Diapositivas PAEG Arte Barroco

HISTORIA DEL ARTE 1
DIAPOSITIVAS PAEG ARTE BARROCO


1. BALDAQUINO DE SAN PEDRO (Bernini, 1624-33)
Primer encargo de Urbano VIII a Bernini para llenar el espacio vacío del
crucero de la basílica de San Pedro. Es realizado con el bronce expoliado
del Panteón de Agripa, lo que le valió la frase “lo que no hicieron los
bárbaros, lo hicieron los Barberini” en alusión a la familia del Papa.
Se trata de un gran palio (toldo procesional), sustentado por cuatro
columnas salomónicas, de fustes con decoración vegetal y capiteles
corintios, sobre cuatro podios de mármol. El dosel formado por cuatro
gigantes volutas (diseñadas por Borromini), se remata con el globo
terrestre y la cruz, símbolos del triunfo universal de Cristo.
Su estructura transparente no rompe la visión, pero sí que el movimiento
de sus formas y su decoración que alterna dorados y ocres imprimen al
lugar un bello dinamismo.
El baldaquino simboliza el lugar, cobijando la tumba de San Pedro, pero también enfatizando la figura
del Papa, cuyos símbolos familiares (las abejas y el sol) aparecen numerosas veces en la parte superior.
Las columnas similares a las del Templo de Salomón, simbolizan el lugar como la nueva Jerusalén,
triunfante sobre el protestantismo.
GIAN LORENZO BERNINI (1598-1680): Es el gran arquitecto y escultor del barroco italiano. Comenzó
trabajando para Scipione Borghese. Sus obras principales las desarrolla en Roma, trabajando para
diversos papas casi en exclusividad, principalmente para Urbano VIII que al recibirlo le dijo “ es una
gran fortuna que me veas como Pontífice, pero mayor es mi fortuna porque vivas en mi pontificado ”.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco italiano del siglo XVII),
Título/Obra (Baldaquino de San Pedro), Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (San Pedro del
Vaticano, Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),
Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini con
la más clásica de Maderno, también en Italia, o Mansart en Francia), Influencia obra-época (el papado y
su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y el uso del arte como medio de propaganda y
para mostrar su grandeza).

2. PLAZA DE SAN PEDRO DEL VATICANO, PLANTA Y COLUMNATA (Bernini,
1656,1667)
Una vez acabada la basílica de San Pedro se debe urbanizar el
espacio exterior. La idea Contrarreformista es la de conmover
al visitante, y por tanto esta Plaza es la estrella de todas las
construcciones barrocas vaticanas. Se trata de exaltar la
importancia de la Roma Papal como centro de la Iglesia
Católica. Encargada por el papa Alejandro VII, es el final de la
vía de la Conciliazione que une Roma con el Vaticano. Su
estructura está sometida a la existencia de la basílica, cuya
cúpula de Miguel Ángel debe ser visible como lugar más

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importante (cabeza de la cristiandad). Bernini dispone una planta elíptica, rodeado por columnas
gigantes de orden toscano, que se remata con una balaustrada y 140 figuras de santos y mártires. El
pasillo continua y se abre hasta la fachada de la basílica, utilizada como gran escenario teatral desde
donde el pontífice hace sus apariciones públicas y especialmente la bendición Urbi et Orbi. Visualmente
la ventana puede verse desde cualquier punto. En el centro de la plaza se sitúa el obelisco de Fontana
(coronado por una cruz) allí colocado por el Papa Sixto V, y dos fuentes diseñadas por Maderno y el
propio Bernini.
Simbólicamente, las columnas son como dos brazos abiertos que
acogen a los fieles, uniendo la ciudad con la iglesia.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura
del Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Columnata de la
Plaza de San Pedro del Vaticano), Autor (Gian Lorenzo Bernini),
Situación (El Vaticano, Italia), Cronología (siglo XVII), Época
histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con las grandes plazas
renacentistas, como la del Capitolio en Roma de Miguel Ángel, y comparar con la arquitectura más
barroca y dinámica de Bernini y Borromini con la más clásica de Maderno, también en Italia, o Mansart
en Francia), Influencia obra-época (el papado y su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y
el uso del arte como medio de propaganda y para mostrar su grandeza).

3. SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES (Borromini)
Primer encargo realizado en solitario para Borromini. Los Trinitarios
encargan construir su convento e iglesia. Disponen de un pequeño e
irregular solar que hace esquina al cual hay que adaptarse, además de
respetar las 4 fuentes que dan nombre al lugar. Las obras se inician por
la iglesia construida entre 1638 y 1641, la fachada se comenzará en
1665 y se finaliza después de la muerte del autor.
La planta es un óvalo que se adapta al solar e imprimiendo una sensación
ondulante. Se levantan grandes columnas, sobre ellas arcos de medio
punto y pechinas, que sostiene una cúpula de forma oval con
inconfundibles casetones geométricos (octógonos, hexágonos y cruces)
que parece estar suspendida por la iluminación de las pequeñas ventanas
superiores.
En la fachada predomina la línea curva. Se divide en dos cuerpos, donde se combinan diferentes
tamaños de columnas. En el superior se coloca un pequeño templete y sobre él un medallón central
sostenido por ángeles. La escultura es incorporada a la fachada como un elemento más. El conjunto se
inserta a la perfección en el contexto urbano de Roma. El resultado dio a Borromini un especial
reconocimiento, recibiendo numerosos encargos de órdenes religiosas. Su estilo fue siempre la unión de
arquitectura y escultura y el predominio de las líneas curvas.
FRANCESCO CASTELLI, BORROMINI (1599-1667): Arquitecto y escultor, llegó a Roma en 1619,
trabajando para Maderno y para Bernini, donde se enemistaron de por vida. Sólo trabajó con el papa
Inocencio X y debió trabajar principalmente para órdenes religiosas con mucho menos poder económico
que el Vaticano. Su carácter era solitario, poco interesado en las riquezas materiales. Inmerso en una
profunda depresión quemó todos sus escritos y diseños y se suicidó en 1667.

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No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco italiano del siglo XVII),
Título/Obra (Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes), Autor (Francesco Borromini), Situación
(Roma, Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),
Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini con
la más clásica de Maderno, también en Italia, o Mansart en Francia), Influencia obra-época (el papado y
su poder en la Edad Moderna y su papel como mecenas y el uso del arte como medio de propaganda y
para mostrar su grandeza).

