Biografías trabajo pintura II

PNF ARTES PLÁSTICAS
MENCIÓN PINTURA
PINTURA II
Luisa Richter
Auguste Herbin
Elsa Gramcko
Víctor Vasarely
Realizado por:
Amanda Sequera
8.748.348
VIDA Y OBRA
Biografía,
características,
estilos y
principales obras
de cada uno

Luisa Richter
Louise Kaelble
(Besigheim, Alemania 1928 - Caracas 29 de
octubre de 2015), mejor conocida como
Luisa Richter fue una Ilustradora,
retratista, dibujante, grabadora, artista
del collage y destacada pintora
venezolana nacida en Alemania.
Alumna de los maestros Hans Fähnle,
Rudolf Müller, Fritz Dähn y Willi Baumeister,
llega a Venezuela en el año 1952 junto a su
esposo, el ingeniero Joachim Richter, y
realiza su primera exposición individual en el
Museo de Bellas Artes en el año 1959, en
esta oportunidad la artista fue alabada por
las características de sus obras de
tendencias plásticas post guerra.
https://es.wikipedia.org/wiki/Luisa_Richter
BIOGRAFIA

Luisa Richter
Obra orientada hacia la figuración, el
informalismo y la abstracción
Influencias Willi Baumeister uno de los
precursores del abstraccionismo en
Europa y maestro de Luisa Richter
Willi Baumeister
La pintura de sus primeros años en
Caracas se asocia con el informalismo.
En esa época pintó sus 'Cortes de
Tierra', inspirados en las imágenes de
los cortes que encontró en las montañas
durante su primer ascenso a Caracas
desde La Guaira, producto de la
construcción de la autopista que une las
dos ciudades. Sus Cortes de Tierra eran
"... cercanos al monocromo, de ricas
texturas y bidimensionalidad
consciente".
El informalismo es un movimiento
artístico que aparece en Europa a finales de los
años cuarenta en el que se utiliza un lenguaje
abstracto donde los materiales desempeñan un
papel decisivo
Dilatación incierta / años 50
Luisa en estado/años 60

Luisa Richter
Los tres (recorte)
Thomas y sus amigos,

Luisa Richter
En el marco la libertad expresiva (abstraccionismo lírico), la
luz juega un papel esencial en la pintura de Luisa Richter. En
el resplandor de sus obras y en los contornos de ocultamiento
y revelación brilla la clave de la luz de los trópicos. Pero no es
el sol directo lo que deja surgir esta irradiación en su obra
abstracta, sino también los rayos filtrados por la atmósfera de
los cielos de Caracas.
https://www.goethe.de/ins/ve/es/kul/sup/lur/ess.html
Luisa Richter | Viene del mar del viento de unos barcos (1992
Pintura por México (México), Oleo.
Mi casa
Óleo sobre tela 45 x 59,5cms
1982 (Colección Galería Ascaso)

Fotografía erótica- mítica
Técnica mixta
Nosotros vivimos todos
en un collage.
Luisa Richter
Luisa Richter, “Un Péndulo entre Siempre
y Nunca”, collage, 20 x 26 cm (interno) 54
x 41 externo, 1971, exhibida en el Museo
de Arte Contemporáneo de Caracas,
exhibida en la Bienal de Venecia,
certificada.
Luisa Richter
Con nuestras manos/ años 80

Luisa Richter
Claridades. 1987, 1967, 1984, 1998.
Collage sobre papel fabriano 75,5 x 100cm
Golondrinas caen al pavimento. 1981.
Collage sobre papel (Contiene diapositivas de Petre Maxim-1987) 22,5 x 22,5cm

