Este documento presenta una introducción al Renacimiento en Italia. Explica que el Renacimiento implicó un retorno a los ideales del mundo clásico de Grecia y Roma, especialmente en las artes. Se desarrolló principalmente entre los siglos XV y XVI en Italia, aunque tuvo raíces en la Baja Edad Media. Fue un período de gran desarrollo artístico e intelectual impulsado por el humanismo y el interés renovado por la antigüedad clásica.

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
TEMA
8.
ARTE
DEL
RENACIMIENTO
EN
ITALIA
(I)

2. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
2
TEMA
8.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
ARTE
DEL
RENACIMIENTO
EN
ITALIA
(I)
1.Introducción
al
Renacimiento.
Contexto
histórico-­‐cultural.
2.
La
arquitectura
renacentista
en
Italia.
3.
La
escultura
italiana
del
Renacimiento.
Donatello.
4
La
pintura
italiana
del
Renacimiento.
5.
La
indumentaria
renacentista
italiana
a
través
de
las
fuentes
iconográficas
pictóricas.
1.INTRODUCCIÓN
AL
RENACIMIENTO.
CONTEXTO
HISTÓRICO-­‐CULTURAL
Podemos
definir
el
Renacimiento
como
un
movimiento
cultural
que
surge
en
Italia
y
que
implica
una
vuelta,
un
renacer
a
los
ideales
del
mundo
clásico
(Grecia
y
Roma).
Ese
interés
por
el
mundo
antiguo
clásico
se
manifestó
en
sus
vertientes
históricas,
filosóficas,
políticas,
culturales
y
artísticas.
La
Antigüedad
clásica
es
el
modelo
cultural
a
seguir
y
no
sólo
en
las
artes
plásticas,
sino
a
todas
las
manifestaciones
del
conocimiento
humano.
Pocos
movimientos
culturales
han
sido
más
idealizados
y
mitificados
como
el
Renacimiento,
aunque
sobrecoge
la
nómina
de
los
arquitectos,
pintores,
escultores,
etc.
de
la
época
y
el
extraordinario
desarrollo
de
las
artes
durante
el
Renacimiento
(Ghiberti,
Donatello,
Verrocchio,
Miguel
Ángel,
Botticelli,
Masaccio,
Leonardo,
Rafael...)
Pero
hay
pocos
movimientos
en
la
Historia
del
arte
que
hayan
explicado
mejor
que
el
Renacimiento
su
principal
intención
y
que
sin
embargo,
resulten
luego
más
polémicos
y
complejos
(se
discute
su
cronología
etc.).1
Sus
raíces,
son
embargo,
deben
buscarse
en
la
Edad
Media
tardía,
a
la
que
despreciaban
y
contra
la
que
aparentemente
reaccionaban.
No
parece
claro
que
este
renacimiento
de
la
Antigüedad
fuera
la
única
causa
del
fenómeno
cultural
que
se
produjo
en
Italia
en
el
siglo
XV
y
que
se
extendió
a
partir
del
siglo
XVI,
por
casi
toda
Europa
(Italia,
Francia,
España…),
ya
que
la
relación
con
el
mundo
antiguo
jamás
se
rompió
y
a
lo
largo
de
los
siglos
que
abarcan
el
amplio
periodo
conocido
por
Edad
Media,
se
produjeron
varios
momentos
renacentistas
del
espíritu
clásico.
Recordemos
que
se
puede
hablar
de
renacimiento
y
“renacimientos”:
carolingio,
románico,
etc.
En
todo
caso,
fueran
cuales
fueran
sus
antecedentes
próximos
o
remotos,
no
hallaremos
una
conciencia
clara
de
lo
que
debía
ser
el
nuevo
arte
y
un
conjunto
de
normas
teóricas
y
prácticas
lo
suficientemente
articulado
como
para
poder
definirlo
como
un
lenguaje
distinto
hasta
el
siglo
XV,
momento
en
el
que
se
formula
la
teoría
artística
del
Renacimiento
en
Florencia.
El
principal
responsable
de
la
misma
fue
un
humanista
florentino
León
Battista
Alberti
que
publicó
tres
tratados
artísticos
además
de
ser
un
excelente
arquitecto.
Cronología:
básicamente
el
Renacimiento
se
desarrolla
durante
los
siglos
XV
y
XVI.
Se
fue
fraguando
ya
desde
el
siglo
XIV
(el
Trecento
en
Italia).
*Siglo
XV:
iniciación,
es
el
Quattrocento.
1
Mientras
que
los
calificativos
clásico,
románico,
gótico
son
posteriores
a
sus
manifestaciones,
Renacimiento
fue
la
orgullosa
autodenominación
que
los
teóricos
y
artistas
de
aquella
época
adoptaron
para
que
esta
etapa
fuese
precisamente
un
renacimiento
de
los
ideales
estéticos
del
mundo
grecorromano.

3. 3
3
*Siglo
XVI:
es
el
Cinquecento.
Es
la
etapa
de
madurez,
se
la
denomina
Alto
Renacimiento
pero
también
en
ese
siglo
surge
la
crisis
de
este
estilo
dando
lugar
a
partir
del
año
1520
al
Manierismo.
No
es
casual
que
el
Renacimiento
surgiera
en
Italia:
a
lo
largo
de
la
Edad
Media
no
había
renunciado
por
completo
a
su
pasado
clásico,
incluso
durante
toda
la
Edad
Media.
Fue
una
época
de
hechos
históricos
transcendentales:
El
surgimiento
del
Renacimiento
no
se
entiende
sin
tener
en
cuenta
toda
una
serie
transformaciones
sociales,
técnicas,
y
religiosas:
inventos
como
la
imprenta,
avances
en
la
navegación,
perfeccionamiento
de
la
cartografía
y
del
transporte
marítimo
(lo
que
favorecerá
los
descubrimientos
como
el
de
América).
Se
desarrolla
un
incipiente
capitalismo
y
se
va
afirmando
la
economía
monetaria.
Nace
la
sociedad
de
mercado
y
con
ella,
el
ascenso
de
la
burguesía
y
de
las
ciudades
en
Italia,
bancos,
etc.
Paralelamente,
encontramos
una
nueva
concepción
política:
idea
de
Estado
moderno,
ligado
al
desarrollo
de
las
nacionalidades
(Ej.
RRCC
en
España
o
Enrique
VII
de
Inglaterra).

4. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
4
Reforma
y
Contrarreforma:
Fue
de
vital
importancia
la
Reforma
protestante,
llevaba
a
cabo
durante
el
primer
tercio
del
siglo
XVI,
que
quebrantó
la
identidad
cristiana
occidental,
dividiendo
con
un
nuevo
y
profundísimo
frente
los
intereses
políticos
de
Europa.
Siglo
XVI:
es
la
época
tremenda
de
las
guerras
de
religión
(también
una
parte
del
XVII).Se
produce
una
mayor
expansión
cultural
(universidad,
cultura
secularizada…).
Italia
durante
el
Renacimiento
fue
bocado
apetecido
de
Francia
y
España.
Se
encontraba
muy
dividida
en
diversas
ciudades
estados,
repúblicas,
etc.
Así,
entre
los
centros
de
poder
más
destacados
encontramos
Florencia,
Reino
de
Nápoles,
Estados
pontificios,
la
República
de
Venecia,
Ducado
de
Milán…
El
Humanismo
es
el
aspecto
o
vertiente
intelectual
del
Renacimiento.
El
Renacimiento
propicia
el
desarrollo
de
una
cultura
humanista:
pasándose
de
una
sociedad
teocéntrica
a
una
antropocéntrica,
pero
lejos
de
ser
atea,
y
muy
vinculada
a
la
filosofía.
El
movimiento
cultural
del
Humanismo
surgió
en
Florencia
a
mediados
del
siglo
XIV.

