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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 9. MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI

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TEMA 9. FUNDAMENTOS DEL ARTE I. ARTE DEL RENACIMIENTO EN ITALIA (II): MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI

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APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE I. TEMA 9. MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI

  1. 1.                                                 FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I. TEMA  9.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ITALIA   (II):  MIGUEL  ÁNGEL  BUONAROTTI
  2. 2. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       2 TEMA  9.  FUNDAMENTOS  DEL  ARTE  I.  ARTE  DEL  RENACIMIENTO  EN  ITALIA  (II):  MIGUEL  ÁNGEL  BUONARROTI       1.Miguel  Ángel  Buonarroti,  vida  y  obra  de  un  artista  total.  2.  Miguel  Ángel  escultor.  3    Miguel  Ángel  pintor.  4.  Miguel   Ángel  arquitecto.       1.  MIGUEL  ÁNGEL  BUONARROTI,  VIDA  Y  OBRA  DE  UN  ARTISTA  TOTAL     MICHELANGELO  BUONARROTI  (1475-­‐  1564)  es  uno  de  los  grandes  genios  del  Renacimiento:  pintor,  arquitecto,   poeta  y  sobre  todo  se  sentía  escultor.  En  su  época  alcanzó  un  gran  prestigio  y  sus  obras,  han  sido  durante  siglos,   fuente   de   inspiración   para   muchos   artistas.   Miguel   Angel   nació   en   Caprese   en   1475,   muy   cerca   de   Florencia.   Procedía  de  una  familia  culta,  de  clase  media-­‐alta.  Desde  muy  joven  quiso  ser  artista,  a  pesar  de  la  oposición  de   su  padre.  Su  madre,  al  parecer  confió  la  alimentación  del  pequeño  a  una  nodriza,  hija  y  mujer  de  canteros,  dato   que  será  considerado  por  el  artista  como  fundamental  para  su  formación.                     De   temperamento   irascible,   poético   y   lírico,   sus   luchas   internas   se   reflejan   en   sus   obras   que   están   llenas   de   fuerza  y  dramatismo.    Era  un  artista  muy  bien  pagado,  pero  vivía  sobriamente  y  murió  con  casi  90  años  mientras   estaba   ¡trabajando!   Muy   religioso   y   sumamente   culto   –conocía     a   la   perfección   las   fuentes   mitológicas   y   las   bíblicas,  no  sé  casó  nunca,  -­‐de  hecho  se  cree  que  fue  homosexual-­‐  y  fue  muy  amigo  de  la  aristócrata  y  poeta   Vittoria  Colonna.  Fue  tan  famoso  y  tan  valorado  que  sus  contemporáneos  le  llamaban  “el  Divino”  y  en  vida  se   escribieron  dos  biografías  sobre  él  (por  Vasari  y  Condivi).  Su  precoz  habilidad  para  dibujar  le  llevó  a  los  trece  años   al  taller  de  Doménico  Ghirlandaio.  De  Ghirlandaio  aprendió  la  técnica  del  fresco.  Después  de  un  tiempo  en  el   taller   citado,   ingresó   en   la   academia   del   Jardín   de   los   Medici   para   dibujar   los   mármoles   y   bronces   clásicos   reunidos  por  Lorenzo  el  Magnífico,  que  le  aceptó  y  protegió  como  un  ahijado.  Lorenzo  de  Medici  fue  su  mecenas   en   sus   primeros   años.     La   dirección   artística   del   Jardín   de   los   Medici   era   a   cargo   del   escultor   donatelliano   Bertoldo  di  Giovanni.  Allí  disfrutaba  del  arte  y  el  humanismo  de  escritores  como  Poliziano  y  filósofos  de  la  talla  de   Marsilio   Ficino   o   Pico   della   Mirandola.   Gracias   a   estos   contactos   con   intelectuales,   se   convirtió   en   un   erudito   (persona  muy  culta)-­‐.  También  allí  tuvo  ocasión  de  mostrar  su  genio  en  sus  disputas  con  el  escultor  Torrigiano.   Este  último  rompió  de  un  puñetazo  la  nariz  al  genio  caprese.     Fueron  mecenas1  de  Miguel  Ángel  -­‐aparte  de  los  Medici  especialmente  en  los  inicios  de  su  carrera  como  escultor-­‐   nueve  Papas  consecutivamente.  El  Papa  Julio  II  le  encargó  la  decoración  de  la  Capilla  Sixtina  en  el  Vaticano  y   además   la   elaboración   de   obras   escultóricas   como   el   proyecto   para   su   sepulcro   o     mausoleo   que   quedó   inacabado,  pero  del  que  destaca  el  genial  Moisés  –hoy  en  la  iglesia  de  San  Pedro  in  Víncoli-­‐.  Su  relación  osciló   entre   amor-­‐odio,   ya   que   se   admiraban   mutuamente   pero   las   relaciones   entre   ellos   eran   difíciles.   Julio   II   le   apremiaba  a  que  terminar  las  pinturas  de  la  Capilla  Sixtina  y  le  preguntaba  siempre:  ¿cuándo  lo  vas  a  terminar?  Y   Miguel  Ángel  contestaba:  ¡cuando  lo  acabe!     1  El  banquero  Jacopo  Gallí  le  encargó  varias  obras  como  un  Baco  y  un  Cupido.   2 La  Capilla  Sixtina  fue  levantada  durante  el  pontificado  de  Sixto  IV  (1471-­‐1484)  de  donde  recibe  su  nombre.