Auguste Herbin
BIOGRAFÍA
Auguste Herbin (Quiévy, 29 de abril de
1882 - París, 30/ 31 de enero de 1960)
fue un pintor y teórico francés
enmarcado en el concretismo.
Considerado fundador de la abstracción en Francia.
Nacido en Quiévy, departamento del Norte, estudió
dibujo en la École des Beaux-Arts, de Lille, desde
1898 hasta 1901, cuando se estableció en París.
La influencia inicial del impresionismo y del
postimpresionismo visible en los cuadros que envió
al Salon des Indépendants en 1906 gradualmente
dio paso a su implicación en el cubismo después de
su traslado en 1909 a los talleres de Bateau-Lavoir,
donde conoció a Pablo Picasso, Georges Braque y
Juan Gris; también se vio animado con su amistad
con Wilhelm Uhde. Su obra se expuso en la misma
sala que la de Jean Metzinger, Albert Gleizes y
Fernand Léger en el Salon des Indépendants de
1910.
https://es.wikipedia.org/wiki/Auguste_Herbin
En 1912 y 1914 Herbin tiene sus primeras exposiciones
individuales en la Galerie Clovis Sagot, donde llamó la
atención de Léonce Rosenberg quien, en plena guerra le
ofrece un contrato de exclusividad. A partir de entonces
Herbin se incorpora al núcleo de artistas de la Galerie de
l'Effort Moderne y expuso su obra allí en varias ocasiones en
1918 y 1921.
Después de crear sus primeras pinturas abstractas en 1917,
los relieves radicales de Herbin de simples formas
geométricas en madera pintada desafiaban no sólo el estatus
de la pintura de caballete sino también las relaciones
tradicionales entre el fondo y la figura. La incomprensión que
acogió estos relieves y los diseños para mobiliario relacionado
con ellos, incluso de aquellos críticos más favorables al
cubismo, fue tal que hasta 1926 o 1927 siguió el consejo de
Rosenberg de volver a un estilo representativo.
El propio Herbin más tarde repudió sus paisajes, bodegones y
escenas de género de este periodo, como Jugadores de bolos
(1923; París, Museo Nacional de Arte Moderno), en el que los
objetos estaban representados como volúmenes
esquematizados.

Auguste Herbin
Flowers, 1906 - Auguste Herbin
Fecha: 1906
Estilo: Posimpresionismo
Género: naturaleza muerta
The Docks of the Port of Bastia
Auguste Herbin
Fecha: 1907
Estilo: Fovismo, Posimpresionismo
Género: paisaje urbano

Auguste Herbin
August Herbin
Landscape at Creteil 1909
Composition abstraite 1930,
acuarela sobre papel
The Roofs of Paris in the Snow
Auguste Herbin
Fecha: 1902
Estilo: Impresionismo, Puntillismo
Género: paisaje urbano

Auguste Herbin
Cubist Composition
Auguste Herbin
Fecha: 1913
Estilo: Cubismo
Género: naturaleza
muerta
Composition, Landscape
at Ceret
Auguste Herbin
Fecha: 1919
Estilo: Cubismo
Género: paisaje
Still Life
Auguste Herbin
Fecha: 1920
Estilo: Cubismo,
Posimpresionismo
Género: naturaleza
muerta

Auguste Herbin
Untitled
Auguste Herbin
Fecha: 1931
Estilo: Arte Abstracto
Género: pintura abstracta
Synchromy in Dark Blue
Auguste Herbin
Fecha: 1941
Estilo: Arte Abstracto, Orfismo

Auguste Herbin
Alphabet Plastique II
Auguste Herbin
Fecha: 1950
Nude
Auguste Herbin
Titulo original: Nu
Fecha: 1960
Media: gouache, board

BIOGRAFIA
Elsa Gramcko
Puerto Cabello (Edo. Carabobo) 9.4.1925 —
Caracas 3.3.1994
Pintora y escultora. Hija de Enrique José
Gramcko Brandt y de Elsa Cortina; hermana de
la escritora Ida Gramcko. Sus primeras
enseñanzas las recibe en el hogar aprendiendo
idiomas y nociones de cultura general. En la
década de 1940 se traslada a Caracas, donde
fija residencia. De formación autodidacta, es
conocida como pintora abstracta en círculos
restringidos de la intelectualidad caraqueña.
Inicia su actividad como pintora en 1954, con una serie de pinturas
que denominó «Juegos de Formas Abstractas». Al año siguiente
asiste como oyente a los cursos de la Escuela de Artes Plásticas
Cristóbal Rojas, y a la Facultad de Humanidades y Educación de la
Universidad Central de Venezuela. En la Escuela de Artes Plásticas
frecuenta las clases de pintura dictadas por Alejandro Otero, quien
reconoce su talento y la estimula a continuar en el camino de la
creación y la experimentación.
Exhibe por primera vez sus obras en la muestra colectiva de «Artistas de la Cuenca
del Caribe» (1956), en el Museo de Houston, Texas, y en una exposición de la
Fundación Cristóbal Rojas en Caracas. En 1957, expone en el Primer Salón de Arte
Abstracto «Don Hacht» y participa en el Salón Oficial Anual de Arte Venezolano en el
Museo de Bellas Artes de Caracas. Por esa época inicia su etapa geométrica. En
1959 viaja a Washington para participar -junto con Ángel Hurtado- en una exposición
en la Unión Panamericana
La pequeña puerta. 1957.
Óleo sobre tela 120 x 120cm.
Museo de Bellas Artes (MBA)
Nº 12. 1958. Óleo sobre tela
100,5 x 76,5cm.
Galería de Arte Nacional (GAN)

Elsa Gramcko
El muro del torreón. 1963.
Resina acrílica, arena, yute, mitol y pigmento sobre
masonite 60 x 60cm.
El portal. 1963.
Resina acrílica, arena, cerámica,
pigmento sobre masonite
65,2 x 40cm. Galería de Arte
Nacional (GAN)
Su obra pictórica incursiona
dentro del abstraccionismo
geométrico en la década de
1960, llegando a la escultura
en los años de 1970 en la
corriente conocida como
informalismo.