4. PLAZA MAYOR DE SALAMANCA (Churriguera, 1729-1750)
Proyectada por Alberto de Churriguera sobre la antigua
plaza de San Martín y basándose en el tipo de plaza
mayor barroca española cuyos mejores ejemplos están
en Madrid y Córdoba. Se trata de un rectángulo
irregular (cada lado tiene una longitud distinta). Cada
fachada está compuesta por tres pisos, sobre arcos de
medio punto, en cuyas enjutas aparecen medallones
donde se representa a importantes personajes de la
historia de España: desde los reyes de España, famosos
literatos o conquistadores de América. En la fachada
norte, destaca el edificio del Ayuntamiento (proyectado por Andrés Quiñones, que finaliza las obras),
más alto y formado por dos pisos, rematado por una espadaña de tres campanas, esculturas alegóricas y
una veleta. El conjunto es clásico churrigueresco, una variante barroca de la arquitectura española.
Destaca el color de la piedra dorada propia de la zona. Su uso ha sido de lo más variado, originalmente
para actos públicos y mercado, pero también como plaza de toros o testigo de ajusticiamientos.
FAMILIA CHURRIGUERA: Formada por diversos artistas que destacaron principalmente en la
arquitectura de Castilla del s. XVIII, dando lugar a la denominación de Churrigueresco como estilo
artístico recargado de decoración. Fruto de sus colaboraciones destacar esta Plaza Mayor de
Salamanca y numerosos retablos en toda España (Salamanca, Madrid, Valladolid…).
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del Barroco español del siglo XVIII),
Título/Obra (Plaza Mayor de Salamanca), Autor (Alberto de Churriguera), Situación (Salamanca,
España), Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),
Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini en
Italia con la española, indicando las causas de sus evidentes diferencias), Influencia obra-época (el
Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave
crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que afectan principalmente a la
arquitectura y escultura).

5. FACHADA DEL HOSPICIO DE MADRID (Pedro de Ribera, 1722)
Fachada para el Hospicio de San Fernando de Madrid, que Ribera concibe como una monumental
escultura que busca integrar el edificio en el urbanismo.
Se organiza como el retablo de una iglesia, dividido en dos cuerpos ricamente decorado con estípites
(columnas), óculos y cortinajes que generan un movimiento ondulatorio y ascendente hacia la figura de
San Fernando, situada en la hornacina central superior.

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PEDRO DE RIBERA (┼ 1742): Es uno de los arquitectos barrocos más
importantes en España. Trabajó como arquitecto municipal de Madrid,
llevando a cabo las principales obras del momento en la capital.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del
Barroco español del siglo XVIII), Título/Obra (Antiguo Hospicio de
Madrid), Autor (Pedro de Ribera), Situación (Madrid, España), Cronología
(siglo XVIII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),
Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica
de Bernini y Borromini en Italia con la española, indicando las causas de sus
evidentes diferencias), Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en
España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una
grave crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que
afectan principalmente a la arquitectura y escultura).

6. TRANSPARENTE DE LA CATEDRAL DE TOLEDO (Narciso Tomé, 1729-1732)
Conjunto escultórico situado en la girola de la Catedral de Toledo,
detrás del Altar Mayor. Se abre un óculo en el techo que permite la
iluminación del sagrario (lugar donde se conserva el santo sacramento) y
de todo el conjunto. Es concebido como un retablo cóncavo, de dos
cuerpos de altura, unidos por un gran círculo central del que nacen
rayos dorados que simbolizan el sol de la Eucaristía. Alrededor una gran
corte de ángeles en contrastadas actitudes. En el cuerpo inferior, una
escultura de la Virgen con el niño, y en el superior, la última cena.
Es un gran y expresivo conjunto dedicado al Santo Sacramento, que
aúna la escultura con la luz, y que rompe el monótono gótico del edificio,
completando más la catedral como un museo de obras de todas las
épocas.
NARCISO TOMÉ (1690-1742): Es arquitecto y escultor. Fue nombrado
Maestro Mayor de la Catedral de Toledo, y además junto a su hermano
realizó la fachada de la Universidad de Valladolid.
Título/Obra (Transparente de la Catedral de Toledo), Autor (Narciso Tomé), Situación (Toledo,
Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini en
Italia con la española, indicando las causas de sus evidentes diferencias), Influencia obra-época (el
crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que afectan principalmente a la
arquitectura y escultura).

7. FACHADA DEL OBRADOIRO (Casas Novoa, 1738)
Fachada que cubre la portada románica de la catedral. El objetivo era proteger el Pórtico de la Gloria,
integrar el edificio en el urbanismo de la ciudad y ser el final de la escalinata que ya se estaba
construyendo. Realiza un telón piramidal, articulado en tres calles. Para la iluminación del Pórtico abre

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ventanales que aligeran el aspecto exterior y los pisos superiores van
decreciendo hasta el remate final donde aparece la figura del
Apóstol Santiago.
La fachada es dinámica gracias a su juego de luces y de sombras,
como un gran decorado teatral, y que se ha convertido en la imagen
de la ciudad de Santiago de Compostela, que renueva durante la
época barroca su urbanismo medieval.
FERNANDO DE CASAS NOVOA (1670-1750): Arquitecto gallego
que trabajó en numerosos lugares de su tierra como Lugo, Betanzos o
La Coruña. Nombrado en 1711 como maestro de obras de la Catedral
de Santiago, realizará para esta ciudad sus obras más importantes.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Arquitectura del
Barroco español del siglo XVIII), Título/Obra (Fachada del Obradoiro), Autor (Fernando de Casas
Novoa), Situación (Santiago de Compostela, España), Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural
(Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la arquitectura más barroca y dinámica
de Bernini y Borromini en Italia con la española, indicando las causas de sus evidentes diferencias),
Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía
en Europa y con una grave crisis política, económica y social y sus consecuencias artísticas, que afectan
principalmente a la arquitectura y escultura).

8. FACHADA DEL PALACIO REAL DE MADRID (Juvara y Sachetti, 1736-1764)
Obra más importante del barroco palaciego español,
encargada por Felipe V tras el incendio del antiguo
alcázar de los Austrias. El rey encarga el palacio al
mejor arquitecto italiano del momento Juvara, y que a
su muerte en 1736 fue sustituido por su discípulo
Sacchetti.
Se trata del mejor ejemplo de arquitectura palaciega
borbónica, de planta rectangular en torno a un patio
central y enmarcada por torreones que no resaltan en
altura.
La fachada principal se inicia con un zócalo almohadillado, sobre él, se elevan dos cuerpos monumentales
en el que dominan pilastras dóricas de orden gigante, y columnas de capitel compuesto en los lados.
Entre ellas se disponen balcones coronados por frontones curvos y triangulares, y sobre ellos, ventanas.
Está rematada por una balaustrada con jarrones. Destacan el reloj central y la decoración como
escudos de armas. Se trata de una gran construcción, en la línea más clásica del barroco y que sirve
como gran estandarte propagandístico de la nueva dinastía de reyes españoles, los Borbones.
JUVARA y SACCHETTI: Felipe Juvara es arquitecto italiano, nacido en Messina y que trabajó para
diversos mecenas como el Papa o la familia Saboya. En 1735, es llamado por Felipe V, rey de España para
proyectar obras en el Palacio de la Granja (Segovia), Aranjuez y Madrid. A su muerte las obras fueron
finalizadas por algunos de sus discípulos. Juan Bautista Sacchetti, sustituye a su maestro en las obras
del Palacio Real. Después continuaría en España como director de la Academia de San Fernando y

