Es un catalogo donde explico que es arte abtracto,arte pop,Hiperrealista y los inicio del diseño grafico en venezuela

1. Catalogo Grafico
Rafael Angel Peña Izarra
24393507
Diseño Graco
Instituto UniversitarioTecnologico
Antonio José de Sucre
Extensión-Barquisimeto

2. Arte PopEl Arte Pop o "Arte Popular
fue un movimiento que aparece
a finales de la década de 1950
en Inglaterra y Estados Unidos
como reacción artística ante
el Expresionismo Abstracto,
al que consideraban vacío y elitista.
Se caracteriza por el empleo de imágenes
y temas tomados de la sociedad
de consumo y de la comunicación
de masas y los aplican al arte.
El Pop es el resultado de un estilo de vida,
la manifestación plástica de una cultura
caracterizada por la tecnología,
la democracia, la moda y el consumo,
donde los objetos dejan de ser únicos
para producirse en serie.
Representantes del Arte Pop
Richard Hamilton
Pioneros del Pop Art británico
y su collage titulado
¿Qué es lo que hace de los hogares
de hoy en día tan diferentes,
tan divertidos?, ha sido considerado
la primera obra del Arte Pop.
Keith Haring
Nacido y criado en Pennsylvania,
Keith Harring, considerado como
un representante de la cultura
callejera de la Nueva York de los
años ochenta, Entre 1980 y 1989,
Harring alcanzó el reconocimiento
internacional a través de exposiciones
independientes y colaborativos
donde las pinturas representadas
por le color, la silueta humana y
mensajes de amor y paz reflejaban
su pasión por el arte y su sello
personal. del arte pop.
Robert Rauschenberg
Originario de texas, conocido por sus
collages “Combines” de la década de
1950, en la que se empleaban los materiales
y objetos no tradicionales en combinaciones
innovadoras. era a la vez un pintor y un escultor,.
También es reconocido por su trabajo como
fotógrafo y el grabado, incluso galardonado con
la Medalla Nacional de las Artes en 1993.
Lamentablemente, falleció en 2008.
Roy Lichtenstein
Nacido en 1923 en Nueva York,
Lichtenstein se convirtió en una figura
destacada dentro del movimiento de
arte pop por sus pinturas con formato
de tiras e historietas cómicas, lavadoras
y papas al horno que ahora se
consideran clásicos de la época.
Sus primeras obras eran de estilo
expresionista abstracto, pero después
de 1958 comenzó a experimentar con
imágenes tomadas de los cómics
que había en los papeles de envolver
chicles de menta, libremente
interpretadas y mezcladas con
imágenes sacadas de los cuadros
del Viejo Oeste de otro artista
.estadounidense

3. Victor Vasarely
fue un artista al que se ha considerado a menudo como el
padre del op art. Comenzó a estudiar medicina en Hungría,
pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces
por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios
de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un
alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y
se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí
trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer
trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera
obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely
desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico,
con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y
perspectivas, e imágenes inestables.
Yaacov Agam
es un artista cinético, plástico y escultor israelí.
Comenzó sus estudios artísticos con el maestro Mordechai
Ardon en la Academia Bezalel de Artes y Diseño, luego se
trasladó a a Zúrich y luego a la Academia de Arte Abstracto
de París.
En 1950 hizo su primer experimento cinético, 3 años más
tarde expuso por primera vez y en 1955 fue uno de los
partícipes de la primera muestra internacional del arte en la
galería Denise René en París.
Carlos Cruz-Diez
es un artista plástico venezolano, uno de los máximos
representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial, vive
y trabaja en París desde 1960.2 Su investigación ha
aportado al arte una nueva forma de conocimiento sobre el
fenómeno del color, ampliando considerablemente su
universo perceptivo.
Julio Le Parc
Nacido en la localidad de Palmira (departamento de San
Martín, provincia de Mendoza) en 1928. Durante el año 1942
se mudó junto a su familia a la ciudad de Buenos Aires, en
1943 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes
Prilidiano Pueyrredón aunque la abandonó al año siguiente;
en el interín pudo observar los murales que Antonio Berni,
Juan Carlos Castagnino, Manuel Colmeiro Guimaraes, Lino
Enea Spilimbergo y Demetrio Urruchúa realizaban para las
Galerías Pacífico en pleno microcentro de la ciudad porteña,
por el planteo de tales murales llegó a la intuición de la
importancia del "espectador".
El arte óptico "Op Art"
El “Op Art” es una abreviación del término inglés
optic art. El arte óptico es un movimiento artístico y
una tendencia nacidos en Estados Unidos en el año
de 1958. El Op Art utiliza fenómenos ópticos para
producir imágenes pictóricas abstractas. Este tipo de
arte crea sensaciones de movimiento en superficies
bidimensionales.
Esta tendencia en el arte busca crear en el
espectador una sensación de movimiento, gracias
a efectos ópticos que desencadenan en el observador
una respuesta visual y psicológica ante
la sensación percibida. Este tipo de arte es
de tipo técnico y en muchas ocasiones impersonal

