Este documento resume la vida y obra del artista renacentista Miguel Ángel Buonarroti. Nació en 1475 cerca de Florencia y demostró su talento para el dibujo desde muy joven. Trabajó como escultor, pintor y arquitecto, siendo considerado uno de los mayores genios del Renacimiento. Algunas de sus obras más famosas incluyen el fresco del techo de la Capilla Sixtina y la escultura de Moisés. Tuvo como mecenas a los Medici y a nueve papas consecutivos, quien

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
TEMA
9.
ARTE
DEL
RENACIMIENTO
EN
ITALIA
(II):
MIGUEL
ÁNGEL
BUONAROTTI

2. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
2
TEMA
9.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
ARTE
DEL
RENACIMIENTO
EN
ITALIA
(II):
MIGUEL
ÁNGEL
BUONARROTI
1.Miguel
Ángel
Buonarroti,
vida
y
obra
de
un
artista
total.
2.
Miguel
Ángel
escultor.
3
Miguel
Ángel
pintor.
4.
Miguel
Ángel
arquitecto.
1.
MIGUEL
ÁNGEL
BUONARROTI,
VIDA
Y
OBRA
DE
UN
ARTISTA
TOTAL
MICHELANGELO
BUONARROTI
(1475-­‐
1564)
es
uno
de
los
grandes
genios
del
Renacimiento:
pintor,
arquitecto,
poeta
y
sobre
todo
se
sentía
escultor.
En
su
época
alcanzó
un
gran
prestigio
y
sus
obras,
han
sido
durante
siglos,
fuente
de
inspiración
para
muchos
artistas.
Miguel
Angel
nació
en
Caprese
en
1475,
muy
cerca
de
Florencia.
Procedía
de
una
familia
culta,
de
clase
media-­‐alta.
Desde
muy
joven
quiso
ser
artista,
a
pesar
de
la
oposición
de
su
padre.
Su
madre,
al
parecer
confió
la
alimentación
del
pequeño
a
una
nodriza,
hija
y
mujer
de
canteros,
dato
que
será
considerado
por
el
artista
como
fundamental
para
su
formación.
De
temperamento
irascible,
poético
y
lírico,
sus
luchas
internas
se
reflejan
en
sus
obras
que
están
llenas
de
fuerza
y
dramatismo.
Era
un
artista
muy
bien
pagado,
pero
vivía
sobriamente
y
murió
con
casi
90
años
mientras
estaba
¡trabajando!
Muy
religioso
y
sumamente
culto
–conocía
a
la
perfección
las
fuentes
mitológicas
y
las
bíblicas,
no
sé
casó
nunca,
-­‐de
hecho
se
cree
que
fue
homosexual-­‐
y
fue
muy
amigo
de
la
aristócrata
y
poeta
Vittoria
Colonna.
Fue
tan
famoso
y
tan
valorado
que
sus
contemporáneos
le
llamaban
“el
Divino”
y
en
vida
se
escribieron
dos
biografías
sobre
él
(por
Vasari
y
Condivi).
Su
precoz
habilidad
para
dibujar
le
llevó
a
los
trece
años
al
taller
de
Doménico
Ghirlandaio.
De
Ghirlandaio
aprendió
la
técnica
del
fresco.
Después
de
un
tiempo
en
el
taller
citado,
ingresó
en
la
academia
del
Jardín
de
los
Medici
para
dibujar
los
mármoles
y
bronces
clásicos
reunidos
por
Lorenzo
el
Magnífico,
que
le
aceptó
y
protegió
como
un
ahijado.
Lorenzo
de
Medici
fue
su
mecenas
en
sus
primeros
años.
La
dirección
artística
del
Jardín
de
los
Medici
era
a
cargo
del
escultor
donatelliano
Bertoldo
di
Giovanni.
Allí
disfrutaba
del
arte
y
el
humanismo
de
escritores
como
Poliziano
y
filósofos
de
la
talla
de
Marsilio
Ficino
o
Pico
della
Mirandola.
Gracias
a
estos
contactos
con
intelectuales,
se
convirtió
en
un
erudito
(persona
muy
culta)-­‐.
También
allí
tuvo
ocasión
de
mostrar
su
genio
en
sus
disputas
con
el
escultor
Torrigiano.
Este
último
rompió
de
un
puñetazo
la
nariz
al
genio
caprese.
Fueron
mecenas1
de
Miguel
Ángel
-­‐aparte
de
los
Medici
especialmente
en
los
inicios
de
su
carrera
como
escultor-­‐
nueve
Papas
consecutivamente.
