOIR
(1841-­‐1920)
fue
el
más
popular
de
los
impresionistas
y
también
de
los
más
falsificados.
Quiere
transmitir
la
alegría
del
ambiente
parisino:
escenas
de
la
vida
urbana,
bañistas,
bailes,
etc.
Es
menos
paisajista
y
más
retratista.
Es
el
pintor
de
la
mujer.
Y
nadie
como
él
ha
pintado
a
los
niños.
En
él
tenía
un
fuerte
peso
de
la
tradición
(técnica
que
en
algún
momento
recuerda
a
la
de
Tiziano
y
sus
mujeres
gruesas
a
Rubens).
Es
un
pintor
un
tanto
“almibarado”
que
utilizaba
colores
primarios
para
captar
las
vibraciones
de
la
luz
que
se
tamiza
a
través
de
las
hojas.
Todo
ello
se
puede
admirar
en
su
obra
Le
Moulin
de
la
Galette
donde
sigue
los
principios
del
movimiento
impresionista:
pintura
al
aire
libre,
pincelada
suelta,
colores
puros,
sombras
coloreadas,
disolución
del
dibujo,
captación
de
la
luz
sobre
los
objetos.
Le
Moulin
de
la
Galette
era
un
verdadero
molino
abandonado
situado
en
la
cima
de
Montmartre,
el
paraíso
de
la
bohemia
parisina
habitado
por
artistas,
literatos,
prostitutas
y
obreros.
Los
domingos
y
festivos
eran
días
de
baile
en
Le
Moulin,
llenándose
con
la
población
que
habitaba
el
barrio.
Allí
bailaban
y
merendaban
vino
y
galletas.
En
su
deseo
de
representar
la
vida
moderna
-­‐
elemento
imprescindible
para
los
impresionistas
-­‐
Renoir
inmortaliza
este
lugar
en
uno
de
los
lienzos
míticos
del
Impresionismo.
Su
principal
interés
es
representar
a
las
diferentes
figuras
en
un
espacio
ensombrecido
con
toques
de
luz,
recurriendo
a
las
tonalidades
malvas
para
las
sombras.
El
efecto
de
multitud
ha
sido
perfectamente
logrado,
recurriendo
Renoir
a
dos
perspectivas
para
la
escena:
el
grupo
del
primer
plano
ha
sido
captado
desde
arriba
mientras
que
las
figuras
que
bailan
al
fondo
se
ven
en
una
perspectiva
frontal.
La
composición
se
organiza
a
través
de
una
diagonal
y
en
diferentes
planos
paralelos
que
se
alejan,
elementos
clásicos
que
no
olvida
el
pintor.
Las
figuras
están
ordenadas
en
dos
círculos:
el
más
compacto
alrededor
de
la
mesa
y
otro
más
abierto
en
torno
a
la
pareja
de
bailarines.
La
sensación
de
ambiente
se
logra
al
difuminar
las
figuras,
creando
un
efecto
de
aire
alrededor
de
los
personajes.
La
alegría
que
inunda
la
composición
hace
de
esta
obra
una
de
las
más
impactantes
no
sólo
de
Renoir
sino
de
todo
el
grupo,
convirtiéndose
en
un
testimonio
de
la
vida
en
el
París
de
finales
del
siglo
XIX.
El
propio
Renoir
comentó
que
necesitó
alquilar
una
mansión
rodeada
de
un
gran
jardín
en
Montmartre
para
pintar
el
lienzo,
lo
que
perjudicó
su
precaria
economía.

7. 7
Picasso,
entre
otros
pintores,
también
pintó
el
Moulin
de
la
Gallete.
Aunque
menos
conocidas
que
los
impresionistas
mencionados,
Berthe
Morisot
y
Mary
Cassatt
destacaron,
dentro
de
los
presupuestos
estéticos
de
este
movimiento,
especialmente
como
pintoras
de
maternidades,
retratos
y
escenas
intimistas.
Berthe
MORISOT
(1841-­‐1895)
procedía
de
una
familia
con
una
larga
historia
de
exitosos
pintores.
Fue
la
única
mujer
aceptada
y
respetada
por
el
círculo
impresionista.