  3. 3. 3 3 La  fama  del  Miguel  Ángel  alcanzó  elevadas  cotas  en  los  últimos  años  de  su  vida,  siendo  nombrado  "jefe"  de  la   Academia   de   Dibujo   de   Florencia.   El   artista   de   la   "terribilità",   que   definiría   el   último   Cinquecento,   falleció   en   Roma  el  18  de  febrero  de  1564  a  la  edad  de  89  años.  Su  sobrino  Leonardo  llevará  en  secreto  el  cadáver  del  genio   hasta  Florencia  en  el  mes  de  marzo,  celebrándose  solemnes  funerales  por  su  alma  en  la  iglesia  de  San  Lorenzo,   antes  de  ser  enterrado  en  Santa  Croce.  La  ajetreada  vida  de  Miguel  Ángel  fue  llevada  a  la  novela  por  Irving  Stone   en  "El  tormento  y  el  éxtasis"  sirviendo  de  base  a  una  película  con  el  mismo  título.  Con  él  desapareció  uno  de  los   mayores  genios  de  toda  la  historia  del  Arte.     2.  MIGUEL  ÁNGEL  ESCULTOR     Miguel  Ángel  se  sentía  sobre  todo  escultor.  Esa  pasión  por  la  escultura  se  traduce  en  su  visión  de  la  arquitectura   y  la  pintura.  Muestra  un  dominio  total  del  movimiento  y  de  la  anatomía,  una  anatomía  muchas  veces  andrógina.   Su  obsesión  era  representar  el  desnudo  en  el  arte.  De  hecho,  sabemos  como  Leonardo  da  Vinci,  Miguel  Ángel   diseccionaba  cadáveres  para  conocer  a  la  perfección  el  cuerpo  humana.             Realizó  esculturas  de  temática  profana  y  religiosa  basándose  en  fuentes  mitológicas  y  bíblicas.     Iconográficamente,  es  decir,  la  forma  de  representar  las  imágenes  y  su  valor  simbólico,  Michelangelo  fue  original   e  innovador,  tanto  en  escultura  como  pintura.  Sus  influencias  claramente  procedían  del  arte  grecorromano  y  a  la   vez  realizada  dentro  de  parámetros  netamente  manieristas.  Una  obra  que  le  influyó  muchísimo  fue  la  escultura   helenística  El  Laocoonte,  descubierta  en  el  siglo  XVI.  Como  escultor  dejará  su  impronta  en  la  escultura  barroca  – especialmente  en  Bernini-­‐,  y  en  el  siglo  XIX  en  Rodin  entre  otros  muchos  artistas.         Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     Su   escultura   evolucionará   desde   el   clasicismo   –como   vemos   en   la   Piedad   del   Vaticano-­‐   hacia   un   mayor   dramatismo,  dinamismo  y  sentimiento:  es  la  terribilità  miguelangelesca.  También  emplea  las  curvas  serpentinatas,   esto  es,  giro  helicoidal,  y  en  ocasiones  la  técnica  de  non  finito  que  otorga  a  las  piezas  un  aspecto  inacabado  y   muy  expresionista.  Utiliza  preferentemente  el  mármol  –italiano  de  Carrara-­‐  que  domina  a  la  perfección.  