5. 5
5
El
nuevo
papel
del
artista
fue
crucial
en
esta
etapa.
Tratan
de
romper
con
su
tradicional
dependencia
de
los
gremios
artesanales.
Los
pintores,
escultores
y
arquitectos
abandonaron
la
condición
de
artesanos.
Consideraban
su
labor
como
una
actividad
de
carácter
mental.
Surgió
un
nuevo
tipo
de
institución,
la
academia,
donde
se
formaban
los
artistas.
Fue
muy
célebre
la
academia
de
los
Médici,
donde
estudió
Miguel
Ángel,
entre
otros
artistas.
Se
produjo
un
gran
desarrollo
del
coleccionismo
del
arte.
Las
empresas
artísticas
no
eran
simplemente
un
lujo
ni
un
dispendio
innecesario,
sino
una
inversión
necesaria
orientada
a
desarrollar
la
imagen
y
el
honor
de
los
mecenas
y
coleccionistas.
Grandes
coleccionistas
fueron:
los
Medici,
los
Este,
los
Ferrara,
los
Montefeltro,
etc.
y
en
España
sobre
todo
Felipe
II.
El
contenido
y
la
finalidad
del
arte
renacentista
es
la
belleza,
la
armonía,
la
perfección:
ligado
a
la
cultura
clásica,
pero
no
es
una
mera
copia
servil.
Ha
sido
paradigma
de
perfección
y
belleza
hasta
el
siglo
XVIII.
Entienden
la
belleza
como
imitación
verosímil
de
la
naturaleza
(entre
realidad
e
idealidad).
Para
ello
aplicaron
geometría,
cálculos
matemáticos,
búsqueda
de
proporciones
armoniosas
(Alberti,
Leonardo,
Brunelleschi…).
Buscan
las
proporciones
áureas
e
idealizan
la
época
y
el
arte
de
la
antigua
Roma.
Los
principales
centros
culturales
renacentistas
en
Italia
fueron
Florencia,
Nápoles,
Roma,
Venecia,
Padua
y
Ferrara.
El
arte
en
todas
sus
manifestaciones
(música,
pintura,
poesía,
arquitectura)
va
a
vivir
un
gran
esplendor
en
las
cortes
europeas
teniendo
en
ocasiones
como
función
esencial
la
consolidación
del
poder
del
príncipe
o
monarca,
es
decir,
las
obras
de
arte
son
un
medio
de
propaganda
del
poder
principesco,
aristocrático
o
de
la
realeza.
En
las
artes
decorativas
hay
un
auge
esplendoroso
(cerámica,
vidrio,
rejerías,
joyería
y
orfebrería,
artes
textiles,
mobiliario,
etc.).
2.
LA
ARQUITECTURA
RENACENTISTA
EN
ITALIA
La
arquitectura
renacentista,
que
tiene
sus
orígenes
en
Italia,
y
que
se
extenderá
por
toda
Europa,
cuenta
entre
sus
fuentes
de
inspiración
con,
por
un
lado,
las
ruinas
romanas
–
poco
a
poco
redescubiertas
y
valoradas-­‐
y
por
otra
con
textos
y
documentos
de
la
antigua
Roma,
esenciales
en
la
formación
de
los
arquitectos
renacentistas.
2
Al
mismo
tiempo,
muchos
arquitectos
renacentistas
escriben
importantes
tratados
teóricos
destacando
los
escritos
por
L.
B.
ALBERTI.
Es
importante
resaltar
que
esa
vuelta
a
los
ideales
de
la
arquitectura
del
mundo
clásico
no
fue
una
mera
copia
sino
una
fuente
de
inspiración
fundamental.
Los
arquitectos
renacentistas
buscaban
crear,
como
los
antiguos
romanos,
obras
bellas,
sólidas
y
prácticas
pero
debían
dar
respuesta
a
otras
necesidades
(construir
iglesias,
palacios,
etc.
Buscaban
la
proporción,
la
uniformidad,
la
perspectiva
y
el
orden.
Debe
existir
una
relación
proporcional
entre
las
partes
y
el
todo.
2
El
más
célebre
y
legendario
tratado
de
arquitectura
romana
era
el
escrito
por
MARCO
VITRUBIO,
un
ingeniero-­‐arquitecto
que
desarrolló
su
actividad
durante
la
época
de
César
y
Augusto,
en
los
campos
de
la
construcción
de
edificios,
de
la
hidráulica
y
la
artillería.
A
partir
de
entonces
proliferan
las
ediciones
ilustradas
de
Vitrubio.

6. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
6
La
decoración
prolifera
al
comienzo
–grutescos,
cintas,
guirnaldas,
etc.
–
pero
desaparece
progresivamente.
En
el
Quattrocento
el
centro
artístico
se
encuentra
en
Florencia
y
en
Cinquecento
en
Roma.
Muchas
soluciones
constructivas
son
tomadas
de
la
antigua
Roma:
*vuelta
al
sistema
de
soportes
de
los
órdenes
clásicos,
encontrándose
columnas
de
cualquiera
de
ellos.
Los
fustes
suelen
ser
lisos.
*arcos:
el
más
habitual
es
el
de
medio
punto.
Suelen
presentar
molduras
en
el
intradós
y
en
el
trasdós.
*las
cubiertas
(bóveda
de
cañón,
arista,
cúpulas,
cubiertas
de
madera
con
casetones).
Las
cúpulas
van
con
pechinas,
sobre
tambor,
en
el
que
se
abren
ventanas,
y
están
rematadas
por
una
linterna.
Son
ejemplos
excelentes
Santa
María
de
las
Flores
–el
Duomo
de
Florencia–
y
la
capilla
Pazzi,
ambas
de
Brunelleschi.
*Domina
la
horizontalidad,
frente
a
la
verticalidad
gótica.
El
urbanismo
renacentista
en
gran
parte
se
basa
en
el
urbanismo
grecorromano.
Al
mismo
tiempo
es
sumamente
imaginativo
y
original.
Existía
una
grave
contradicción:
a
la
vez
que
se
elaboraba
una
nueva
concepción
de
la
ciudad,
la
ciudad
preexistente
hacía
imposible
llevarlas
a
la
práctica.
Fue
más
que
nada
un
urbanismo
de
papel,
es
decir,
con
más
propuestas
teóricas
que
prácticas.
Ejemplos
de
proyectos
urbanísticos
renacentistas
son
la
ciudad
de
Sforzinda
de
Filarete,
la
ciudad
de
Ferrara,
Pienza,
etc.

7. 7
7
Por
lo
que
se
refiere
a
las
tipologías
arquitectónicas:
La
arquitectura
civil
va
a
aventajar
a
la
religiosa:
palacios,
villas,
hospitales…
Es
en
la
arquitectura
civil
donde
se
da
el
paso
decisivo
en
el
Renacimiento.
Las
iglesias
suelen
presentar
plantas
centralizadas
con
cúpulas
aunque
no
se
abandona
la
planta
basilical.
En
general
se
busca
el
equilibrio
planta-­‐alzado:
la
altura
debe
ser
el
doble
que
la
anchura.
El
muro
es
más
macizo
y
los
vanos
son
menores.
Los
palacios
urbanos
suelen
tener
tres
cuerpos
o
plantas
superpuestas,
en
ellos
predominan
la
horizontalidad,
llevan
remate
en
cornisa
y
la
articulación
de
todo
el
edificio
se
realiza
en
torno
a
un
patio
central
o
cortile.
Los
sillares
se
pueden
realzar
mediante
almohadillado
(Ej.:
Palacio
Rucellai
de
Alberti).
En
el
siglo
XV
el
palacio
se
abrió
a
la
ciudad
multiplicando
los
vanos
y
suprimiendo
las
torres
y
el
aspecto
amenazador,
habitual
durante
la
etapa
medieval.
3
3
El
modelo
de
palacio
renacentista
fue
el
Palacio
Médici
realizado
por
Michelozzo
i
(1444-­‐1464).

8. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
8
Las
villas,
especie
de
palacios
campestres
como
alternativa
a
la
vida
en
las
ciudades,
van
a
tener
un
gran
desarrollo
a
lo
largo
de
todo
el
Renacimiento.4
Por
último,
no
podemos
dejar
de
citar
la
enorme
importancia
que
adquieren
los
jardines
durante
el
Renacimiento,
sobre
todo
durante
el
Manierismo,
con
su
pasión
por
lo
monstruoso
y
extravagante
(grutas,
fuentes….)
como
tan
bien
ejemplifican
los
*Jardines
de
Bomarzo
de
PIRRO
LIGORIO.
Otros
arquitectos
manieristas
fueron
Vignola,
Palladio
(con
sus
maravillosas
“villas”),
Rafael
de
Urbino,
etc.
Ejemplos
de
arquitectura
renacentista
en
Italia:
el
Quattrocento
Si
Florencia
fue
el
centro
artístico
en
el
que
se
codificaron
los
principios
de
la
nueva
arquitectura,
la
obra
del
4
Ejemplo:
la
villa
que
Giuliano
da
Sangallo
realizó
para
Lorenzo
de
Médici
en
Poggio
a
Caiano
hacia
1480.

9. 9
9
arquitecto
FILIPPO
BRUNELLESCHI
(1377-­‐1446)
marca
el
comienzo
de
la
arquitectura
renacentista.
Formado
en
Florencia,
era
además
escultor
y
un
artista
con
una
amplia
cultura
científica.
Medida,
proporción
y
razón,
son
el
fundamento
de
su
arquitectura.
Fue
uno
de
los
hombres
que
más
contribuyó
a
crear
la
imagen
de
Florencia
como
Nueva
Roma,
como
cuna
del
nuevo
arte
que
estaba
surgiendo.
Aunque
todas
sus
obras
son
muy
significativas
en
ese
sentido,
hay
una
que
destaca
entre
todas
ellas,
que
es
la
cúpula
de
Santa
María
de
las
Flores,
catedral
de
Florencia
(1420-­‐36).
Con
esta
cúpula
deseó
asimilar
la
imagen
de
Florencia
a
la
de
la
antigua
Roma
buscando
un
paralelismo
con
la
cúpula
del
Panteón.
Esta
obra
se
convirtió
en
todo
un
símbolo
de
la
nueva
época
y
de
la
nueva
arquitectura.
Brunelleschi
realizó
esta
cúpula
sobre
una
iglesia
medieval
inacabada.
La
consideración
y
el
nuevo
el
papel
del
arquitecto
en
una
obra
fue
también
consolidado
por
Brunelleschi,
pues
todo
estuvo
bajo
su
dirección
-­‐se
enfrentó
incluso
a
una
huelga-­‐
abriendo
el
camino
del
arquitecto-­‐tracista,
cuya
consideración
intelectual
le
aleja
del
artesano
que
trabaja
con
las
manos.
Sin
un
precedente
inmediato
que
pudiera
servirle
–aunque
tenía
en
mente
al
Panteón-­‐
Brunelleschi
concibe
una
gran
cúpula
de
42
m.
de
diámetro,
compuesta
en
realidad
por
dos
cúpulas:
una
semiesférica
comprendida
en
otra
de
sección
apuntada.
La
cúpula
descansa
sobre
un
tambor
octogonal,
que
sirven
para
neutralizar
los
empujes,
a
la
vez
que
prestan
al
conjunto
un
perfil
apuntado,
en
armonía
con
las
formas
góticas
del
resto
de
la
iglesia.
Esta
cúpula
va
rematada
por
una
gran
linterna,
con
una
estructura
realizada
con
ladrillos.
Los
materiales
utilizados
son
piedra
y
ladrillo
lo
cual
confiere
una
bella
bicromía
a
la
obra.
También
realizó
el
Hospital
de
los
Inocentes,
aunque
en
él
intervinieron
otros
arquitectos.
Fue
un
hospital
realizado
para
recoger
niños
abandonados.
Brunelleschi
dirigió
las
obras
desde
1419
hasta
1427.
Presenta
un
pórtico
a
base
de
arcos
en
el
que
se
refleja
un
sistema
de
proporciones
perfecto.
Brunelleschi
realizó
dos
iglesias
con
planta
basilical:
San
Lorenzo
y
Santo
Spirito
(Espíritu
Santo).
Para
la
iglesia
de
San
Lorenzo
en
Florencia
(1419)
Brunelleschi
creó
una
planta
de
cruz
latina
que,
a
pesar
de
ser
espacialmente
longitudinal,
con
cubierta
plana
de
casetones
y
arcos
de
medio
apuntados.
Tanto
en
San
Lorenzo,
como
en
la
otra
iglesia
de
planta
basilical,
el
Santo
Spirito,
utiliza
el
bicromatismo
para
enfatizar
esa
perfección
geométrica
del
diseño
que
tanto
debe
a
la

10. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
10
perspectiva.
En
ambas
iglesias
la
columna,
al
modo
clásico,
adquiere
una
importancia
de
primer
orden
y,
a
la
vez
que
se
respetan
sus
proporciones,
su
altura
resulta
aumentada
mediante
la
inclusión
de
un
fragmento
de
entablamento
sobre
el
capitel.
Aunque
el
palacio
Pitti,
en
Florencia,
fuera
muy
transformado
con
el
tiempo,
ha
permanecido
como
ejemplo
de
arquitectura
palacial
en
el
Quattrocento.
Fue
proyectado
por
Brunelleschi,
aunque
se
construyera
después
de
muerto
éste.
En
este
edificio
se
marca
mucho
el
almohadillado
y
las
dovelas
de
los
arcos
que
parecen
dibujar
el
muro.
El
teórico
por
excelencia
de
la
nueva
arquitectura
renacentista
fue
LEÓN
BATTISTA
ALBERTI
(1404-­‐1472).
Encarnó
al
nuevo
artista,
científico
y
erudito,
que
culminará
con
Leonardo.
Sus
escritos
fueron
tan
importantes
como
los
edificios
que
proyectó
y,
además,
tuvieron
una
mayor
difusión.
Referidos
concretamente
a
las
artes
escribió
"De
pictura",
"De
statua",
"De
re
aedificatoria"
y
una
descripción
de
la
ciudad
de
Roma.
5
Alberti
estudió
también
las
ruinas
romanas.
Utilizó
como
formas
geométricas
básicas
el
cuadrado
y
el
círculo.
Para
Alberti
la
belleza
es
la
correspondencia
de
las
partes
entre
sí
y
con
el
todo,
del
que
nada
se
puede
añadir
ni
quitar
sin
romper
la
armonía.
Su
conocimiento
de
la
Antigüedad,
su
formación
intelectual,
el
hecho
de
que
ejerciera
como
arquitecto
también
en
la
práctica,
sus
contactos
con
los
más
avanzados
centros
culturales
italianos
y
europeos
(Roma,
Ferrara,
Francia,
Alemania),
y
su
capacidad
para
afrontar
problemas
de
tipo
teórico,
le
convirtieron
con
frecuencia
en
asesor
de
príncipes
y
Papas
mecenas.
Alberti
realizó
la
fachada
de
la
iglesia
de
Santa
María
Novella
(1456)
en
Florencia,
que
es
una
fachada
a
modo
de
5
En
"De
re
aedificatoria"
tomó
de
Vitrubio,
entre
otras
cuestiones,
la
idea
de
la
proporción
como
fuente
de
belleza
y
la
analogía
entre
la
figura
humana
y
la
arquitectura.

11. 11
11
telón,
de
una
iglesia
gótica
preexistente.
En
esta
fachada
Alberti
utiliza
como
material
mármoles
de
distinto
color,
que
era
una
tradición
constructiva
toscana.
En
el
empleo
de
un
frontón
clásico
es
otro
elemento
tomado
del
repertorio
ofrecido
por
la
Antigüedad,
repertorio
que
Alberti
reelaboró
siempre
con
gran
libertad.
La
relación
armónica
entre
el
ancho
cuerpo
inferior
y
el,
mucho
más
estrecho,
cuerpo
superior
de
esta
fachada,
la
resolvió
el
arquitecto
con
dos
“aletones”
o
volutas
motivo
de
gran
repercusión
en
la
arquitectura
religiosa
del
siglo
XVI
y
del
barroco
(iglesias
jesuíticas).
Hubo
en
Florencia
un
tipo
de
palacio
que,
aunque
tuvo
menos
imitadores
que
el
palacio
Pitti,
fue
el
que
reflejó
los
principios
de
la
nueva
arquitectura
con
mayor
rigor.
Se
trata
del
palacio
Rucellai,
(1450-­‐60)
cuya
fachada
se
suele
atribuir
a
Alberti:
En
esta
fachada
–donde
vuelva
a
aparecer
el
almohadillado-­‐
encontramos
tres
cuerpos
claramente
diferenciados
en
los
que
encontramos
los
tres
órdenes
clásicos.
La
inspiración
de
esta
superposición
de
órdenes
es
clara:
el
Coliseo
de
Roma.
La
fachada
se
remata
con
una
cornisa.
La
medida
base
es
el
cuadrado
y
la
alternancia
de
vano/muro/pilastra
marca
un
ritmo
perfectamente
armónico.
Las
proporciones
y
el
lenguaje
clásico
de
esta
fachada
otorgaron
al
edificio
una
gran
consideración
por
parte
de
los
contemporáneos.
6
Ejemplos
de
arquitectura
renacentista
en
Italia:
el
Cinquecento
y
el
Manierismo
El
siglo
XVI
es
el
siglo
del
Clasicismo
y
también
de
su
crisis:
el
Manierismo.
A
la
arquitectura
del
Cinquecento
–
sobre
todo
entre
los
años
1500-­‐1520-­‐
se
la
denomina
Clasicismo
o
Alto
Renacimiento.
Implica
llevar
el
ideal
renacentista
hasta
su
máximo
desarrollo
y
esplendor.
Esta
etapa
apenas
dura
las
dos
primeras
décadas
del
siglo
XVI.
Durante
el
Cinquecento
encontramos
una
arquitectura
de
una
monumentalidad
grandiosa,
muy
bien
proporcionada
e
inspirada
en
el
mundo
clásico.
Hay
primacía
de
las
líneas
arquitectónicas
en
detrimento
de
la
decoración
arquitectónica
y
utilizan
el
“orden
gigante”
en
los
soportes.
El
gran
centro
artístico
ya
no
fue
Florencia
sino
Roma
y
el
mayor
mecenas,
el
papado
(Julio
II).
También
las
cortes
de
las
monarquías
emergentes
promovieron
el
arte.
Se
da
una
gran
importancia
al
urbanismo
y
existe
una
preocupación
por
situar
el
edificio
en
el
marco
ambiental
adecuado.
Se
conocen
y
dominan
mejor
las
formas
grecorromanas.
Se
presta
gran
atención
a
las
cuestiones
técnicas;
en
esta
época
se
escriben
muchos
tratados.
Pocas
veces
ha
podido
contar
una
ciudad
con
una
reunión
de
talentos
geniales
como
la
que
Roma
logró
en
las
dos
primeras
décadas
del
quinientos
con
Bramante,
Miguel
Angel
y
Rafael,
la
más
alta
cima
del
Clasicismo,
y
a
la
vez
génesis
de
los
movimientos
manieristas
que
siguieron.
También
se
dio
en
la
Ciudad
Eterna
un
plantel
de
mecenas
y
promotores
que,
junto
con
los
pontífices,
cardenales
y
banqueros,
la
embellecieron
hasta
convertirla
en
el
enclave
monumental
más
prestigioso
de
Europa.
Entre
los
principales
arquitectos
del
Clasicismo
del
Cinquecento
encontramos
a
DONATO
BRAMANTE.
La
obra
que
marca
el
paso
al
Cinquecento
es
su
templete
de
San
Pietro
in
Montorio,
en
Roma,
realizado
por
encargo
de
los
Reyes
Católicos.
Se
trata
de
un
templete
conmemorativo
en
un
lugar
de
Roma
donde,
según
la
tradición,
el
apóstol
San
Pedro
había
sido
crucificado
y
decapitado.
Fechado
en
1502,
en
él
se
concretan
los
ideales
arquitectónicos
del
Renacimiento
pleno
o
Clasicismo,
por
ello
puede
tomarse
como
modelo.
La
admiración
que
6
Otra
obra
paradigmática
de
su
producción
fue
el
templo
de
San
Francesco
en
Rímini
(1450-­‐1466)
más
conocido
como
templo
malatestiano.
Fue
el
encargo
a
Alberti
de
uno
de
esos
príncipes
humanistas
que
definen
toda
la
época:
Segismundo
Malatesta.

12. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
12
suscitó
se
pone
de
manifiesto
en
el
hecho
de
que
el
pintor
Rafael
lo
representase
en
su
cuadro
Desposorios
de
la
Virgen.
Este
templete
es
de
planta
circular
y
se
alza
sobre
tres
escalones.
Sobre
ellos
descansa
una
fila
de
dieciséis
columnas
de
orden
toscano
y
un
friso
con
triglifos
y
metopas
decorados
con
motivos
ornamentales
alusivos
al
Papado
(tiara,
etc.).
Sobre
el
friso
encontramos
una
balaustrada.
Pero
lo
que
hemos
descrito
no
es
sino
el
hermoso
envoltorio
que
da
acceso
a
un
pequeño
edificio
circular
de
dos
pisos.
Aparecen
profundas
hornacinas
con
grandes
ventanales,
separados
entre
sí
por
pilastras.
Este
templete,
de
dos
pisos
o
cuerpos,
está
cubierto
con
una
cúpula.
La
cúpula,
nos
transporta
desde
el
mundo
terrenal
al
celeste.
La
huella
de
la
arquitectura
grecorromana
es
bien
evidente
en
esta
obra
(templos
de
Vesta,
el
Panteón
de
Agripa…).
Este
edificio
ha
sido
interpretado
filosóficamente
como
la
plasmación
plástica
de
las
teorías
neoplatónicas.7
El
Manierismo
sucede
a
la
etapa
del
Clasicismo.
En
torno
a
1520-­‐1530
se
abandona
paulatinamente
la
severidad,
la
claridad
y
el
equilibrio
del
clasicismo.
El
modelo
clásico
entra
en
crisis.
El
manierismo
adquiere
una
gran
difusión
en
cortes
europeas
como
en
la
del
emperador
Rodolfo
II
de
Praga,
en
la
de
Felipe
II
en
El
Escorial,
los
círculos
papales,
la
república
veneciana,
etc.
Hay
en
el
manierismo
una
fascinación
por
lo
caprichoso,
lo
exótico
y
sorprendente.
Es
una
tendencia
ecléctica
que
no
propugna
un
único
modelo
estético.
El
Manierismo
se
plasma
en
pintura,
escultura,
arquitectura
y
artes
decorativas.
Fue
una
tendencia
artística
un
tanto
críptica
(:
de
difícil
comprensión),
sólo
apta
para
iniciados.
8
El
primer
arquitecto
en
romper
el
lenguaje
clásico
será
MIGUEL
ÁNGEL.
Arquitecto,
escultor,
pintor
y
poeta,
él
será
quien
inicie
estas
nuevas
formas,
sometiendo
los
elementos
clásicos
a
una
interpretación
personal.
Miguel
Ángel
se
siente
ante
todo
escultor
y
trata
a
la
arquitectura
como
si
de
una
escultura
se
tratase;
utiliza
las
formas
7
La
belleza
es,
para
los
neoplatónicos,
el
esplendor
de
la
bondad
divina,
la
cual
se
va
desintegrando
en
su
camino
por
la
región
celestial
en
tantos
rayos
como
esferas
o
cielos
hay.
Los
artistas
que
abrazan
tal
concepción
del
mundo
van
a
crear
formas
próximas
a
esta
idea
de
belleza
unida
a
la
divinidad.
De
ahí
que
el
círculo
y
la
esfera
sean
consideradas
como
las
figuras
perfectas
y
estén
presentes
en
todas
aquellas
obras
que
aspiran
a
la
consecución
de
un
ideal
estético
cercano
a
lo
absolutamente
bello
y,
por
tanto,
a
lo
absolutamente
perfecto.
8
El
Manierismo
afecta
a
todas
las
artes.
Por
lo
que
se
refiere
a
la
arquitectura
se
utilizan
órdenes
gigantes,
se
produce
un
gran
desarrollo
del
entablamento,
los
frontones
aparecen
inacabados,
esculturas
en
cornisas...

13. 13
13
clásicas
con
plena
libertad.
Entre
las
obras
arquitectónicas
que
desarrolló
Miguel
Ángel
la
más
grandiosa
fue
la
cúpula
de
la
Basílica
de
San
Pedro
del
Vaticano.
La
basílica
de
San
Pedro
del
Vaticano
en
su
origen
fue
una
iglesia
paleocristiana
construida
para
conservar
el
cuerpo
del
apóstol
San
Pedro,
el
primer
Papa
de
la
historia.
Pero,
con
el
paso
de
tiempo
amenazaba
ruina.
Durante
el
Renacimiento
varios
arquitectos
presentaron
diversos
proyectos
para
reconstruir
la
iglesia:
en
primer
lugar,
Bramante,
que
planteó
una
iglesia
de
planta
de
cruz
griega
inscrita
en
un
cuadrado
y
cubierta
por
cinco
cúpulas.
Pero
su
muerte
interrumpió
este
proyecto.
Intervinieron
después
Rafael
–que
prefería
una
planta
de
cruz
latina-­‐;
Sangallo;
y
Miguel
Ángel.
Miguel
Ángel
retomó
la
idea
de
Bramante
de
planta
de
cruz
griega
y
diseñó
la
gran
cúpula
concebida
sobre
el
altar
mayor
y
la
tumba
del
Apóstol
San
Pedro.
La
cúpula,
con
4metros
de
diámetro
y
sobre
un
espectacular
tambor,
se
eleva
por
encima
de
las
colinas
de
la
urbe,
quedando
como
punto
de
referencia
para
toda
la
cristiandad.
Presenta
ventanales
cuadrados
en
forma
de
pórtico
greco-­‐romano
(igual
que
los
del
Partenón)
alternándolos
con
ventanales
cuadrados
también
pero
con
dintel
de
media
circunferencia.
Parejas
de
columnas
gemelas
recorren
el
tambor.
Sobre
el
tambor
se
eleva
un
“segundo
tambor”
con
decoración
de
guirnaldas
y
sobre
éste
la
cúpula
en
sí,
apuntada,
y
de
nervios
destacados.
Sobre
la
cúpula
se
eleva
una
linterna
abierta
a
la
luz,
también
entre
pares
de
columnas.
Todo
ello
dentro
ya
de
un
lenguaje
plenamente
manierista.
Esta
cúpula,
inspirada
en
la
realizada
por
Brunelleschi
para
la
catedral
de
Santa
María
de
las
Flores
de
Florencia,
se
terminó
de
construir
varios
años
después
de
la
muerte
de
Miguel
Angel.9
La
configuración
actual
de
la
basílica
es
posterior
a
Miguel
Ángel.
Fue
Carlo
Maderno
durante
el
Barroco
quien
realizaría
la
fachada,
la
planta
de
cruz
latina
etc.
Y
Bernini,
también
en
el
Barroco,
llevó
a
cabo
la
columnata
y
la
bellísima
plaza
de
San
Pedro.
3.
LA
ESCULTURA
ITALIANA
DEL
RENACIMIENTO
La
escultura
renacentista
surge,
como
la
pintura
y
la
escultura
en
Italia,
en
concreto
en
Florencia.
Allí
encontraremos
a
los
más
importantes
escultores
y
teóricos
de
la
escultura.
Y
también
en
Roma.
La
imitación
de
las
formas
clásicas
comienza
en
la
escultura
antes
que
en
las
otras
artes.
Podemos
distinguir
varias
etapas:
• Quattrocento:
formación,
corresponde
en
Italia
al
siglo
XV,
aunque
ya
fue
iniciado
en
XIV.
En
España
y
otros
países
europeos
se
reduce
a
los
primeros
años
del
siglo
XVI.
• Cinquecento:
en
esta
etapa
encontramos
dos
tendencias:
la
madurez
del
Renacimiento,
es
el
Renacimiento
pleno
(Clasicismo).
Y
el
Manierismo
(crisis
del
modelo
clásico).
9
Los
arquitectos
que
terminaron
la
cúpula
diseñada
por
Miguel
Angel
fueron
Doménico
Fontana
y
Giacomo
della
Porta.
Giacomo
della
Porta
otorgó
a
la
cúpula
un
perfil
más
agudo
que
el
planteado
inicialmente
por
Miguel
Angel.

14. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
14
La
escultura
renacentista
en
Italia
se
basa
fundamentalmente
en:
• El
estudio
e
imitación
de
la
naturaleza,
embelleciéndola
si
es
necesario.
Son
obras
idealizadas,
armoniosas,
proporcionadas…
• La
influencia
de
la
escultura
del
mundo
clásico
(Grecia
y
Roma):
en
temática,
materiales,
ideal
de
belleza.
• No
es
una
mera
copia
del
mundo
clásico.
La
escultura
medieval
solía
tener
una
función
de
adoctrinar
(docente-­‐catequética),
era
muy
importante
la
temática,
y
a
veces
interesaba
más
el
fondo
que
la
forma.
Por
el
contrario
los
artistas
del
Renacimiento
se
buscan
la
perfección
y
la
belleza
y
conceden
menos
importancia
al
mensaje
religioso,
aunque
pueda
tenerlo.
Las
esculturas
renacentistas
tienen
un
principio
y
un
fin
en
si
mismo,
es
el
arte
por
el
arte,
la
búsqueda
del
placer
estético.

15. 15
15
La
temática
de
la
escultura
renacentista
en
Italia
oscila
entre
temas
religiosos
y
profanos.
Los
temas
religiosos
representan
a
santos,
figuras
sagradas
del
Antiguo
y
el
Nuevo
Testamento,
etc.
El
género
religioso
fue
siempre
cultivado
con
preferencia.
Por
lo
que
se
refiere
a
los
temas
profanos,
la
escultura
profana
en
ocasiones
está
hecha
para
mayor
gloria
del
retratado.
Estatuas
ecuestres
y
retratos
de
figuras
poderosas
de
la
ciudad
pueblan
las
calles
y
plazas
de
las
ciudades.
El
retrato
es
el
gran
descubrimiento
de
esta
época.
Encontramos
frecuentemente
temática
de
carácter
mitológico.
También
los
escultores
realizan
monumentos
funerarios.
Es
la
hora,
asimismo,
de
la
ornamentación
de
los
jardines
que
reclaman,
para
sus
glorietas
y
grutas
caprichosas,
fuentes
y
esculturas
alegóricas,
a
veces
volcadas
hacia
la
extravagancia
y
la
irracionalidad,
pero
ordenadas
en
pautas
urbanísticas
asomadas
a
la
naturaleza,
el
verdor
de
la
fronda
y
la
cantarina
sonoridad
del
agua.
Las
fuentes
monumentales
también
contribuirán,
en
competencia
con
las
estatuas
y
retratos
históricos,
al
ornato
de
calles
y
plazas
del
trazado
urbano.

16. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
16
Surge
en
esta
etapa
una
gran
afición
por
el
estudio
científico
y
anatómico
del
cuerpo
humano,
del
desnudo.
El
desnudo
había
estado
muy
vetado
por
la
Iglesia
durante
la
etapa
medieval
siendo
poco
frecuente
en
el
arte.
El
gusto
por
el
desnudo
tanto
en
relieve
como
en
bulto
redondo
es
muy
frecuente
en
la
escultura
renacentista,
como
lo
fue
también
en
la
escultura
grecorromana.
Encontramos
ejemplos
tanto
en
obras
de
bulto
redondo
o
exentas
como
en
relieve,
ya
sea
altorrelieve,
o
bajo
relieve.
Por
lo
que
se
refiere
a
los
materiales,
son
diversos.
La
escultura
del
Renacimiento
se
sirvió
de
toda
clase
de
materiales
principalmente
del
mármol,
bronce
y
madera.
La
técnica
de
la
fundición
del
bronce
alcanza
una
extraordinaria
perfección
igual
que
la
habrá
del
mármol
o
de
la
piedra.
Muchos
escultores
proceden
del
ámbito
de
la
orfebrería,
de
ahí
el
uso
del
bronce.
Se
usa
también
la
madera
policromada.
En
Florencia
se
generalizó
el
barro
cocido
–la
terracota-­‐
que
se
solía
colorear
y
vidriar.
• Las
estatuas
y
relieves
de
madera
en
esta
época
suelen
decorarse
con
pinturas
siendo
preferida
en
el
siglo
XVI
(sin
abandonarla
del
todo
en
los
siguientes)
la
decoración
llamada
estofado.
• Las
esculturas
en
mármol
se
dejan
con
el
natural
color
de
la
piedra
por
haber
creído
los
artistas
que
en
la
escultura
clásica
no
se
les
aplicaba
ninguna
pintura.

17. 17
17
Los
escultores
salen
del
anonimato.
Las
esculturas
del
renacimiento
no
suelen
ser
anónimas.
Los
artistas
suelen
realizar
las
obras
por
encargo.
Influyen
en
los
artistas
porque
los
coleccionistas
atesoran
las
obras
de
arte
que
son
fuentes
de
inspiración
para
los
escultores.
Ej.
los
Medici
en
Florencia
En
el
Renacimiento
se
vive
una
época
dorada
de
la
escultura.
En
los
primeros
artistas
del
Quattrocento
puede
advertirse
una
esbeltez
de
proporciones
y
una
elegancia
lineal
y
curvilínea
que
viene
del
gótico
internacional,
junto
a
un
gusto
por
lo
realista
y
anecdótico
de
la
misma
procedencia.
Los
grandes
escultores
del
Quattrocento
fueron:
Ghiberti,
Donatello,
Jacopo
della
Quercia,
Verrocchio,
Lucca
della
Robbia
y
un
largo
etcétera.
La
escultura
del
Cinquecento
se
caracteriza
por
el
gusto
por
lo
monumental,
el
relieve
plano
casi
desaparece
y
se
prefiere
el
bulto
redondo
y
el
tamaño
superior
al
natural.
Recordemos
que
en
1506
se
produjo
el
descubrimiento
de
la
escultura
helenística
del
Laocoonte
que
tanto
influiría
en
la
época,
sobre
todo
en
Miguel
Ángel.
En
el
Cinquecento,
el
centro
artístico
fue
Roma
y
los
grandes
escultores
de
esa
etapa
se
vieron
eclipsados
por
el
gran
genio
de
Miguel
Angel.
El
Manierismo,
por
su
parte,
es
una
vuelta
de
tuerca
más
al
Renacimiento.
Implica
la
crisis
del
arte
clásico,
de
su
armonía
y
perfección
y
manifiesta
una
tendencia
hacia
la
búsqueda
de
dinamismo,
la
expresividad,
la
inquietud,…
Entre
los
escultores
manieristas,
el
más
destacado
es
Miguel
Angel,
exceptuando
sus
inicios,
que
podemos
encuadrar
dentro
del
Alto
Renacimiento
o
Renacimiento
pleno
(clasicismo).
Fueron
también
grandes
escultores
manieristas
Bacio
Bandinelli
o
Giambologna
y
especialmente
Benvenuto
Cellini.
Cellini
fue,
además,
un
gran
orfebre.
En
el
Quattrocento
destaca
el
escultor
Donato
di
Niccolo
di
Betto
Bardi,
más
conocido
como
DONATELLO
(1386-­‐
1466).
Fue
el
típico
humanista
del
renacimiento,
muy
polifacético
y
apasionado,
no
sólo
de
la
escultura,
sino
también
de
la
pintura,
la
arquitectura,
la
orfebrería,
etc.
Podemos
considerarlo
como
el
gran
creador
del
Renacimiento
en
escultura,
el
más
importante
hasta
la
llegada
de
Miguel
Ángel.
En
su
juventud
estudió
en
Roma.
Su
obra
se
caracteriza
por
la
búsqueda
de
equilibrio
clásico
y
la
belleza,
una
belleza
frecuentemente
idealizada
aunque
en
ocasiones
tiende
hacia
valores
dramáticos.
Trabajó
para
diversos
mecenas
y
ciudades,
dominando
todos
los
géneros,
materiales
y
técnicas.
La
gran
expresividad
que
confiere
a
sus
obras
es
uno
de
sus
rasgos
más
característicos.
Su
gran
preocupación
temática
en
la
escultura
es
el
hombre
y
su
tratamiento
en
distintas
épocas:
niñez,
juventud,
madurez.
Crea
la
tipología
del
retrato
renacentista
e
introduce
también
la
escultura
ecuestre,
a
partir
de
él
este
tipo
de
escultura
tendrá
una
gran
repercusión
en
el
Renacimiento
y
en
el
Barroco.
Los
materiales
que
utiliza
son
preferentemente
el
mármol
y
el
bronce.
Hizo
esculturas
en
relieves
y
de
bulto
redondo.
Obras
más
destacadas
de
Donatello
LA
CANTORÍA
DE
LA
CATEDRAL
DE
FLORENCIA:
es
un
canto
a
la
alegría
infantil.
Las
figuras
están
concebidas
en
alto
relieve
y
aparecen
enmarcadas
entre
columnas.
Esta
obra
es
una
excusa
para
el
estudio
anatómico,
los
plegados,
el
movimiento…
Los
paños
transparentes
permiten
analizar
el
cuerpo
humano.

18. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
18
SAN
JORGE:
es
el
prototipo
de
caballero
cristiano.
Aparece
muy
bien
vestido
y
su
coraza
le
sirve
de
apoyo.
DAVID:
sobre
esta
figura
bíblica
realizó
cuatro
esculturas
muy
diferentes.
En
esta
imagen,
David
aparece
vestido
como
pastor,
con
un
sombrero.
Es
una
obra
de
un
gran
naturalismo
idealizado,
muy
deudor
del
clasicismo
griego.
Presenta
un
ligero
contraposto
que
nos
recuerda
a
Praxiteles
en
la
curva
y
contracurva.
Es
el
primer
ejemplo
de
escultura
desnuda
a
tamaño
real
desde
la
Antigüedad.
Reposo
y
dinamismo
a
partes
iguales.
Hay
que
destacar
el
gesto
complaciente
que
presenta
por
haber
vencido
a
Goliat.
David
simboliza
la
victoria
de
la
inteligencia
sobre
la
fuerza
bruta.
MAGDALENA
PENITENTE:
es
una
obra
realizada
en
madera
policromada,
en
la
que
se
ha
perdido
el
idealismo
de
otras
de
sus
obras.
Muestra
la
vejez
de
una
forma
feísta.
BUSTO
DE
NICOLLÒ
DA
UZZANO:
Donatello
creó
la
tipología
del
retrato
de
busto
renacentista
como
se
muestra
en
este
ejemplo.
Muchas
familias
le
encargan
este
tipo
de
obras.
El
CONDOTTIERO
GATTAMELATTA
(en
Padua):
es
uno
de
los
retratos
ecuestres
más
célebres
del
Renacimiento,
realizado
en
bronce.
Es
una
escultura
de
gran
serenidad.
El
caballo
apoya
una
pata
en
una
bola
para
no
perder
el
equilibrio.
En
las
crines,
los
ojos,
la
boca,
se
observa
un
gran
detallismo
y
naturalismo.
El
caballero
muestra
una
actitud
altiva,
mirando
al
frente
en
actitud
de
vencer.
Su
fuente
de
inspiración
fue
la
estatua
del
emperador
romano
Marco
Aurelio.
Esta
obra
está
considerada
como
la
primera
estatua
en
honor
a
un
guerrero
de
todo
el
mundo
moderno.
4.
LA
PINTURA
ITALIANA
DEL
RENACIMIENTO
La
pintura
renacentista
italiana
es
uno
de
los
capítulos
más
apasionantes
de
la
Historia
del
Arte
de
todos
los
tiempos.
Es
impresionante
el
elenco
de
grandes
pintores,
tanto
del
Quattrocento
como
del
Cinquecento
que
encontramos
en
Italia.

