1. Historia del Arte 2º
MEZQUITA DE CÓRDOBA, CARLOS REDÓN
1 ANÁLISIS DE LA OBRA
TPOLOGÍA: La Mezquita de Córdoba es el principal edificio religioso. Era una iglesia cristiana,
que fue destruida para construir la mezquita, apenas quedó rastro de ella, solo se lograron
recuperar algunos de sus restos en el subsuelo de la catedral (mosaicos y pilares).
Su tipología arquitectónica tiene mucho que ver con el modelo de la casa de Mahoma en
Medina.
ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS
Es un edificio de planta cuadrada, consta de una sala para realizar el salat y un patio abierto. La
sala del salat con una extensión de 79,02 x 42,21 m,
constaba de 11 naves perpendiculares a la pared de la
nave central, ésta estaba orientada hacia el mihrab, mide
7,85 m de ancho y las demás naves laterales miden 6,86
m. Esta mezquita se vio sometida a varias ampliaciones.
Se puede acceder por varias puertas, se suele acceder por la puerta del Perdón, hay un bosque
de 1300 columnas de mármol, jaspe y granito sobre ellas se apoyan 5 arcos de herradura,
bicolores. En el lucernario están los arcos lobulados de los marcos y la cúpula, en la cabecera
destacan los mosaicos, los arcos y la estructura y decoración de las cúpulas (arcos
entrecruzados).
-Puerta de Al-Hakam II, también llamada de San Miguel, en la fachada oeste (965).La catedral es
un edificio rectangular. Sus 4 fachadas están compartimentadas en vertical por contrafuertes y
rematadas por almenas.
-Puerta del Perdón, de estilo mudéjar.
-Puerta de las Palmas
El mihrab, lugar santo.
En el Lucernario se conservan los arcos lobulados de los muros y la cúpula.
En la cabecera destacan los arcos, los mosaicos del muro y la estructura y decoración de las
cúpulas.
ELEMENTOS DECORATIVOS
Decoración epigráfica. El ladrillo, el azulejo y el estuco se usaron como decoración. También se
añadió la cerámica vidriada. Los paneles murales se adornaron con motivos decorativos de
lacería geométrica sobre azulejos. Los mihrabs se recubrieron con teselas de mosaico de
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2. Historia del Arte 2º
colores brillantes. Decoración vegetal, geométrica y epigráfica que aparece en arcos, zócalos e
impostas, emplean ricos mosaicos bizantinos, utilizan arcos polilobulados.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL
-Estilo: el arte hispanomusulmán es el arte
islámico desarrollado en Al-Ándalus s. VIII-
XV.
-Cronología: la Mezquita de Córdoba se
construyó entre 786 y 988 en 4 fases, fue
consagrada como catedral en 1236. Es el
ejemplo principal del patrimonio que el
califato Omeya ha dejado en la Península
Ibérica.
La gran Mezquita de Córdoba comenzada en
786 por Abdnal-Rahman I fue la expresión máxima del arte islámico en España. Almanzor dio los
últimos toques ala Mezquita en 988. Fue el principal lugar de oración de los gobernantes de Al-
Ándalus y una muestra de su poder económico y político.
-Autor: anónimo.
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3. Historia del Arte 2º
LA VIRGEN DE GER MAPI HERNÁNDEZ GÓMEZ DE CASO
Análisis de la obra:
La Virgen de Ger es una escultura perteneciente al periodo románico,
concretamente de la segunda mitad del siglo XII
- Tipología: según el resalte es una escultura exenta de bulto redondo
porque se encuentra en tres dimensiones y aislada en el espacio, por
lo que se puede contemplar desde cualquier punto de vista. Es un
conjunto porque se representa tanto a la Virgen como al Niño y es
completa porque se representa el cuerpo de ambos entero.