El
Papa
Julio
II
le
encargó
la
decoración
de
la
Capilla
Sixtina
en
el
Vaticano
y
además
la
elaboración
de
obras
escultóricas
como
el
proyecto
para
su
sepulcro
o
mausoleo
que
quedó
inacabado,
pero
del
que
destaca
el
genial
Moisés
–hoy
en
la
iglesia
de
San
Pedro
in
Víncoli-­‐.
Su
relación
osciló
entre
amor-­‐odio,
ya
que
se
admiraban
mutuamente
pero
las
relaciones
entre
ellos
eran
difíciles.
Julio
II
le
apremiaba
a
que
terminar
las
pinturas
de
la
Capilla
Sixtina
y
le
preguntaba
siempre:
¿cuándo
lo
vas
a
terminar?
Y
Miguel
Ángel
contestaba:
¡cuando
lo
acabe!
1
El
banquero
Jacopo
Gallí
le
encargó
varias
obras
como
un
Baco
y
un
Cupido.
2
La
Capilla
Sixtina
fue
levantada
durante
el
pontificado
de
Sixto
IV
(1471-­‐1484)
de
donde
recibe
su
nombre.

3. 3
3
La
fama
del
Miguel
Ángel
alcanzó
elevadas
cotas
en
los
últimos
años
de
su
vida,
siendo
nombrado
"jefe"
de
la
Academia
de
Dibujo
de
Florencia.
El
artista
de
la
"terribilità",
que
definiría
el
último
Cinquecento,
falleció
en
Roma
el
18
de
febrero
de
1564
a
la
edad
de
89
años.
Su
sobrino
Leonardo
llevará
en
secreto
el
cadáver
del
genio
hasta
Florencia
en
el
mes
de
marzo,
celebrándose
solemnes
funerales
por
su
alma
en
la
iglesia
de
San
Lorenzo,
antes
de
ser
enterrado
en
Santa
Croce.
La
ajetreada
vida
de
Miguel
Ángel
fue
llevada
a
la
novela
por
Irving
Stone
en
"El
tormento
y
el
éxtasis"
sirviendo
de
base
a
una
película
con
el
mismo
título.
Con
él
desapareció
uno
de
los
mayores
genios
de
toda
la
historia
del
Arte.
2.
MIGUEL
ÁNGEL
ESCULTOR
Miguel
Ángel
se
sentía
sobre
todo
escultor.
Esa
pasión
por
la
escultura
se
traduce
en
su
visión
de
la
arquitectura
y
la
pintura.
Muestra
un
dominio
total
del
movimiento
y
de
la
anatomía,
una
anatomía
muchas
veces
andrógina.
Su
obsesión
era
representar
el
desnudo
en
el
arte.
De
hecho,
sabemos
como
Leonardo
da
Vinci,
Miguel
Ángel
diseccionaba
cadáveres
para
conocer
a
la
perfección
el
cuerpo
humana.
Realizó
esculturas
de
temática
profana
y
religiosa
basándose
en
fuentes
mitológicas
y
bíblicas.
Iconográficamente,
es
decir,
la
forma
de
representar
las
imágenes
y
su
valor
simbólico,
Michelangelo
fue
original
e
innovador,
tanto
en
escultura
como
pintura.
Sus
influencias
claramente
procedían
del
arte
grecorromano
y
a
la
vez
realizada
dentro
de
parámetros
netamente
manieristas.
Una
obra
que
le
influyó
muchísimo
fue
la
escultura
helenística
El
Laocoonte,
descubierta
en
el
siglo
XVI.
Como
escultor
dejará
su
impronta
en
la
escultura
barroca
–
especialmente
en
Bernini-­‐,
y
en
el
siglo
XIX
en
Rodin
entre
otros
muchos
artistas.
Fuente
de
la
imagen:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
Su
escultura
evolucionará
desde
el
clasicismo
–como
vemos
en
la
Piedad
del
Vaticano-­‐
hacia
un
mayor
dramatismo,
dinamismo
y
sentimiento:
es
la
terribilità
miguelangelesca.
También
emplea
las
curvas
serpentinatas,
esto
es,
giro
helicoidal,
y
en
ocasiones
la
técnica
de
non
finito
que
otorga
a
las
piezas
un
aspecto
inacabado
y
muy
expresionista.
Utiliza
preferentemente
el
mármol
–italiano
de
Carrara-­‐
que
domina
a
la
perfección.

4. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
4
Entre
sus
obras
destacan:
Fuente
de
la
imagen:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
*El
bajorrelieve
de
la
VIRGEN
DE
LA
ESCALERA:
fue
tallada
en
lámina
de
mármol
cuando
contaba
unos
dieciséis
años
y
es
una
de
sus
primeras
obras
conocidas.