Sirvió
con
frecuencia
como
modelo
de
Manet,
que
por
lo
demás,
era
su
cuñado.
Mary
CASSATT
(1844-­‐1926)
fue
una
pintora
impresionista
de
origen
estadounidense.
Viajó
a
Francia
para
formarse
como
artista
y
allí
permaneció
buena
parte
de
su
vida.
Fue
la
única
pintora
americana
que,
ocasionalmente,
expuso
con
los
impresionistas
en
París.

8. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
8
En
su
paleta,
muy
suelta,
predominan
los
tonos
pastel
y
se
aprecia
la
influencia
del
Japonismo.
Sus
contactos
con
artistas,
marchantes
y
coleccionistas,
propiciaron
la
difusión
y
apreciación
del
Impresionismo
en
Estados
Unidos.
Durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX,
el
impacto
del
Impresionismo
en
España
dio
lugar
a
algunos
seguidores,
que
al
menos,
tangencialmente,
se
dejaron
influir
por
este
estilo
pictórico.
Es
el
caso
de
Aureliano
de
Beruete,
nuestro
más
conspicuo
representante
del
Impresionismo
español,
y
también
de
Darío
de
Regoyos
y
Santiago
Rusiñol,
aunque
estos
últimos
con
menor
medida.

9. 9
Aureliano
de
BERUETE
(1845-­‐1912)
Para
Julián
Gállego,
este
pintor
es
el
único
impresionista
español,
vinculado
además,
al
luminismo.
Fue
coleccionista
de
arte
(Miguel
Ángel,
el
Greco…)
y
su
hijo,
con
el
mismo
nombre
y
apellido,
fue
historiador
del
arte
y
el
primer
director
del
Museo
del
Prado
no
artista.
Fue
de
los
pocos
pintores
españoles
de
su
época
que
viajaba
a
París
continuamente.
Allí
conoció
a
Claude
Monet.
Pintaba
paisajes
del
natural
–en
plein
air-­‐
y
su
pincelada,
corta
y
pequeña,
era
muy
matizada.
Pintó
al
Madrid
campestre
de
una
forma
exquisita
como
no
se
veía
desde
Goya.
Imitaba
a
Sisley
pintando
ríos
inundados.
Fue
muy
amigo
de
Sorolla.
Darío
de
REGOYOS
(1857-­‐1913)
Para
algunos
expertos
como
Juan
San
Nicolás,
Regoyos
fue
el
único
pintor
genuinamente
impresionista
en
España7
.
Nació
en
Ribadesella
(Asturias)
y
se
formó
en
la
Escuela
de
San
Fernando
con
Carlos
de
Haes.
Se
trasladó
a
París
y
a
Bruselas
y
finalmente
se
estableció
en
el
País
Vasco.
Conoció
el
Impresionismo
al
entablar
contacto
con
Degas,
Monet,
Pisarro
y
Signac
y
usará
las
nuevas
técnicas
para
expresarse
en
un
lenguaje
propio.
Recorrió
toda
la
península
ibérica
buscando
nuevas
temáticas
y
posibilidades
lumínicas
para
su
obra.
Regoyos
fue
fundamentalmente
paisajista,
aunque
en
sus
paisajes
también
aparecen
figuras
humanas
que
se
integran
en
el
entorno
que
las
rodea.
Entre
sus
retratos
destaca
el
de
Doña
Dolores
Otaño
ya
dentro
de
la
técnica
puntillista,
también
llamada
divisionista
o
neoimpresionista.
La
Influencia
del
IMPRESIONISMO
en
Canarias
Aunque
en
Canarias
no
encontramos
artistas
a
los
que
con
propiedad
podríamos
denominar
impresionistas,
si
podemos
detectar
su
influencia
en
algunos
pintores
como
en
Nicolás
MASSIEU
o
incluso
en
el
modernista-­‐
simbolista
NÉSTOR
MARTÍN
FERNÁNDEZ
DE
LA
TORRE.
Massieu
viajó
a
Inglaterra
a
los
18
años,
luego
a
Italia
y
París,
donde
relacionó
con
artistas
del
momento
entre
los
que
sobresalen
los
impresionistas
Manet,
Monet,
Renoir
y
Degas.