Elsa Gramcko
Regresa al país en 1961 y da a
conocer sus trabajos más recientes
en la muestra «La textura y el
negro», efectuada en el Museo de
Bellas Artes. Comienza la
recolección de chatarra y
materiales de desecho para
incorporarlos a sus pinturas. En
1962 envía obras al Salón Oficial
Anual de Arte Venezolano, e
inaugura en el Museo de Bellas
Artes una muestra de 33 cuadros,
donde se exhiben trabajos
realizados con acumuladores y
engranajes La aldaba. 1964. Hierro y resina de óxidos
sobre conglomerado de madera 55 x 55cm.
Dentro y estando afuera. 1964.
Cobre sobre masonite y madera 70 x 55,3cm.

Elsa Gramcko
La casa. 1965. Acrílico, arena, cerámica sobre masonite y madera
65,5 x 90,5cm. Galería de Arte Nacional (GAN)
El lado desconocido del alma necesita expresarse.
1966. Hierro, vidrio, resina de óxidos sobre masonite
35 x 43cm. Galería de Arte Nacional (GAN)

Elsa Gramcko
Sin título. 1969. Resina, óxidos y óleo sobre tela
41,7 x 41cm. Galería de Arte Nacional (GAN)
Ka-Tu-Hi. 1973.
Resina acrílica, arena, pigmento y pintura
sobre madera 84,8 x 60,1cm.

Elsa Gramcko
Buscando la manera de vivir en el mundo. 1974.
Ensamblaje de madera esmaltada con pintura acrílica,
resina y óxidos sobre madera 50,2 x 50 x 5,2cm.
Fragmento de mundo interior. 1974.
Madera, arcilla y resina esmaltada con óxidos
sobre madera 50 x 49,8cm.

Elsa Gramcko
El ser uno mismo implica la soledad. 1976.
Esmalte de óxidos sobre hierro y madera
49,8 x 39,5 x 6,5cm.
Encuentro Nº 42. 1978.
Ensamblaje de madera y hierro sobre madera
50 x 30,4 x 9cm.
ENSAMBLAJES

Elsa Gramcko
Sin título. 1967. Hierro pintado.
52 cm x 15 x 7 cm.
ESCULTURA
Su poca producción escultórica, de acuerdo con su propio testimonio, se debió a los altos
costos de los materiales que utilizaba, así como a las dificultades que encontraba en la
ejecución de las piezas. Entre 1971y 1979 continúa participando en exposiciones colectivas
en galerías privadas, así como en instituciones museísticas de Caracas; en este lapso,
desarrolla diversas obras denominadas «Totems» (1973), «Puertas» (1973-1974) y «Bocetos
de un artesano de nuestro tiempo» (1974-1978). En la década de 1980 disminuye su
producción artística, su salud se deteriora progresivamente, falleciendo a los 69 años. Estuvo
casada con Carlos Puche.

Víctor Vasarely
Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de
1908 - París, Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a
menudo como el padre del op art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la
carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de
Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la
Bauhaus. se interesó por la astronomía. https://www.wikiart.org/es/victor-vasarely
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En
esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la
primera obra de Op art.
Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos.
El Op Art es un movimiento pictórico que surge a
finales de los años 50 tomando auge en la década
de los años 60. Es una abreviación de Optical Art y
en español sería Arte Óptico. En el Op art se juega
con el entorno para engañar al ojo humano, así
que la percepción es protagonista. De ese modo
se consiguen imágenes que simulan movimiento.
Se propone producir efectos visuales de relieve,
profundidad o movimiento mediante líneas y
colores planos y estáticos.
En 1976 crea un centro de investigación
arquitectónica en Aix-en- Provence y dos
museos "didácticos" Vasarely, en Gordes
adonde fue llevado por Jean Deyrolle
(1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió
a los 91 años.
Zébres 1937
BIOGRAFIA

