APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II: ARTE DEL SIGLO XX (III): LA GRAN DEPRESIÓN DE LOS AÑOS 30 Y EL ARTE DE SU ÉPOCA.

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
II.
TEMA
7.
ARTE
DEL
SIGLO
XX
(III):
LA
GRAN
DEPRESIÓN
Y
EL
ARTE
DE
SU
ÉPOCA

2. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
2
TEMA
7.
ARTE
DEL
SIGLO
XX
(III):
LA
GRAN
DEPRESIÓN
Y
EL
ARTE
DE
SU
ÉPOCA
1.Introducción.
La
Gran
Depresión
de
los
Años
30.
Contexto
histórico-­‐cultural
.
2.La
Fotografía.
3.
El
Cine.
4
El
Cómic
1.INTRODUCCIÓN.
LA
GRAN
DEPRESIÓN
DE
LOS
AÑOS
30.
CONTEXTO
HISTÓRICO-­‐CULTURAL
Tras
los
Felices
Años
20
surgió
una
nueva
etapa
denominada
la
Gran
Depresión.
El
punto
de
partida
de
una
de
las
décadas
más
ominosas
del
siglo
XX
tuvo
lugar
el
24
de
octubre
de
1929,
el
Jueves
Negro:
fue
el
crack
o
crash
de
la
Bolsa
de
Nueva
York.
Esta
considerada
como
la
mayor
crisis
económica
jamás
conocida.
Y
con
razón,
porque
en
esa
fecha
la
Bolsa
de
valores
neoyorkina
sufrió́
una
brutal
caída
en
picado.
Recordemos
que
en
los
años
20
estuvieron
marcados
por
un
consumismo
exacerbado.
Mucha
gente
vivía
por
encima
de
sus
posibilidades
e
invertía
alegremente
en
Bolsa,
como
si
no
hubiera
un
mañana
y
como
si
nunca
fueran
a
bajar
las
acciones.
Pero
la
burbuja
especulativa
de
los
locos
años
20
tuvo
un
final
dramático:
se
produjo
la
ruina
de
muchos
inversores
–
grandes
empresas,
hombres
de
negocios,
pequeños
accionistas-­‐
que
perdieron
todos
sus
ahorros.
Se
cerraron
cientos
de
empresas
y
bancos.
Hubo
algún
que
otro
suicidio
y
el
desempleo
afectó
a
millones
de
ciudadanos,
no
solo
de
Nueva
York,
sino
de
Estados
Unidos
y
del
resto
del
mundo.
Ante
esta
situación,
el
nuevo
presidente
americano,
Franklin
D.
Roosevelt
crearía
el
New
Deal
-­‐1933-­‐1938-­‐,
un
intento
fructífero
para
mejorar
la
gravísima
situación
económica
y
de
conflictividad
social
que
apremiaba
a
la
población.
Roosevelt
encarnó
la
voluntad
de
renacer
de
sus
cenizas
del
pueblo
estadounidense
abatido
por
el
desempleo,
la
desconfianza
y
el
pesimismo
con
su
pragmático
programa
de
reformas,
basado
en
las
tres
R: relief
(alivio:
asistencia
social),
recovery
(recuperación),
reform
(reforma).
Creó
la
Seguridad
Social
y
ayudó
con
medidas
sociales
a
las
clases
más
desfavorecidas.
Su
lema
era
“a
lo
único
que
tenemos
que
tener
miedo
es
a
tener
miedo”.
Por
lo
que
se
refiere
a
Europa,
le
afectó
de
lleno
la
recesión
económica,
cuando
parecía
que
se
estaba
recuperando
de
las
consecuencias
de
la
Primera
Guerra
Mundial.
La
inestabilidad
de
las
democracias
europeas
se
acrecentó
con
los
problemas
económicos
y
por
doquier
comenzaron
a
surgir
populistas
“salvadores”
de
la
patria
que
andando
el
tiempo
dieron
lugar
a
regímenes
totalitarios:
el
fascismo
con
il
Duce
Mussolini
en
Italia
y
el
nacionalsocialismo
Los$AÑOS$30,$La$Gran$Depresión!

3. 3
3
(nazismo)
con
el
Führer
Hitler
en
Alemania.
Hitler
deseaba
implantar
el
Tercer
Reich,
conquistar
medio
mundo
y
aniquilar
a
los
judíos.
Por
su
parte,
y
sucediendo
a
Lenin,
se
estableció
el
“hombre
de
acero”,
el
“padrecito”
comunista
Stalin
en
la
Unión
de
Repúblicas
Socialistas
Soviéticas
(URSS).
En
la
URSS
la
colectivización
agraria
condujo
a
la
aniquilación
de
diez
millones
de
campesinos
entre
1928
y
1933
tras
la
puesta
en
marcha
del
primer
plan
quinquenal
para
industrializar
el
país
a
marchas
forzadas.
Las
purgas
y
el
Gran
Terror
fueron
atroces
entre
1934
y
1938.
En
el
caso
de
España,
recordemos
que
durante
los
años
30
se
instauró
la
II
República
española
–un
intento
democrático-­‐
que
terminaría
abruptamente
con
el
golpe
de
estado
del
general
Francisco
Franco.
Como
este
levantamiento
militar
ni
triunfó
totalmente
ni
fracasó
del
todo,
daría
lugar
a
una
cruenta
guerra
civil
que
dividió
a
España
en
dos.
Culminaría
con
la
victoria
del
bando
sublevado
y
la
instauración
de
una
dictadura
que
se
mantuvo
en
el
poder
hasta
la
muerte
del
general
en
1975.
Culturalmente,
en
los
años
30
continúan
las
vanguardias
–como
el
Surrealismo-­‐
o
el
Art
Déco.
Pero
muchos
proyectos
de
vida
artísticos
y
culturales
se
vieron
truncados
por
la
inestabilidad
y
crisis
de
la
época
y
por
el
auge
de
los
totalitarismos1
.
Intelectuales,
científicos
y
artistas
huyeron
del
nazismo,
como
por
ejemplo
Albert
Einstein,
Theodor
W.
Adorno,
Bertolt
Brecht
o
el
pintor
expresionista
George
Grosz. En
los
años
30
vuelve
la
literatura
más
ensayística,
que
analiza
el
contexto
histórico
y
preludia
el
existencialismo,
como
por
ejemplo
la
obra
de
André
Malraux
o
Louis-­‐Ferdinand
Céline.
Los
autores
de
muchos
países
están
marcados
por
la
inestable
y
dramática
situación
política,
con
cambios
de
régimen
y
el
auge
del
totalitarismo.
Durante
esta
década
surgen
grandes
héroes
del
cómic
–desde
el
europeo
Tintín
hasta
los
americanos
Superman,
Batman
o
Capitán
América;
el
cine2
vivió
una
década
dorada
en
Hollywood
con
míticas
películas
protagonizadas
por
los
hermanos
Marx,
Greta
Garbo,
Cary
Grant,
Ginger
Rogers,
Fred
Astaire,
etc.
y
clásicos
del
cine
como
“El
mago
de
Oz”
o
“Lo
que
el
viento
se
llevó”.
Aparecen
las
primeras
películas
de
animación:
Blancanieves
y
los
siete
enanitos
de
Walt
Disney
y
la
industria
se
reorganizó
en
grandes
estudios
como
Cinecittà
en
Roma
(1937)
o
Cifesa
en
España
(1934).
Por
lo
que
se
refiere
a
la
música,
sigue
triunfando
el
jazz
y
tienen
un
gran
auge
las
Big
Band
americanas
que
llenaban
de
swing
las
pistas
de
baile
(Benny
Goodman,
Glenn
Miller,
Duke
Ellington,
Tommy
Dorsey,
etc.).
En
la
danza
clásica
triunfaba
la
compañía
del
Ballet
de
la
Ópera
de
París
a
cargo
por
aquel
entonces
de
Serge
Lifar
(1905-­‐1986),
bailarín
y
coreógrafo
ucraniano.
Serge
Lifar
había
comenzado
como
bailarín
en
los
Ballets
Rusos
en
1923
sustituyendo
a
Nijinsky.
Con
Lifar,
esa
compañía
parisina
se
convirtió
en
una
de
las
mejores
del
mundo
en
su
género.
Fue
su
director
entre
los
años
1930-­‐1944
y
después
desde
1947
al
1958.
1
Sobre
las
vanguardias
y
los
totalitarismos
véase
http://www.gelonchviladegut.com/wp-­‐content/uploads/2014/11/Vanguardias-­‐y-­‐Totalitarismos.pdf
2
Sobre
el
cine
de
esta
etapa
véase:
http://www.thecult.es/Cine-­‐clasico/historia-­‐del-­‐cine-­‐los-­‐anos-­‐30.html

4. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
4
2.
LA
FOTOGRAFÍA
La
novela
Las
uvas
de
la
ira
de
John
Steinbeck
(1939),
que
fue
llevada
también
al
cine
por
John
Ford
(1940),
refleja
a
la
perfección
la
miseria
que
acució
a
Estados
Unidos
durante
la
etapa
de
la
Gran
Depresión.
Pero
no
solo
la
literatura,
la
fotografía
de
la
época
muestra
sin
paliativos
la
realidad
cotidiana
de
ese
periodo.
Dorothea
LANGE3
(1895-­‐1965)
Dorothea
Lange
es
una
de
las
más
representativas
y
aclamadas
fotógrafas
del
siglo
XX.
Nació
en
Hoboken
(Nueva
Jersey)
en
1895
y
murió
en
San
Francisco
en
1965.
De
pequeña
enfermó
de
polio.
Cuando
contaba
12
años
su
padre
abandonó
a
Dorothea
y
a
su
madre.
En
el
futuro
renegaría
del
apellido
de
su
padre
y
utilizaría
el
de
su
madre,
Lange.
Estudió
fotografía
en
Nueva
York
y
creó
un
exitoso
estudio
en
California
donde
viviría
buena
parte
de
su
vida.
Parte
de
sus
proyectos
fotográficos
fueron
encargos
gubernamentales,
ya
que
trabajó
para
la
oficina
de
Administración
de
la
Seguridad
Agraria
dependiente
del
New
Deal
de
Roosevelt.
Recorrió
Estados
Unidos
realizando
fotografías
documentales
donde
dejaba
patente
la
miseria
de
la
Gran
Depresión
de
los
años
30.
En
ellas
muestra
el
sufrimiento
de
granjeros
y
trabajadores
emigrantes
ante
la
penuria
económica.
Su
foto
más
emblemática
y
famosa
es
la
imagen
en
blanco
y
negro,
casi
sepia,
de
Migrant
Mother,
Nipomo,
California
(Madre
emigrante,
1936)
donde
retrató
el
rostro
descarnado
de
Florence
Owens
Thompson,
acompañado
por
sus
hijos.
Iban
en
una
vieja
carreta
por
los
caminos
de
California
en
busca
de
un
futuro
mejor.
Al
parecer,
la
retratada
tenía
32
años
y
le
contó
a
Lange
que
habían
estado
sobreviviendo
con
verduras
congeladas
y
pájaros
que
mataban
sus
hijos.
Thompson
causó
un
fuerte
impacto
en
la
fotógrafa.
Fue
un
imagen
icónica
de
la
época.
Otra
de
sus
fotografías
más
conmovedoras,
es
la
de
un
anciano
esperando
su
ración
de
comida
en
un
comedor
social
(1933).
Lange
era
una
activista
contra
el
racismo
y
la
segregación
entre
blancos
y
negros
como
muestran
algunas
de
sus
fotografías.
Lange
fue
una
fotógrafa
social
comprometida
con
su
época
que
deseaba
informar
al
público
de
la
realidad
de
su
tiempo
como
pequeño
grano
de
arena
para
cambiar
las
cosas.
3
Sobre
Dorothea
Lange
véase
la
película
http://grabahunkoflightning.com

5. 5
5
En
sus
fotografías
utilizó
técnicas
innovadoras.
Muestra
con
frecuencia
composiciones
en
diagonal.
Lo
relevante
de
sus
trabajos
es
que
muestra
como
la
fotografía
documental
puede
ser
un
obra
de
arte
que
conmueve
y
a
la
vez
muestra
belleza.
Ella
se
veía
a
si
misma
primero
como
periodista
y
en
segundo
término
como
artista,
es
decir,
valoraba
más
el
dar
testimonio,
el
ser
testigo
de
los
sin
voz,
que
en
realizar
obras
artísticas.
Entre
las
fotografías
más
interesantes
de
Dorothea
Lange
podemos
destacar
las
que
realizó
de
las
familias
japonesas
que
vivían
en
Estados
Unidos
durante
la
II
Guerra
Mundial.
Fueron
internadas
en
campos
de
internamiento
estadounidenses
(WRA,
War
Relocation
Authority)
durante
el
conflicto
bélico
puesto
que
eran
considerados
una
amenaza
para
la
seguridad
nacional,
aunque
muchos
fueran
solo
niños.
Después
de
la
Gran
Depresión,
Lange
continuó
con
su
esplendorosa
carrera
de
fotoperiodista,
trabajando
para
las
mejores
revistas
de
la
época
como
Fortune
y
Life,
viajando
por
todo
el
mundo,
especialmente
Asia,
Sudamérica
y
Egipto.
En
esta
etapa
le
interesaba
sobre
todo
la
captación
psicológica
y
la
intensidad
de
los
sentimientos
de
las
personas
retratadas.
Walker
EVANS
(1903-­‐75)
Otro
fotógrafo
comprometido
socialmente
de
los
años
30
fue
el
americano
Walker
Evans.
Comenzó
su
labor
como
fotógrafo
a
finales
de
los
años
20
durante
un
viaje
por
Europa.
A
su
vuelta
a
Nueva
las
publicó
en
1930.
Como
Lange,
trabajó
para
instituciones
gubernamentales
(Farm
Security
Administratio,
FSA)
con
el
fin
de
mostrar
los
efectos
de
la
Gran
Depresión.
Su
objetivo
era
realizar
fotos
transcendentales.
Era
un
artista
muy
culto,
apasionado
de
la
literatura
francesa.
Fue
también
escritor.
En
1933
viajó
a
Cuba
donde
retrató
la
dictadura
de
Gerardo
Machado.
En
sus
fotos
documenta
la
vida
en
la
calle,
los
mendigos,
los
trabajadores
en
harapos…Evans
colaboró
a
lo
largo
de
su
dilatada
carrera
como
fotógrafo
en
diversas
publicaciones
como
Fortune.
Entre
1965
y
1974
fue
profesor
de
fotografía
y
de
diseño
gráfico
en
la
prestigiosa
universidad
de
Yale.

6. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
6
Cecil
BEATON
(1904-­‐1980)
No
toda
la
fotografía
de
los
años
30
presentaba
un
fuerte
contenido
social.
En
Europa,
el
británico
Sir
Cecil
Beaton
representa
su
contrapunto,
la
otra
cara
de
la
moneda:
el
glamur,
la
elegancia,
la
sofisticación.
Cecil
Beaton
no
se
conformó
solo
con
hacer
fotografías:
fue
también
ilustrador,
pintor,
interiorista
y
un
afamado
diseñador
de
vestuario
para
el
teatro
y
el
cine.
Su
trascendencia
e
influencia
en
en
la
fotografía
contemporánea
–especialmente
de
retratos
y
de
moda-­‐
ha
sido
profunda,
como
por
ejemplo
en
David
Bailey
y
Mario
Testino.
Nació
en
Londres
y
ya
desde
niño
sintió
pasión
por
la
fotografía.
Con
11
años
ya
tuvo
su
primera
cámara
fotográfica.
Desde
muy
joven
trabajó
en
revistas
vinculadas
al
mundo
de
la
moda
como
Vanity
Fair
and
Vogue.
Llamaban
ya
desde
entonces
la
atención
sus
fotografías
en
las
que
colocaba
a
los
retratados
con
escenarios
nada
usuales.
Aunque
estudió
en
la
universidad
de
Cambridge
en
1922,
en
realidad
lo
que
le
interesaba
era
la
fotografía
y
el
diseño
teatral
(escenografía,
vestuario).
Beaton
publicó
su
primera
colección
de
fotos
en
1930
con
el
nombre
de
El
libro
de
la
Belleza
(1930).
Su
fama
se
acrecentó
de
tal
manera
que
fue
el
fotógrafo
de
boda
del
Duque
de
Windsor
y
Wallis
Simpson
en
1937
y
de
la
coronación
de
la
reina
Isabel
II
en
1953.
Durante
la
II
Guerra
Mundial4
realizó
fotografías
en
Inglaterra,
África
y
Oriente
Próximo
para
el
Ministerio
de
Información
británico.
De
esas
imágenes
descuella
la
famosa
foto
de
una
niña
de
tres
años
llamada
Eileen
Dunne
herida
en
un
bombardeo
(el
Blitz5
de
1940).
Fue
portada
de
la
revista
Life.
Para
Cecil
Beaton
sus
fotografías
de
la
guerra
fueron
sus
obras
más
importantes.
Cambiaron
su
forma
o
perspectiva
no
solo
de
ver
la
fotografía
sino
la
vida.
Si
las
comparamos
con
las
fotografías
de
compromiso
social
de
Dorothy
Lange
o
Walter
Evans,
podemos
considerar
que
están
a
su
altura,
son
obras
de
gran
calidad
técnica,
artística
y
sensibilidad
social.
Toda
su
vida
fotografió
a
la
Café
Society
–alta
sociedad-­‐
de
la
época:
reyes,
aristócratas,
artistas
–como
Picasso-­‐,
celebridades
(actores,
actrices,
modelos).
4
Sobre
la
fotografía
durante
la
II
Guerra
Mundial,
véase
https://theblissarchives.wordpress.com/2015/10/23/la-­‐fotografia-­‐y-­‐la-­‐segunda-­‐guerra-­‐mundial-­‐cecil-­‐
beaton/
5
Bombardeos
de
la
Alemania
nazi
sobre
Reino
Unido
durante
la
II
Guerra
Mundial,
particularmente
entre
los
años
1940-­‐41.