4. Abstraccionismo
El Abstraccionismo es un movimiento artístico que surge
a finales del siglo XIX como consecuencia del impresionismo,
esta corriente le da un papel muy importante a la forma y
el color, creando un aire de libertad en la creación y
el arte como fin en sí mismo.
Hay dos tipos de abstraccionismo:
-Abstracción lírica o cromática =se utiliza la función
expresiva y simbólica de los colores y el ritmo que producen
por su relación para manifestar los procesos emocionales
mediante la pintura.
-Abstracción geométrica utiliza la simplificación y
el rigor matemático/geométrico de las formas y los colores
en un ritmo estricto y una ordenación calculada.
El abtsraccionismo renuncia a reproducir en el arte
imágenes típicas de personas y acontecimientos reales,
el medio que circunda al hombre; hace imposible expresar a
través de la obra artística el sentido y los fines de la vida del
hombre. Sustituye la plasmación de la belleza y del
dramatismo de la realidad, inherentes al auténtico arte,
por la expresión de cierta "realidad espiritual" mística, de
una "energía intuitiva", de alguna "vibración" del
subconsciente humano.
Locaracterísticodelabtsraccionismoeslatotaldestrucción
delaimagenartísticapormediodeladistorsiónextremade
lasformasreales,lamudanzadelasimágenesenuncaosde
manchas,líneas,puntos,planosyvolúmenessinsignificación
alguna.
Representantedel Abstracionismo
WASSILYKANDINSKY
fueunpintorruso,precursordelaabstracciónenpinturay
teóricodelarte,conélseconsideraquecomienzala
abstracciónlírica.
En1901fundaelgrupoPhalanx,cuyopropósitoprincipal
esintroducirlasvanguardiasfrancesasenelprovinciano
ambientemuniqués,paralocualabreunaescuelaenlaque
daclases.Suspinturasdelosprimerosañosdelsigloson
paisajesejecutadosconespátula,enunprincipiosombríos,
paraluegoadquirirunaintensidadcasifauve.
PieterCornelisMondriaan
Eselprincipalrepresentanteinauguraljuntoalosrusos
WassilyKandinskiyKazimirMalévich.ElartedeMondrian
siempreestabaíntimamenterelacionadoasusestudios
espiritualesyfilosóficos.Apartirde1908,seinteresóen
elmovimientoteosóficofundadoporHelenaPetrovna
BlavatskyafinesdelsigloXIX.Blavatskycreyóqueera
posiblelograrunconocimientodelanaturalezamás
profundoquesóloelproporcionadoporlosmediosempíricos
,ymuchodeltrabajodeMondriandelrestodesuvida
estuvoinspiradoporlabúsquedadeesesupuesto
conocimientoesencial.Unafrasesuyaloexplica:
«solocuandoestemosenlorealabsolutoelartenoserá
yamásnecesario».
JoanMiróiFerrà
(Barcelona,20deabrilde1893—PalmadeMallorca,
25dediciembre de1983) .Ensuobrareflejósuinterésenel
subconsciente,enlo"infantil"yensupaísMiró
manifestósudeseodeabandonarlosmétodos
convencionalesdepintura,ensuspropiaspalabrasde
"matarlos,asesinarlosoviolarlos",parapoderfavoreceruna
formadeexpresiónquefuesecontemporánea
Estudiócomercio,segúndeseodesupadreparateneruna
preparaciónyconseguirser“alguienenlavida”.Anteel
deseodeJoandematricularseenlaescuelaLlotja
paradibujaryaltenerlaposibilidaddelasclases
nocturnas,supadreaceptólapetición,comounpasatiempo
delmuchacho.Losdibujosdatadosdelaño1907quese
guardanenlaFundaciónMirósonunabuenapruebade
estainfluenciaclaraconModestUrgell