19. 19
19
En
Italia,
y
más
concretamente
en
Florencia,
se
experimentó
una
auténtica
revolución
pictórica
en
todos
los
niveles,
aunque
no
debemos
olvidar
las
aportaciones
técnicas
que
plantearon
los
artistas
flamencos
por
la
misma
época:
la
técnica
del
óleo.
Los
principios
estéticos
de
la
nueva
pintura
fueron
codificados
por
el
humanista
florentino
León
Battista
Alberti
en
su
tratado
artístico
“De
pictura”
(siglo
XV).
La
pintura
renacentista
supone
una
vuelta
a
la
cultura
clásica,
a
la
búsqueda
de
la
belleza
basada
en
la
medida,
el
número
y
la
proporción.
Son
pinturas
que
se
realizan
por
encargos
(de
mecenas
políticos
o
religiosos).
Se
realizan
contratos
donde
vienen
especificadas
hasta
el
mínimo
detalle
las
condiciones
(el
número
de
figuras,
los
materiales…).
Había
pintores
que
estaban
al
servicio
de
un
mecenas
que
les
daba
un
sueldo
mensual.
Es
una
pintura
naturalista,
es
decir,
preocupada
por
la
representación
de
la
realidad
de
la
Naturaleza.
Ello
no
es
óbice
para
que
se
tienda
a
representaciones
de
belleza
idealizada.
La
idea
de
mímesis
del
mundo
grecorromano
se
hace
presente.

20. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
20
Los
pintores
renacentistas
desarrollaron
la
perspectiva
que
podemos
considerarla
como
el
procedimiento
para
representar
gráficamente
objetos
en
tres
dimensiones.10
La
pintura
se
configura
como
una
“nueva
ciencia”:
tiene
su
fundamento
en
la
observación
de
la
naturaleza
y
la
perspectiva
matemática.11
La
perspectiva
lineal
o
geométrica
se
utiliza
para
crear
espacios
tridimensionales,
las
líneas
convergen
en
un
punto
de
fuga.
Da
lugar
a
espacios
construidos
de
una
forma
racional
propia
de
la
nueva
mentalidad
renacentista.
La
temática
de
la
pintura
del
Renacimiento
en
Italia
es
predominantemente
religiosa
pero
se
cultivan
también
temas
mitológicos
o
profanos.
El
retrato
tiene
un
gran
auge,
muchas
veces
de
perfil.
Los
retratos
–majestuosos
y
llenos
de
serenidad-­‐
dejan
de
ser
descriptivos
para
ser
psicológicos,
incluso
dramáticos
(ej.:
en
Rafael
y
en
Tiziano),
se
cuida
mucho
la
expresión,
la
posición
de
las
manos,
la
riqueza
de
los
vestidos,
los
gestos…Los
estudios
anatómicos
son
muy
frecuentes.
También
abundan
las
pinturas
mitológicas
y
las
alegorías:
ideas
abstractas
representadas
como
imágenes.
Por
ejemplo
la
representación
de
los
sentidos,
del
vicio
versus
la
virtud,
etc.
El
paisaje
llega
a
convertirse
en
género
independiente
conforme
va
avanzando
el
siglo
XV.
La
pintura
se
realiza
sobre
muros,
tablas
y
lienzos,
siendo
las
técnicas
más
comunes
el
fresco12
,
el
temple13
y
el
óleo.
La
principal
innovación
técnica
es,
desde
1475,
la
técnica
del
óleo14
.
10
La
perspectiva
aérea,
por
su
parte,
perfecciona
la
anterior,
representando
a
la
atmósfera
que
envuelve
los
objetos
del
cuadro,
esfumando
las
líneas
convergentes,
eliminando
los
límites
entre
el
dibujo,
la
forma
y
el
color.
11
Ya
decía
Leonardo
que
pintar
era
“cosa
mentale”.
12
Fresco:
colores
disueltos
en
agua.
Se
realiza
siempre
sobre
muros
que
se
preparan
previamente
con
yeso
fino.
13
Temple:
técnica
pictórica
que
consiste
en
diluir
los
colores
en
agua
templada
engrosada
con
aglutinantes
como
leche,
huevo,
goma
arábiga.
Se
realiza
sobre
tabla
o
lienzo.

21. 21
21
La
luz
adquiere
gran
importancia.
Es
uniforme
y
a
veces
sirve
para
modelar
y
para
crear
espacios.
Por
lo
que
se
refiere
a
la
composición,
las
figuras
se
reparten
ordenadamente
y
con
un
plan
preconcebido
destacando
sobre
un
fondo
paisajístico
o
arquitectónico.
Son
composiciones
armoniosas
y
cerradas,
en
ocasiones
con
formas
geométricas
como
triángulos.
Como
en
el
resto
de
las
artes,
se
buscan
las
proporciones
perfectas,
las
proporciones
áureas.15
Cronológicamente,
podemos
distinguir
varias
etapas
en
la
pintura
italiana
del
Renacimiento:
1.
El
Quattrocento
corresponde
al
siglo
XV.
Es
la
etapa
de
iniciación.
Se
desarrolla
sobre
todo
en
Florencia.
Son
sus
principales
representantes,
entre
muchos
otros,
Masaccio,
Sandro
Botticelli,
Paolo
Ucello,
Doménico
Ghirlandaio,
Andrea
Mantenga,
Piero
della
Francesca
etc.
2.
En
el
Cinquecento,
que
es
el
siglo
XVI,
encontramos
dos
tendencias
artísticas:
la
Clasicista
(Alto
Renacimiento
o
Renacimiento
pleno)
y
por
otro
lado,
contraponiéndose
a
la
anterior,
la
tendencia
Manierista.
Los
principales
pintores
del
Cinquecento
son:
Leonardo,
Rafael,
Miguel
Ángel,
Giorgione
y
Tiziano.
El
Clasicismo
es
la
etapa
de
madurez.
Supuso
llevar
a
sus
máximas
consecuencias
los
logros
artísticos
del
Quattrocento.
Las
obras
de
Leonardo
da
Vinci,
y
parte
de
la
producción
de
Rafael
de
Sanzio
y
Miguel
Angel
Buonarroti
ejemplifican
lo
mejor
del
Clasicismo.
Con
el
Clasicismo
se
avanza
en
el
estudio
de
la
luz,
de
las
proporciones
–siempre
en
base
a
la
medida
humana-­‐
y
se
acentúa
la
representación
de
la
belleza
idealizada.
El
centro
artístico
del
Clasicismo
se
encuentra
en
Roma.
Pero
el
siglo
XVI
es
la
época
también
del
Manierismo,
es
decir,
de
la
crisis
del
modelo
clásico
y
de
la
sociedad
de
la
época16
.
Es
un
arte
intelectual,
refinado
y
cortesano,
por
eso
no
tuvo
expansión
en
las
clases
populares
y
quedó
reducido
a
ciertas
élites.
Las
figuras
se
deforman,
pierden
las
proporciones,
armonía
e
ideal
de
belleza
clásico.
Triunfan
las
líneas
14
Óleo:
esta
técnica
utilizada
a
partir
del
siglo
XV
consiste
en
diluir
los
colores
en
aceites
(linaza)
secantes
y
aplicarlos
sobre
tabla
o
lienzo
previamente
preparados.
Es
la
técnica
maestra,
da
más
riqueza
en
el
colorido.
15
La
sección
áurea
se
representada
con
la
letra
griega
PHI
o
FI
Φ
=
1,61803…
La
sección
áurea
es
la
división
armónica
de
una
segmento
en
media
y
extrema
razón.
Es
decir,
que
el
segmento
menor
es
al
segmento
mayor,
como
este
es
a
la
totalidad.
De
esta
manera
se
establece
una
relación
de
tamaños
con
la
misma
proporcionalidad
entre
el
todo
dividido
en
mayor
y
menor.
16
El
saco
de
Roma
realizado
por
las
tropas
de
Carlos
V;
el
surgimiento
de
la
Reforma
protestante;
las
luchas
de
Francia
y
España
por
dominar
Italia,
etc.

22. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
22
“serpentinatas”
(:
en
forma
helicoidal).
El
manierismo
de
hace
presente
en
los
pintores
italianos
del
Cinquecento
como
Miguel
Angel,
el
Parmigianino,
Arcimboldo,
etc.
y
en
el
caso
español,
en
el
Greco,
entre
otros.
Ejemplos
relevantes
de
la
pintura
del
Quattrocento
italiano
*MASACCIO
(1401-­‐1428)
Masaccio
revolucionará
la
pintura
aportando
soluciones
nuevas.
Su
importancia
es
semejante
a
la
de
Brunelleschi
en
arquitectura
y
a
la
de
Donatello
en
escultura.
Murió
en
plena
juventud,
con
tan
sólo
veintisiete
años,
pero
lo
que
hizo
en
su
corta
vida
fue
suficiente
para
constituirse
en
el
verdadero
pilar
del
nuevo
estilo
pictórico,
borrando
de
la
pintura
florentina
todo
resto
del
pasado.
Masaccio
mostró
en
sus
obras
el
gusto
naturalista
para
los
fondos,
paisajes
o
arquitectura,
dotó
a
las
figuras
de
peso,
volumen
y
monumentalidad
–son
figuras
que
se
pueden
rodear-­‐
y
construyó
racionalmente
el
espacio
mediante
la
aplicación
de
la
perspectiva.
El
estilo
de
Masaccio
está
inspirado
en
la
escultura
de
Donatello.
Concede
gran
importancia
a
la
expresión
y
gestos
de
sus
personajes
y
al
empleo
de
la
luz.
Va
a
influir
en
artistas
como
Botticelli,
Fra
Filippo
Lippi
o
Miguel
Ángel.
Sus
obras
clave
fueron
las
pinturas
al
fresco
que
realizó
para
la
capilla
Brancacci
de
la
iglesia
del
Carmine
de
Florencia:
Adán
y
Eva,
El
tributo
de
la
moneda,
etc.
El
tributo
de
la
moneda
muestra
una
temática
religiosa.
Narra
la
llegada
de
Jesús
con
sus
apóstoles
a
Cafarnaúm,
recogida
en
el
Evangelio
según
San
Mateo,
en
tres
episodios
dentro
de
la
misma
composición:
en
el
centro
contemplamos
al
recaudador
solicitando
el
tributo
a
Cristo
y
éste
indicando
a
Pedro
que
en
el
agua
encontrará
el
dinero;
en
el
fondo,
a
la
izquierda,
observamos
a
san
Pedro
sacando
una
moneda
de
la
boca
de
un
pez;
y
en
la
derecha
el
pago
del
tributo
ante
una
construcción.