7. 7
7
Realizó
memorables
diseños
de
vestuario
y
escenografías
para
películas
como
para
My
Fair
Lady
(1957
y
la
versión
cinematográfica
de
19646
)
and
Coco
(1970)
y
Gigi
(1958).
Fue
ennoblecido
por
la
reina
Isabel
II
en
1972
con
el
título
de
Sir.
6
Ganó
un
Oscar
por
sus
diseños
de
vestuario
para
esa
película.

8. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
8
En
1974
sufrió
un
ictus
que
le
paralizó
medio
cuerpo.
Aunque
aprendió
a
pintar
y
a
realizar
fotografías
con
la
mano
izquierda,
su
preocupación
por
su
futuro
le
llevó
a
vender
sus
obras
en
Sotheby´s.
Murió
con
76
años
de
un
ataque
al
corazón.
Con
su
muerte
desaparecía
uno
de
los
grandes
fotógrafos
del
siglo
XX.
3.
EL
CINE
La
obra
creativa
de
Walt
DISNEY7
(1901-­‐1966)
y
su
importancia
para
el
cine
Walter
Elías
Disney
fue
todo
un
personaje:
artista
y
empresario,
era
una
especie
de
rey
Midas
que
casi
todo
lo
que
tocaba
lo
transformaba
en
oro.
Nació
en
1901
en
Chicago
(Illinois)
en
el
seno
de
una
familia
de
ancestros
irlandeses,
alemanes
e
ingleses.
Se
mudó
con
su
familia
en
1906
a
Missouri
y
allí
vivió
durante
cuatro
años
en
una
granja.
Su
madre
cada
noche
le
contaba
cuentos
clásicos
europeos.
Pronto
dejó
los
estudios
para
enrolarse
en
el
ejército:
durante
la
I
Guerra
Mundial
sirvió
en
la
Cruz
Roja
como
conductor
de
ambulancia
con
Ray
Kroc,
quien,
andando
el
tiempo
sería
el
fundador
de
la
cadena
de
establecimientos
de
comida
rápida
McDonald´s.
La
experiencia
en
la
guerra
marcaría
fuertemente
su
carácter.
Disney
era
un
enamorado
de
la
cultura
europea
y
viajó
a
lo
largo
de
su
vida
en
numerosas
ocasiones
a
ese
continente8
.
Disney
era
disléxico
y
sobrevivió
a
la
Gripe
de
1918
(la
mal
llamada
“gripe
española”).
De
joven
perteneció
a
una
organización
vinculada
a
la
Masonería
(The
Order
of
DeMolay)
y
fue
un
convencido
anticomunista.
Dibujante,
animador9
,
director,
guionista
y
productor
visionario,
está
considerado
como
la
figura
seminal
de
la
animación
del
siglo
XX.
Se
supo
rodear
de
talentosos
equipos
de
dibujantes,
realizadores
y
técnicos,
muchos
de
ellos
de
origen
europeo.
Disney
representa
el
ideal
americano
de
hombre
hecho
a
si
mismo
que
triunfa
gracias
a
su
inteligencia
y
esfuerzo.
Sus
creaciones
son
iconos
de
la
cultura
popular
del
siglo
XX,
y
somos
muchas
generaciones
las
que
hemos
disfrutado
y
seguimos
disfrutando
de
ellas.
Estudió
becado
en
el
Kansas
City
Art
Institut
junto
con
Ub
Iwerks,
un
excelente
dibujante
de
animación
y
figura
clave
en
su
vida.
A
inicios
de
los
años
20
realizaron
una
serie
de
cortos
animados
para
la
cadena
de
cines
Newman
en
Kansas
City
llamada
Newman's
Laugh-­‐O-­‐Grams
con
tan
poco
éxito
que
su
compañía
quebró.
Pero
este
fracaso
no
impidió
que
siguieran
luchando
por
sus
sueños.
En
1923
Disney
e
Iwerks
se
establecieron
en
Hollywood.
En
la
Meca
del
Cine
empezaron
una
nueva
serie
sobre
las
aventuras
de
una
niña
llamada
Alicia:
Alice
Comedies.
En
esta
serie
introdujeron
por
primera
vez
a
dos
personajes
animados,
Julius
the
Cat
y
Peg
Leg
Pete.
Disney
en
esta
ocasión
contó
con
el
apoyo
financiero
de
Winkler
y
de
su
hermano
mayor
Roy
O.
Disney,
que
fue
toda
su
vida
su
socio
financiero.
Produjeron
cientos
de
Alice
Comedies
entre
1923
y
1927,
hasta
que
la
popularidad
de
este
personaje
fue
decayendo.
7
Sobre
Walt
Disney
véase
el
excelente
documental
“Érase
una
vez
Walt
Disney”
en
https://www.youtube.com/watch?v=Wy_uUW91_u8
8
Así
por
ejemplo
en
el
verano
de
1935
recorrió
Europa
en
tren
con
su
esposa
Lilli
y
allí
compraron
más
de
350
libros
de
artes
y
obras
clasicas.
Instalaron
una
gran
biblioteca
en
Hollywood.
9
En
su
5
acepción
de
la
RAE:
Cinem.
Especialista
en
animación.

9. 9
9
Disney
empezó
entonces
una
exitosa
nueva
serie
sobre
un
personaje
animado
llamado
Oswald
the
Lucky
Rabbit
(Oswald
el
conejo
de
la
suerte).
Pero
en
1928
Walt
descubrió
que
M.J.
Winkler
y
su
marido
Charles
Mintz
le
habían
robado
los
derechos
sobre
esta
figura
animada
y
también
a
los
dibujantes
animadores,
excepto
a
Ub
Iwerks.
Disney
decidió
crear
un
nuevo
personaje
que
le
haría
mundialmente
famoso:
Mickey
Mouse.
Mickey
se
convirtió
en
una
estrella
internacional.
Con
solo
Disney
e
Iwerks
como
dibujantes
y
con
la
ayuda
de
la
esposa
de
Walt
Disney
llamada
Lillian
(Lilly)
y
de
la
mujer
de
Roy
(Edna),
empezaron
a
producir
dibujos
animados
de
Mickey
Mouse.
En
uno
de
ellos
llamado
Steamboat
Willie
(1928),
Walt
Disney
sincronizó
la
imagen
con
sonido.
Disney
fue
la
voz
de
Mickey
Mouse
desde
1928
hasta
1947.
A
partir
de
aquí
empezaron
a
sucederse
los
éxitos:
Silly
Symphonies
(1929),
Flowers
and
Trees
(1932)
–el
primero
en
color
y
el
primer
dibujo
animado
que
ganó
un
Oscar-­‐,
Three
Little
Pigs
(1933)
etc.
Los
personajes
de
Minnie
Mouse,
el
Pato
Donald,
Goofy
y
Pluto
entre
otros
surgieron
en
los
años
30
y
hoy
en
día
todavía
son
muy
populares.
Blancanieves
y
los
siete
enanitos
(1937),
el
primer
largometraje
de
animación
de
la
historia
En
1934
Walt
Disney
empezó
un
nuevo
proyecto:
un
largometraje
musical
de
dibujos
animados
llamado
Blancanieves
y
los
siete
enanitos.
Todo
el
mundo
en
Hollywood
lo
llamó
Disney's
Folly,
es
decir,
la
“locura
de
Disney”
puesto
que
pensaban
que
sería
inviable,
un
fracaso
que
causaría
la
ruina
económica
de
sus
estudios
de
producción.
En
verdad,
fue
todo
lo
contrario.
En
1937
se
estrenó
y
fue
todo
un
éxito
arrollador
tanto
de
crítica
como
de
público.
Blancanieves
fue
todo
un
reto.
Era
la
primera
vez
que
los
animadores
se
enfrentaban
a
un
personaje
realista,
que
además
tenía
que
ser
una
heroína.
Dos
estrellas
hollywoodenses
de
la
época,
Shirley
Temple
y
Janet
Gaynor
fueron
las
fuentes
de
inspiración
para
este
personaje10
.
10
La
bruja
de
esta
película
es
un
personaje
aterrador
inolvidable,
basado
en
los
grabados
de
Daumier.

10. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
10
Basada
en
el
célebre
cuento
de
los
hermanos
Grimm,
fue
el
primer
largometraje
animado
de
lengua
inglesa,
y
el
primero
en
utilizar
el
Technicolor.
Fue
distribuido
en
febrero
de
1938
por
RKO.
Fue
la
película
con
mayor
éxito
de
taquilla
de
1938
y
una
de
las
más
taquilleras
de
toda
la
historia.
Las
influencias
de
esta
película
son
variadas:
desde
la
versión
cinematográfica
basada
en
la
historia
de
Shakespeare
Romeo
y
Julieta11
(1936)
hasta
el
cine
expresionista
alemán
(Nosferatu,
1922;
el
Gabinete
del
Doctor
Caligari,
1919).
De
estas
últimas
es
evidente
sobre
toda
la
escena
en
la
que
Blancanieves
huye
por
el
bosque
y
la
Reina
se
transforma
en
una
bruja.
También
se
inspiró
para
esta
escena
en
Dr.
Jekyll
y
Mr.
Hyde
del
año
1931.
En
1993,
Blancanieves
y
los
siete
enanitos
se
convirtió
en
la
primera
película
en
ser
enteramente
digitalizada,
restaurada
y
regrabada
como
film12
.
Disney
recibió
ocho
Oscars
por
esta
película,
uno
del
tamaño
habitual
y
siete
en
miniatura.
Destacados
directores
de
cine
como
Sergei
Eisenstein
y
Charles
Chaplin
alabaron
la
película.
Eisenstein
la
consideró
la
mejor
película
de
la
historia.
Sobre
Blancanieves
se
han
hecho
decenas
de
versiones.
Disney
siguió
produciendo
dibujos
animados
cortos
pero
también
exitosas
películas
como
Pinocchio
(1940),
Dumbo
(1941),
y
Bambi
(1942).
Ni
el
fracaso
de
Fantasía
(1940)
ni
una
huelga
en
los
estudios
de
animación
de
1941
pudieron
detener
la
carrera
imparable
de
Disney.
En
los
años
50,
fueron
también
grandes
éxitos
La
cenicienta
(1950),
Alicia
en
el
país
de
las
maravillas
(1951),
o
Peter
Pan
(1953).
En
1950
también
produjo
películas
de
aventuras
como
la
Isla
del
Tesoro
(1950).
Este
tipo
de
films
cada
vez
iba
teniendo
más
importancia
en
su
producción
a
lo
largo
de
los
años
50
y
60
pero
continuó
llevando
a
cabo
películas
de
animación
como
La
dama
y
el
vagabundo
(1955),
La
bella
durmiente
(1959),
y
101
Dálmatas
(1961).
En
1955
abrió
un
parque
temático
en
el
sur
de
California,
Disneyland,
inspirado
en
un
viaje
que
hizo
a
Dinamarca
donde
pudo
visitar
en
Copenhague
el
parque
de
atracciones
más
antiguo
del
mundo
llamado
Tivoli
(1843).
Era
un
lugar
de
divertimento
para
los
niños
y
sus
familias
en
los
que
podían
encontrarse
con
los
personajes
animados
de
Disney.
Fue
otro
espectacular
éxito.
11
Especialmente
en
la
escena
en
la
que
Blancanieves
yace
en
un
ataúd
de
cristal.
12
El
proyecto
de
restauración
fue
llevado
a
cabo
enteramente
en
resolución
4k
y
profundidad
de
color
de
10
bit
usando
el
sistema
digital
Cineon
para
eliminar
la
suciedad
y
arañazos
de
la
película
y
restaurar
los
colores
que
habían
ido
perdiendo
intensidad.

11. 11
11
Walt
Disney
fue
de
los
primeros
productores
de
películas
para
la
televisión
como
la
serie
Walt
Disney's
Wonderful
World
of
Color
(1954)
que
empezó
en
1954
con
el
fin
de
promocionar
Disneyland.
También
produjo
The
Mickey
Mouse
Club
(1955)
y
Zorro
(1957).
En
1964
consiguió
por
fin,
un
sueño
que
llevaba
acariciando
desde
hacía
veinte
años:
llevar
al
cine
la
novela
de
Mary
Poppins.
Está
película
musical
–que
conjuga
figuras
reales
con
animadas-­‐
es
su
obra
maestra
y
desde
luego,
una
de
las
favoritas
del
propio
Disney.
La
odisea
para
poderla
llevar
a
cabo
aparece
contada
en
la
espléndida
película
protagonizada
por
Tom
Hanks
–pariente
lejano
de
Disney-­‐
y
Emma
Thompson
llamada
Saving
Mr.
Banks
(Hancock,
2013).
En
194o
Dalí
le
escribió
a
André
Breton
que
en
Hollywood
vivían
tres
grandes
surrealistas:
los
hermanos
Marx,
Cecil
B.
DeMille
y
Walt
Disney.
Recordemos
que
fruto
de
la
colaboración
entre
Dalí
y
Disney
surgió
el
corto
surrealista
Destino13
(1946).
Cuando
planeaba
construir
nuevos
parques
temáticos,
Disney,
que
era
un
fumador
empedernido
–tres
cajetillas
diarias-­‐,
enfermó
de
cáncer
de
pulmón,
falleciendo
en
1966.
Su
hermano
Roy
continuó
con
los
planes
de
construir
en
Orlando
(Florida)
un
parque
temático
que
fue
abierto
en
1971
con
el
nombre
de
Walt
Disney
World.
Walt
Disney
creó
un
imperio
cinematográfico
que
continúa
en
la
actualidad
ya
que
es
la
mayor
compañía
de
medios
de
comunicación
y
entretenimiento
del
mundo.
Creó
un
nuevo
cine
con
sus
cuentos
fantásticos
inspirados
en
los
sueños
y
pesadillas
de
la
vieja
Europa.
Disney
batió
todos
los
records
de
premios
de
la
Academia
de
Artes
y
Ciencias
Cinematográficas
de
Estados
Unidos
ya
que
ganó
22
Oscars
y
otros
tres
honoríficos,
aparte
de
innumerables
galardones.
Las
películas
de
Walt
Disney
se
caracterizan
por:
*La
fuente
de
inspiración
de
las
tramas,
los
personajes,
la
estética
de
los
mismos,
los
fondos
arquitectónicos
o
13
http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/760490/cine-­‐y-­‐arquitectura-­‐destino-­‐una-­‐colaboracion-­‐entre-­‐walt-­‐disney-­‐y-­‐salvador-­‐dali

12. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
12
paisajísticos
se
inspiran
en
el
arte
(Gustav
Doré,
J.J.
Grandeville
entre
otros),
el
cine
expresionista
alemán,
y
la
literatura
europea.
De
hecho,
Disney
contrataba
a
los
mejores
animadores
y
dibujantes
que
tuvieran
un
gran
bagaje
cultural
de
las
distintas
épocas
y
estilos
artísticos.
Sus
artistas
iban
al
cine,
al
teatro,
visitaban
museos
y
exposiciones
buscando
inspiración
para
las
películas
Disney.
*Algunos
edificios
de
las
películas
de
animación
de
Disney
son
icónicos
de
un
estilo
o
de
una
época,
como
por
ejemplo,
el
castillo
medieval
de
la
Bella
Durmiente
o
el
de
Blancanieves
y
los
siete
enanitos.
Guarda
muchas
concomitancias
con
el
castillo
neogótico Neuschwanstein
de
Luis
II
de
Baviera
(siglo
XIX).
*Catorce
de
las
diecisiete
películas
animadas
en
vida
de
Disney
procedían
de
cuentos
y
leyendas
europeas.
La
filiación
a
la
historia
de
la
literatura
europea,
fundamentalmente
a
los
cuentos
de
hadas,
princesas,
etc.
está
presente
en
muchas
de
sus
obras
así
como
su
vinculación
con
los
clásicos
de
la
literatura
universal
como
Alicia
en
el
País
de
las
Maravillas
de
Lewis
Carroll
(1965)
o
Pinocho
de
Carlo
Collodi
(1883).
Los
siete
enanitos
de
Blancanieves
no
se
entienden
sin
el
poema
épico
de
la
saga
germánica
del
anillo
de
los
nibelungos,
que,
recordemos
aparecen
en
la
ópera
de
Wagner.
Tanto
unos
como
otros
buscan
en
un
mundo
subterráneo
riquezas
como
oro
(los
nibelungos)
y
diamantes
(los
7
enanitos).
Los
nibelungos
es
también
una
película
de
Fritz
Lang
de
1924.
Los
cuentos
de
los
Hermanos
Grimm
son
la
base
de
muchas
películas
de
Disney
como
Blancanieves,
la
Bella
Durmiente
o
la
Cenicienta
que
a
su
vez
se
nutrían
de
leyendas
populares.
*Happy
End:
final
feliz
de
sus
películas,
aunque
en
algunas
ellas
haya
hechos
dramáticos
como
la
muerte
de
la
madre
de
Bambi.
Las
películas
Disney
suelen
ser
films
con
mensajes
positivos
que
apuestan
por
valores
como
la
amistad,
la
naturaleza
o
hacer
el
bien
a
los
demás.
*En
la
infancia
de
Disney
se
encuentran
muchas
claves
de
sus
películas.
En
ellas
es
habitual
la
antropomorfización
de
los
animales
y
de
las
plantas,
que
hablan,
bailan,
cantan
e
interactúan
con
los
seres
humanos.
Esa
pasión
por
la
naturaleza
le
viene
a
Disney
de
sus
recuerdos
en
la
granja
de
Missouri
donde
vivió
de
pequeño.
Pero
esa
“humanización”
de
esos
seres
vivos
no
lo
inventó
él,
aparece
en
las
fábulas
de
Esopo,
de
Jean
de
La
Fontaine,
etc.
y
en
el
arte
europeo.
*Muchos
de
sus
personajes
utilizan
guantes
blancos:
Mickey
Mouse,
Goofy,
Peter
Pete,
Jiminy
Cricket.
APORTACIONES
DE
DISNEY
AL
CINE
DE
ANIMACIÓN
Las
películas
de
Disney
siempre
han
ido
a
la
vanguardia
en
lo
que
se
refiere
a
la
tecnología
del
cine
de
animación.
A
veces
experimentando
con
técnicas
por
primera
vez,
otras
veces
lanzando
a
nivel
masivo
innovaciones
creadas
por
otros.
Veamos
algunos
de
sus
hitos:
Interacción
de
actores
reales
con
dibujos
animados
Cortos
conocidos
como
Alice
Comedies
(1923),
en
los
que
una
niña
interpretada
por
Virginia
Davis
interactuaba
con
personajes
animados
de
un
mundo
de
fantasía
y
con
su
gato,
llamado
Julius.
Sincronización
de
imagen
y
sonido
en
animación
En
1928
Disney
estrenó
el
revolucionario
Steamboat
Willie,
primera
película
de
animación
con
sonido
protagonizada
por
Mickey
Mouse.
La
primera
película
sonora
de
la
historia
se
estrenó
solo
unos
meses
antes,
en
1927,
El
cantor
de
Jazz.
Technicolor
Dentro
de
su
serie
Silly
Symphonies,
Disney
fue
experimentando
con
distintas
temáticas
y
técnicas.
En
1932,
lanzó
Flowers
and
Trees,
primer
corto
animado
en
Technicolor
Primer
largometraje
animado
También
en
Blancanieves
se
presentó
la
cámara
multiplano
que
inventó
William
Garity
para
la
compañía.
Sonido
estereofónico
En
Fantasía
en
1940
y
por
primera
vez
en
una
película
comercial,
Disney
usó
sonido
estereofónico
multicanal.
Canción
del
Sur,
en
1946,
no
solo
fue
el
primer
largometraje
de
Disney
en
usar
a
actores
reales,
sino
el
primero
en
hacerlos
compartir
escena
con
dibujos
animados.
ejemploshttp://www.bloglenovo.es/esto-­‐es-­‐todo-­‐lo-­‐que-­‐ha-­‐cambiado-­‐el-­‐cine-­‐de-­‐animacion-­‐de-­‐disney-­‐en-­‐mas-­‐de-­‐
un-­‐siglo/

13. 13
13
Innovación
en
el
uso
de
Xerografía
101
Dálmatas
introdujo
un
nuevo
proceso
de
Xerografía:
el
animador
Ub
Iwerks
había
estado
experimentando
con
cámaras
Xerox,
para
transferir
dibujos
directamente
a
celuloide,
eliminando
el
proceso
de
entintar.
Animación
por
ordenador
Tron
es
una
película
insólita,
casi
inexplicable
desde
una
perspectiva
empresarial,
pero
esencial
para
entender
el
cine
de
animación
actual:
con
ella,
John
Lasseter
comenzó
a
testear
las
posibilidades
de
un
corto
con
fondos
digitalizados.
Fue
despedido
después
de
una
reunión
en
la
que
intentó
convencer
a
sus
jefes
de
la
conveniencia
de
producirlo.
De
ahí
a
Lucasfilm
Computer
Graphics
y
a
Pixar
desarrollaron
la
animación
por
ordenador
con
hitos
como
Toy
Story,
Monstruos
SA
o
Cars.
El
círculo
se
completó
cuando
en
abril
de
2006,
Disney
compró
Pixar
y
Lasseter
pasó
a
ser
director
creativo
de
Pixar
y
Walt
Disney
Animation
Studios.
CAPS
(Computer
Animation
Production
System)
CAPS
era
una
colección
de
programas,
sistemas
de
escaneado,
servidores,
ordenadores
en
red
y
estaciones
de
trabajo
dedicadas
que
desarrollaron
Disney
y
Pixar
a
finales
de
los
ochenta.
Este
sistema
eliminó
la
necesidad
de
celuloide,
cámara
multiplano
y
efectos
especiales
tradicionales,
computarizando
el
proceso
de
entintado
y
coloreado,
entre
otros
detalles
de
postproducción.
Paradójicamente,
el
sistema
solo
se
empleó
en
un
plano
de
La
Sirenita.
La
Sirenita
supuso,
así,
la
última
película
de
la
productora
que
incluyó
en
su
metraje
animación
clásica
en
celuloide.
Fuente
de
este
texto:
Redondus
http://www.slideshare.net/redondus/2-­‐fundamentos7
4.
El
CÓMIC14
El
cómic
–bande
dessinée
(bd)
en
francés,
fumeto
en
italiano,
historieta
o
TBO
en
español-­‐
es
el
arte
de
narrar
con
ilustraciones.
La
palabra
cómic
es
un
anglicismo que
deriva
de
la
expresión
comic
strip,
es
decir,
tira
cómica.
Ha
estado
considerado
como
un
“arte
menor”.
Esa
visión
peyorativa
hoy
está
superada.15
Es
el
Noveno
Arte.
Podemos
considerarlo
como
una
popular
literatura
de
masas
y
al
mismo
tiempo
como
un
medio
de
expresión
artística
cuyos
orígenes
se
esconden
en
la
noche
de
los
tiempos.
Recordemos
que
la
narración
apoyada
con
imágenes
ya
aparece
en
míticas
civilizaciones
como
Egipto
o
Roma16
.
En
Egipto,
por
ejemplo,
los
relieves
o
las
pinturas
venían
estructuradas
en
bandas
o
registros,
acompañadas
de
jeroglíficos.
En
rigor,
en
sentido
estricto,
el
origen
del
cómic
apareció
a
finales
del
siglo
XIX
en
Estados
Unidos,
vinculado
a
la
prensa
norteamericana.
Curiosamente
surgió
en
paralelo
al
cine.
El
primer
cómic
propiamente
dicho,
Yellow
Kid,
fue
creado
en
1896
por
el
dibujante
Richard
Felton
Outcault
y
se
caracterizaba
por
una
interesante
novedad:
lo
que
decían
o
pensaban
los
personajes
aparecía
encerrado
en
un
“bocadillo”,
una
especie
de
globo.
Precisamente,
es
éste
uno
de
los
rasgos
distintivos
del
comic
frente
a
la
ilustración.
En
la
ilustración
los
textos
están
fuera
del
dibujo.
En
los
cómics
es
imprescindible
que
el
lector
sepa
identificar
a
los
personajes
y
que
exista
un
“continuo
narrativo”
que
desarrolla
el
proyecto
narrativo.
El
objetivo
del
Noveno
Arte
es
formar,
informar
y
divertir.
En
ocasiones
puede
tener
intencionalidad
propagandística
(política,
religiosa…)
Los
cómics
se
hicieron
muy
populares
y
pronto
surgieron
obras
maestras
de
este
género
desde
inicios
del
siglo
XX
como
Little
Nemo
in
Slumberland,
creado
a
inicios
de
ese
siglo
por
Winsor
McCay
o
los
célebres
Krazy
Cat
de
George
Herriman,
Felix
el
Gato
de
Pat
Sullivan
o
Mickey
Mouse
(desde
1929)
y
todos
los
demás
personajes
de
la
factoría
del
mítico
Walt
Disney.
14
Sobre
el
cómic
véase
el
excelente
ciclo
de
conferencias
de
la
Fundación
Mapfre
“Cómic,
Arte
y
Arquitectura”
de
la
Fundación
Mapfre:
http://artpower-­‐
ana.blogspot.com.es/2013/11/el-­‐comic-­‐o-­‐el-­‐arte-­‐de-­‐narrar-­‐con.html
15
¿Baja
cultura
versus
alta
cultura?
Es
cultura
y
punto.
16
Así
por
ejemplo
la
columna
Trajana
de
Roma,
donde
con
sentido
helicoidal
se
nos
cuenta
la
conquista
de
la
Dacia
o
las
Cantigas
de
Santa
María
del
siglo
XIII
(arte
medieval).

14. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
14
La
temática
de
los
cómics
es
de
gran
diversidad:
policíaca,
de
aventuras
o
acción,
bélica,
de
superhéroes,
de
humor,
de
amor,
de
ciencia
ficción,
de
terror,
deportes
(artes
marciales)
y
un
largo
etcétera.
Los
lectores
de
cómics
no
son
sólo
el
público
infantil
o
juvenil
sino
también
el
adulto.
La
producción
de
cómics
ha
sido
especialmente
fecunda
en
Estados
Unidos,
Francia,
Bélgica
y
Japón,
siendo
obras
de
referencia,
verdaderos
clásicos
del
noveno
arte:
Tintín,
Dick
Tracy,
Flash
Gordon,
Batman,
Superman,
Tarzán,
Mickey
Mouse,
Snoopy,
Conan,
Hulk,
Sin
City…
La
historieta
española,
los
llamados
y
célebres
tebeos,
cuentan
con
autores
y
personajes
esenciales,
imborrables
en
la
memoria
cultural
de
España,
como
por
ejemplo
Roberto
Alcázar
y
Pedrín,
Rompetechos,
las

15. 15
15
hermanas
Gilda,
Zipi
y
Zape,
Mortadelo
y
Filemón,
el
botones
Sacarino,
Pepe
Gotera
y
Otilio,
Carpanta
etc.
debidos
al
talento,
entre
otros,
del
genial
Francisco
Ibáñez.
Los
estilos
de
los
cómics
pueden
ser
muy
variados:
realistas,
caricaturescas,
o
incluso
combinar
varios
estilos
en
una
misma
viñeta.
La
peculiar
estética
del
cómic
ha
influido
en
los
medios
de
comunicación
de
masas,
especialmente
en
la
publicidad,
el
diseño,
la
moda,
el
cine
o
el
arte,
como
por
ejemplo,
el
Pop
Art.
Chaplin,
por
ejemplo,
tenía
muchas
influencias
del
cómic
en
la
elaboración
de
sus
personajes.
No
hay
duda
que
es
un
medio
fantástico
para
fomentar
la
lectura
pues
como
señala
el
escritor
Luis
Alberto
de
Cuenca
“un
buen
cómic
engancha
más
a
lectura
que
un
best
seller".
La
importancia
del
cómic
europeo:
HERGÉ
(1907-­‐1983)17
Pudiera
parecer
que
el
cómic
es
un
invento
americano
que
poco
tiene
que
ver
con
la
cultura
europea.
Nada
más
lejos
de
la
realidad.
Si
tuviéramos
que
destacar
al
autor
más
relevante
del
cómic
europeo
de
los
años
30
y
décadas
posteriores,
sería
sin
duda
Georges
REMI,
más
conocido
como
HERGÉ.
La
denominación
de
Hergé
procede
de
las
iniciales
de
su
apellido
R
y
su
nombre
G
pronunciadas
en
francés.
Hergé
nació
en
Bélgica
en
el
seno
de
una
familia
de
clase
media.
Hergé
recordaba
su
infancia
como
una
época
gris
y
mediocre.
De
educación
católica
–estudió
con
los
jesuitas-­‐,
de
jovencillo
fue
boy
scout,
como
lo
sería
el
propio
Tintín.
De
hecho,
ese
pasado
scout
le
marcará
de
por
vida:
el
respeto
por
la
palabra
dada,
el
ser
honrado,
el
hacer
buenas
obras,
la
lealtad,
etc.
De
talante
reservado,
enigmático
y
encantador,
comenzó
dibujando
en
una
revista
scout,
a
partir
de
1924
ya
firma
sus
obras
con
el
seudónimo
Hergé.
Hergé18
fue
un
excelente
dibujante
y
un
gran
narrador.
Trabajador
incansable,
no
se
tomaba
nunca
vacaciones.
A
Las
Aventuras
de
Tintín
le
dedicó
¡50
años
de
su
vida!
Del
mismo
modo
que
el
escritor
Flaubert
proclamaba
que
él
era
Madame
Bovary
o
que
Cervantes
era
en
cierta
medida
también
Don
Quijote,
Hergé
podría
decir:
Tintín
c´èst
moi.
Era
claramente
una
proyección
de
si
mismo,
pero
no
solo
el
joven
reportero,
sino
también
del
resto
de
sus
personajes.
Hergé
con
Las
aventuras
de
Tintín
creó
a
un
héroe
incontestable,
un
clásico
de
la
literatura
y
el
arte
del
siglo
XX.
Desde
su
primera
aparición
en
el
diario
Le
Petit
Vingtième
en
1929,
Tintín
se
convirtió
en
uno
de
los
más
célebres
personajes
de
cómic.
Durante
los
años
30,
aparte
de
dedicarse
a
Tintín,
Hergé
diversificó
su
actividad
artística
realizando
ilustraciones
de
periódicos,
novelas
y
diseños
publicitarios.
La
primera
aventura
de
Tintín
editada
en
color
fue
en
1942
y
fue
una
obra
maestra
cromática.
El
último
Tintín
se
publicó
en
1971.
17
Véase
el
excelente
documental
Tintín
et
moi: https://www.youtube.com/watch?v=8trmVNUr2U0
18
Videos
sobre
Hergé
https://www.youtube.com/playlist?annotation_id=annotation_2914024707&feature=iv&list=PL9LWAQYUI74tBZb6fjhDMOtvkEONcWRQ4&src_vid=jo7OStiKX
tI

16. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
16
Durante
la
II
Guerra
Mundial,
Hergé
publicaba
las
aventuras
de
Tintín
en
el
suplemento
juvenil
del
periódico
Le
Soir,
que
a
la
sazón,
estaba
controlado
por
los
nazis
alemanes;
este
hecho
comprometió
seriamente
su
reputación
y
cuando
terminó
la
guerra
incluso
fue
acusado
de
colaboracionista,
algo
que
él
negaba
radicalmente.
Las
fuentes
de
inspiración
de
Hergé
son
muy
variadas:
desde
los
grabados
japoneses
Ukiyo-­‐E,
hasta
la
caligrafía
china,
y
toda
una
serie
de
pintores
antiguos
y
modernos.
Hergé
admiraba
a
Benjamin
Rabier,
un
ilustrador
de
los
años
20,
también
al
neoclásico
Ingres
y
al
renacentista
Holbein,
así
como
al
arte
primitivo,
las
máscaras
africanas,
el
surrealismo
de
Joan
Miró,
etc.
En
Las
aventuras
de
Tintín
abundan
las
referencias
al
arte
ya
sea
antiguo
(egipcio),
oriental,
africano
(máscaras)
o
de
los
siglos
XIX
(Sisley)
o
XX
(Picasso).
Es
formidable
como
sintetiza
el
Shanghái
art
Déco
en
el
Loto
Azul
(1934).
También
se
inspiraba
en
la
realidad
cotidiana,
los
acontecimientos
políticos
y
sociales
de
su
tiempo
y
en
otras
culturas.
Asimismo,
el
cine
fue
su
gran
afición
desde
joven,
en
particular
sentía
devoción
por
Charles
Chaplin.
El
lenguaje
de
Hergé,
su
vocabulario,
es
muy
cinematográfico,
lleno
de
humor
y
cierto
suspense.
Hergé
está
considerado
como
el
padre
del
cómic
europeo.
Perfeccionista
y
visionario,
hacía
evolucionar
a
sus
personajes
con
la
actualidad
de
su
época.
Así
los
vemos
en
Tintín,
pero
también
en
Les
Exploits
de
Quick
et
Flupke
(1930)
y
en
Las
Aventuras
de
Jo,
Zette
et
Jocko
(1935)
Hergé
se
documentaba
concienzudamente
sobre
las
distintas
épocas
y
civilizaciones
que
trataba
en
sus
publicaciones
para
ser
lo
más
preciso
y
realista
posible.
Tintín
es
un
héroe
literario
viajero,
un
joven
maravilloso
que
parece
tener
el
don
de
la
ubicuidad
puesto
que
viaja
por
todo
el
mundo
entre
los
años
30
y
los
70
del
siglo
XX.
Sus
historietas
son
una
magnífica
lección
de
historia
y
geografía.
Como
ha
señalado
el
tintinólogo
Juan
Manuel
Bonet19
,
Tintín
nos
ayuda
a
entender
el
siglo
XX:
el
colonialismo;
el
auge
de
los
totalitarismos;
la
amenaza
bélica
de
los
años
30;
el
conflicto
chino-­‐japonés;
los
gánster
de
Chicago;
las
búsquedas
de
pecios20
;
los
conflictos
de
Oriente
Medio
y
el
papel
en
ellos
del
petróleo;
los
Tiranos
Banderas
latinoamericanos;
la
aventura
espacial-­‐Tintín
estuvo
antes
en
la
luna
que
los
americanos-­‐;
el
Pacto
de
Varsovia
y
la
Guerra
Fría;
el
tráfico
de
armas,
drogas
y
eslavos;
las
falsificaciones
de
obras
de
arte;
la
ópera;
las
joyas,
etc.
También
aparecen
fenómenos
paranormales,
pesadillas,
la
importancia
de
los
sueños
...
Es
claro
que
las
aventuras
de
Tintín
no
son
meras
obras
de
divertimento
juvenil,
sino
que
tienen
un
rico
trasfondo
y
mensajes
en
clave
a
desentrañar
por
el
lector.
Tintín
nos
fascina
porque
nos
ayuda
a
ver
el
mundo
con
otros
ojos:
con
la
mente
muy
abierta,
sin
prejuicios,
dejándonos
sorprender
y
aprender,
conociendo
otras
civilizaciones
con
espíritu
de
aventura.
Como
buen
reportero
le
apasiona
viajar,
es
valiente,
generoso
-­‐
no
duda
en
poner
en
riesgo
su
vida
con
tal
de
ayudar
a
un
amigo
Tchang21
-­‐
y
es
amante
de
los
animales
–especialmente
de
su
particular
“Rocinante”,
su
queridísimo
Milou-­‐
.
Al
mismo
tiempo
es
un
apasionado
del
arte
y
la
cultura.
También
nos
encanta
el
protagonismo
coral
que
tienen
todos
los
personajes
como
el
borrachín
capitán
Haddock22
–una
especie
de
amigo-­‐padre-­‐,
Hernández
y
Fernández
–
prototípicos
de
los
belgas
de
su
época-­‐,
el
profesor
Tornasol,
la
genial
cantante
de
ópera
Castafiore...
Desgraciadamente
no
abundan
los
personajes
femeninos
en
sus
aventuras.
Hergé
fue
el
creador
de
un
nuevo
estilo
gráfico:
la
línea
clara,
caracterizada
por
la
simplicidad
y
claridad
del
trazo,
con
dibujos
muy
depurados.
Marca
mucho
el
contorno
y
no
presenta
tonos
intermedios
ni
efectos
de
luces
y
sombras,
salvo,
curiosamente,
en
sus
dibujos
de
automóviles-­‐.
Aplicaba
el
llamado
“efecto
máscara”,
es
decir,
la
combinación
de
unos
personajes
un
tanto
caricaturescos
en
entornos
lo
más
realistas
posibles.
Así
mismo
deseaba
que
el
mensaje
que
transmitían
sus
álbumes
fueran
de
fácil
comprensión.
Una
faceta
menos
conocida
de
Hergé
fue
la
de
coleccionista.
Era
un
apasionado
del
arte
moderno
y
en
su
colección
reunió
pintura
expresionista,
Pop
Art,
abstracción,
Minimal
Art...
No
faltaban
entre
sus
fondos
pinturas
de
artistas
contemporáneos
como
Lucio
Fontana,
Jean
Dubuffet,
Andy
Warhol
o
Roy
Lichtenstein.
Puede
parecer
paradójico
que
Hergé
que
era
un
fabuloso
ilustrador
y
un
maestro
de
la
figuración,
viviera
rodeado
de
arte
abstracto.
Consideraba
que
era
la
otra
versión
de
sí
mismo.
19
Véase
su
disertación
sobre
Tintín
en
la
conferencia
“Héroes
del
Cómic
Internacional”
de
la
Fundación
Mapfre:
https://www.youtube.com/watch?v=DnXIvBhGt-­‐o
20
Según
la
RAE:
“Pedazo
o
fragmento
de
la
nave
que
ha
naufragado”.
21
Por
ejemplo
en
Tintín
en
el
Tíbet
(1960).
22
Fue
censurado
en
Estados
Unidos
por
su
afición
al
alcohol.

17. 17
17
Hergé,
en
pleno
reconocimiento
internacional
de
su
obra,
murió
en
1983
de
leucemia.
Su
clamoroso
éxito
se
demuestra
con
un
dato:
se
han
vendido
más
de
250
millones
de
ejemplares
de
sus
24
álbumes
en
más
de
100
lenguas
y
dialectos
de
todo
el
mundo.
En
Louvain-­‐la-­‐Neuve
(Bélgica)
se
encuentra
el
Musée
Hergé
dedicado
a
este
genial
artista
y
su
obra.
HERGÉ,
el
pintor
surrealista
René
MAGRITTE
y
el
escritor
Georges
SIMENON
son
los
máximos
exponentes
de
la
cultura
belga
del
siglo
XX.

18. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
18
Las
claves
sociológicas
y
personales
de
los
superhéroes
del
cómic:
SUPERMAN,
BATMAN
Y
CAPITÁN
AMERICA
Los
superhéroes
son
personajes
de
ficción
literaria
-­‐
cómics
y
novelas
gráficas
-­‐
así
como
cinematográficos
que
cuentan
con
poderes
sobrehumanos.
El
héroe
dotado
con
poderes
superiores
a
los
del
hombre
común
es
una
constante
del
imaginario
colectivo,
cuyos
orígenes
remotos
podrían
remontarse
a
la
mitología
grecorromana
–
Hércules
por
ejemplo-­‐,
germánica
–Sigfrido-­‐
o
literaria
como
Pantagruel
o
el
mismísimo
Peter
Pan.
En
ocasiones
entroncan
con
la
ciencia
ficción.
Comparten,
sin
embargo,
pocos
puntos
o
ninguno
en
común
con
el
Superhombre
del
nihilista
Nietzsche.
Los
superhéroes
en
los
cómics
surgieron
en
los
años
30
en
Estados
Unidos
en
plena
época
del
New
Deal
tras
el
crash
de
la
Bolsa
de
Nueva
York
de
1929.
Recordemos
que
por
aquel
entonces
el
presidente
Roosevelt
arengaba
al
pueblo
sobre
la
necesidad
de
no
tener
miedo.
Los
valerosos
superhéroes
son
emblemas
culturales
americanos
del
siglo
XX,
como
los
personajes
de
Disney
o
el
Pop
Art,
dicho
con
otras
palabras,
son
representativos
del
American
way
of
life
que
enfatiza
el
individualismo,
la
meritocracia,
el
sentido
pragmático,
un
cierto
optimismo
que
invita
a
no
rendirse
ante
las
dificultades
y
un
sentido
filantrópico
de
la
vida.
Habitualmente
son
seres
humanoides
que
cuentan
con
capacidades
especiales
sobrehumanas
y
presentan
un
origen
extraterrestre
o
bien
son
semidioses,
robots
o
replicantes.
En
ocasiones
son
fruto
de
experimentos
científicos
como
el
Capitán
América,
el
increíble
Hulk
o
Spiderman.
De
físico
imponente,
dotados
de
gran
inteligencia
y
fuerza
sobrehumana,
los
superhéroes
tienen
generalmente
una
finalidad
mesiánica,
son
salvadores
de
la
humanidad.
Gracias
a
los
artilugios,
herramientas
y
poderes
que
poseen
pueden
hacer
frente
al
mal
e
impartir
justicia.
Combaten
a
malvados,
crímenes,
catástrofes
y
todo
tipo
de
amenazas
que
se
ciernen
sobre
los
humanos,
especialmente
los
más
débiles
e
indefensos.
Por
ello
no
es
raro
que
puedan
volar,
tengan
fuerza
ilimitada,
telepatía,
escalen
edificios
sin
dificultad,
etc.
Su
perfección
anatómica
suele
seguir
cánones
cercanos
a
los
grecolatinos,
aunque
puedan
seguir
otras
estéticas,
como
la
del
manga.
Es
habitual
que
tengan
dos
identidades,
dos
personalidades:
una
humana,
aparentando
ser
una
persona
normal
y
otra
como
superhéroe.
Son
los
casos
de
Clark
Kent23
–Superman-­‐
y
Peter
Parker
–Spiderman-­‐,
por
citar
solo
dos
ejemplos.
Esa
doble
identidad
favorece
un
cierto
suspense
en
la
estructura
narrativa
de
estas
historietas.
Curiosamente,
cuando
aparecen
como
superhéroes
suelen
llevar
trajes
ajustadísimos
que
marcan
sus
hercúleas
anatomías.
Los
superhéroes
no
existirían
sin
sus
malvados
enemigos.
Son
personajes
con
características
similares
a
las
de
los
superhéroes
pero
anhelan
el
mal
y
por
ello
van
a
entrar
en
conflicto
con
ellos:
el
Duende
Verde
(de
Spiderman),
el
Joker
(de
Batman),
el
Mandarín
(de
Iron
Man),
Lex
Luthor
(de
Superman)
o
Red
Skull
(del
Capitán
América).
No
debemos
olvidarnos
del
correlato
femenino
de
los
superhéroes,
las
superheroínas,
porque
como
las
meigas,
“haberlas
haylas”:
Wonder
Woman,
Catwoman,
Capitana
Marvel,
Tormenta,
Kitty
Pride
y
un
largo
etcétera.
Superman
Probablemente
el
más
conocido
entre
todos
los
superhéroes
sea
Superman,
al
menos
es
el
primero
que
surgió.
Fue
creado
en
1938
por
Jerry
SIEGEL
y
Joe
SHUSTER
para
la
revista
Action
Comic
de
la
editorial
DC.
En
realidad
Superman
es
Kal-­‐El,
hijo
de
Jor-­‐El
y
Lara,
habitantes
de
Krypton.
Sus
padres
le
enviaron
a
la
tierra
justo
antes
de
que
explotara
Krypton.
Cuando
llegó
a
nuestro
planeta
fue
adoptado
por
dos
estadounidenses,
Jonathan
23
Como
señaló
Umberto
Eco
en
su
formidable
estudio
“Apocalípticos
e
integrados”
(1964),
Clark
Kent
es
un
señor
normal
y
corriente,
tímido,
un
poco
tonto,
miope
y
perdidamente
enamorado
de
una
mujer
que
le
desprecia,
su
colega
Lois
Lane,
que
en
cambio,
está
enamoradísima
de
su
alter
ego,
Superman.

19. 19
19
y
Martha
Kent
que
le
pusieron
el
nombre
de
Clark.
Su
objetivo
es
defender
a
los
que
lo
necesiten
haciendo
el
bien.
Su
S
del
pecho
simboliza
su
legado
kryptoniano.
Superman
tuvo
un
éxito
inmediato
y
fulminante.
Con
él
comenzó
la
Edad
de
Oro
del
cómic
americano,
siendo
modelo
para
toda
una
pléyade
de
personajes
similares
que
inundaron
las
historietas
de
los
años
30
y
40.
Batman
Batman
apareció
en
1939,
un
año
después
de
Superman,
siendo
creado
por
Bob
KANE
y
Bill
FINGER
para
la
editorial
DC.
Si
Superman
era
el
hombre
de
acero,
Batman
es
su
contrapunto,
el
caballero
oscuro.
Bruce
Wayne
presenció
como
sus
padres
eran
asesinados
por
un
ladrón
de
poca
monta
en
una
peligrosa
calle
de
Gotham.
A
partir
de
ese
momento
decidió
combatir
el
crimen
disfrazándose
de
murciélago
para
así
suscitar
temor
entre
sus
enemigos.
A
diferencia
de
otros
superhéroes,
Batman
no
posee
superpoderes,
pero
cuenta
con
una
inteligencia
fuera
de
lo
común,
destreza
física
y
habilidades
detectivescas.
En
definitiva,
es
una
especie
de
Sherlock
Holmes
en
superhéroe.
Su
“Doctor
Watson”,
siguiendo
el
símil
con
Sherlock
Holmes,
sería
su
fiel
mayordomo,
médico
y
amigo
Alfred
Pennyworth.
Robin
y
Batgirl
son
sus
ayudantes.
Cuenta
además,
con
infinidad
de
aparatos
y
vehículos
de
altísima
tecnología
para
llevar
a
cabo
sus
planes
anticrimen.
Existen
infinitas
versiones
sobre
Batman.

20. Fundamentos
del
Arte
II
Profesora
Ana
Galván
Romarate-­‐Zabala
20
Capitán
América
El
exitoso
Capitán
América
surgió
en
1941
siendo
sus
creadores
Joe
SIMON
y
Jack
KIRBY.
Fue
el
primer
superhéroe
de
la
mítica
editorial
Marvel.
El
Capitán
América
es
el
trasunto
de
Steve
Rogers,
un
militar
que
lideró
el
ejército
de
los
Estados
Unidos
durante
la
II
Guerra
Mundial.
Sus
superpoderes
proceden
de
un
suero
misterioso
que
tomó
y
que
le
permitió
desarrollar
no
solo
un
físico
espectacular,
con
una
fuerza
descomunal,
también
una
inteligencia
sorprendente.
Se
convirtió,
así,
en
un
supersoldado
a
mayor
gloria
de
América.
Por
lo
demás,
se
podría
decir
que
fue
un
agente
del
gobierno
estadounidense,
ya
que
éste
es
quien
le
inoculó
el
suero
mágico.
Esta
pócima
además,
le
hizo
inmune
a
todo
tipo
de
enfermedades,
gases
venenosos
y
demás
peligros
para
su
salud.
En
una
misión
el
Capitán
América
y
su
compañero
Bucky
Barnes
supuestamente
mueren
al
tratar
de
controlar
un
misil
aéreo.
Pero
realmente
no
estaban
muertos,
el
Capitán
América
se
había
quedado
congelado
y
cuando
aparecieron
Los
Vengadores
le
encontraron
y
le
devolvieron
a
la
vida,
décadas
después
de
terminada
la
II
Guerra
Mundial.
Pasó
así
a
convertirse
en
el
líder
de
los
Vengadores.
Gran
estratega
superpatriota,
su
objetivo
es
llevar
a
cabo
misiones
de
alto
secreto.
Entre
sus
herramientas
cuenta
con
un
prodigioso
escudo
con
el
que
puede
impactar
contra
varios
blancos
a
la
vez
con
un
solo
lanzamiento.
FUENTES
DE
IMÁGENES
Y
DOCUMENTACIÓN
Blog
de
Redondus:
https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteii/home
www.wikiart.org
http://www.retrowaste.com/1930s/
video
de
historia
https://www.youtube.com/watch?v=IfGu0dTNo_0
http://www.imdb.com/name/nm0000370/?ref_=fn_al_nm_1
http://www.npg.org.uk/whatson/exhibitions/20041/cecil-­‐beaton-­‐portraits.php
http://www.imdb.com/name/nm0000370/mediaviewer/rm3758993408
http://disney.wikia.com/wiki/Saving_Mr._Banks
http://artpower-­‐ana.blogspot.com.es/2013/11/el-­‐comic-­‐o-­‐el-­‐arte-­‐de-­‐narrar-­‐con.html
http://en.tintin.com/news/index/rub/0/id/4815/0/who-­‐is-­‐your-­‐hero
https://www.fastcodesign.com/3053759/how-­‐modern-­‐art-­‐and-­‐design-­‐influenced-­‐the-­‐beloved-­‐cartoon-­‐tintin/1
http://www.ina.fr/video/I08280435/herge-­‐a-­‐propos-­‐de-­‐tintin-­‐dieu-­‐et-­‐les-­‐femmes-­‐video.html
http://fr.tintin.com/herge
http://www.actuabd.com/Herge-­‐est-­‐l-­‐art
https://www.youtube.com/watch?v=R_avNyTRaqc
http://comicritico.blogspot.com.es/2014/01/top-­‐50-­‐mejores-­‐superheroes-­‐y-­‐personajes.html
http://www.dccomics.com/characters/batman