5. Hiperrealismo
es una tendencia de la pintura realista surgida en
Estados Unidos a finales de los años 1960 que
propone reproducir la realidad con más fidelidad y
objetividad que la fotografía. A veces se confunde
con el fotorrealismo que es menos radical.
El término hiperrealismo es también aplicable a la
escultura y los cómics (Luis García.
Conocido también como Superrealismo, Realismo
Fotográfico y Fotorrealismo, es un movimiento
pictórico surgido en la década de los '60, cuyas
técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica.
El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la
conexión con la visión fotográfica del encuadre y la
traducción fiel de la escena.
Por tanto, los temas son representados con exactitud
minuciosa e impersonal en los detalles, por medio de
una agudeza óptica llevada a cabo con tal
virtuosismo técnico, que supera la "visión" del
objetivo fotográfico.
Algunos representantes de este estilo trabajan a
partir de fotografías, tratando con igual agudeza y
precisión todo el cuadro.
En algunos caso se utilizan grandes tamaños de
cuadros y pintura plana, que aspiran a producir la
impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.
Se va de lo real a la fotografía y de la foto al cuadro,
reafirmando dos veces lo real o, tal vez,
distanciándose doblemente del objeto; no hay una
mirada subjetiva sobre la realidad, puesto que las
imágenes son frías.
El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una
supuesta objetividad visual en la representación de
retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a
través de un singular método de trabajo que
compagina técnica y disciplina.
Una disciplina de síntesis para la ejecución en la que
intervienen los más modernos recursos infográficos
junto a una superficial aplicación del color, por medio
de veladuras y empastes y una destreza en el
atrapamiento de la luz en el lienzo.
Antonio López
(Tomelloso, Ciudad Real 1936), es un pintor
manchego. Referente del hiperrealismo español,
Premio Príncipe de Asturias, es conocido por la
meticulosidad con la que planea hasta la hora exacta
en la que poder pintar para que la incisión de la luz
sobre los elementos sea siempre la misma.
Jason Degraaf
(Montreal, 1971) Diseñador, ilustrador y pintor
canadiense. Igual que Antonio López prefiere partir
del vivo para representar sus obras y no, basarse en
fotografías. Sus obras reflejan el atractivo que
encuentra en los colores reflejados y los destellos de
la luz.
Edward Hopper
(Nyack 1882 – Nueva York 1967). Influenciado
claramente por el Pop-Art, este pintor
norteamericano supo retratar la soledad que oculta el
“sueño de vida americano” son conocidas,
principalmente sus obras sobre gasolineras, vías de
tren, retratos de trato íntimo y cercano.