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maestro mayor de obras de Madrid, proyectando obras como la Catedral de la Almudena o el viaducto
de Bailén.
Título/Obra (Palacio Real de Madrid), Autor (Juan Bautista Sacchetti), Situación (Madrid, España),
Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar
(comparar con la arquitectura más barroca y dinámica de Bernini y Borromini en Italia con la española y
con el Palacio de Versalles de Mansart en Francia), Influencia obra-época (el Siglo de Oro cultural en
España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis política, económica
y social y sus consecuencias artísticas, que afectan principalmente a la arquitectura y escultura).

9. APOLO Y DAFNE (Bernini, 1622-1625)
Obra de juventud realizada para el cardenal Borghese. Representa un tema
mitológico, narrado en la Metamorfosis de Ovidio. Dafne, una ninfa, había
renunciado a casarse. El dios Apolo se había enamorado de ella, y a pesar
de ser rechazado, la persiguió por el bosque. Dafne, al encontrarse
acorralada, pidió ayuda a su padre, el dios del río Peneo, que la convirtió en
laurel antes de ser atrapada.
Se combina a la perfección la belleza clásica con el movimiento barroco. La
expresión de los sentimientos es grande, la ninfa grita asustada, mientras
el dios mira perplejo la transformación. Bernini capta con genialidad ese
momento fugaz en el que Dafne es mitad mujer, mitad laurel.
La composición es de grandes diagonales que acentúan el dinamismo, con el
movimiento de los cabellos y los ropajes. El dominio técnico en el mármol se
hace patente en los distintos acabados de la piel, el tronco o incluso las
hojas, y la luz, que incide sobre la obra y pasa a formar parte de ella.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco italiano del siglo XVII),
Título/Obra (Apolo y Dafne), Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (Galería Borghese de Roma,
Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar
(comparar con la escultura renacentista y manierista y comparar también la escultura barroca italiana
con la barroca española), Influencia obra-época (Bernini como arquitecto y escultor casi exclusivo del
Vaticano, del Papa Urbano VIII, de ahí su fama y sus encargos y su enorme influencia en los siglos XVII
y XVIII).

10. ÉXTASIS DE SANTA TERESA (Bernini, 1645-1652)
Forma parte de la capilla Cornaro en la Iglesia de Santa Mª de la Victoria (Roma) dedicada a Santa
Teresa de Jesús. Se unen arquitectura, pintura y escultura, formando un escenario teatral, completado
con los palcos laterales, donde se representan a la familia Cornaro que asiste al milagro e integra en la
escena al espectador.
En el centro, una escena descrita por la propia Santa Teresa en su obra Vida:
"Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este
me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía
las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios."

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Sobre una nube, Santa Teresa en pleno éxtasis, con el cuerpo desmayado
y la boca entreabierta en un gemido. Frente a ella, un ángel sonriente, se
dispone a atravesar su corazón con una flecha de fuego. Las distintas
calidades contrastan en un mismo material, el mármol, y evidencian el
dominio técnico del autor.
La escena se ilumina por una ventana, oculta por elementos
arquitectónicos, pero que se materializa en rayos dorados que completan
el conjunto barroco por excelencia.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del
Barroco italiano del siglo XVII), Título/Obra (Éxtasis de Santa Teresa),
Autor (Gian Lorenzo Bernini), Situación (Capilla Cornaro en la Iglesia de
Santa María de la Victoria en Roma, Italia), Cronología (siglo XVII),
Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar con la escultura
renacentista y manierista y comparar también la escultura barroca italiana con la barroca española),
Influencia obra-época (Bernini como arquitecto y escultor casi exclusivo del Vaticano, del Papa Urbano
VIII, de ahí su fama y sus encargos y su enorme influencia en los siglos XVII y XVIII).

11. CRISTO YACENTE (Gregorio Fernández, 1614)
Una de las obras maestras del principal representantes de la Escuela
de Valladolid del XVII. Crea un nuevo tipo de Cristo en la imaginería,
donde no aparece relacionado con la cruz, sus verdugos, su madre u
otros personajes.
Representa a Cristo al acabar de morir. En su rostro se aprecia el
sufrimiento, las heridas abiertas. El estudio anatómico es perfecto,
apreciándolo en huesos y músculos. Sólo se cubre con un trozo de la
sábana.
Con el uso de la policromía sobre la madera, se acentúa el
dramatismo, se aprecia mejor la sangre, la suciedad, los moratones.
Gregorio Fernández crea un nuevo tipo de Cristo Yacente, realizando
una larga serie como el de San Pablo y Santa Ana en Valladolid, el de
la Encarnación o San Felipe de Neri en Madrid o el de la Catedral de Segovia. Se situaban en el banco
de los retablos y el Viernes Santo frente al altar mayor.
GREGORIO FERNANDEZ (1576-16236): Principal escultor de Valladolid del s. XVII y uno de los más
importantes imagineros de la historia. Su escultura destaca por el extremado dramatismo. De origen
gallego, trabajó toda su vida en Valladolid, cuando era sede de la Corte real, donde tuvo un importante
taller del que salieron sus principales obras.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Escultura del Barroco español del siglo XVII,
Escuela Castellana), Título/Obra (Cristo yacente), Autor (Gregorio Fernández), Situación (Museo
Nacional de Escultura de Valladolid, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco,
Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de
la Escuela Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época
(el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una

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grave crisis política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como
principal cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