Respecto a la posición es sedente ya que ambos se
encuentran sentados y la Virgen actúa como trono de Dios al
tener al niño sentado sobre sus piernas (theotronos)
- Tratamiento de la materia escultórica: La escultura está tallada en
madera y con un policromado intenso que se debe a que estas
esculturas religiosas se encontraban en su mayoría en iglesias,
donde la luz era escasa. Por lo que era necesario colores visibles que resaltaran tanto la
figura como la expresión. Es una figura ligera debido tanto al material como a su
pequeño tamaño (52,5 x 20,5 x 14,5 cm). El acabado es basto, de líneas rectas y sin
perfeccionar.
- Emplazamiento original y puntos de vista: La talla se encontraba originalmente en la
Iglesia Parroquial de Santa Coloma de Ger. Situada en la Baja Cerdaña, comarca de
Cataluña y tiene un único punto de vista frontal.
- Grado de realismo y estudio anatómico: Es una figura muy rígida, destaca la expresión
sería, hierática, tanto del Niño como de la Virgen, con una mirada que parece dirigirse al
infinito. Es una escultura muy poco natural, pero intencionadamente ya que pretendían
transmitir un sentimiento de divinidad y superioridad. Igual que la desproporción en su
cara y sus manos, también buscada para que nos fijemos antes en estos puntos ya que
son las manos sujetan al Niño. Este último es representado de pequeño tamaño pero
como una persona mayor, alegoría de su sabiduría divina. Pero que demuestra una vez
más el poco realismo de esta figura.
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4. Historia del Arte 2º
- Estudio de la composición: Es una escultura muy simétrica, en ella se aprecia a la
Virgen, más grande y en al fondo, con el niño sentado en sus piernas. Es un esquema
en el que aunque el niño sea más pequeño, se le da más importancia por encontrarse
primero. Esto se debe al papel de la mujer en la época, que siempre estaba relegada a
un segundo plano, y aún siendo la Virgen –muy importante para los cristianos-, Jesús
siempre estará por encima de ella.
- Representación del movimiento: es una imagen hierática, sin sensación de movimiento.
Con ello se pretende remarcar el símbolo de autoridad.
- Tema y significado: Durante el románico fue muy común las composiciones figurativas
religiosas centradas por imágenes de Cristo o la Virgen en actitud frontal. En esta
composición el tema es la Virgen con el Niño. Tiene varios símbolos como son el manto
en forma de casulla, que es símbolo de la Iglesia o la corona, que responde a la realeza,
así como símbolos de divinidad, autoridad y sabiduría.
http://artecreha.com/El_muSeO_creha/sala-5-virgen-de-ger.html
LA ALHAMBRA DE GRANADA. RUBÉN HINOJOSA CIVERA.
La Alhambra es una ciudad palatina amurallada situada en Granada (España) del estilo islámico
nazarí. Se trata de un rico complejo palaciego y fortaleza que alojaba al monarca y a la corte del
Reino de Granada nazarí. En esta ciudad se encontraban todos los servicios propios y
necesarios para la población que vivía allí: palacio real, mezquitas, escuelas, talleres… Con su
construcción se crea un paisaje totalmente integrado con la naturaleza preexistente.
El recinto se distribuía como una
ciudad en cuatro zonas bien
diferenciadas: la alcazaba o
fortaleza militar, la medina o ciudad
comercial, los palacios del sultán
nazarí, y los lugares de distracción
(el Generalife y otros palacios
desaparecidos).
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5. Historia del Arte 2º
El mayor esplendor de la Alhambra se da a partir del siglo XIII con los monarcas nazaríes, que la
convierten en residencia real, en ese siglo se acometen grandes reformas y obras, como
construcción de los Baños, el Cuarto de Comares, la Sala de la Barca, el Patio de los Leones y
dependencias anexas.
EDIFICIOS QUE FORMABAN LA CIUDAD:
La alcazaba Se trata de la antigua fortaleza del siglo XIII cuyas murallas rodean la Alhambra y
está formada por gruesos muros con más de 20 torres salientes.
• Terraza de la Torre del Cubo. Torre semicircular, construida alrededor de 1586, sobre
una puerta islámica.
• Adarve de la muralla norte.
• Plaza de Armas.
• Terraza de la plaza de Armas.
• Torre de la Vela, constituía la torre de defensa más grande del conjunto militar, por su
altura.