Fuente
de
la
imagen:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
*La
PIEDAD
de
San
Pedro
del
Vaticano:
Tallada
en
mármol
entre
1498
y
1499,
esta
obra
es
una
de
sus
obras
más
clasicistas
e
idealizadas
de
toda
su
producción.
El
recurso
neoplatónico
de
representar
a
María
con
la
belleza
virginal
de
la
edad
juvenil,
en
vez
de
la
madurez,
sin
apenas
contraste
con
la
edad
del
Cristo
difunto,
se
enmarca
en
la
ecuación
perfecta
de
un
triángulo
equilátero
que
envuelve
geométricamente
al
conjunto
en
un
esquema
racional,
cerrado
y
simétrico.
Los
plegados
del
manto
provocan
contrastes
de
luces
y
sombras
y
se
observa
un
cierto
desequilibrio
en
el
cuerpo
del
hijo,
a
punto
de
resbalar
por
el
manto
de
la
Virgen.
Este
tipo
de
iconografía
no
era
habitual
en
el
arte
italiano.

5. 5
5
Fuente
de
la
imagen:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
*La
obra
con
la
que
se
consagra
Miguel
Ángel
como
el
superador
de
toda
la
estatuaria
antigua
es
el
colosal
–
mide
más
de
4
metros-­‐
estatua
del
DAVID,
esculpido
en
dos
años,
1502-­‐1504,
en
un
solo
bloque
marmóreo.
Fue
un
encargo
de
la
Señoría
de
Florencia.
Se
colocó
ante
la
portada
del
Palacio
Viejo.
La
conciencia
popular
vio
en
el
David
el
triunfo
de
la
república
sobre
los
Medici.
Presenta
una
musculatura
robusta,
la
mirada
expectante
y
segura.
Innova
en
la
iconografía
de
este
personaje
bíblico:
es
muy
diferente
a
los
David
adolescentes
victoriosos,
de
serena
y
reposada
gracia
de
los
escultores
del
Quattrocento.
Esta
obra
resultó
descomunal,
no
sólo
por
las
dimensiones,
sino
por
la
fuerza
y
rotundidad
de
la
talla,
que
anuncia
el
carácter
grandioso
y
heroico
de
Miguel
Angel.
El
David
tiene
toda
la
belleza
helénica
del
desnudo
clásico.
Muestra
un
ligero
contraposto,
una
potente
musculatura,
y
una
expresión
firme
y
segura.
Más
información
sobre
esta
obra
en:
http://artpower-­‐
ana.blogspot.com.es/2012/03/el-­‐david-­‐de-­‐miguel-­‐angel.html
Fuente
de
la
imagen:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
*La
escultura
sedente
del
profeta
bíblico
MOISÉS
formaba
parte
del
proyecto
diseñado
por
Miguel
Ángel
para
el
mausoleo
(sepulcro)
del
PAPA
JULIO
II.
Pero
esta
obra
nunca
llegó
a
concluirse
por
presiones
de
todo
tipo
(económicas,
políticas,
etc.,)
y
solamente
hizo
algunas
esculturas
como
las
de
Moisés,
Raquel
y
Lía.
Fuente
de
la
imagen:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
Este
proyecto
fue
uno
de
los
más
ambiciosos
de
toda
su
vida,
y
su
verdadera
obsesión.
El
MOISÉS
está
representado
en
un
momento
pleno
de
furia,
al
bajar
del
Monte
Sinaí
con
las
Tablas
de
la
Ley
y
advertir
el
carácter
idólatra
de
los
israelitas.
Todo
él
se
convierta
en
una
representación
de
la
rabia
y
cólera
explosivas.
Es
una
obra
grandiosa
en
la
expresión,
en
los
ropajes,
en
el
estudio
anatómico,
en
la
tensión
psicológica,
en
el
juego
compositivo
de
verticales
y
horizontales…
Quedaba
así
plasmada
en
mármol
la
grandiosidad
de
los
Profetas
y
las
Sibilas
que
acababa
de
pintar
en
la
bóveda
de
la
Capilla
Sixtina.
La
mirada
furibunda,
la
boca
entreabierta,
las

6. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
6
barbas
encrespadas…
son
indicio
de
la
famosa
terribilità
miguelangelesca,
caracterizada
por
su
tremenda
fuerza
expresiva.
Como
el
propio
Miguel
Angel
reconocía,
¡sólo
le
faltaba
hablar!