Después
de
una
etapa
dedicada
fundamentalmente
a
retratos
y
escenas
costumbristas,
se
enfrentó
a
la
luz
de
su
tierra
plasmando
el
paisaje
en
7
Véase
la
microsite
de
Regoyos
del
Museo
Thyssen
http://pdigital.museothyssen.org/index.html?revista=97857526&pagina=10688

10. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
10
breves
pinceladas
al
modo
impresionista.
Un
ejemplo
claro
de
esto
lo
tenemos
en
su
cuadro
Almendros
en
flor,
en
la
Casa
de
Colón
de
Las
Palmas
de
Gran
Canaria.
En
el
caso
de
Néstor,
artista
muy
viajero
y
siempre
en
contacto
con
las
tendencias
estéticas
y
los
artistas
de
su
tiempo,
la
influencia
impresionista
es
detectable
en
su
pintura
Calle
Mayor
de
Madrid,
del
Museo
Néstor
de
Las
Palmas.
El
LUMINISMO
de
JOAQUÍN
SOROLLA.
Vidas
paralelas:
SOROLLA
versus
SARGENT8
Joaquín
SOROLLA
(Valencia
1863-­‐Cercedilla
1923)
fue
un
artista
con
un
don
extraordinario,
una
gran
facilidad
para
la
pintura.
Era
un
pintor-­‐pintor,
nada
literario,
que
dominaba
la
técnica.
Su
pintura
es
pintura
en
estado
puro,
con
temas
muy
simples.
En
ocasiones
su
pincelada
–pastosa
y
enorme-­‐
se
acerca
al
Impresionismo.
Ha
sido
denominado
luminista
por
la
fuerza
luminosa
extraordinaria
de
sus
obras.
Es
difícil
encontrar
un
pintor
que
haya
reflejado
mejor
que
él,
la
luz
cegadora
mediterránea.
A
este
respecto
comentaba
Pío
Baroja,
que
los
paisajes
de
Sorolla
le
daban
calor.
Muy
vitalista,
vivió
como
un
príncipe
ya
que
desde
muy
joven
alcanzó
el
éxito
y
tuvo
mucho
dinero.
Fue
un
hombre
feliz,
muy
enamorado
de
su
mujer,
a
la
que
pintaba
continuamente,
y
muy
amoroso
con
sus
hijos,
a
los
que
también
retrató
frecuentemente.
Pintor
muy
prolífico,
era
un
trabajador
incansable,
un
obrero
de
la
pintura.9
Fue
fotógrafo
amateur.10
John
Singer
SARGENT
(1856-­‐1925)
fue
un
pintor
estadounidense,
aunque
nacido
en
Florencia
que
alcanzó
un
enorme
éxito
en
su
época.
Llegó
a
realizar
más
de
900
pinturas
al
óleo
y
cerca
de
2000
acuarelas.
Cosmopolita
y
viajero,
este
pintor
de
extraordinario
talento
ha
sido
comparado
con
el
pintor
español
Joaquín
SOROLLA
con
el
que
guarda
muchas
concomitancias.
Fueron
pintores
de
lenguaje
muy
afín,
que
se
conocían
personalmente
y
sentían
atracción
mutua
por
sus
respectivas
obras,
pese
a
ser
dos
artistas
muy
diferentes
por
su
nacimiento,
educación
y
personalidad.
Los
dos
admiraban
profundamente
a
Velázquez,
referencia
ineludible
de
sus
pinturas,
y
mostraban
influencias
del
Impresionismo
a
su
manera.
Sargent
también
fue
luminista,
sobre
todo
en
sus
acuarelas.
Desde
su
llegada
a
París
en
1874,
el
joven
Sargent
asimiló
con
celeridad
el
lenguaje
artístico
moderno
y
aprendió
a
admirar,
como
su
maestro
Carolus-­‐Durand
y
como
Manet,
la
pintura
de
Velázquez.
Los
retratos
de
entre
1883
y
1885
permiten
apreciar
la
llamativa
libertad
de
encuadre
y
composición
que
caracterizó
el
naturalismo
de
su
primera
madurez.
En
contraste
con
la
precocidad
de
Sargent,
Sorolla,
que
era
siete
años
más
joven,
no
encontró
su
propia
identidad
artística
hasta
bien
avanzada
la
década
de
1890.