Víctor Vasarely
A pesar de la importancia de su obra, fue un artista modesto que prefería ser considerado artesano antes que artista. Y fue
un artista concienciado porque dedicó grandes esfuerzos a tratar de democratizar el Arte para que pudiera llegar a todo el mundo,
su lema era “Arte para todos”. El propio Vasarely se dedicó a poner por escrito sus ideas al respecto. En 1.953, entre otras teorías
interesantes, escribía lo siguiente:
“El pensamiento egocéntrico que ha prevalecido hasta hoy debe volverse un pensamiento expansivo. El Arte debe
volverse generoso y totalmente difundible, y sobre todo, debe ser contemporáneo y no póstumo. De ahora en adelante,
las nuevas tecnologías nos permitirán difundir el Arte instantáneamente a las masas.”
Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su
producción artística e intentará darle a sus experiencias artísticas una base exacta,
científica y teórica.
:
Corresponde al PERIODO INICIAL de
Vasarely, en el que su obra se mantiene
todavía ligada a la realidad y contiene
elementos figurativos. El pintor se
referiría con posterioridad a estos años
como los de los "caminos equivocados".
Pese a todo, la obra muestra el interés
del autor por el desarrollo de motivos
geométricos y ópticos que prefiguran de
alguna manera su obra de madurez..
"L'echiquier" (El tablero) 1935.
Óleo sobre tabla. 61x41 cm
Los años indicados son referenciales porque el
paso entre un periodo y otro es progresivo.
1929-1944: Los primeros gráficos o periodo
gráfico Vasarely experimentado con efectos de textura, la
perspectiva, sombras y luces. Sus primeros resultados
período gráfico en obras como zebras (1937),
"L'echiquier" (El tablero) (1935), Chica y el poder (1934).
BIOGRAFIA
CARACTERISTICAS

Víctor Vasarely
Dotado de una extraordinaria capacidad para el dibujo, de 1929 a 1930 Vasarely
estudia en la escuela Mühely de Budapest, se interesa por los problemas
formales del arte geométrico y adopta como maestros espirituales a Piet
Mondrian, Theo van Doesburg, Kazimir Málevich, El Lissitzky y Lászlo Moholy-
Nagy. Este primer periodo se prolonga hasta 1939, sus imágenes todavía no son
abstractas.
Estudio de materiales.
Madera (Período Gráfico),
óleo y témpera sobre cartón, 1939.

Víctor Vasarely
Estudio Verde, 1929
CARACTERISTICAS
Arlequín, 1935
Estudio-MC (1936) Étude de trope-l'oeil (1936)
Hasta 1939 había hecho trabajos
publicitarios con efectos ópticos, intentando
darle sus experiencias artísticas una base
exacta, científica y teórica.

Víctor Vasarely
1944-1947: Etapa equivocada
Vasarely experimenta con el
cubismo, la pintura futurista,
expresionista, simbolista y
surrealista, sin desarrollar un
estilo único. Después, él dijo
que estaba en el camino
equivocado. Prévert crea el
término imaginoires (imágenes
+ noir, negro) para describir las
pinturas.
Autorretrato (1941) y el ciego
(1946) están asociados con este
período.
Autorretrato (1941) el ciego (1946)
CARACTERISTICAS

Víctor Vasarely
En estos años comienza las investigaciones previas al Op Art,
llamado “PERIODO MENSTRUAL” hasta 1947. Empezó a
producir obras abstractas, con clara inclinación hacia el uso del
color blanco pero la ilusión óptica aún no era su objetivo. A través
de un proceso de verdadera auto-mutilación artística, abandona
la figuración, rechaza todos los atajos ofrecidos por su dominio
técnico e inicia el camino hacia la abstracción geométrica
Les Zébres 1944
Fille Fleur 1945
CARACTERISTICAS

Víctor Vasarely
Victor Vasarely - Zebras, c. 1960, lithograph Zébre 1944
Victor Vasarely, The Zebra, 1938/69,
Screen Print Signed and Numbered
CARACTERISTICAS
Zébres 1937 Les Zébres 1944

Víctor Vasarely
Período Blanco/Negro (1947 – 1951): Desarrollo de la abstracción geométrica (Op Art).
CARACTERISTICAS
Garam, 1949
Amir (Rima), 1953
Cailleux, 1952

Víctor Vasarely
Período Blanco/Negro (1951 – 1955): Inspirándose en la composición
suprematista Blanco y Negro de Kazimir Malévich (1915), que encarnaba la armonía de
la espiritualidad y que se ha interpretado muchas veces como –punto final- un cuadro
que rota sobre su eje hasta parecer un rombo, sería el punto de partida de sus obras
cinéticas.
Considera que son los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y
porque son los mejores para conseguir el efecto post-retiniano, realiza estudios pre
cinéticos y Naissances
Hay 3 tipos de obras
 Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía
 Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y
yuxtapuestas dejando una pequeña distancia.
• Unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.
A partir de esta década se pasa a las superficies abstractas lisas , puntiagudas
o redondeadas, utilizando colores lisos y saturados.
Tlinko, 1956
Zébres, 1950 Hommage à Malévitch", 1954-1958.
Vega, 1956
CARACTERISTICAS
Eridan-OS. 1956