Fuente
de
la
imagen
de
la
izquierda:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
*Entre
1520
y
1534,
esculpe
los
dos
SEPULCROS
DE
GIULIANO
Y
LORENZO
DE
MEDICI
en
la
iglesia
de
San
Lorenzo
de
Florencia.
Miguel
Ángel
se
encontró
con
el
reto
de
integrar
escultura
y
arquitectura,
como
ya
le
había
ocurrido
con
la
tumba
de
Julio
II.
Estas
esculturas
asumen
un
carácter
simbólico:
Giuliano
es
la
representación
del
hombre
activo,
mientras
que
Lorenzo
representa
la
vida
contemplativa,
el
hombre
reflexivo,
el
“pensiero”.
A
los
pies
de
la
tumba
de
Giuliano
encontramos
las
representaciones
alegóricas
de
la
Noche
y
el
Día.
La
noche,
como
una
mujer
sensual,
un
tanto
andrógina,
y
el
día
como
un
hombre
musculoso.
Es
interesante
resaltar
el
aspecto
inacabado
o
non
finito
de
los
dos
rostros
masculinos,
especialmente
en
el
del
Día.
La
representación
así
configurada
viene
a
simbolizar
el
paso
del
tiempo.
Es
un
ejemplo
paradigmático
del
carácter
manierista
de
la
escultura
miguelangelesca.
Hay
que
subrayar
que
tanto
Giuliano
como
Lorenzo
van
vestidos
“a
la
antica”,
esto
es,
como
figuras
grecorromanas
e
insertos
en
hornacinas
entre
pilastras
clásicas
y
a
sus
pies
se
sitúan
los
sarcófagos
curvos
sobre
los
que
se
encuentran
esculpidas
figuras
alegóricas
que
aluden
a
la
brevedad
de
la
vida
y
a
la
fugacidad
del
tiempo.
Una
vez
más,
es
Miguel
Ángel
muy
innovador
iconográficamente
al
llevar
a
cabo
sepulturas
funerarias.
Fuente
de
la
imagen:
profesor
Alfredo
García
(Algargos)
https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi
Al
final
de
su
vida
realizó
diversas
piedades,
con
poses
anteclásicas
e
innovadoras
iconográficamente
y
técnicamente.
Presentan
alargamiento
del
canon
de
la
figura
y
su
característica
línea
serpentinata
y
non
finito.
Son
muy
expresivas
y
dramáticas,
muy
diferente
a
la
serena
y
neoplatónica
“Piedad”
del
Vaticano,
que
realizó
en
su
juventud.
Estas
últimas
esculturas
son
un
paso
más
y
se
anticipan
en
300
años
a
las
esculturas
del
artista
francés
Rodin
que
veremos
en
el
siglo
XIX
o
al
rumano
Brancusi
ya
en
el
siglo
XX.
Son
obras
más
espirituales,
cargadas
de
intimismo.
Iconográficamente
fue
lo
nunca
visto:
la
escena
de
la
Piedad
presenta
una
postura
imposible,
del
cuerpo
de
Cristo
que
se
escapa
entre
los
brazos
de
su
madre.
Toda
una
metáfora,
de
una
vida
que
se
va…
al
menos
temporalmente.
florentina, de Miguel

7. 7
7
.ngel. Creative
3.
MIGUEL
ÁNGEL
PINTOR.
LA
CAPILLA
SIXTINA
La
personalidad
de
Miguel
Ángel
no
es
menos
sugerente
y
enigmática
que
la
de
Leonardo.
No
sólo
logró
destacar
como
arquitecto,
escultor
y
pintor,
sino
que
también
fue
un
excelente
poeta.
Aunque
Miguel
Ángel
no
se
cansaba
de
repetir
que
"la
pintura
no
es
mi
arte",
lo
cierto
es
que
sus
frescos
de
la
Capilla
Sixtina
son
una
de
las
obras
cumbres
de
la
pintura
de
todos
los
tiempos.
Los
frescos
fueron
realizados
en
dos
momentos
distintos:
*La
bóveda,
con
escenas
del
Antiguo
Testamento,
encargada
por
el
Papa
Julio
II,
entre
1508
y
1512.
*Y
la
pared
del
altar
o
testero
de
la
Capilla,
hecha
un
cuarto
de
siglo
después,
entre
1536
y
1541.
Él
se
consideraba
sobre
todo
escultor
y
su
pintura
–centrada
en
el
ser
humano-­‐
acusará
esta
condición.
Desde
el
punto
de
vista
pictórico,
hay
una
marcada
diferencia
entre
la
obra
juvenil,
que
desarrolla
en
Florencia,
y
la
obra
madura
de
Miguel
Ángel
que
tiene
lugar
en
Roma.