  4. 4. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       4 Entre  sus  obras  destacan:       Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *El  bajorrelieve  de  la  VIRGEN  DE  LA  ESCALERA:  fue  tallada  en  lámina  de  mármol  cuando  contaba  unos  dieciséis   años  y  es  una  de  sus  primeras  obras  conocidas.                         Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *La  PIEDAD  de  San  Pedro  del  Vaticano:  Tallada  en  mármol  entre  1498  y  1499,  esta  obra  es  una  de  sus  obras  más   clasicistas  e  idealizadas  de  toda  su  producción.  El  recurso  neoplatónico  de  representar  a  María  con  la  belleza   virginal  de  la  edad  juvenil,  en  vez  de  la  madurez,  sin  apenas  contraste  con  la  edad  del  Cristo  difunto,  se  enmarca   en  la  ecuación  perfecta  de  un  triángulo  equilátero  que  envuelve  geométricamente  al  conjunto  en  un  esquema   racional,  cerrado  y  simétrico.  Los  plegados  del  manto  provocan  contrastes  de  luces  y  sombras  y  se  observa  un   cierto  desequilibrio  en  el  cuerpo  del  hijo,  a  punto  de  resbalar  por  el  manto  de  la  Virgen.  Este  tipo  de  iconografía   no  era  habitual  en  el  arte  italiano.                                                
  5. 5. 5 5 Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi       *La  obra  con  la  que  se  consagra  Miguel  Ángel  como  el  superador  de  toda  la  estatuaria  antigua  es  el  colosal    – mide  más  de  4  metros-­‐  estatua  del  DAVID,  esculpido  en  dos  años,  1502-­‐1504,  en  un  solo  bloque  marmóreo.  Fue  un   encargo  de  la  Señoría  de  Florencia.  Se  colocó  ante  la  portada  del  Palacio  Viejo.  La  conciencia  popular  vio  en  el   David   el   triunfo   de   la   república   sobre   los   Medici.   Presenta   una   musculatura   robusta,   la   mirada   expectante   y   segura.  Innova  en  la  iconografía  de  este  personaje  bíblico:  es  muy  diferente  a  los  David  adolescentes  victoriosos,   de  serena  y  reposada  gracia  de  los  escultores  del  Quattrocento.  Esta  obra  resultó  descomunal,  no  sólo  por  las   dimensiones,  sino  por  la  fuerza  y  rotundidad  de  la  talla,  que  anuncia  el  carácter  grandioso  y  heroico  de  Miguel   Angel.  El  David  tiene  toda  la  belleza  helénica  del  desnudo  clásico.  Muestra  un  ligero  contraposto,  una  potente   musculatura,   y   una   expresión   firme   y   segura.   Más   información   sobre   esta   obra   en:   http://artpower-­‐ ana.blogspot.com.es/2012/03/el-­‐david-­‐de-­‐miguel-­‐angel.html                                                                                                                   Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *La  escultura  sedente  del  profeta  bíblico  MOISÉS  formaba  parte  del  proyecto  diseñado  por  Miguel  Ángel  para  el   mausoleo   (sepulcro)   del   PAPA   JULIO   II.   Pero   esta   obra   nunca   llegó   a   concluirse   por   presiones   de   todo   tipo   (económicas,  políticas,  etc.,)  y  solamente  hizo  algunas  esculturas  como  las  de  Moisés,  Raquel  y  Lía.           Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     Este   proyecto   fue   uno   de   los   más   ambiciosos   de   toda   su   vida,   y   su   verdadera   obsesión.   El   MOISÉS   está   representado   en   un   momento   pleno   de   furia,   al   bajar   del   Monte   Sinaí   con   las   Tablas   de   la   Ley   y   advertir   el   carácter  idólatra  de  los  israelitas.  Todo  él  se  convierta  en  una  representación  de  la  rabia  y  cólera  explosivas.  Es   una  obra  grandiosa  en  la  expresión,  en  los  ropajes,  en  el  estudio  anatómico,  en  la  tensión  psicológica,  en  el  juego   compositivo  de  verticales  y  horizontales…  Quedaba  así  plasmada  en  mármol  la  grandiosidad  de  los  Profetas  y  las   Sibilas  que  acababa  de  pintar  en  la  bóveda  de  la  Capilla  Sixtina.  La  mirada  furibunda,  la  boca  entreabierta,  las  