• La Torre del Homenaje. Se levanta en la parte más alta de la fortaleza, tiene más de 22
metros de alto y en su interior tiene seis pisos. Torre de los Hidalgos.
• La Torre Quebrada.
• La Torre Adarguero.
• Jardín de los Adarves, creado en el siglo XVII, cuando la fortaleza perdió su carácter
defensivo.
El patio de Comares: El núcleo habitable musulmán se ordena entorno a patios, por eso en
Granada, los edificios palaciegos se muestran
alrededor de patios yuxtapuestos. Hay tres patios de
ejes paralelos en la Alhambra: el Patio de Machuca,
el del cuarto Dorado y el de Comares, este es de
grandes dimensiones con arquerías en sus lados
menores y paredes lisas laterales con puertas y
ventanas con paños de escayola encuadrados por
alfices, con sebka y atauriques. En dirección a la sala
de Comares bajo la torre del mismo nombre se atraviesa la sala de la Barca con alcobas en los
extremos.
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6. Historia del Arte 2º
Patio de los Leones y las salas privadas de la Alhambra: El patio de los leones, obra de 1377
(Mohamed V), pertenece al ámbito privado de la Casa Real Vieja de la Alhambra. Es un recinto
rectangular con dos pabellones adelantados en sus lados cortos. Es probablemente el espacio
más afamado de la Alhambra gracias a su fuente
central con doce leones del siglo X rodeado con
galerías decoradas con estucos y estalactitas
soportadas por delicadísimas columnas de mármol.
Detrás de las galerías del lado oeste está la sala de
los mocárabes y del lado opuesto está la sala de los
Reyes. En el lado sur está la sala de Abencerrajes
de forma cuadrada con cúpula decorada con de ricos
mocárabes de yeso y tambor estrellado. No muy diferente es la cercana sala de las Dos
Hermanas.
El Generalife: El Generalife fue construido por Mohamed
VII fuera del recinto de la Alhambra como finca
agropecuaria, las dependencias de este se establecían
alrededor del famoso patio o jardín de la Acequia. Al
norte de este patio se conserva el núcleo palatino más
importante del Generalife. Se abre mediante pórtico de
cinco arcos, más ancho el central y contiene dos alcobas
laterales y torre interior.
http://es.wikipedia.org/wiki/Alhambra
Buen enlace: http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=7502
http://www.arteguias.com/nazari.htm
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7. Historia del Arte 2º
VIDRIERAS CATEDRAL DE LEÓN. SERGIO FUERTES
1. Análisis de la obra
• Tipología:
Trata de las vidrieras de la Catedral de León, un
gran conjunto arquitectónico gótico construido en la
bella ciudad española de León.
La construcción de estas vidrieras se debe a la
integración de las artes que propugnaba la
monumentalidad enraizada en la estética del estilo
gótico, en la que jugó un papel muy importante la
disolución de los muros. El origen de estas vidrieras debe retraerse en la vidriera francesa.
• Elementos arquitectónicos:
Dentro del conjunto de las vidrieras hay que diferenciarlas una a una:
Las vidrieras de las naves laterales se caracterizan por sus dos medallones centrales, cuya
iconografía se basa en figuras humanas que simbolizan los trabajos, los vicios y las virtudes y la
alusión a las ciencias y a las artes por medio de los elementos constitutivos del Trivium y
quadrivium.
Por otra parte está el triforio, el cual forma parte en la iluminación de la iglesia, refleja temas
del santoral en el prebisterio y temas heráldicos en el resto que, en el muro Sur, corresponden a
los escudos de las personas e instituciones que colaboraron económicamente en la restauración
El claristorio esta compuesto por treinta y una ventanas, las cuales crean la mayor superficie
traslúcida de la catedral. Las ventanas correspondientes al muro Norte reflejan temas del Antiguo
Testamento (patriarcas, profetas y reyes). De este esquema sale la llamada vidriera de la
cacería, sus temas tratan del escudo de Castilla y León, alusiones a la gramática, aritmética,
dialéctica, una figura real cabalgando y distintos caballeros con escudos en actitud de caza.