En
Roma
recibió
el
encargo
de
su
mecenas
Julio
II
de
realizar
los
frescos
de
la
bóveda
de
la
CAPILLA
SIXTINA2
que
se
encuentra
en
el
Vaticano,
en
Roma.
La
mayoría
de
las
pinturas
son
de
Miguel
Ángel
aunque
existe
la
participación
de
otros
grandes
artistas
que
se
encuentran
en
escenas
de
los
laterales
de
la
nave
(Botticelli,
Perugino,
Ghirlandaio...)
La
pintura
de
la
bóveda
de
la
Capilla
Sixtina
la
emprendió
a
disgusto3
y
en
ella
trabajó
hasta
la
extenuación
entre
1508
y
1512,
en
total
tres
años.
Fue
una
labor
titánica,
un
gran
esfuerzo
intelectual,
que
le
supuso
inventar
un
programa
iconográfico
y
resolver
las
mil
dificultades
técnicas
que
requería.
Trabajó
solo,
sin
ningún
ayudante
ni
colaborador.
La
temática
abarca
distintos
episodios
del
Antiguo
Testamento,
como
los
relativos
al
Génesis
(creación
de
Adán,
Eva…).
También,
representó
diversos
profetas
bíblicos
y
sibilas4
de
la
mitología
grecolatina,
que
a
su
vez,
están
acompañadas
por
impresionantes
figuras
de
jóvenes
desnudos,
los
llamados
ignudi,
una
fantástica
excusa
para
mostrar
el
cuerpo
humano
desnudo,
con
gran
dinamismo
y
expresividad.
En
total,
unos
300
personajes.
2
La
Capilla
Sixtina
fue
levantada
durante
el
pontificado
de
Sixto
IV
(1471-­‐1484)
de
donde
recibe
su
nombre.
3
Tuvo
enfrentamientos
continuos
con
su
mecenas,
el
Papa
Julio
II
por
la
elaboración
de
estas
pinturas.
4
Mujer
sabia
a
quien
los
antiguos
griegos
y
romanos
atribuyeron
espíritu
profético.

8. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
8
La
técnica
es
al
fresco.
Recordemos
que
de
jovencito
había
aprendido
en
el
taller
de
Ghirlandaio
esta
técnica,
que
requiere
gran
pericia
y
trabajar
muy
rápido.
La
obra
se
ejecuta
sobre
la
cal
aún
fresca.
Los
colores
aplicados
sobre
el
muro
húmedo
producen
un
efecto
que
se
modifica
cuando
se
seca.
Lo
que
se
ha
trabajado
al
fresco
queda
para
siempre,
pero
lo
que
ha
estado
retocado
en
seco
se
puede
quitar
con
una
esponja
húmeda.
Hizo
continuos
retoques.
La
superficie
pintada
en
un
día
se
llama
«jornada»;
la
escena
de
La
Creación
de
Adán,
una
de
las
más
espectaculares
de
la
bóveda,
se
realizó
en
dieciséis
jornadas.
Fuente
de
la
imagen:
Redondus.
https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteiessanisidro/home
Miguel
Angel
dividió
la
bóveda
en
compartimentos,
utilizando
arquitecturas
fingidas
de
las
que
parecen
flotar
las
figuras.
En
el
tramo
central
desarrolló
las
principales
escenas
del
libro
del
Génesis,
desde
la
Creación
hasta
la
vida
de
Noé.
Mientras
que,
en
los
laterales,
ubicó
grandes
figuras,
profetas
y
sibilas,
que
anunciaron
la
llegada
del
Salvador.
Con
esta
temática
original
unió
el
mundo
grecorromano
y
la
tradición
judeocristiana,
que
era
su
segundo
propósito.
Esta
idea
simbólica
de
enlazar
el
mundo
pagano
y
el
cristiano
tuvo
su
continuidad
con
la
"cohabitación"
y
contraposición
entre
los
jóvenes
desnudos
a
la
manera
de
esculturas
helenísticas
(ignudi)
y
los
castos
y
vestidos
antepasados
de
Cristo
de
los
lunetos.
El
resultado
fue
un
magnífico
contraste
entre
la
linealidad
arquitectónica
y
la
tensión
de
los
cuerpos
distorsionados
de
las
figuras;
entre
la
contención
y
el
desenfreno;
entre
los
narrativo
y
lo
simbólico.
No
hay
ni
equilibrio
ni
serenidad.
Los
cuerpos
se
alejan
del
concepto
de
belleza
clásica.
No
se
trata
de
representar
la
belleza
de
las
formas
sino
la
fuerza
que
emana
de
las
figuras.