  6. 6. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       6 barbas  encrespadas…  son  indicio  de  la  famosa  terribilità  miguelangelesca,  caracterizada  por  su  tremenda  fuerza   expresiva.  Como  el  propio  Miguel  Angel  reconocía,  ¡sólo  le  faltaba  hablar!         Fuente  de  la  imagen  de  la  izquierda:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     *Entre  1520  y  1534,  esculpe  los  dos  SEPULCROS  DE  GIULIANO  Y  LORENZO  DE  MEDICI  en  la  iglesia  de  San  Lorenzo   de  Florencia.  Miguel  Ángel  se  encontró  con  el  reto  de  integrar  escultura  y  arquitectura,  como  ya  le  había  ocurrido   con  la  tumba  de  Julio  II.  Estas  esculturas  asumen  un  carácter  simbólico:  Giuliano  es  la  representación  del  hombre   activo,  mientras  que  Lorenzo  representa  la  vida  contemplativa,  el  hombre  reflexivo,  el  “pensiero”.  A  los  pies  de   la   tumba   de   Giuliano   encontramos   las   representaciones   alegóricas   de   la   Noche   y   el   Día.   La   noche,   como   una   mujer   sensual,   un   tanto   andrógina,   y   el   día   como   un   hombre   musculoso.   Es   interesante   resaltar   el   aspecto   inacabado   o   non   finito   de   los   dos   rostros   masculinos,   especialmente   en   el   del   Día.   La   representación   así   configurada  viene  a  simbolizar  el  paso  del  tiempo.  Es  un  ejemplo  paradigmático  del  carácter  manierista  de  la   escultura  miguelangelesca.  Hay  que  subrayar  que  tanto  Giuliano  como  Lorenzo  van  vestidos  “a  la  antica”,  esto  es,   como  figuras  grecorromanas  e  insertos  en  hornacinas  entre  pilastras  clásicas  y  a  sus  pies  se  sitúan  los  sarcófagos   curvos   sobre   los   que   se   encuentran   esculpidas   figuras   alegóricas   que   aluden   a   la   brevedad   de   la   vida   y   a   la   fugacidad   del   tiempo.   Una   vez   más,   es   Miguel   Ángel   muy   innovador   iconográficamente   al   llevar   a   cabo   sepulturas  funerarias.                               Fuente  de  la  imagen:  profesor  Alfredo  García  (Algargos)  https://es.slideshare.net/algargos/escultura-­‐italiana-­‐del-­‐siglo-­‐xvi     Al   final   de   su   vida   realizó   diversas   piedades,   con   poses   anteclásicas   e   innovadoras   iconográficamente   y   técnicamente.  Presentan  alargamiento  del  canon  de  la  figura  y  su  característica  línea  serpentinata  y  non  finito.   Son  muy  expresivas  y  dramáticas,  muy  diferente  a  la  serena  y  neoplatónica  “Piedad”  del  Vaticano,  que  realizó  en   su   juventud.   Estas   últimas   esculturas   son   un   paso   más   y   se   anticipan   en   300   años   a   las   esculturas   del   artista   francés  Rodin  que  veremos  en  el  siglo  XIX  o  al  rumano  Brancusi  ya  en  el  siglo  XX.  Son  obras  más  espirituales,   cargadas   de   intimismo.   Iconográficamente   fue   lo   nunca   visto:   la   escena   de   la   Piedad   presenta   una   postura   imposible,  del  cuerpo  de  Cristo  que  se  escapa  entre  los  brazos  de  su  madre.  Toda  una  metáfora,  de  una  vida  que   se  va…  al  menos  temporalmente.   florentina, de Miguel
  7. 7. 7 7                             .ngel. Creative 3.  MIGUEL  ÁNGEL  PINTOR.  LA  CAPILLA  SIXTINA   La   personalidad   de   Miguel   Ángel   no   es   menos   sugerente   y   enigmática   que   la   de   Leonardo.   No   sólo   logró   destacar  como  arquitecto,  escultor  y  pintor,  sino  que  también  fue  un  excelente  poeta.       Aunque  Miguel  Ángel  no  se  cansaba  de  repetir  que  "la  pintura  no  es  mi  arte",  lo  cierto  es  que  sus  frescos  de  la   Capilla  Sixtina  son  una  de  las  obras  cumbres  de  la  pintura  de  todos  los  tiempos.  Los  frescos  fueron  realizados  en   dos  momentos  distintos:   *La  bóveda,  con  escenas  del  Antiguo  Testamento,  encargada  por  el  Papa  Julio  II,  entre  1508  y  1512.   *Y  la  pared  del  altar  o  testero  de  la  Capilla,  hecha  un  cuarto  de  siglo  después,  entre  1536  y  1541.         Él  se  consideraba  sobre  todo  escultor  y  su  pintura  –centrada  en  el  ser  humano-­‐  acusará  esta  condición.  Desde  el   punto  de  vista  pictórico,  hay  una  marcada  diferencia  entre  la  obra  juvenil,  que  desarrolla  en  Florencia,  y  la  obra   madura  de  Miguel  Ángel  que  tiene  lugar  en  Roma.     