23. 23
23
El
tributo
de
la
moneda,
Masaccio
Las
figuras
del
grupo
principal
se
sitúan
en
un
paisaje,
formando
casi
un
círculo
y
vestidas
a
la
manera
griega.
Su
monumentalismo
-­‐basado
en
proporciones
áureas-­‐
está
inspirado
en
las
estatuas
clásicas
y
en
las
obras
de
Donatello
por
las
que
Masaccio
sentía
especial
admiración.
Conviene
destacar
la
expresividad
de
los
rostros,
que
aportan
una
tremenda
sensación
de
realismo,
reforzada
por
los
gestos.
Al
ubicar
al
recaudador
de
espaldas,
el
maestro
intenta
involucrarnos
en
la
escena
y
hacernos
partícipes
del
episodio.
La
luz
inunda
la
composición,
resaltando
los
colores
empleados
-­‐que
también
sirven
para
dar
efecto
de
perspectiva
a
la
obra
colocando
los
más
cálidos
en
primer
plano
y
los
más
fríos
al
fondo-­‐
y
el
efecto
volumétrico
de
los
personajes,
interesándose
Masaccio
por
la
anatomía,
como
se
observa
en
las
piernas
del
recaudador
mientras
que
los
apóstoles
ocultan
sus
cuerpos
bajo
pesadas
túnicas.
Incluso
se
puede
afirmar
que
existe
una
cierta
sensación
atmosférica,
desdibujando
los
contornos
de
la
zona
final.
La
arquitectura
de
la
derecha
es
aún
algo
arcaica
pero
sirve
para
obtener
perspectiva.
Esta
obra
será
un
referente
para
muchos
pintores
renacentistas
(Ucello,
Piero
della
Francesca,
etc.)
Es
una
pintura
donde
se
hace
presente
el
anacronismo:
sitúa
la
escena
en
una
arquitectura
renacentista,
siendo
la
vestimenta
típica
de
esa
época.
En
la
Trinidad
que
realizó
para
la
iglesia
de
Sta.
María
Novella
de
Florencia,
se
aprecia
el
esfuerzo
realizado
para
lograr
una
perfecta
composición
en
perspectiva,
muy
cerca
del
espíritu
de
Brunelleschi.
*SANDRO
BOTTICELLI
(1445-­‐1510)
Pertenece
a
la
última
generación
de
pintores
del
Quattrocento.
Lorenzo
el
Magnífico,
un
miembro
preeminente
de
la
poderosa
familia
Medici,
fue
uno
de
sus
principales
mecenas.
Botticelli
participó
activamente
en
el
círculo
de
humanistas
de
la
corte
de
esta
figura
esencial
del
mecenazgo
y
coleccionismo
renacentista.
Botticelli
confiere
más
importancia
al
dibujo
que
al
color.
Usa
y
abusa
de
las
formas
sinuosas
y
fluidas,
un
tanto
planas.
Realiza
figuras
elegantes,
refinadas,
casi
etéreas,
con
rostros
ovalados
y
tendencia
hacia
la
melancolía.
Exalta
a
la
mujer
en
sus
obras.
El
paisaje
es
para
él,
algo
secundario
y
da
mucha
importancia
a
la
expresividad.
Realizó
temas
religiosos
y
profanos.
Desde
un
punto
de
vista
formal,
el
pensamiento
neoplatónico,
de
naturaleza
mística,
está
en
la
base
de
la
pintura
de
Botticelli.
El
neoplatonismo
fue
lo
opuesto
a
las
tendencias
naturalistas
en
auge
en
esta
época.
Al
final
de
su
vida,
su
estilo
resultaba
algo
arcaico
y
murió
casi
completamente
olvidado,
teniendo
que
pasar
cerca
de
cuatro
siglos
para
que,
durante
la
segunda
mitad
del
siglo
XIX
fuera
reivindicado
y
se
situara
en
el
nivel
de
gran
popularidad
que
hoy
alcanza.

24. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
24
El
nacimiento
de
Venus
y
la
Primavera,
dos
de
sus
principales
obras,
han
sido
interpretadas
en
clave
neoplatónica.
El
nacimiento
de
Venus
es
una
obra
de
su
primera
etapa.
El
tema
deriva
de
la
literatura
homérica
y
latina
especialmente
de
la
Metamorfosis
de
Oviedo.
Muestra
un
tema
mitológico
en
un
paisaje
primaveral
y
bucólico,
lleno
de
referencias
clásicas.
Esta
obra
sería
el
nacimiento
de
la
Venus
celeste,
engendrada
por
la
naturaleza
y
por
la
unión
del
espíritu
con
la
materia.
Pero
este
nacimiento
de
Venus
puede
ser
también,
según
Argan,
el
del
alma
cristiana
surgiendo
del
agua
del
bautismo,
produciéndose
así
una
concordatio17
entre
pensamiento
antiguo
y
religión
cristiana.
Prescinde
Botticelli
de
la
perspectiva,
estiliza
las
figuras,
trata
a
la
naturaleza
como
decoración
buscando
ante
todo
la
belleza:
en
La
Primavera
hace
casi
un
inventario
botánico
de
especies
de
flores.
La
Venus
tienen
un
aire
ausente
y
nostálgico
que
nos
habla
de
la
belleza
de
la
perdida
Edad
de
Oro,
rememorada
con
nostalgia
por
los
neoplatónicos.
17
Concordatio:
procede
del
italiano,
significa
“concordancia”.

25. 25
25
Fuente
de
los
gráficos:
Jesús
Vicente
Patiño
La
Primavera:
ha
sido
objeto
de
muchas
interpretaciones.
Aparece
Mercurio
lanzando
su
vaina
al
cielo,
ahuyentando
a
la
lluvia;
la
diosa
Venus
con
Cupido,
dios
del
Amor,
y
la
Primavera
cubierta
de
flores.
La
diosa
Flora
es
perseguida
por
Céfiro
(es
un
viento,
mensajero
de
la
primavera).
El
significado
de
esta
obra
ha
sido
interpretado
en
que
en
el
amor
lo
que
llega
a
la
tierra
como
pasión
(Céfiro),
regresa
al
cielo
como
contemplación
(Mercurio).
Utiliza
la
técnica
de
las
veladuras.18
Fue
un
encargo
para
los
Médici
y
representa
este
estilo
de
pintura
decorativa
clásica
y
de
tema
mitológico.
18
La
técnica
de
veladuras
consiste
en
ir
aplicando
una
capa
de
pintura
sobre
otra
de
manera
muy
fina,
semitraslúcida
de
forma
que
se
aprecie
parte
del
fondo
anterior
y
gane
tonalidades
diferentes
con
las
nuevas
capas.

26. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
26
Ejemplos
relevantes
de
la
pintura
del
Cinquecento
italiano:
Clasicismo
y
Manierismo
*LEONARDO
DA
VINCI
(1452-­‐1519)
Leonardo
da
Vinci
es
un
ejemplo
universal
de
síntesis
entre
la
personalidad
del
artista
y
del
científico.
Era
el
prototipo
del
humanista
del
Renacimiento:
pintor,
dibujante
excepcional,
estudioso
de
la
anatomía
humana,
diseñador
de
máquinas
para
volar….
Fue
principalmente
un
teórico,
no
nos
ha
dejado
demasiadas
pinturas
aunque
realizó
muchos
dibujos.
Nació
en
un
pueblecito
de
la
Toscana
llamado
Vinci.
Su
personalidad
fue
un
tanto
críptica
y
misteriosa.
Durante
gran
parte
de
su
vida
pasó
apuros
económicos.
Tuvo
una
vida
artística
errante
(Florencia,
Milán,
Roma…),
y
empezó
sus
estudios
artísticos
en
el
taller
de
Verrocchio.
Fue
reclamado
por
diferentes
mecenas
entre
ellos
Ludovico
Sforza
(Ludovico
el
Moro),
César
Borgia,
o
el
rey
francés
Francisco
I.
Por
su
influencia
artística,
doctrinal
y
práctica,
es
uno
de
los
grandes
talentos
del
Cinquecento,
aunque
generacionalmente
pertenezca
al
Quattrocento.
Podemos
decir
se
convirtió
en
una
especie
de
híbrido
entre
dos
épocas.
Una
parte
muy
importante
de
su
obra
es
inacabada
o
se
perdió
por
su
precaria
conservación.
Leonardo
propondrá
un
nuevo
sistema
de
perspectiva,
la
perspectiva
aérea:
consiste
en
representar
la
atmósfera
que
envuelve
los
objetos,
esfumando
las
líneas
(el
sfumato
de
Leonardo
es
difuminar
los
contornos),
eliminando
los
límites
de
forma
y
color,
dando
una
impresión
muy
real
de
la
distancia.
Es
una
pintura
de
aire
misterioso,
aparentemente
inacabada.
Entre
otras
aportaciones
de
Leonardo
destaca
su
uso
extraordinario
del
claroscuro
y
una
fantástica
representación
de
la
naturaleza.
Sus
dibujos
son
de
una
calidad
excepcional
y
en
gran
parte
se
conservan
en
el
Castillo
de
Windsor
en
Inglaterra.
Por
lo
que
se
refiere
a
sus
pinturas
destacamos:
la
dama
del
armiño,
la
Virgen
de
las
Rocas,
La
última
cena
y
la
Gioconda.