Estos temas hacen de esta vidriera algo atípico.
El lado Norte del crucero se compone de cuatro vidrieras, con temas de reyes y mártires.
Las del brazo Sur contienen temas marianos y una escena de los Reyes Magos.
La vidriera del prebisterio correspondiente a la ventana situada sobre el eje longitudinal de
la iglesia tiene una iconografía dedicada a los Apóstoles, los cuales ocupan los espacios
superiores, y a los profetas que se colocaron en los inferiores.
En las capillas de la girola se encuentran los vidrios más antiguos. En una de las rosas de la
capilla del Nacimiento se contiene una secuencia de la humanidad peregrina del siglo XIII.
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8. Historia del Arte 2º
El rosetón Norte refleja la exaltación de Cristo rey, rodeado por los reyes músicos. El
rosetón de imafronte desarrolla el tema de la Virgen Madre de Dios, rodeada de ángeles
músicos.
También hay que destacar la vidriera de la Virgen del Dado, la cual está colocada en el
paso que comunica la catedral con el claustro y por último las de la capilla de Santiago que
revisten un gran interés porque pueden constituir un referente de las instaladas en otras
catedrales.
2. Clasificación y contexto histórico-social
Esta obra pertenece al estilo gótico, un estilo que se desarrolló en Europa occidental
durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación
del Renacimiento. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se
expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos
cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro
en Francia, más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia y con peculiaridades locales
en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.
La construcción inicial de las vidrieras de la catedral de León tuvo lugar en la Edad Media,
aunque desde aquella época hasta nuestros días ha sufrido muchas restauraciones, lo que
también conlleva a que su número de autores sea alto.
Muchas vidrieras de esta obra se asemejan a otras, por ejemplo el triforio tiene forma similar
a algunas catedrales francesas como la de Amiens y las de la capilla de Santiago se asemejan a
otras catedrales como las de Oviedo, y que en la actualidad no existen.
FACHADA OCCIDENTAL DE LA CATEDRAL DE NOTRE-DAME IRENE COLOMER
Este comentario va sobre la fachada occidental de la
catedral de Notre-Dame en Paris (Francia). Su función
era cubrir las necesidades de la época además de ser
utilizado como edificio de contacto y ascenso espiritual.
La catedral tiene una planta casi de cruz griega orientada
a occidente. La cruz está envuelta por un doble
deambulatorio que circula por el coro en la cabecera y se
prolonga paralelamente a la nave, está dividida en tramos
con una serie de capillas cuadradas que lo rodean, por
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9. Historia del Arte 2º
eso se trata de un enorme presbiterio. La fachada principal, la occidental, es la más monumental
y conocida. Se trata de una pared que interconecta todos sus elementos y nos muestra también
obras de escultura. Tiene una distribución en pisos y está dividida en tres puertas por el exterior.
En las cuales podemos encontrar un parteluz, dintel y tímpano, dividido en tres partes,
mostrando una escena diferente en cada una de ellas. Está compuesta por dos torres de planta
cuadrara a cada lado. Gran número de gárgolas de desagüe y otras figuras de coronación de
aleros completan la escultura del templo. Se pueden observar en los huecos y ventanales que
decoran la fachada, que todos ellos están decorados
por vidrieras, típico en el simbolismo místico de la
época.
Son más utilizadas las columnas que los pilares como
soporte, esto es algo que suele aparecer en el primer
gótico. Como tipos de cubiertas son muy utilizados en
su interior los arcos apuntados. Se utilizan bóvedas
sexpartitas en l nave principal y de crucería sujetas con arcos fajones y contrafuertes al exterior
las de las naves laterales.
El terreno donde se encuentra actualmente reposa la catedral poseía ya desde antes carácter
religioso dado que la tribu celta había elegido aquel lugar para celebrar sus rituales y
posteriormente los romanos levantaron un templo en honor al dios Júpiter.
Durante la revolución francesa de 1793 sirvió como depósito de alimentos y finalmente a
acabado convirtiéndose en un lugar turístico a parte de su función
religiosa.