En  Roma  recibió  el  encargo  de  su  mecenas  Julio  II  de  realizar  los  frescos  de  la  bóveda  de  la  CAPILLA  SIXTINA2   que   se   encuentra   en   el   Vaticano,   en   Roma.   La   mayoría   de   las   pinturas   son   de  Miguel   Ángel   aunque   existe   la   participación   de   otros   grandes   artistas   que   se   encuentran   en   escenas   de   los   laterales   de   la   nave   (Botticelli,   Perugino,  Ghirlandaio...)     La  pintura  de  la  bóveda  de  la  Capilla  Sixtina  la  emprendió  a  disgusto3  y  en  ella  trabajó  hasta  la  extenuación  entre   1508  y  1512,  en  total  tres  años.  Fue  una  labor  titánica,  un  gran  esfuerzo  intelectual,  que  le  supuso  inventar  un   programa  iconográfico  y  resolver  las  mil  dificultades  técnicas  que  requería.  Trabajó  solo,  sin  ningún  ayudante  ni   colaborador.   La   temática   abarca   distintos   episodios   del   Antiguo   Testamento,   como   los   relativos   al   Génesis   (creación  de  Adán,  Eva…).  También,  representó  diversos  profetas  bíblicos  y  sibilas4  de  la  mitología  grecolatina,   que   a   su   vez,   están   acompañadas   por   impresionantes   figuras   de   jóvenes   desnudos,   los   llamados   ignudi,   una   fantástica  excusa  para  mostrar  el  cuerpo  humano  desnudo,  con  gran  dinamismo  y  expresividad.  En  total,  unos   300  personajes.     2 La  Capilla  Sixtina  fue  levantada  durante  el  pontificado  de  Sixto  IV  (1471-­‐1484)  de  donde  recibe  su  nombre. 3  Tuvo  enfrentamientos  continuos  con  su  mecenas,  el  Papa  Julio  II  por  la  elaboración  de  estas  pinturas.   4  Mujer  sabia  a  quien  los  antiguos  griegos  y  romanos  atribuyeron  espíritu  profético.  
  8. 8. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       8                 La  técnica  es  al  fresco.  Recordemos  que  de  jovencito  había  aprendido  en  el  taller  de  Ghirlandaio  esta  técnica,  que   requiere   gran   pericia   y   trabajar   muy   rápido.   La   obra   se   ejecuta   sobre  la   cal   aún   fresca.   Los   colores   aplicados   sobre  el  muro  húmedo  producen  un  efecto  que  se  modifica  cuando  se  seca.  Lo  que  se  ha  trabajado  al  fresco   queda  para  siempre,  pero  lo  que  ha  estado  retocado  en  seco  se  puede  quitar  con  una  esponja  húmeda.  Hizo   continuos  retoques.  La  superficie  pintada  en  un  día  se  llama  «jornada»;  la  escena  de  La  Creación  de  Adán,  una  de   las  más  espectaculares  de  la  bóveda,  se  realizó  en  dieciséis  jornadas.       Fuente  de  la  imagen:  Redondus.  https://sites.google.com/site/fundamentosdelarteiessanisidro/home     Miguel  Angel  dividió  la  bóveda  en  compartimentos,  utilizando  arquitecturas  fingidas  de  las  que  parecen  flotar   las  figuras.  En  el  tramo  central  desarrolló  las  principales  escenas  del  libro  del  Génesis,  desde  la  Creación  hasta  la   vida  de  Noé.  Mientras  que,  en  los  laterales,  ubicó  grandes  figuras,  profetas  y  sibilas,  que  anunciaron  la  llegada   del  Salvador.  Con  esta  temática  original  unió  el  mundo  grecorromano  y  la  tradición  judeocristiana,  que  era  su   segundo  propósito.  Esta  idea  simbólica  de  enlazar  el  mundo  pagano  y  el  cristiano  tuvo  su  continuidad  con  la   "cohabitación"  y  contraposición  entre  los  jóvenes  desnudos  a  la  manera  de  esculturas  helenísticas  (ignudi)  y  los   castos  y  vestidos  antepasados  de  Cristo  de  los  lunetos.  El  resultado  fue  un  magnífico  contraste  entre  la  linealidad   arquitectónica   y   la   tensión   de   los   cuerpos   distorsionados   de   las   figuras;   entre   la   contención   y   el   desenfreno;   entre  los  narrativo  y  lo  simbólico.  No  hay  ni  equilibrio  ni  serenidad.  Los  cuerpos  se  alejan  del  concepto  de  belleza   clásica.  No  se  trata  de  representar  la  belleza  de  las  formas  sino  la  fuerza  que  emana  de  las  figuras.     El  lenguaje,  es  por  tanto,  más  manierista  que  clásico.  Su  interés  pictórico  se  centra  en  las  figuras,  por  lo  tanto   deja   de   lado   el   paisaje.   Son   frecuentes   los   grandes   escorzos   y   trampantojos.   Es   una   pintura   monumental   y   grandiosa.    