6. Diseño Gráfico
en Venezuelaha enfrentado la transculturización más grande de su
historia desde la llegada de otras formas de comunicación y
expresión artística, transformando sus rasgos pictóricos y
creativos en fusiones visuales complejas y algunas veces
inconsistentes.
el diseño grafico específicamente en este país, se ha
Desarrollado a paso lento pero con seguras bases con respecto
a la comunicación, primeramente con la inserción de nuevas
tecnologías, y segundo con técnicas que aun a pesar del
tiempo tienen gran validez en cuanto a su uso.
El diseño gráfico, comienza meramente a expresar mas allá
que
Pictóricamente las necesidades de los venezolanos por el año
de 1920 como una carrera, y antes del siglo XX ya como un
movimiento en proceso de crecimiento.
En 1964 se crea en Venezuela el instituto de diseño con el
propósito de servir como centro de formación de
profesionales al servicio de la industria
. El diseño en función de la industria es relativamente nuevo
en Venezuela
. Del Instituto de Diseño han agregado una serie de
diseñadores jóvenes que están realizando una gran labor en el
campo del diseño grafico, industrial y de investigación
.
el diseño gráfico en Venezuela, ha intervenido en todas las
formas de la comunicación visual (carteles), en la artesanía,
en la industria, y muchas otras formas de expresión
comunicacional.
Características del Diseño Gráfico en Venezuela
-El cartel, al igual que las revistas, folletos y otros, Son
punto de partida del desarrollo del Diseño Gráfico en
Venezuela,
-Simplicidad: los buenos carteles deben ser esencialmente
simples,
-Adecuado: debe tenerse el cuidado de que defina el término
y el propósito, evitando así decepciones psicologías que
hundan el propósito del cartel
-Texto: el texto debe ser breve. , que transmitan el sentido
de lo
que queremos anunciar.
-Atractivo: carteles agradables son eficaces
-Diseño y Color: la buena composición, el color y la técnica
son los elementos principales en la preparación de carteles
eficaces.
En Venezuela la necesidad del diseñador gráfico por
el aprendizaje viene dado por las mismas necesidades de las
industrias quienes al principio buscaban por medios impresos
intercambiar la cultura dando impulso a las litografías,
empresas del papel y los diseñadores en si. Entre estas
empresas que buscan nuevas imágenes, a nivel corporativo y
de identidad, en Venezuela estuvieron y algunas aun
persisten en este proceso, Maraven, Fundación Polar, Bigott,
Shell, y otras quienes hoy en día aun permanecen en la
idealización de una verdadera identidad gráfica venezolana.

7. Indicios del Diseño
Grafico en Venezuela
Se muestras y principales aportes
Las extraordinarias revistas EL COJO
ILUSTRADO, EL ZULIA ILUSTRADO,
, a partir de los años cuarenta las
revistas corporativas han contribuido
fundamentalmente a la divulgación de la
cultura en Venezuela.
El diseño Gráfico Comienza
prácticamente con las revistas Tópicos,
Shell, El Farol y Nosotros.
Desde las revistas Shell y El Farol
habían comenzado a sentirse nuevos
aires con el aporte estético
y experimental de Carlos Cruz-Diez,
June, Nedo y Leufert. Luego, con la
llegada de la revista CAL (Crítica ,
Arte y Literatura), bajo la dirección
artística de Nedo M.F. (Mion Ferrario)
y la dirección de
Guillermo Meneses, se creó un
precedente en el diseño de
publicaciones periódicas, a través del
gesto experimental de Nedo, cuyo
impacto repercutió definitivam
ente en el campo editorial en el país
y sirvió de inspiración a revistas
posteriores, como es el caso de
Actual, diseñada por su discípula
Aixa Díaz.
Otro visionario a quien debemos el
impulso del diseño en el país, y sobre
todo a otorgarle un lugar
en el
campo de las artes plásticas, es
Miguel Arroyo, quien desde la
dirección del Museo de Bellas
Artes lo convierte, en palabras de
Felipe Márquez, en “un centro de
ensayos gráficos, representado
tanto por la originalidad de sus
catálogos (Leufert y Sotillo) c
omo por los nuevos planteamientos
gráficos desde el punto de vista
museográfico. En esta institución se
organizaron las primeras
exposiciones de diseño gráfico
realizadas en el país”. Esta labor de
impulso que comenzara Arroyo