El
lenguaje,
es
por
tanto,
más
manierista
que
clásico.
Su
interés
pictórico
se
centra
en
las
figuras,
por
lo
tanto
deja
de
lado
el
paisaje.
Son
frecuentes
los
grandes
escorzos
y
trampantojos.
Es
una
pintura
monumental
y
grandiosa.

9. 9
9
Fuente
de
la
imagen:
Redondus.
https://es.slideshare.net/redondus/fundamentos9-­‐miguel-­‐angel
El
JUICIO
FINAL,
también
en
la
Capilla
Sixtina,
lo
llevó
a
cabo
unos
veinte
años
más
tarde,
en
torno
a
1535
hasta
1541,
reflejando
la
inquietud
espiritual
y
el
pesimismo
que
agobiaron
al
artista
en
sus
últimos
años.5
Lo
realizó
en
la
parte
frontal
de
la
capilla,
en
la
pared
del
altar.
Fue
un
encargo
de
otro
Papa,
Clemente
VII
y
más
tarde
confirmado
por
el
Papa
Paulo
III,
quien
le
nombra
pintor,
escultor
y
arquitecto
del
Vaticano.
Este
fresco
es
de
enormes
proporciones:
incluye
casi
400
figuras,
de
las
que
se
han
identificado
aproximadamente
50
y
el
tema
es
el
Juicio
Final,
un
motivo
habitual
en
el
arte
medieval
pero
no
tanto
en
el
renacentista.
Las
figuras
se
disponen
en
círculos
ascendentes
y
descendentes
que
resaltan
sobre
un
cielo
azul
intenso.
Son
numerosas
las
referencias
y
fuentes
en
las
que
Miguel
Ángel
se
inspiró
para
realizar
el
Juicio
Final
según
aluden
los
especialistas.
Estatuas
clásicas,
pinturas
de
diversos
artistas
como
Luca
Signorelli
o
El
Bosco
entre
otros.
En
el
aspecto
literario
parece
seguro
el
empleo
de
tres
fuentes:
la
Divina
Comedia
de
Dante,
la
bíblica
Visión
de
Ezequiel
y
el
Apocalipsis
de
San
Juan.
Con
Miguel
Ángel
asistimos
a
una
“vuelta
de
tuerca”
de
tan
famoso
asunto.
Innova
totalmente
en
la
iconografía:
la
forma
de
representar
a
Cristo
no
es
la
habitual
del
arte
medieval
–un
Cristo
barbado,
con
el
alfa
y
la
omega
y
los
Evangelios-­‐.
En
este
caso,
es
un
Cristo
imberbe
en
actitud
de
impartir
justicia
con
su
brazo
levantado,
en
acusado
escorzo.
Parece
un
joven
atleta
victorioso.
Además,
es
un
Cristo
desnudo,
por
lo
que
pronto
fue
considerado
inadecuado,
siendo
tapado
por
el
pintor
Daniele
da
Volterra,
al
que
denominaron
por
ello
“el
braghettone”.
La
Virgen
María
es
también
muy
distinta
tanto
a
las
usuales
en
la
Edad
Media
como
en
el
Renacimiento.
Muestra
una
silueta
serpentinata
y
un
cierto
dramatismo.

10. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
10
Todos
los
personajes
de
la
obra
parecen
estar
envueltos
por
un
ambiente
apocalíptico,
que
es
penetrado
por
el
dramatismo
de
la
muerte
y
la
vida:
es
la
terribilità
miguelangelesca.
La
zona
superior
de
la
composición,
más
de
la
mitad
de
la
pared,
está
ocupada
por
el
mundo
celestial,
presidido
por
Cristo
como
juez.
Tanto
él
como
la
Virgen
María
aparecen
rodeados
por
un
conjunto
de
santos,
apóstoles
y
patriarcas
que
constituyen
el
primer
grupo
circular.
A
ambos
lados
de
este
grupo
central
diferentes
mártires,
vírgenes,
bienaventurados
y
personajes
de
la
Iglesia
forman
una
segunda
corona.
Sobre
todos
ellos
aparecen
dos
grupos
de
ángeles
que
portan
los
símbolos
de
la
Pasión:
la
corona
de
espinas,
la
cruz
y
la
columna,
ofreciendo
las
más
variadas
posturas
y
reforzando
la
sensación
general
de
movimiento.
A
los
pies
de
Cristo
se
sitúan
dos
santos
que
ocupan
un
lugar
privilegiado:
San
Lorenzo,
que
porta
la
parrilla
de
su
martirio,
y
San
Bartolomé,
con
una
piel
que
alude
a
su
muerte,
apreciándose
en
su
rostro
un
autorretrato
del
pintor.