  9. 9. 9 9                                                                                 Fuente  de  la  imagen:  Redondus.    https://es.slideshare.net/redondus/fundamentos9-­‐miguel-­‐angel     El  JUICIO  FINAL,  también  en  la  Capilla  Sixtina,  lo  llevó  a  cabo  unos  veinte  años  más  tarde,  en  torno  a  1535  hasta   1541,  reflejando  la  inquietud  espiritual  y  el  pesimismo  que  agobiaron  al  artista  en  sus  últimos  años.5  Lo  realizó  en   la   parte   frontal   de   la   capilla,   en   la   pared   del   altar.   Fue   un   encargo   de   otro   Papa,   Clemente   VII   y   más   tarde   confirmado  por  el  Papa  Paulo  III,  quien  le  nombra  pintor,  escultor  y  arquitecto  del  Vaticano.  Este  fresco  es  de   enormes  proporciones:  incluye  casi  400  figuras,  de  las  que  se  han  identificado  aproximadamente  50  y  el  tema  es   el  Juicio  Final,  un  motivo  habitual  en  el  arte  medieval  pero  no  tanto  en  el  renacentista.  Las  figuras  se  disponen  en   círculos  ascendentes  y  descendentes  que  resaltan  sobre  un  cielo  azul  intenso.   Son  numerosas  las  referencias  y  fuentes  en  las  que  Miguel  Ángel  se  inspiró  para  realizar  el  Juicio  Final  según   aluden  los  especialistas.  Estatuas  clásicas,  pinturas  de  diversos  artistas  como  Luca  Signorelli  o  El  Bosco  entre   otros.  En  el  aspecto  literario   parece  seguro  el  empleo  de  tres  fuentes:  la  Divina   Comedia  de  Dante,  la  bíblica   Visión  de  Ezequiel  y  el  Apocalipsis  de  San  Juan.     Con  Miguel  Ángel  asistimos  a  una  “vuelta  de  tuerca”  de  tan  famoso  asunto.  Innova  totalmente  en  la  iconografía:   la  forma  de  representar  a  Cristo  no  es  la  habitual  del  arte  medieval  –un  Cristo  barbado,  con  el  alfa  y  la  omega  y   los  Evangelios-­‐.  En  este  caso,  es  un  Cristo  imberbe  en  actitud  de  impartir  justicia  con  su  brazo  levantado,  en   acusado   escorzo.   Parece   un   joven   atleta   victorioso.   Además,   es   un   Cristo   desnudo,   por   lo   que   pronto   fue   considerado   inadecuado,   siendo   tapado   por   el   pintor   Daniele   da   Volterra,   al   que   denominaron   por   ello   “el   braghettone”.   La  Virgen  María  es  también  muy  distinta  tanto  a  las  usuales  en  la  Edad  Media  como  en  el  Renacimiento.  Muestra   una  silueta  serpentinata  y  un  cierto  dramatismo.  
  10. 10. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       10     Todos  los  personajes  de  la  obra  parecen  estar  envueltos  por  un  ambiente  apocalíptico,  que  es  penetrado  por  el   dramatismo  de  la  muerte  y  la  vida:  es  la  terribilità  miguelangelesca.                   La  zona  superior  de  la  composición,  más  de  la  mitad  de  la  pared,  está  ocupada  por  el  mundo  celestial,  presidido   por  Cristo  como  juez.  Tanto  él  como  la  Virgen  María  aparecen  rodeados  por  un  conjunto  de  santos,  apóstoles  y   patriarcas  que  constituyen  el  primer  grupo  circular.  A  ambos  lados  de  este  grupo  central  diferentes  mártires,   vírgenes,  bienaventurados  y  personajes  de  la  Iglesia  forman  una  segunda  corona.  Sobre  todos  ellos  aparecen  dos   grupos  de  ángeles  que  portan  los  símbolos  de  la  Pasión:  la  corona  de  espinas,  la  cruz  y  la  columna,  ofreciendo  las   más  variadas  posturas  y  reforzando  la  sensación  general  de  movimiento.     A  los  pies  de  Cristo  se  sitúan  dos  santos  que  ocupan  un  lugar  privilegiado:  San  Lorenzo,  que  porta  la  parrilla  de  su   martirio,  y  San  Bartolomé,  con  una  piel  que  alude  a  su  muerte,  apreciándose  en  su  rostro  un  autorretrato  del   pintor.  