12. CRISTO DE LA CLEMENCIA (Martínez Montañes, 1603,1606)
Cristo crucificado de la sacristía de la Catedral de Sevilla. Es
representado justo antes de morir, con la cabeza inclinada, mirando al
orador, sin ningún tipo de drama, sino con la dulzura propia de la escuela
andaluza del s. XVII.
Su anatomía es modelada con perfección, con belleza clásica. No hay
signos de tortura, ni sangre. En el paño, el autor muestra su perfección
técnica, en una tela que se ondula y se mueve, contrastando ese
movimiento con el estatismo de la figura.
La figura es uno de los “cristos” más representativos de la imaginería
española, y más en concreto de su autor.
MARTINEZ MONTAÑÉS (1568-1649): Es uno de los autores más
importantes de la imaginería andaluza del s. XVII. Su producción fue
amplia, en su totalidad de tema religioso, que destacó por su dulzura y clasicismo, y sus obras como el
Cristo o la Inmaculada de las más admiradas en la época.
Escuela Andaluza), Título/Obra (Cristo Crucificado o Cristo de la Clemencia), Autor (Juan Martínez
Montañés), Situación (Catedral de Sevilla, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural
(Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana
con la de la Escuela Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia
obra-época (el Siglo de Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y
con una grave crisis política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como
principal cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

13. LA INMACULADA (Alonso Cano, 1655)
Figura de pequeño tamaño, encargada para el facistol del coro de la Catedral de
Granada (un atril central que se situaba en el centro del coro para colocar el libro de
cantos) La obra podía ser contemplada desde cualquier punto de vista y por ello, Cano
se esforzó en esos varios puntos de observación.
Apoyada sobre una nube de querubines, muestra a una virgen en la línea de la
imaginería andaluza, una niña de enorme dulzura. Su rostro está concentrado lo que le
proporciona más espiritualidad. Une sus manos con finura y el autor las trabaja con
delicado estudio anatómico. La policromía es muy cuidada, demostrando que Cano
conocía a la perfección las técnicas pictóricas.
ALONSO CANO (1601-1667): Trabajó todas las artes. Inició su formación con su
padre y después en el taller de Pacheco. En 1683 fue llamado a la Corte, protegido por
el Conde Duque de Olivares.
Escuela Andaluza), Título/Obra (Inmaculada), Autor (Alonso Cano), Situación (Catedral de Granada,
España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

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Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de la Escuela
Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época (el Siglo de
Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis
política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal cliente y
la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

14. MAGDALENA PENITENTE (Pedro de Mena, 1664)
Encargo de los jesuitas de Madrid que refleja la importancia del
arrepentimiento en el pecador. La expresión de la mujer refleja ese sentimiento
y sus pies descalzos, la penitencia, junto con una túnica de trenzado vegetal
atada con una cuerda.
Se trata de una figura de madera en tamaño real, que conectó muy bien con el
gusto del pueblo, ya que su rostro expresa dolor y comunica ese sentimiento
religioso. Al rostro, le acompañan la expresividad de las manos, el pelo lacio, y el
cuerpo que se inclina ligeramente hacia el crucifijo de madera. La policromía es
sobria, de colores oscuros que realza la espiritualidad.
La figura es muy simple pero responde perfectamente al sentimiento barroco
español contrarreformista, expresando el arrepentimiento y la penitencia,
sacramento que es negado por los protestantes.
PEDRO DE MENA (1628-1688): Comenzó trabajando en el taller de su padre y fue discípulo de Alonso
Cano. Trabajó en diversos puntos de Andalucía, firmando todas sus obras, en busca del reconocimiento
artístico. Su obra tuvo gran éxito, conectó con el sentimiento del público y creó modelos iconográficos
propios como la Magdalena o San Francisco.
Escuela Andaluza), Título/Obra (Magdalena Penitente), Autor (Pedro de Mena), Situación (Museo del
Prado, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),
Relacionar/comparar (comparar la escultura barroca de la Escuela Castellana con la de la Escuela
Andaluza, y ambas con la escultura barroca italiana contemporánea), Influencia obra-época (el Siglo de
Oro cultural en España, coincidente con la pérdida de su hegemonía en Europa y con una grave crisis
política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal cliente y
la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

15. PASO DE LA ORACIÓN DEL HUERTO (Salzillo, 1760)
Paso para la procesión del Viernes Santo en Murcia, perteneciente a la Iglesia de Jesús, donde se
guardan otros pasos del autor.
La obra recoge el momento en el que Jesús se retira al huerto de los olivos, momentos antes de
iniciarse la Pasión. Sólo le acompañaron los apóstoles Juan, Santiago y Pedro, que quedaron dormidos.
Pedro, el más anciano, porta la espada que pronto utilizará para defender a Jesús, su sueño es menos
profundo y en su brazo se adivina la tensión muscular del que está alerta.
Es el momento en el Jesús reza y se le aparece un ángel para reconfortarle. Jesús está arrodillado,
hundido, y el ángel, de belleza adolescente, con las alas aún desplegadas, acaba de posarse en el suelo.
Todas las figuras forman un grupo integrado, de gran belleza que expresan como pocas un sentimiento
religioso como sólo lo hicieron los grandes maestros del barroco.

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FRANCISCO SALZILLO (1707-1783): Comienza su
trabajo en el taller de su padre, familia de origen
italiano. Trabajó toda su vida en Murcia. Perteneció a
la cofradía de Jesús Nazareno, para la que realizó
ocho pasos procesionales entre los que destacan la
Oración del huerto o La Caída. Otra de sus grandes
obras fue un belén, formado por más de 500 figuras.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa
(Escultura del Barroco español del siglo XVIII en
Murcia), Título/Obra (Magdalena Penitente), Autor
(Pedro de Mena), Situación (Museo del Prado,
Relacionar/comparar (comparar la escultura de Salzillo con la escultura barroca de la Escuela
Castellana y la de la Escuela Andaluza, y con la escultura barroca italiana), Influencia obra-época (el
crisis política, económica y social, sus consecuencias artísticas, el papel de la Iglesia como principal
cliente y la plasmación en la escultura de las ideas de la contrarreforma).

16. LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO (Caravaggio, 1601)
Encargo para la capilla Cesari en la Iglesia de Santa Mª del Popolo
(Roma), se encuentra junto a otra obra del autor, La crucifixión de
San Pedro.
El lienzo muestra la escena cuando el joven Saulo, soldado romano
cazador de cristianos, es derribado de su caballo por una poderosa
luz y una voz le pregunta “Saulo, ¿por qué me persigues?” Quedó
ciego y recuperó la vista milagrosamente, convirtiéndose en el
Apóstol San Pablo.
Caravaggio representa la escena en un ambiente nocturno, sin
paisaje, el joven caído en el suelo con ojos cerrados, los brazos
abiertos como si viviera un éxtasis, el caballo y en la penumbra, un
criado. El centro queda vacío como si el autor quisiera representar
así la presencia divina.
El autor vuelve a usar todos los recursos tenebristas que hicieron grandiosa su obra.
CARAVAGGIO, Michelangelo Merisi (1573-1610): Nació en Milán, hijo del marqués de Caravaggio,
pueblo de Bergamo. Trabajó en Milán, estudió a los venecianos y se trasladó a Roma, donde destacó por
su obra revolucionaria y su desordenada vida. Acusado de asesinato, huyó de Roma, trascurriendo el
resto de su vida en Nápoles, Malta y Sicilia. Murió en Porto Ercole aquejado de malaria.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca italiana tenebrista), Título/Obra
(La conversión de San Pablo), Autor (Caravaggio), Situación (Capilla Cesari de la Iglesia de Santa María
del Popolo en Roma, Italia), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),
Relacionar/comparar (comparar brevemente la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista
precedentes, comparándola también con la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma
razonada, en el lugar cronológico-artístico que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época


(la pintura barroca como expresión propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la
Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su grandeza).

