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Les éléments et
Les éléments de la
principes de la conception
conception
Les éléments de la
Élément #1 – La ligne
conception
! La ligne est le trajectoire d’un
point qui bouge a travers
! Les éléments sont les composants de base de tout travail à 2
l’espace.
et 3 dimensions. Ils sont le vocabulaire visuel utilisé à fin de
créer des œuvres d’art complexes. ! La ligne de contour définit la
forme
! La connaissance des éléments nous permet de pénétrer
l’apparance de l’oeuvre pour comprendre sa structure. ! Les lignes répétées font la
texture ou le modélisme
! Les éléments de la conception touchent l’aspect visible
de la composition. C’est-à-dire: Les choses qui font partie de ! Les lignes convergentes
la peinture, le dessin, la conception, etc. (comme l’image a droite)
donnent l’illusion de l’espace.
Élément #1 – La ligne Élément #1 – La ligne
! Les lignes peuvent être émotives; les lignes géométriques sont ! Les lignes peuvent être considérées de Dans cet image, Leonardo
tendues et mécaniques, les lignes organiques sont fluides et deux façons: les marques linéaires da Vinci a employé une
naturelles. faites avec un stylo ou un pinceau, ou ligne douce et sensible
le bord créé quand 2 formes se pour créer un effet
touchent. gracieux.
! La ligne est une marque sur une
surface qui décrit une forme ou un
contour.
! Les types de lignes incluent: actuelle,
impliquée, verticale, horizontale, Leonardo da Vinci - “Angel for the
diagonale et de contour. Madonna of the Rocks” c. 1383-85
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Élément #1 – La ligne Élément #1 – La ligne
! Le visage de la femme dans cet image
! Cet image représente le est créé avec une ligne mécanique, qui
même sujet que l’image de crée l’effet d’un sentiment détaché.
Leonardo da Vinci vu sur l’
! Bien que le sujet dans les derniers 3
écran précédent …
œuvres est le même, les différences
Cependant, l’artiste Willem
dans la qualité de la ligne ont créé les
de Kooning a créé un
œuvres avec des impact très différents.
sentiment très différent en
employant les lignes
! Comment vous utiliserez la ligne est
épaisses et gestuelles.
une des décisions les plus importantes
“Woman 1” by Willem de Kooning dans la création de votre art.
1950-52 - Oil on canvas
Éléments #2 et #3 – la
forme à 2 et 3 dimensions
! La forme à 2 dimensions est
crée par un contour définitif
de ligne, couleur, texture, ou
valeur qui la sépare de
l'arrière-fond. ! Un cercle est une forme à 2D,
une sphère est une forme à 3D.
! La forme à 3 dimensions est le
volume créé par la texture, la
couleur, ou la valeur. Quel poisson démontre la
forme à 2D versus 3D?
Éléments #2 and #3 – La
Élément #4 – La texture
forme à 2 et 3 dimensions
! La texture réfère à la surface de l’objet,
naturelle ou fabriquée. Il y a 3 types:
! Les formes dans limage à droit sont
clairement définies. L’image semble être
! Simulée (visuelle) – un interprétation
à 3D grâce à la perspective et les ombres.
ou un photographe réaliste de la
texture
! Actuelle (tactile) – La sensation sentie
! Par contre, cette peinture folklorique
en touchant la surface de l'objet
semble être simple parce qu’il dépend
sur les formes simples pour nous
! Inventée – Une texture inventée, faite La texture = la qualité de la surface
montrer l’image.
par l’artiste avec des outils ou des
médias qui forment un motif
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Élément #4 – La texture Élément #5 – La couleur
Les couleurs ont des associations
! La texture est l’ élément symboliques et émotives aussi. Ces
dominant de l’ œuvre. Cet associations sont a base culturelle. (i.e.
œuvre profite de nos ! Phénomène induit par la réaction de l’œil le rouge=la colère, Le bleu=la tristesse,
attentes de comment la humain à l’énergie et la fréquence de la
le blanc = la pureté)‫‏‬
lumière. La capacité de notre cerveau de
texture devrait être
trier cette information nous permet de
employée: la fourrure est
percevoir les couleurs qui embellissent
un plaisir à toucher mais notre environnement. La couleur est
elle dégoute la langue! Une Meret Openheim – Object (Paris 1936) décrite en discutant: la teinte (hue), la
tasse et une cuillère, bien Ceci est une valeur et l’intensité. Elles peuvent être
sur, sont faites à être mises sculpture employées en combinaisons qui s’appellent
aux lèvres. surréaliste! les harmonies: monochromatique,
complémentaire ou analogue.
La peinture faite par Phyllis
Bramson (à gauche) a des
couleurs intenses et
complémentaires qui
communiquent des émotions
fortes mais en conflit. L’autre
œuvre, « Zodiac » par
Alphonse Mucha (1860-1939),
Untitled by Christine Taylor utilise les couleurs atténuées et
Sunflowers by Vincent Van Gogh Barlett Pears by John Olin Gardner
analogues pour créer un
sentiment très différent.