En  la  zona   intermedia  podemos  encontrar  tres  grupos;  en  la  izquierda,  los  juzgados  que  ascienden   al   Cielo  mientras  que  en  la  parte  contraria  se  ubican  los  condenados  que  caen  al  Infierno,  ocupando  los  ángeles   trompeteros  el  centro  para  despertar  a  los  muertos  de  la  zona  inferior,  que  se  desarrolla  en  el  espacio  izquierdo   de  este  último  tramo.  En  la  zona  inferior  derecha  hallamos  el  traslado  de  los  muertos  en  la  barca  de  Caronte  ante   el  juez  infernal  Minos   -­‐la  figura  de  la  esquina  con  serpientes  enrolladas  alrededor  de  su  cuerpo-­‐  y  la  boca  de   Leviatán.  Una  vez  más  vemos  como  Miguel  Ángel  aúna  la  mitología  clásica  con  el  Cristianismo.   La  escena  se  desarrolla  sin  ninguna  referencia  arquitectónica  ni  elemento  de  referencia,  emergiendo  las  figuras   de  un  azulado  cielo  donde  flotan  con  una  energía  y  seguridad  difícilmente  igualables.  Las  figuras  se  retuercen   con  gran  dinamismo  y  acusados  escorzos.   Las   pinturas   se   han   interpretado   en   clave   neoplatónica.   Recordemos   que   Miguel   Ángel   conoció   a   muchos   escritores  y  filósofos  neoplatónicos  ligados  a  los  Medici  durante  su  estancia  de  estudios  en  el  palacio  de  esta   poderosa  familia  florentina.  
  11. 11. 11 11               Simbolizaría  el  camino  del  alma  hacia  Dios,  pretendiendo  unir  la  filosofía  pagana  con  el  misticismo  cristiano.  Hay   que  subrayar  que  Miguel  Ángel  era  muy  religioso  y  conocía  a  la  perfección  mitología  grecorromana.   La   gran   cantidad   de   desnudos   presentes   en   los   frescos   de   la   Capilla   Sixtina   escandalizó   a   buena   parte   de   la   Iglesia,   no   solo   por   los   desnudos,   sino   también   por   posturas   consideradas   poco   decorosas.   De   ahí   que   se   le   encargara  a  Volterra,  llamado  “el  Braghettone”  tapar  los  órganos  sexuales  de  muchas  de  las  figuras.  Todavía   hoy,  a  pesar  de  las  restauraciones  llevadas  a  cabo  en  los  años  90,  hay  personajes  que  presentan  paños  de  pureza   para  que  no  se  aprecien  los  desnudos.   Sea   como   fuere,   la   fuerza   escultórica   de   los   personajes,   la   belleza   de   su   dibujo,   claramente   inspirado   en   las   esculturas  antiguas,  sus  atrevidas  posturas,  el  vivo  colorido,  la  imponente  expresividad  de  los  rostros,  el  eficaz   efecto  teatral  del  conjunto,  entre  otros  aspectos,  convierten  los  frescos  de  la  Capilla  Sixtina  en  una  obra  única,   jamás  superada.  Esta  obra  plenamente  manierista,  será  fuente  inspiración  para  los  artistas  de  todos  los  tiempos   (Manierismo,  Barroco,  etc.)     4.  MIGUEL  ÁNGEL  ARQUITECTO     El  primer  arquitecto  en  romper  el  lenguaje  clásico  fue  MIGUEL  ÁNGEL.     Arquitecto,  escultor,  pintor  y  poeta,  él  será  quien  inicie  estas  nuevas  formas,  sometiendo  los  elementos  clásicos   a  una  interpretación  personal.  Miguel  Ángel  se  siente  ante  todo  escultor  y  trata  a  la  arquitectura  como  si  de  una   escultura  se  tratase;  utiliza  las  formas  clásicas  con  plena  libertad.  Entre  las  obras  arquitectónicas  que  desarrolló   Miguel  Ángel  la  más  grandiosa  fue  la  CÚPULA  DE  LA  BASÍLICA  DE  SAN  PEDRO  del  Vaticano.     La  basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano  en  su  origen  fue  una  iglesia  paleocristiana  construida  para  conservar  el   cuerpo   del   apóstol   San   Pedro,   el   primer   Papa   de   la   historia.   Pero,   con   el   paso   de   tiempo   amenazaba   ruina.   Durante  el  Renacimiento  varios  arquitectos  presentaron  diversos  proyectos  para  reconstruir  la  iglesia:  en  primer   lugar,  Bramante,  que  planteó  una  iglesia  de  planta  de  cruz  griega  inscrita  en  un  cuadrado  y  cubierta  por  cinco   cúpulas.  Pero  su  muerte  interrumpió  este  proyecto.  Intervinieron  después  Rafael  –que  prefería  una  planta  de   cruz  latina-­‐;  Sangallo;  y  Miguel  Ángel.                     Fuente  de  la  imagen:  Wikipedia.com    