17. LA MUERTE DE LA VIRGEN (Caravaggio, 1606-1606)
Obra para la iglesia de Santa Maria Della Scala (Roma), representa el
momento de la muerte de la Virgen, Magdalena llora a su lado y los
apóstoles la rodean mostrando su dolor. Como modelo tomó a una
prostituta ahogada en el Tíber, que por su realismo se aprecia en el
vientre y pies hinchados. Los apóstoles son hombres vulgares, mendigos
sucios, pero desbordados por el dolor. Ese profundo sentimiento
religioso no fue captado y el cuadro fue rechazado y retirado del altar,
incomprensión que no fue una novedad en la obra de Caravaggio.
Es un claro exponente del tenebrismo, el cuadro se estructura a partir
del rayo de luz que cruza en diagonal (una luz de sótano), iluminando las
cabezas y el cuerpo de la Virgen. Utiliza el claroscuro y el color que
resalta el vestido rojo de la Virgen (asociado a la pobreza y la
prostitución) y la cortina del fondo que acentúa la teatralidad
dramática de la escena.
El tema se desprende de toda irrealidad y se presenta como la realidad del dolor ante la muerte.
Después de ser rechazada, fue comprada por Rubens para el duque de Mantua, y la expuso durante dos
semanas en Roma, cuando su autor ya había abandonado la ciudad acusado de asesinato.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca italiana tenebrista), Título/Obra
(La muerte de la Virgen), Autor (Caravaggio), Situación (Museo del Louvre en París, Francia), Cronología
(siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar
brevemente la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola
también con la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el lugar
cronológico-artístico que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca
como expresión propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo
utilizaron como manifestación de su grandeza).

18. LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS (Rubens, 1624)
Lienzo de gran formato (218 x 280 cm.), basado en el tema bíblico de la Adoración de los reyes Magos,
uno de los temas preferidos del autor y del que realizó varias versiones (además de ésta, destacar la
del Museo del Prado en Madrid).
Encargada por un abad y destinada para la Catedral de Amberes, cuenta la leyenda que Rubens lo pintó
en apenas una semana, algo exagerado a pesar del estilo y pinceladas rápidas y vaporosas del autor.
La composición destaca al niño y la Virgen con los tres Magos, que destacan en luminosidad. El resto de
personajes, incluso San José, quedan oscurecidos en un segunda plano. Así el autor focaliza la mirada
del espectador.
La escena está enmarcada en un establo, un pequeño trozo de cielo que imprime profundidad y en el que
se ve un capitel corintio, aludiendo a que el orden antiguo es reemplazado por la Iglesia. Se aprecia el
gusto por el color, muy cálido como el rojo y el dorado de las armaduras, (influencia de la escuela de
Venecia) y el gusto de Rubens por lo exótico, que se refleja en los camellos, la diversidad de razas de


los personajes e incluso dos soldados romanos. Formando en total
un cuadro lleno de movimiento y barroquismo del que Rubens es uno
de los grandes exponentes. En el rostro de la Virgen se puede
reconocer a su primera esposa Isabel Brandt, que posó para él en
numerosas ocasiones.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura
barroca flamenca), Título/Obra (La Adoración de los Magos),
Autor (Peter Paul Rubens), Situación (Museo de Bellas Artes de
Amberes, Bélgica), Cronología (siglo XVII), Época
histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar
(comparar brevemente la pintura barroca con la pintura
renacentista y manierista precedentes, comparándola también con
la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma
razonada, en el lugar cronológico-artístico que ocupa en la
evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión propagandística del
Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su
grandeza).

19. LAS TRES GRACIAS (Rubens, 1639)
Tema mitológico sobre las tres Gracias, hijas de Zeus, diosas del
encanto, la alegría y la belleza, y que suelen acompañar a las
divinidades del amor y presidir actos sociales placenteros como
banquetes o danzas.
Rubens usa este tema como pretexto de mostrar desnudos
femeninos, dentro de los ideales estéticos de la época, de gran
voluminosidad. En las gracias de los laterales, retrató a sus dos
esposas, Isabel, la primera (a nuestra derecha) y Elena, la
segunda (a nuestra izquierda).
La composición es clásica, las tres gracias forman un círculo,
entrelazándose, con el pie derecho atrasado como si fuesen a
iniciar una danza. Desnudas sólo se cubren con un pequeño velo
que acentúa el erotismo. Destaca la luminosidad de la escena, las
pinceladas largas y pastosas. Toda enmarcada por un tronco de árbol, flores, la figura de Cupido con el
cuerno de la abundancia y un paisaje idílico con animales pastando al fondo. Rubens conservó el cuadro
toda su vida. Su buena posición económica le permitía no pintar por encargo. A su muerte, sus bienes
fueron subastados y el cuadro adquirido por Felipe IV, pasando a formar parte de la colección real, y
hoy, del Museo del Prado.
PEDRO PABLO RUBENS (1577-1640): Es uno de los grandes pintores del barroco. Sus numerosos
viajes y su gran formación humanística definió su estilo, muy influenciado por la pintura italiana.
Instalado definitivamente en Amberes, abrió su taller, donde ejecutó sus principales y numerosas
obras, gracias a la colaboración de su taller y a sus largas horas de trabajo.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca flamenca), Título/Obra (Las Tres
Gracias), Autor (Peter Paul Rubens), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII),


Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente la
pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola también con la
pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el lugar cronológico-artístico
que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión
propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como
manifestación de su grandeza, en este caso se trata de una obra personal del autor y no a un encargo).