27. 27
27
La
Virgen
de
las
rocas
muestra
una
ambientación
muy
innovadora:
un
paisaje
irreal
y
ensoñador,
muy
misterioso,
una
especie
de
telón
de
fondo.
Los
contornos
no
están
claramente
definidos:
es
el
célebre
esfumato
leonardesco.
El
esfumato
propicia
dar
volumen
a
las
figuras
y
suaviza
los
contornos.
La
perspectiva
aérea
está
perfectamente
conseguida.
La
composición
es
triangular,
muy
cerrada,
todas
las
figuras
están
conectadas
entre
sí,
siendo
la
Virgen
el
ángulo
superior.
La
zona
del
triángulo
recibe
la
iluminación
principal.
Las
figuras
están
en
reposo
pero
ciertos
gestos
de
las
manos
otorgan
dinamismo
a
la
obra.
La
última
cena
se
conserva
en
Milán,
en
el
Refectorio
del
Convento
de
Santa
María
de
las
Gracias.
Es
un
mural,
arruinado
ya
en
vida
del
propio
autor
por
atrevidas
ocurrencias
experimentales
y
objeto
de
infames
repintes
y
restauraciones.
Fue
un
encargo
de
la
familia
de
los
Sforza,
sus
mecenas
de
Milán.
El
tema
que
representa
es
de
carácter
religioso:
la
última
cena
de
Jesús.
Representa
el
momento
en
el
que
Jesús
anuncia
que
uno
de
sus
discípulos
le
va
a
traicionar.
La
disposición
de
las
figuras
responde
a
un
esquema
nuevo:
no
hay
rigidez,
busca
el
dinamismo,
y
distribuye
las
figuras
en
cuatro
grupos
de
tres
personas.
Son
composiciones
triangulares.
Las
figuras
se
conectan
a
base
de
gestos
y
miradas.
La
escena
se
desarrolla
en
una
sala
rectangular.
La
habitación
se
nos
muestra
en
profundidad,
en
perspectiva,
con
una
serie
de
líneas
de
fuga
hacia
el
centro.
Las
líneas
de
fuga
confluyen
en
la
figura
de
Cristo,
el
cual
está
en
el
centro
de
la
mesa.
Al
fondo,
las
tres
ventanas
dejan
ver
un
paisaje
que
aumenta
el
espacio.
–la
composición
es
triangular-­‐
y
le
otorga
sensación
de
reposo.
Cada
rostro
es
perfectamente
distinto
a
los
demás
reflejando
la
psicología
de
cada
personaje.
La
Gioconda
es
el
retrato
de
una
mujer
real:
Mona
Lisa,
tercera
esposa
de
Giocondo
de
Florencia.
Se
conserva
en
el
museo
del
Louvre
de
París
y
es
una
de
las
obras
de
arte
más
conocidas
en
todo
el
mundo.
-­‐Ha
sido
objeto
de
muchas
versiones
por
otros
artistas,
incluso
del
siglo
XX
(Marcel
Duchamp,
Botero,
etc.).
Es
una
obra
emblemática
del
estilo
de
Leonardo:
este
bellísimo
retrato
femenino
se
recorta
–con
el
esfumato-­‐
sobre
un
paisaje
idealizado
y
ensoñador,
envuelto
en
neblinas
con
rocas
fantásticas.
Todos
los
colores
están
trabajados
a
base
de
blancos
y
grises
que
diluyen
las
formas
e
integra
a
la
figura
dentro
del
paisaje.

28. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
28
*RAFAEL
SANZIO
(1483-­‐1520)
Rafael
Sanzio,
conocido
como
Rafael,
poseyó
una
personalidad
más
equilibrada
que
la
de
Leonardo
y
Miguel
Angel.
Natural
de
Urbino,
no
maduró
como
artista
hasta
pasar
por
Florencia,
donde
residió
a
inicios
del
siglo
XVI.
Se
convirtió
en
el
ejemplo
más
admirado
del
Clasicismo
del
Cinquecento:
armonía,
belleza
ideal,
claridad
compositiva
definen
sus
obras.
A
pesar
de
su
corta
vida
-­‐
murió
a
los
37
años
en
Roma-­‐,
realizó
una
obra
es
muy
extensa.
Sus
influencias
principales
eran
Leonardo
y
Miguel
Ángel.
Dominaba
el
dibujo
y
el
color.
En
su
etapa
final
muestra
rasgos
manieristas.
Como
retratista,
Rafael
fue
un
consumado
maestro
y
destacó
en
las
representaciones
de
la
Virgen
María
con
el
Niño
Jesús,
refinadas
y
dulces,
en
el
extremo
opuesto
del
espíritu
atormentado
de
Miguel
Ángel.
Entre
sus
obras
destacan
los
frescos
que
pintó
para
diversas
estancias
vaticanas:
“La
escuela
de
Atenas”,
“el
incendio
del
Vorgo”,
“el
Parnaso”
y
“La
disputa
del
Sacramento”.
La
escuela
de
Atenas
es
una
obra
de
madurez
de
su
etapa
romana,
ejemplo
del
Clasicismo
del
Cinquecento.
Esta
obra
se
conserva
en
el
Vaticano
ya
que
fue
el
propio
Papa
el
que
le
encargó
la
realización
de
este
mural
y
de
otros
tres
más
en
las
estancias
vaticanas.
El
marco
arquitectónico,
claramente
renacentista
y
con
reminiscencias
grecorromanas,
es
monumental.
Muestra
su
gran
dominio
de
la
perspectiva.
Representa
un
templo
imaginario
y
simbólico
de
la
sabiduría.
Los
personajes
que
aparecen
son
científicos
desde
la
Antigüedad
hasta
su
época
(aparece
Platón.
Aristóteles,
etc.)
pero
pintados
con
rostros
contemporáneos
e
individualizados.
Aristóteles
y
Platón
están
en
el
centro
rodeados
de
otros
filósofos.
Rafael
quería
representar
las
dos
tendencias
filosóficas
opuestas:
la
platónica
y
la
aristotélica.
Hay
otros
grupos
rodeando
a
los
maestros.
Los
rostros
son
individualizados
pero
serenos,
bellos
en
su
senectud
y
muy
clásicos.
Los
gestos
son
variados,
el
color
armónico
y
el
dibujo
y
la
anatomía
perfecta.
El
canon
para
las
figuras
es
también
el
clásico
en
sus
proporciones.
Con
el
Incendio
del
Borgo,
mural
también
de
las
estancias
vaticanas,
Rafael
empieza
a
decantarse
por
un
cierto
Manierismo.
Rompe
el
equilibrio
armónico
entre
el
fondo
y
la
forma
ya
que
emplea
técnicas
manieristas.
Emplea
ya
cánones
de
un
manierismo
incipiente,
cuerpos
alargados
y
reduciendo
el
tamaño
de
la
cabeza.
Un
gran
retrato
masculino
es
el
que
realizó
Rafael
a
su
buen
amigo
Baltasar
de
Castiglione,
autor
de
la
célebre
obra
renacentista
llamada
el
“Cortesano”.
Fue
pintado
circa
1514.
El
retratado
va
vestido
a
la
moda,
con
un
jubón
de
pelo
gris
y
piel
vuelta
en
muñecas
y
cuello,
cubriéndose
la
cabeza
con
un
elegante
sombrero.
Rafael
ha
sabido
captar
la
profundidad
psicológica
del
retratado
en
su
mirada
y
los
gestos
de
las
manos.
La
figura
es
de
tres
cuartos
ante
un
fondo
neutro
para
resaltar
su
volumen,
reforzada
con
la
ubicación
de
las
manos
en
primer
plano.
La
obra
fue
copiada
por
Rubens
y
Rembrandt,
indicándonos
su
maestría.
Otro
retrato
realizado
por
Rafael
y
verdadera
obra
maestra,
es
la
Fornarina.
Fue
su
modelo
y
amanta,
a
la
que
presumiblemente
retrató
también
en
el
cuadro
llamado
La
Donna
velata,
conservado
en
Florencia
en
el
Palazzo
Pitti.
La
mujer
fue
identificada
durante
el
siglo
XIX
con
la
Fornarina
(panadera)
Margherita
Luti,
hija
del
panadero
Francesco
Luti
da
Siena.
Sin
embargo,
es
probable
que
el
verdadero
sentido
de
la
obra
aún
esté
por
aclarar.
La
mujer
es
representada
con
un
sombrero
de
estilo
oriental
y
los
pechos
desnudos.
Hace
el
gesto
de
cubrir
su
pecho
izquierdo,
o
volverlo
con
su
mano,
y
está
iluminada
por
una
fuerte
luz
artificial
que
viene
del
exterior.
Su
brazo
izquierdo
tiene
una
estrecha
banda
que
lleva
la
firma
del
artista.