  12. 12. Ana Galván Romarate-Zabala     Fundamentos del Arte I       12 Miguel  Ángel  retomó  la  idea  de  Bramante  de  planta  de  cruz  griega  y  diseñó  la  gran  cúpula  concebida  sobre  el   altar  mayor  y  la  tumba  del  Apóstol  San  Pedro.  Proyectó  una  doble  cúpula  (una  interior  y  otra  exterior)  según  el   modelo  que  ya  había  realizado  Brunelleschi  en  Santa  María  de  las  Flores  en  Florencia  en  el  XV. También  tuvo  en   cuenta   la   cúpula   del   Panteón   de   Roma.   La   cúpula   de   Miguel   Ángel,   con   42   metros   de   diámetro   y   sobre   un   espectacular  tambor,  se  eleva  por  encima  de  las  colinas  de  la  urbe,  quedando  como  punto  de  referencia  para   toda   la   cristiandad.   Tiene   forma   ligeramente   apuntada.     Realmente   más   que   un   tambor,   hay   dos.   El   que   se   levanta  directamente  sobre  la  cúpula  está  decorado  con  columnas  pareadas  o  gemelas  entre  las  ventanas.  Sobre   los  ventanales   cuadrados  en  forma  de  pórtico  grecorromano  –igual  que  los  del  Partenón-­‐  alternan  frontones   triangulares   y   semicirculares.   Sobre   este   tambor,   se   alza   otro   con   decoraciones   de   guirnaldas.   Los   nervios   recorren  el  exterior  y  el  interior  de  la  cúpula.  Sobre  la  cúpula  se  eleva  una  linterna  abierta  a  la  luz,  también  entre   pares   de   columnas.   Todo   ello   dentro   ya   de   un   lenguaje   plenamente   manierista.   Esta   cúpula   se   terminó   de   construir  varios  años  después  de  la  muerte  de  Miguel  Angel.6  Desde  los  Jardines  Vaticanos  y  a  lo  lejos,  la  cúpula   miguelangelesca  es  la  cima  por  excelencia  de  todo  el  Cinquecento.     Por  último,  conviene  recordar  que  la  configuración  actual  de  la  Basílica  de  San  Pedro  del  Vaticano  es  posterior  a   Miguel  Ángel.  Fue  Carlo  Maderno  durante  el  Barroco  quien  realizaría  la  fachada,  la  planta  de  cruz  latina  etc.  Y   Bernini,  también  en  el  Barroco,  llevó  a  cabo  la  columnata  y  la  bellísima  plaza  de  San  Pedro.         Fuente  de  la  imagen:  Wikipedia.com;  fuente  de  la  imagen  de  la  derecha:  https://www.slideshare.net/Meibel/cinquecento-­‐arquitectura     Aunque   la   Cúpula   de   San   Pedro   del   Vaticano   es   su   obra   más   relevante   en   arquitectura,   también   realizó   la   Biblioteca   Laurenciana   de   Florencia   para   guardar   la   maravillosa   colección   de   códices   de   los   Medici.     Diseñó   incluso  los  pupitres  de  lectura.  Creó  un  vestíbulo  de  acceso  espectacular  con  una  majestuosa  escalera.   Y  diseñó  como  urbanista  la  plaza  del  Campidoglio  (Capitolio)  de  Roma,  donde  se  encontraba  la  estatua  ecuestre   del  emperador  Marco  Aurelio.  La  que  hay  hoy  en  día  es  una  copia,  ya  que  la  original  está  dentro  de  los  Museos   Capitolinos  en  la  misma  plaza.  Creó  un  espacio  trapezoidal  con  una  gran  escalinata  de  acceso.  Diseñó  también  la   trama  del  embaldosado  y  los  pórticos  laterales  realizados  con  orden  gigante.  Genera  un  juego  de  perspectivas  de   gran  belleza.       6  Los  arquitectos  que  terminaron  la  cúpula  diseñada  por  Miguel  Angel  fueron  Doménico  Fontana  y  Giacomo  della  Porta.  Giacomo  della  Porta  otorgó  a  la   cúpula  un  perfil  más  agudo  que  el  planteado    inicialmente  por  Miguel  Angel.  

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