20. LA RONDA DE NOCHE (Rembrandt, 1642)
Obra maestra del autor holandés de grandes dimensiones (363 x 437 cm) ya que es encargada para
decorar el Cuartel General de la Guardia Cívica de Ámsterdam. Se trata de un retrato colectivo,
representa el momento en que la Compañía se pone en marcha, dirigida por el capitán Cocq y el teniente
Van Ruytenburch, al iniciar el desfile de la Milicia con motivo de la visita de María de Médicis a
Ámsterdam en 1638. Detrás aparecen soldados, niños corriendo, una muchacha que resplandece y un
perro que ladra, añadidos por el pintor sin más
motivo que animar la escena.
La composición es muy compleja, aparentemente
desordenada. Presenta al grupo de forma
espontánea y libre, captado en un instante, como
si se tratase de una fotografía. Hay enorme
animación, variedad de actitudes La luz es casi
tenebrista, unas figuras son muy visibles, pero
otras desaparecen en la penumbra y sólo vemos
sus cabezas creando una escena mágica. El color
es rico en matices, sin dibujo previo que diluye
los contornos. Debido a un barniz aplicado para
su conservación, el cuadro se oscureció y
erróneamente se ha conocido popularmente como “ La Ronda de Noche” aunque la escena es un interior a
mediodía.
Rembrandt cobró 1600 florines por la obra, 100 a cada u no de los retratados y posiblemente algo más
a los dos oficiales, de ahí que ocupen un lugar preeminente. Actualmente se expone en el Rijksmuseum
(Amsterdam).
REMBRANDT von Rijn (1606-1669): Máxima figura de la pintura holandesa del barroco. Instalado en
Ámsterdam se convierte en un pintor de éxito. Casado en dos ocasiones, a la muerte de su segunda
esposa y de su hijo Titus, cae en la incomprensión y en la ruina económica. Su vejez la pasa aislado y en
la miseria. Su obra abarcó todos los géneros, captando la humanidad de los retratados y una inigualable
luz dorada. Murió en Ámsterdam y fue enterrado bajo una lápida sin nombre.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca holandesa), Título/Obra (Las Tres
Gracias), Autor (Rembrandt), Situación (Rijksmuseum de Ámsterdam, Holanda), Cronología (siglo XVII),
que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca holandesa está


destinada a una clientela de comerciantes y burgueses acomodados, lo que dirige la mayor parte de la
producción pictórica).

21. EL MARTIRIO DE SAN FELIPE (José de Ribera, 1639)
Representa los preparativos de la tortura de San Felipe,
que tras la muerte de Jesús, marchó a predicar entre los
paganos de Frigia (actual Turquía), quienes decidieron
darle muerte, atándolo a una cruz con cuerdas. Durante
años ha sido confundido con San Bartolomé pero al no
aparecer el cuchillo con el que fue desollado, atributo del
santo en sus representaciones, se consideró que se
trataba de San Felipe. Además pudo ser encargado por
Felipe IV y hoy se expone en el Museo del Prado.
Destacan los violentos escorzos. El santo atado muestra
su resignación, a su lado los verdugos se deciden a atarlo
e izarlo a la cruz. A derecha e izquierda, grupos de
personas observan la escena, algunos indiferentes como
la mujer con el niño.
Destaca la monumentalidad de las figuras, sobre todo la del santo. Los colores son oscuros destacando
el rojo de un verdugo. En la parte superior el cielo es amplio, y las cuerdas y la cruz guían la vista fuera
del lienzo. Se trata de una obra de madurez, abandonado casi el tenebrismo, demostrando mayor
luminosidad.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El martirio
de San Felipe), Autor (José de Ribera), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII),
manifestación de su grandeza).

22. EL PATIZAMBO (José de Ribera, 1642)
Pintado durante su estancia en Nápoles, representa a un niño mendigo, tullido
por alguna enfermedad, donde la figura se recorta sobre el cielo, único fondo.
Posando de perfil se muestra sonriente a pesar de su condición y miseria, que
explica en el papel que lleva en la mano “da mihi Elimosinam Propter amorem
Dei” (Deme una limosna por el amor de Dios).
En esta obra, el autor ya ha abandonado el tenebrismo inicial y comienza el
camino de su estilo propio más luminoso y representando un tema muy
frecuente en el barroco español: el gusto por lo feo, por los personajes
deformes para mostrar mejor la crudeza del realismo.
JOSÉ DE RIBERA (1591-1652): Pasó la mayor parte de su vida en Italia, donde
era conocido como “Il Spagnoletto” por su baja estatura. De su Valencia natal,


pasó a Roma y después a Nápoles donde se convirtió en un importante pintor. Se inició en el tenebrismo,
después lo abandonó en su madurez, para retomarlo en su última etapa. Del “Caravaggio español”, Lord
Byron dijo que “pintaba con la sangre de los santos” en alusión a sus composiciones desgarradas.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El
patizambo), Autor (José de Ribera), Situación (Museo del Louvre de París, Francia), Cronología (siglo
XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente
la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola también con la

23. SAN HUGO EN EL REFECTORIO DE LOS CARTUJOS (Zurbarán, 1655)
Este lienzo es encargado junto a otros dos más, por la
cartuja de Santa María de las Cuevas, cerca de Sevilla.
Actualmente está en el Museo de Bellas Artes de
Sevilla.
La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno,
fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes
de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de
San Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les envió
carne, alimento al que no estaban acostumbrados, lo
que provocó una discusión sobre la conveniencia de
practicar la abstinencia. Mientras discutían quedaron
sumidos en un profundo sueño que duró toda la
Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los sorprendió
despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido. Entonces miró a los platos y
vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como aprobación divina de la abstinencia.
Dividido en tres planos, primero el paje y San Hugo, tras ellos, los cartujos, con rostros demacrados
por su largo ayuno y en el centro su fundador San Bruno. Sobre la mesa, el autor hace un verdadero
bodegón, con panes, platos y autentica cerámica de Talavera. Para decorar la austera habitación, un
lienzo con Virgen, niño y San Juan. Destaca en la obra la sencillez compositiva, la equilibrada luz que
refleja el ambiente de la vida monástica, el blanco en el que destacó Zurbarán aplicado en los ropajes
que puede alcanzar hasta cien distintos tonos.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (San Hugo
en el refectorio de los Cartujos), Autor (Francisco Zurbarán), Situación (Museo de Bellas Artes de
Sevilla, España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),


24. BODEGÓN (Zurbarán, 1635)
Aunque comúnmente conocido como el Bodegón del
Prado, su nombre es Naturaleza muerta con jarras y
tazas, además de las obras religiosas por encargos
de conventos, destaca en la producción de Zurbarán
la calidad en la realización de naturalezas muertas.
Se encuentra en el Museo del Prado.
Se trata de uno de los mejores ejemplos de
bodegón español, donde conjuga realismo y la
ternura de los objetos cotidianos, elevando lo más sencillo a obra de arte.
Sobre un fondo oscuro, se recortan cuatro figuras alineadas, autónomas, iluminadas por una luz
tenebrista. Los bodegones, sencillos y austeros del s. XVII en España, contrastan con la opulencia de
los realizados en los Países Bajos en esta época.
FRANCISCO DE ZURBARÁN (1598-1664): Sevillano y amigo de Velázquez, destacó por el misticismo
de sus obras, casi en su mayoría de temas religiosos y encargados por órdenes conventuales para los
que realizó largas series. Trabajó en Sevilla donde fue nombrado “Maestro pintor de la ciudad”,
Extremadura y Madrid. Muchas de sus obras fueron exportadas a América.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Bodegón),
Autor (Francisco Zurbarán), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII), Época
histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente la pintura
barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes, comparándola también con la pintura de
otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el lugar cronológico-artístico que ocupa en
la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión propagandística del
Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su
grandeza, en este caso se trata de una obra personal del autor y no a un encargo).