En
la
zona
intermedia
podemos
encontrar
tres
grupos;
en
la
izquierda,
los
juzgados
que
ascienden
al
Cielo
mientras
que
en
la
parte
contraria
se
ubican
los
condenados
que
caen
al
Infierno,
ocupando
los
ángeles
trompeteros
el
centro
para
despertar
a
los
muertos
de
la
zona
inferior,
que
se
desarrolla
en
el
espacio
izquierdo
de
este
último
tramo.
En
la
zona
inferior
derecha
hallamos
el
traslado
de
los
muertos
en
la
barca
de
Caronte
ante
el
juez
infernal
Minos
-­‐la
figura
de
la
esquina
con
serpientes
enrolladas
alrededor
de
su
cuerpo-­‐
y
la
boca
de
Leviatán.
Una
vez
más
vemos
como
Miguel
Ángel
aúna
la
mitología
clásica
con
el
Cristianismo.
La
escena
se
desarrolla
sin
ninguna
referencia
arquitectónica
ni
elemento
de
referencia,
emergiendo
las
figuras
de
un
azulado
cielo
donde
flotan
con
una
energía
y
seguridad
difícilmente
igualables.
Las
figuras
se
retuercen
con
gran
dinamismo
y
acusados
escorzos.
Las
pinturas
se
han
interpretado
en
clave
neoplatónica.
Recordemos
que
Miguel
Ángel
conoció
a
muchos
escritores
y
filósofos
neoplatónicos
ligados
a
los
Medici
durante
su
estancia
de
estudios
en
el
palacio
de
esta
poderosa
familia
florentina.

11. 11
11
Simbolizaría
el
camino
del
alma
hacia
Dios,
pretendiendo
unir
la
filosofía
pagana
con
el
misticismo
cristiano.
Hay
que
subrayar
que
Miguel
Ángel
era
muy
religioso
y
conocía
a
la
perfección
mitología
grecorromana.
La
gran
cantidad
de
desnudos
presentes
en
los
frescos
de
la
Capilla
Sixtina
escandalizó
a
buena
parte
de
la
Iglesia,
no
solo
por
los
desnudos,
sino
también
por
posturas
consideradas
poco
decorosas.
De
ahí
que
se
le
encargara
a
Volterra,
llamado
“el
Braghettone”
tapar
los
órganos
sexuales
de
muchas
de
las
figuras.
Todavía
hoy,
a
pesar
de
las
restauraciones
llevadas
a
cabo
en
los
años
90,
hay
personajes
que
presentan
paños
de
pureza
para
que
no
se
aprecien
los
desnudos.
Sea
como
fuere,
la
fuerza
escultórica
de
los
personajes,
la
belleza
de
su
dibujo,
claramente
inspirado
en
las
esculturas
antiguas,
sus
atrevidas
posturas,
el
vivo
colorido,
la
imponente
expresividad
de
los
rostros,
el
eficaz
efecto
teatral
del
conjunto,
entre
otros
aspectos,
convierten
los
frescos
de
la
Capilla
Sixtina
en
una
obra
única,
jamás
superada.
Esta
obra
plenamente
manierista,
será
fuente
inspiración
para
los
artistas
de
todos
los
tiempos
(Manierismo,
Barroco,
etc.)
4.
MIGUEL
ÁNGEL
ARQUITECTO
El
primer
arquitecto
en
romper
el
lenguaje
clásico
fue
MIGUEL
ÁNGEL.
Arquitecto,
escultor,
pintor
y
poeta,
él
será
quien
inicie
estas
nuevas
formas,
sometiendo
los
elementos
clásicos
a
una
interpretación
personal.
Miguel
Ángel
se
siente
ante
todo
escultor
y
trata
a
la
arquitectura
como
si
de
una
escultura
se
tratase;
utiliza
las
formas
clásicas
con
plena
libertad.
Entre
las
obras
arquitectónicas
que
desarrolló
Miguel
Ángel
la
más
grandiosa
fue
la
CÚPULA
DE
LA
BASÍLICA
DE
SAN
PEDRO
del
Vaticano.
La
basílica
de
San
Pedro
del
Vaticano
en
su
origen
fue
una
iglesia
paleocristiana
construida
para
conservar
el
cuerpo
del
apóstol
San
Pedro,
el
primer
Papa
de
la
historia.
Pero,
con
el
paso
de
tiempo
amenazaba
ruina.