Les combinaisons harmonieuses de la couleur: Pouvez-
vous les distinguer? L’usage de la couleur
Monochromatique? Complémentaire? Analogue?!
Élément #6 – La Valeur Élément # 7 – L’espace
! La valeur – La luminosité et l’obscurité relative.
! L’espace est crée en
! La luminosité et la manque de contraste en général employant les autres
dans l’image à gauche transmet un sens de spiritualité éléments et principes de la
et d’harmonie. Ceci est un œuvre de valeur claire. conception.
! L’humeur dramatique de « Paradise Lost » par
! Dans l’art, l’espace est réel
Gustave Dore (1866) est créé par l’haut contraste de
(comme dans l’architecture)
la luminosité et de l’obscurité. Ceci est un œuvre de
ou une illusion (comme dans
valeur sombre.
la perspective).
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Élément # 7 – L’espace L’espace positive / négative
! Un artiste peut créer
! Les artistes peuvent employer l’espace
l’illusion de la profondeur
vide (appelée l’espace « négative »)
en employant la
pour créer des œuvres intéressants.
superposition, la grandeur
qui diminue, la perspective
atmosphérique, la Healthy Living Ad
perspective linéaire, les
couleurs chaudes ou Raphael's School of Athens - 1509
froides, et l’emplacement
vertical des objets.
View of the Pyramid. Louvre, Paris.
Élément # 7 – L’espace
! Bien que son usage de la
perspective linéaire n’est
Les principes de la
pas précis, cette peinture
par Vincent Van Gogh
conception
transmet quand même
l’illusion de l’espace et de la
profondeur.
The Bedroom at Arles, c. 1887 Vincent Van Gogh
Les principes de la conception
! Quand deux éléments ou plus sont employés dans une Pourquoi est-ce que ce
composition, ils commencent à interagir. La capacité de bâtiment est si renommé?
contrôler cet interaction est la tâche principale de l’artiste.
! Les principes de la conception sont les lois qui gouvernent la
manière dont la ligne, la couleur, ou d’autre éléments se
combinent pour créer certains effets émotifs ou esthétique.
! Par comparaison, les éléments de la conception sont les Bonnano de Pisa. Bell Tower of the
composants de la conception eux-mêmes, les objets à être Cathedral at Pisa. Begun 1174.
arranger.
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Principe #1: L’ équilibre L’ équilibre symétrique
! L’ équilibre peut être physique ou visuel. Il y a trois types
principaux en art: formel (symétrique),
informel (asymétrique)
radial
! Notre sens de l’ équilibre est inné; comme enfants, nous
développons ce sens dans nos corps and dans le monde qui nous
entoure. Une manque d’ équilibre nous perturbe. L’ équilibre rend
un œuvre d’art plus confortable pour le visiteur. En faisant
l’analyse de l’ équilibre, nous supposons qu’il y a un axe vertical.
Typiquement, nous attendons voir un équilibre également
! Axe vertical ! Axe horizontal
distribue aux deux côtés de cet axe.
Symétrique vs. asymétrique L’ équilibre informel
! Cette peinture démontre l’ équilibre
asymétrique ou informel – les
objets ne sont pas exactement
similaires sur les deux cotés, mais
l'oeuvre semble être équilibré grâce
aux poids égaux à gauche et à droite
dans le sens visuel.
! Le deuxième image démontre de l’ équilibre parce que les
couleurs vives sont plus lourdes dans le sens visuel que les
couleurs foncées – ainsi, ca prend 2 carrés foncées de la
Giotto. Madonna Enthroned.
même grandeur pour équilibrer une carré rouge de la C. 1310. Uffizi, Florence.
même grandeur.
L’ équilibre Symétrique /
L’ équilibre radial
formel
! Avec l’ équilibre radial, tous
les éléments rayonnent ou
encerclent un point central.
! Cette peinture abstraite Il est fréquemment employé
renommée est parfaitement en architecture mais
symétrique. Il s’appelle seulement parfois dans la
aussi, « l’équilibre peinture parce que son
formel. » Pouvez-vous point de fuite est trop Photo of the coffers on Pantheon ceiling - Rome
placer la ligne de symétrie évident.
sur la peinture?
Frank Stella. Gran Cairo. 1962.
Whitney Museum of American Art
New York.
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Principe #2: L’emphase Pour créer de l’emphase:
! L’emphase est la création de l’importance visuelle ou un centre
! Arrangez la plupart des éléments
d’intérêt.
de façon horizontale et insérez
quelques formes verticales.
! L’emphase est souvent créé en contrastant un des élément, par
exemple, la couleur. Il est employé pour guider les yeux du
! Arrangez la plupart des éléments
spectateur ou pour communiquer une action ou un émotion.
dans votre dessin comme formes
ou lignes régulières et
géométriques et insérez une forme
organique, comme dans l’image de
Frank Miller à droit.