Víctor Vasarely
Con motivo de una exposición en la Galería Denise René de París en 1951,
Vasarely se plantea por primera vez trasladar sus composiciones espaciales a
una escala monumental.
Utilizando métodos de la fotografía, amplia sus dibujos a pluma y los coloca en
series que cubren paredes enteras.
A partir de estos trabajos, el artista crea la serie Naissances (Nacimientos), que
consiste en superponer los negativos de los dibujos para crear inquietantes y
aleatorias configuraciones.
En sus Ouvres profondes cinétiques (Obras profundas cinéticas) emplea el
mismo método con planchas de vidrio, acrílico o plástico transparente.
http://observandoelarte.blogspot.com/2018/06/victor-vasarely-abstracto-
geometrico.html
CARACTERISTICAS

CARACTERISTICAS
1954-1964: "Folklore planetario"
A principios de la década de 1960, Vasarely propuso el empleo
de un lenguaje visual universal que denominó Folclore
planetario. Colores y formas dispuestos regularmente y
numerados al estilo de los productos industriales.
Su intención era que el placer estético formara parte del
entorno cotidiano. Como él mismo señaló, las obras de arte no
pertenecían solo a los museos y galerías, sino que eran
necesarias en todos los segmentos de la vida urbana. Su
visión, que se basaba en las ideas de Le Corbusier y Fernand
Léger y que proclamaba una síntesis de las diferentes
disciplinas artísticas, consistía en que los componentes básicos
de las ciudades del futuro fueran obras plásticas
monumentales, producidas en serie y que se pudieran ampliar
a cualquier tamaño, lo cual ofrecería unas posibilidades de
variación ilimitadas.
La primera de sus integraciones arquitectónicas se llevó a cabo
en Venezuela en 1954, en el campus de la Universidad Central
de Venezuela; vinieron después instalaciones plásticas
monumentales en edificios de Bonn, Essen, París y Grenoble.
Positivo-Negativo.. Año: 1954
Ubicación:
Hall externo de la Sala de
Conciertos UCV,
frente al mural de Pascual Navarro.
Víctor Vasarely

Participaciones de folclore planetario nº1. Descripción: serigrafía en colores
sobre papel espeso en edición limitada de 3000 ejemplares sin numerar.
Editada en 1969 por Galleria Thomas de Munich, Alemania con motivo de la
exposición "Original Exhibition artwork 1969". Medidas sin marco 67x67 cm.
Víctor Vasarely
El arte de mañana será un tesoro colectivo si no ya no habrá más arte

CARACTERISTICAS
1964: "homenaje al Hexágono"
Víctor Vasarely
Víctor Vasarely
El homenaje a la serie de hexágono está compuesto de transformaciones sin fin
de muescas y el alivio de añadir las variaciones de color, la creación de un
móvil perpetuo de ilusión óptica.

Vega es la estrella que más brilla en
los veranos del hemisferio norte. El
artista fue un apasionado del
cosmos y los cuerpos celestes lo
fascinaban.
Víctor Vasarely
Etapa Estructuras Vega
CARACTERISTICAS
Inspirado por las noticias que se publicaban sobre misteriosas señales
que llegaban de remotas galaxias, Vasarely tituló muchas de sus
obras con nombres de estrellas y constelaciones. Estos cuadros se
basan en distorsiones cóncavo-convexas de una retícula, en una
compleja combinación del cubo y la esfera que remite simbólicamente
al movimiento en dos direcciones de la luz que emana de estrellas, al
funcionamiento de las galaxias que han nacido por condensación y de
un universo que se expande. El artista se da cuenta de que las dos
dimensiones pueden convertirse en tres simplemente deformando la
retícula básica y de que, según el grado de ampliación o reducción, los
elementos de la retícula pueden transformarse en rombos o elipses.
https://moovemag.com/2018/06/victor-vasarely-el-nacimiento-del-op-art/

Bull, 1973-74
Víctor Vasarely
Etapa Estructuras Vega
https://prezi.com/p/wtje-pqwf24w/victor-vasarely/

CARACTERISTICAS
Último período: "período de las series" C.T.A: nombre de las
ondas que producen los planetas y estrellas, círculos y olores
plata, oro y sombreados.
Víctor Vasarely
https://www.slideshare.net/abelena/vctor-vasarely/11?smtNoRedir=1

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