Durante
el
Renacimiento
varios
arquitectos
presentaron
diversos
proyectos
para
reconstruir
la
iglesia:
en
primer
lugar,
Bramante,
que
planteó
una
iglesia
de
planta
de
cruz
griega
inscrita
en
un
cuadrado
y
cubierta
por
cinco
cúpulas.
Pero
su
muerte
interrumpió
este
proyecto.
Intervinieron
después
Rafael
–que
prefería
una
planta
de
cruz
latina-­‐;
Sangallo;
y
Miguel
Ángel.
Fuente
de
la
imagen:
Wikipedia.com

12. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
12
Miguel
Ángel
retomó
la
idea
de
Bramante
de
planta
de
cruz
griega
y
diseñó
la
gran
cúpula
concebida
sobre
el
altar
mayor
y
la
tumba
del
Apóstol
San
Pedro.
Proyectó
una
doble
cúpula
(una
interior
y
otra
exterior)
según
el
modelo
que
ya
había
realizado
Brunelleschi
en
Santa
María
de
las
Flores
en
Florencia
en
el
XV. También
tuvo
en
cuenta
la
cúpula
del
Panteón
de
Roma.
La
cúpula
de
Miguel
Ángel,
con
42
metros
de
diámetro
y
sobre
un
espectacular
tambor,
se
eleva
por
encima
de
las
colinas
de
la
urbe,
quedando
como
punto
de
referencia
para
toda
la
cristiandad.
Tiene
forma
ligeramente
apuntada.
Realmente
más
que
un
tambor,
hay
dos.
El
que
se
levanta
directamente
sobre
la
cúpula
está
decorado
con
columnas
pareadas
o
gemelas
entre
las
ventanas.
Sobre
los
ventanales
cuadrados
en
forma
de
pórtico
grecorromano
–igual
que
los
del
Partenón-­‐
alternan
frontones
triangulares
y
semicirculares.
Sobre
este
tambor,
se
alza
otro
con
decoraciones
de
guirnaldas.
Los
nervios
recorren
el
exterior
y
el
interior
de
la
cúpula.
Sobre
la
cúpula
se
eleva
una
linterna
abierta
a
la
luz,
también
entre
pares
de
columnas.
Todo
ello
dentro
ya
de
un
lenguaje
plenamente
manierista.
Esta
cúpula
se
terminó
de
construir
varios
años
después
de
la
muerte
de
Miguel
Angel.6
Desde
los
Jardines
Vaticanos
y
a
lo
lejos,
la
cúpula
miguelangelesca
es
la
cima
por
excelencia
de
todo
el
Cinquecento.
Por
último,
conviene
recordar
que
la
configuración
actual
de
la
Basílica
de
San
Pedro
del
Vaticano
es
posterior
a
Miguel
Ángel.
Fue
Carlo
Maderno
durante
el
Barroco
quien
realizaría
la
fachada,
la
planta
de
cruz
latina
etc.
Y
Bernini,
también
en
el
Barroco,
llevó
a
cabo
la
columnata
y
la
bellísima
plaza
de
San
Pedro.
Fuente
de
la
imagen:
Wikipedia.com;
fuente
de
la
imagen
de
la
derecha:
https://www.slideshare.net/Meibel/cinquecento-­‐arquitectura
Aunque
la
Cúpula
de
San
Pedro
del
Vaticano
es
su
obra
más
relevante
en
arquitectura,
también
realizó
la
Biblioteca
Laurenciana
de
Florencia
para
guardar
la
maravillosa
colección
de
códices
de
los
Medici.
Diseñó
incluso
los
pupitres
de
lectura.
Creó
un
vestíbulo
de
acceso
espectacular
con
una
majestuosa
escalera.
Y
diseñó
como
urbanista
la
plaza
del
Campidoglio
(Capitolio)
de
Roma,
donde
se
encontraba
la
estatua
ecuestre
del
emperador
Marco
Aurelio.
La
que
hay
hoy
en
día
es
una
copia,
ya
que
la
original
está
dentro
de
los
Museos
Capitolinos
en
la
misma
plaza.
Creó
un
espacio
trapezoidal
con
una
gran
escalinata
de
acceso.
Diseñó
también
la
trama
del
embaldosado
y
los
pórticos
laterales
realizados
con
orden
gigante.
Genera
un
juego
de
perspectivas
de
gran
belleza.
6
Los
arquitectos
que
terminaron
la
cúpula
diseñada
por
Miguel
Angel
fueron
Doménico
Fontana
y
Giacomo
della
Porta.
Giacomo
della
Porta
otorgó
a
la
cúpula
un
perfil
más
agudo
que
el
planteado
inicialmente
por
Miguel
Angel.