Sorolla
además
optó
en
sus
inicios,
por
la
pintura
de
denuncia
social,
en
cuadros
de
gran
formato
con
los
que
cosechó
sus
primeros
éxitos
nacionales
e
internacionales.
8
http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2006/SargentSorolla/fundacion/fundacion7.html
9
Se
cuenta
que
cuando
estuvo
en
Estados
Unidos,
mientras
desayunaba,
pintaba
a
la
gente
del
hotel
donde
estaba
hospedado.
10
Al
final
de
su
vida,
en
1920,
tuvo
una
parálisis
en
una
mano
y
sufrió
tres
años
de
agonía
por
ello
hasta
su
muerte.

11. 11
Las
trayectorias
de
Sargent
y
Sorolla
se
aproximan
en
el
momento
en
el
que
atendemos
a
la
dedicación
explícita
del
primero
al
estudio
de
Velázquez
y
a
temas
como
el
baile
flamenco
y
la
Alhambra.
El
entusiasmo
de
Sargent
por
el
arte,
la
música
y
la
idiosincrasia
de
nuestro
país
marcaría
de
manera
significativa
su
obra.
Los
cuadros
dedicados
al
mar
y
la
playa
de
la
primera
década
del
siglo
XX
de
Sorolla
ofrecen
los
mejores
ejemplos
de
exaltación
lumínica
y
de
lirismo
exuberante
dentro
de
su
pintura.
El
retrato
fue
el
género
que
más
fama
dio
a
Sargent.
Disfrutó
de
un
enorme
éxito
como
retratista
entre
sus
contemporáneos.
Sargent
puede
ser
apreciado
retrospectivamente
como
el
último
gran
representante
de
la
tradición
clásica
del
retrato.
La
concepción
del
retrato
en
Sorolla
es
menos
meditada
que
en
Sargent.
Sus
retratos
se
confían
más
al
azar
de
las
circunstancias.
Aunque
no
fue
su
especialidad
característica,
Sorolla
hizo
muchos.
Pintaba
a
su
familia
y
a
personalidades
de
su
entorno
artístico
e
intelectual
(incluido
el
rey).
Los
propósitos
pictóricos
y
la
manera
de
alcanzarlos
cuando
Sargent
y
Sorolla
pintaron
retratos
de
grupo
estuvieron
muy
próximos.
Tanto
Sargent
como
Sorolla
trataron
de
llevar
el
retrato
burgués
a
un
terreno
nuevo.
Su
propósito
fue
imbuir
al
género,
si
no
de
solemnidad,
sí
de
la
grandeza
del
retrato
barroco
de
corte.
Las
etapas
finales
de
ambos
artistas
muestran
la
mayor
afinidad
entre
sus
trayectorias.
Revelan
la
proximidad
de
temas
y
factura
en
sus
obras
más
personales.
Sargent
es
valorado
como
uno
de
los
más
formidables
acuarelistas.
El
deslumbrante
virtuosismo
de
sus
acuarelas
nos
descubre,
más
aún
que
sus
lienzos,
la
manifiesta
voluntad
luminista
de
su
obra.
Habiendo
alcanzado
el
éxito
relativamente
pronto,
Sargent
y
Sorolla
pudieron,
con
sus
recursos
y
su
vocación,
dedicarse
a
la
más
moderna
de
las
tareas
artísticas:
pintar
para
sí
mismos.
Fue
durante
los
últimos
doce
o
quince
años
de
sus
vidas
cuando
el
trabajo
de
ambos
pintores
alcanzó
la
culminación
de
pasión
y
excelencia
pictóricas
que
les
ha
granjeado
un
lugar
incuestionable
en
la
historia
del
arte
moderno.
Sorolla,
fue
sin
duda,
el
pintor
español
más
dotado
de
su
generación.

12. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
12
El
Impresionismo
y
otras
Artes
Con
frecuencia
se
aplica
–demasiado
alegremente-­‐
el
término
impresionista
a
otras
artes.
En
rigor,
el
Impresionismo
tuvo
un
desarrollo
cronológico
muy
específico
y
un
carácter
esencialmente
pictórico.