25. NIÑOS COMIENDO FRUTA (Murillo, 1650)
En sus inicios, Murillo, bajo un estilo tenebrista, representó a las clases
más bajas de la sociedad sevillana. Aquí, en una de sus obras juveniles,
presenta a dos niños vestidos con harapos, comiendo uvas y melón,
despreocupados por su pobre condición, tratando de un modo afectuoso a
los seres más desprotegidos de la sociedad, los niños pobres. Esta
temática era muy solicitada por los comerciantes asentados en Sevilla para
decorar sus casas.
Las figuras resaltan sobre un fondo oscuro. La escena es tratada con gran
naturalismo y detallismo: los niños comen despreocupados, la fruta tratada
como una naturaleza muerta, la basura bajo sus pies sucios, e incluso
moscas que se posan en el melón.
Los temas infantiles, junto con las Inmaculadas, proporcionó a Murillo un gran prestigio en su época.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Niños
comiendo fruta), Autor (Bartolomé Esteban Murillo), Situación (Pinacoteca de Munich, Alemania),
Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna), Relacionar/comparar
(comparar brevemente la pintura barroca con la pintura renacentista y manierista precedentes,


comparándola también con la pintura de otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada, en el
lugar cronológico-artístico que ocupa en la evolución del pintor), Influencia obra-época (la pintura
barroca como expresión propagandística del Absolutismo Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma,
que lo utilizaron como manifestación de su grandeza, en este caso se trata de una obra personal del
autor y no a un encargo).

26. INMACULADA CONCEPCIÓN DE SOULT (Murillo, 1676-78)
Su título verdadero es La Inmaculada Concepción de los Venerables,
fue pintado para el asilo de sacerdotes ancianos de Sevilla.
Actualmente se encuentra en el Museo del Prado.
La Virgen es representada como una joven, flotando sobre una nube, y
rodeada por una media luna de ángeles. Cada uno con distinta actitud
y movimiento imprimen al cuadro un sentido teatral, dinámico. La
luminosidad es importante, el fondo dorado donde se recorta la figura
de la Virgen que irradia luz y la zona de ángeles que va cayendo en
penumbra.
Murillo crea un nuevo tipo iconográfico de la Inmaculada Concepción
como reina del cielo, ligada a las normas de la Contrarreforma, y que
pretende despertar la piedad del creyente y acercarlo a Dios.
Esta temática tenía en Murillo su mejor pintor, que supo mejor que
nadie humanizar la religiosidad católica.
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617-1682): Menor de 14 hermanos, a los diez años quedó
huérfano. Pasó toda su vida en Sevilla, excepto dos años en Madrid. Su obra se inició en el tenebrismo
para ir ganado luminosidad y colorido. Su ternura y elegancia le proporcionaron gran fama, sobre todo
en coleccionistas extranjeros.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra
(Inmaculada Concepción de Soult), Autor (Bartolomé Esteban Murillo), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad Moderna),

27. VIEJA FRIENDO HUEVOS (Velázquez, 1618)
Obra de la etapa sevillana, en línea del tenebrismo, ilumina la escena una luz focal desde la izquierda. En
primer plano, combina una escena de género de tipos populares, la vieja y el niño, junto al bodegón,
reproduciendo utensilios de cocina y naturalezas muertas con una impresionante calidad.
Las figuras parecen surgir de la oscuridad y el pintor muestra un especial interés por el tratamiento
psicológico del personaje.


Realizado durante su trabajo en el taller sevillano de su suegro Pacheco, destacan los potentes
volúmenes, la pincelada fina y los tonos color madera.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa
(Pintura barroca española), Título/Obra (Vieja friendo
huevos), Autor (Diego de Velázquez), Situación (National
Gallery of Scotland, Gran Bretaña), Cronología (siglo
XVII), Época histórica/cultural (Barroco, Edad
Moderna), Relacionar/comparar (comparar brevemente la
pintura barroca con la pintura renacentista y manierista
precedentes, comparándola también con la pintura de
otras escuelas europeas y situándola, de forma razonada,
en el lugar cronológico-artístico que ocupa en la evolución
del pintor), Influencia obra-época (la pintura barroca como expresión propagandística del Absolutismo
Monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma, que lo utilizaron como manifestación de su grandeza, en
este caso se trata de una obra personal del autor y no a un encargo).

28. LOS BORRACHOS O EL TRIUNFO DE BACO (Velázquez, 1628)
Realizado en su primera etapa en Madrid para
Felipe IV, crea por primera vez una pintura de
gran complejidad, donde se funde el tema
mitológico con la pintura de género.
En el centro, destacando desnudo, el dios Baco,
coronando a uno de los borrachos, reconociendo
satíricamente sus méritos. La divinidad del joven
Baco, coronado con hojas de vid, contrasta con las
figuras vestidas de los campesinos borrachos,
retratos populares que contrastan con la
idealización del Dios.
La pincelada se va soltando y se puede apreciar el perfecto dominio de la perspectiva aérea en el
horizonte. En un primer plano queda restos de su primera época, donde realiza un pequeño bodegón.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Los
borrachos o El Triunfo de Baco), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España),


29. LAS LANZAS O LA RENDICIÓN DE BREDA (Velázquez, 1634-35)
Gran obra pintada para la decoración del Palacio del Buen
Retiro, inspirado en la rendición de la ciudad de Breda,
encabezada por Justino de Nassau, que capituló ante el
asedio de las tropas españolas capitaneadas por Ambrosio
Spínola. Se trata de una obra de Historia que Velázquez
reduce a una mera anécdota cuando Nassau y Spínola se
dirigen a abrazarse. Se exalta así la grandeza del vencido,
que eleva más aún la fama del vencedor, como escribió
Calderón en su obra El sitio de Breda, “el valor del
vencido es la gloria del vencedor ”, por ello las diferencias
entre los dos grupos son pocas, sólo los españoles, a la derecha se sitúan a una mayor altura y con sus
lanzas levantadas. Técnicamente la pincelada va siendo más suelta, en un primer término los detalles se
muestran con todo detallismo y se va perdiendo hasta las brumas de la lejanía. Es la máxima expresión
de la perspectiva aérea que funde la escena principal con el fondo de humos sobre el cielo.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (La
rendición de Breda), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo

30. CONDE DUQUE DE OLIVARES (Velázquez, 1634)
Retrato ecuestre del valido de Felipe IV, para la decoración del Palacio
del Buen Retiro, se le representa sobre el caballo, que demuestra su
poder, ya que era algo reservado a la monarquía. El animal se alza sobre
sus patas traseras ante un precipicio, Olivares mira al espectador,
ataviado con sombrero, con la banda del estado y el bastón de mando
señalando a la batalla, que solo se muestra como pequeñas manchas en
el fondo de paisaje, que se puede identificar con la sierra de Madrid.
La pincelada es cada vez más suelta para realizar detalles y plasmar la
perspectiva aérea.
El conde-Duque fue protector de los artistas y mentor de los pintores
sevillanos, entre los que estaba Velázquez, que gracias a su apoyo se
convirtió en pintor del rey Felipe IV, lo que le dio su gran fama.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El Conde-
Duque Olivares), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo



31. EL NIÑO DE VALLECAS (Velázquez, 1636)
Es un retrato de Francisco Lezcano, apodado el Vizcaíno, uno de los
bufones del príncipe Baltasar Carlos, y que erróneamente es conocido como
el Niño de Vallecas.
Lezcano es representado en un abrigo rocoso, sobre un fondo oscuro y con
paisaje. Su postura muestra su enanismo y las deformidades físicas de sus
extremidades; la pierna derecha se descuelga sin vida, la izquierda se dobla
en un violento escorzo. Su cabeza de gran tamaño se inclina ligeramente.
Viste ropas desaliñadas y sujeta entre sus manos un juego de naipes.
La luz ilumina principalmente su rostro, en línea del gusto Barroco de
representar personajes deformes o míseros, Velázquez lo trata con la
mayor dignidad posible, sereno y equilibrado. El bufón le permite a Velázquez acercarse al realismo tan
apreciado en el Barroco, pero tratado con ternura.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (El niño de
Vallecas), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVII),

32. PAISAJE DE LA VILLA MÉDICIS (Velázquez, 1629-30)
Durante su segundo viaje a Italia, Velázquez pinta dos lienzos sobre
un paisaje, la Villa Médicis, en el que solo aparece algún personaje
anónimo.
Lo más destacable de la obra es la soltura de su pincelada, el modo de
captar el ambiente exterior por medio de la luz y las sombras de los
árboles. Técnicamente abandona el detalle y forma el cuadro con
pequeños toques de pincel.
Pintar paisajes no era un práctica habitual en la pintura barroca
española, centrada en temas religiosos o retratos, por ello, que esta
obra unido al tratamiento de la pincelada, sea un anuncio del
Impresionismo del s. XIX.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Paisaje de
la Villa Médicis), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España), Cronología (siglo



33. LAS MENINAS (Velázquez, 1656)
Gran obra de Velázquez que en la colección real era conocido como La Familia. En 1843, fue rebautizado
como las Meninas, ya que menina era el nombre que recibían las
doncellas de honor, que en este caso acompañan a la infanta
Margarita.
En el grupo del primer plano, destaca la figura central de la
Infanta Margarita, hija de los reyes, acompañada por sus tres
meninas. A la derecha, una enana y un enano que molesta al
perro. Detrás de ellos, en la penumbra, un guardadamas, y a la
izquierda, el propio pintor. Al fondo, descorriendo las cortina,
José Nieto, el aposentador de la corte como punto de fuga, y a
la izquierda, en el espejo, la imagen de los reyes, Felipe IV y
Mariana de Austria. Todo el vasto espacio es tratado con una
perspectiva aérea perfecta, con zonas más iluminadas y otras
en penumbra. La pincelada es larga y fluida, y el color y matices
de gran riqueza. El cuadro fue muy apreciado por Felipe IV, quien con frecuencia visitaba a Velázquez
en su trabajo. La cruz que luce el pintor sobre su pecho como caballero de la Orden de Santiago fue
añadida después de su muerte por orden del rey.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (La Familia
de Felipe IV o Las Meninas), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España),
que lo utilizaron como manifestación de su grandeza).

34. LAS HILANDERAS O LA FÁBULA DE ARACNE (Velázquez, 1657)
Una de sus últimas obras fue una magistral composición que juega con el recurso barroco de insertar un
tema dentro de otro en la misma escena.
Conocida también como la fábula de Aracne por tratar este tema mitológico en el que Aracne, una hábil
tejedora desafió a los dioses. Atenea, inventora de la rueca y disfrazada de vieja, intentó disuadirla y
se enzarzaron en una competición a tejer el tapiz más hermoso. Aracne plasmó el rapto de Europa en su
tapiz, momento de debilidad del padre de Atenea. Ante la ofensa del tema y la belleza del tapiz, Atenea
castigó a Aracne a tejer infinitamente convirtiéndola en una araña.
En un primer plano, hay una escena cotidiana de género de un taller textil con mujeres tejiendo lana,
con ruecas y tornos de hilar, que oculta la escena mitológica. De espaldas y de blanco, Aracne, y detrás
de la rueca, Atenea, vieja que muestra su oculta juventud en su pierna adolescente desnuda. En una
segunda escena, tres mujeres observan el tapiz tejido por Aracne que representa el Rapto de Europa
(homenaje a la obra de Rubens), cuando Zeus, disfrazado de toro blanco sedujo a la joven. Una de ellas,


observa a las hilanderas estableciendo la unión
entre las dos escenas. Usa a la perfección la
perspectiva aérea y los distintos planos
lumínicos dan profundidad y corporeidad a las
formas.
DIEGO RODRIGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ
(1599-1660): Es uno de los máximos exponentes
de la pintura universal. Nacido en Sevilla, se
trasladó a Madrid donde fue nombrado pintor
real. Pasó toda su vida en la corte del rey,
alternando con viajes a Italia. Su buena posición
económica le permitió pintar sin prisas y realizar
una obra casi perfecta. En 1659 fue nombrado caballero de la Orden de Santiago, nobleza que tanto
deseó. Murió en Madrid, un 6 de Agosto, su mujer tan solo 7 días después.
No olvides hablar de: Estilo (Arte Barroco), Etapa (Pintura barroca española), Título/Obra (Las
hilanderas o La fábula de Aracne), Autor (Diego de Velázquez), Situación (Museo del Prado, España),

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