Frame of “Sin City” by Frank Miller
Pour créer de l’emphase: Pour créer de l’emphase:
! Faites un œuvre d’art dans
! Créez un œuvre où la lequel la majorité des
majorité des objets sont formes naturelle sont
approximativement de la déformées, mais où il y a
même grandeur, et où un une section facilement
est beaucoup plus grand. reconnaissable.
Lucas Samaras
Photo-Transformation
“Earth” Jeff Soto November 22, 1973
Pour créer de l’emphase: Principe #3: Le rythme
! Créez un œuvre d’art dans ! Le rythme est la fluidité ou le
lequel la majorité des mouvement dans la
couleurs sont foncées, et conception, communiqué à
contrastez-les avec des travers des motifs, l’espace, la
couleurs vives. répétition, ou l’accentuation
d’un des éléments.
! Dans l’art, le rythme est lié au
mouvement. Comme principe
Lucas Samaras
de conception, il est basé sur la
Large Drawing #45. 1966. répétition.
Museum of Modern Art, New York.
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Principe #3: Le rythme Les motifs font le rythme
! Le rythme peut toujours être crée en employant les motifs. Les
! La répétition dans cette
artistes peuvent employer les motifs exactement répétés pour
peinture crée un sens de
créer le rythme.
mouvement.
Marcel DuChamp
Andy Warhol.
Nude Descending a Staircase, No. 2. ‘Marilyn', Andy Warhol. 1961
Campbell’s Soup Cans. 1962.
1912. Philadelphia Museum of Art.
Un technique efficace à
Principe #4: L’unité
développer l’unité...
! Pour faire les éléments disparates sembler comme ils vont
ensemble – employez la proximité, ou plus simplement,
mettez ces éléments l’un à côté de l’autre.
! L’unité arrive quand un ou ! Considérez: dans le couloir à midi, pouvez-vous voir quels
plus des éléments sont groupes de gens sont amis (unifiés) dans la façon qu’ils
similaires à travers la s’assoient ou se tiennent debout ensemble?
conception. Elle donne
l’impression de la dignité et
de la cohésion.
Audrey Flack. 1977-78.
Wheel of Fortune.
L’unité L’unité de forme
! L’unité est réalisé par la répétition
! Des exemples de l’unité réalisé à travers la répétition et la
! Dans cette peinture, les spectateurs peuvent voir l’unité dans la superposition
répétition des formes. Les rectangles, les triangles, et les cercles
répètent, et de plus, on peut voir un nombre incroyable de
diagonaux parallèles.
Audrey Flack.
Pablo Picasso. Crayola.
The Studio. 1927-28. 1972-73.
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L’unité de couleur Principe #5: La variété
! La variété arrive quand les
changements dans les
éléments sont employés
afin de créer de l'intérêt.
! Les différences donnent à
la conception de l’intérêt
visuel et conceptuel. Salvador Dali. The Temptation of St. Anthony. 1946.
Souvent, la variété est
! L’unité est créé ici en “Red Sings the Blues” by Andrea Lyon
évident dans le contraste, Les Surréalistes employaient
employant les couleurs la grandeur, ou la texture. souvent la variété!
analogues (similaires).
Principe #6: La proportion La proportion
! La proportion est le rapport entre les parties de l’oeuvre entier ou
entre un objet et un autre. La proportion fait référence à la ! Il y a des œuvres qui sont
grandeur relative, la grandeur mesurée contre un norme (mental) connus en particulier pour
standard. leur grandeur exagéré.
Le peintre surréaliste , René Magritte a
tellement changé la proportion ici pour
créer de l’intérêt. Mount Rushmore.
Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen
Rene Magritte. La Chambre D’Ecoute.
Spoonbridge and Cherry, 1985-1988
La proportion Jouez avec la proportion
! Dans « The Old Guitarist » par
! Les personnes ont une idée générale des
Picasso, les proportions du corps
proportions du corps humain.
humain sont déformés.
! La plupart de ces idées au sujet de la
! Le vieil hommes est allongé avec
proportion ont été établi il y a presque
des bras et jambes minces, et un
2500 années, dès la période classique en
corps, des pieds, et des mains
Grèce. Bien qu’aucune figure n’ était
élargis. Ces déformations, en
considéré parfait, le rôle de l’artiste était
combinaison avec la couleur,
de créer la perfection non pas trouvé
deviennent une expression
dans la nature. Polyclitus. The Spear Carrier.
Roman copy of Greek original.
émotive sur les effets débilitants de
Picasso. The Old Guitarist. 1903.
450-440 BC. National Museum, Naples.
The Art Institute of Chicago.
l'âge.
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Comment pouvez-vous
employer vos connaissances
des éléments et principes de
la conception pour changer et
améliorer votre art?
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