Aún
así,
podemos
señalar
que
el
Impresionismo
impactó
en
la
escultura
–Rodin,
Benlliure-­‐,
la
literatura
–sobre
todo
la
prosa
descriptiva
de
paisajes
del
francés
Guy
de
Maupassant11
,
del
cántabro
Pereda
en
Peñas
arriba
o
del
valenciano
luminista
Blasco
Ibáñez
en
Entre
naranjos.
Es
posible
detectar
algunos
rasgos
impresionistas
en
la
producción
escultórica
de
Augusto
RODIN
(1840-­‐1917)
que
le
acercan
a
la
estética
de
este
movimiento
artístico.
No
sólo
se
trata
sólo
de
una
vinculación
cronológica,
también
del
acabado
rugoso
y
abocetado
y
de
la
preocupación
por
la
fugacidad
y
lo
efímero
de
buena
parte
de
las
esculturas
de
Rodin.
Lo
mismo
puede
decirse
de
Camille
CLAUDEL
(1864-­‐1943)
una
de
las
pocas
mujeres
escultoras
destacadas
de
esa
época,
olvidada
injustamente
hasta
fechas
muy
recientes.
Durante
unos
años
mantuvo
una
tortuosa
relación
amorosa
con
Rodin,
en
cuyo
taller
trabajó
y
fue
su
musa.
Por
lo
que
se
refiere
a
la
música
se
ha
denominado
al
pintor
y
compositor
francés
Claude
DEBUSSY
(1862-­‐1918)
como
impresionista,
término
que
a
él
le
encantaba.
Su
composición
La
mer
de
Debussy
parece
retrotraernos
a
las
marinas
de
Monet.
Una
tarde
en
Granada
también
ha
sido
calificada
como
impresionista.
Junto
con
Claude
Debussy,
el
archiconocido
compositor
y
pianista
Maurice
RAVEL
(1875-­‐1937)
fue
la
figura
más
influyente
en
la
música
francesa
de
su
época
y
el
principal
representante
de
la
corriente
del
Impresionismo
a
inicios
del
siglo
XX.
Su
producción
musical,
no
muy
numerosa,
es
fruto
de
la
confluencia
de
complejos
influjos
que
proceden
de
Couperin,
Rameau,
el
ritmo
del
jazz
y
la
música
y
el
folklore
español.
Destacan
entre
sus
composiciones
el
Dafne
y
Chloé
(1909-­‐12)
y
Bolero
(1928).
En
cuanto
a
la
música
española
y
el
Impresionismo,
el
pianista
y
compositor
catalán
Isaac
ALBÉNIZ
(1860-­‐1909)
ha
sido
considerado
como
luminista
en
su
Suite
Iberia
(1905-­‐1909)
El
Impresionismo
no
es
aplicable
a
la
arquitectura
o
las
artes
decorativas.
Por
lo
demás,
no
debemos
olvidar
que
los
impresionistas
reflejaron
en
sus
pinturas
la
moda
de
la
época
–tanto
masculina
como
femenina-­‐,
ya
que
retrataba
a
sus
contemporáneos
en
momentos
cotidianos
de
su
vida
diaria,
tanto
en
la
ciudad
como
en
el
campo.
11
Según
Julián
Gállego,
el
libro
“La
Educación
sentimental”
de
Flaubert
es
preimpresionista
en
sus
descripciones.

13. 13
La
moda
se
convierte
en
un
requisito
de
modernidad.
Así
por
ejemplo,
en
sus
cuadros
representan
el
paso
de
la
crinolina
al
polisón.
Representan
a
la
perfección
las
diferentes
texturas:
muselinas,
sedas,
algodón,
etc.
Sobre
el
Impresionismo,
moda
y
modernidad
12
se
celebró
una
exposición
en
el
Museo
d´Orsay
de
París
en
el
año
2013
que
pudo
verse
también
en
Nueva
York
y
Chicago.
12
Véase
“Impresionismo:
Un
elogio
de
la
Moda”
http://www.rtve.es/alacarta/videos/documenta2/documenta2-­‐impresionismo-­‐elogio-­‐moda/3641527/
y
http://www.metmuseum.org/press/exhibitions/2013/impressionism-­‐fashion-­‐and-­‐modernity