Entre las tres puertas y el rosetón quedaba un espacio en el que se
colocó, hacia el 1220, una galería ocupada por 28 estatuas de los reyes
de Judá, que más tarde se identificaron con los reyes de Francia desde
Childeberto hasta Felipe Augusto.
El pórtico central está dedicado a Cristo, que aparece en el parteluz, flanqueado en las jambas
por los 12 apóstoles. En el tímpano se representa a Cristo, y en el dintel, el Juicio Final y la
Resurrección. Los rostros pierden su impasibilidad y comienzan a iluminarse con una sonrisa.
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10. Historia del Arte 2º
En la arquitectura de la edad media, especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias
y catedrales y suelen estar adornadas mediante figuras intencionadamente grotescas que
representan hombres, animales, monstruos o demonios. Probablemente, tenían la función
simbólica de proteger el templo y asustar a los pecadores.
Se trata de una obra perteneciente al gótico clásico realizada en granito, que se levanta en una
isla del río Sena en París, Francia. El obispo Maurice de Sully puso en el año 1163 la primera
piedra y la catedral se finalizó en el año 1258. Los arquitectos Pierre de Montreuil y Jean de
Chilles construyeron las fachadas norte-sur de la catedral. El edificio mide 150,2 metros de
longitud y sus bóvedas principales 32,5 metros de altura.
Se puede establecer una afinidad en la composición y trazos generales con la fachada de la
abadía de Saint-Denis, una derivación de la fachada del románico normando.
http://www.sitographics.com/enciclog/monumentosCE/source/23.html
http://arte.laguia2000.com/arquitectura/notre-dame-de-paris
RETABLO MAYOR. CATEDRAL DE SAN SALVADOR, LA SEO. ESTHER PEIRÓ
ANÁLISIS DE LA OBRA:
El Retablo Mayor de la Seo se encuentra en Zaragoza y es una
de las obras más representativas de la escultura gótica a nivel
europeo.
La obra posee un carácter religioso, pues se trata de un retablo
de catedral.
Este retablo se hizo por decisión del obispo Dalmacio del Mur
contratando al artista Pere Johan, que realizó, el sotabanco en
alabastro policromado, donde se aprecian dos escudos
sostenidos por ángeles y dos puertas que actualmente albergan
dos tallas de madera realizadas por el escultor Francisco Gomar,
el banco, que hay representadas cuatro escenas de la vida de santos aragoneses y tres nichos
para albergar los bustos de estos y todo rematado con decoración vegetal y también el cuerpo
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11. Historia del Arte 2º
principal que alberga cuatro pilares mediante los cuales se hacen las particiones del cuerpo en
tres para representar, en el centro la Epifanía y justo encima de esta representación se abre un
óculo, a la derecha la Ascensión y a la izquierda la Transfiguración, todas estas tallas las hizo en
madera y los pilares en alabastro de Aragón.
Posteriormente se contrató al artista alemán Hans de Suabia que sustituyó las tallas del cuerpo
principal de madera por otras con la misma iconografía, pero talladas el alabastro, con mayor
tamaño y también mucho más expresivas por lo que se trata de un arte gótico pero con gran
influencia flamenca. También amplió el retablo con numerosos doseletes, estos típicamente
góticos y situados encima de las tres grandes tallas, pero no pudo acabar la obra, por lo que la
continuó el escultor Gil Morales el Viejo, que finalizó los doseletes, talló y pintó todas las figuras
del guardapolvo e hizo una pequeña cámara detrás del retablo.
El retablo mide 16 metros de ancho por 10 de largo. El material con que esta hecho es
únicamente madera y alabastro policromado. Es un retablo muy recargado. Las tallas no
presentan una frontalidad a diferencia del periodo bizantino o románico por ejemplo, pues son
más naturales y huyen del hieratismo.
La división vertical del retablo en tres partes podría hacer referencia a la Santísima Trinidad.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTUALIZACIÓN DE LA OBRA:
Esta obra pertenece a la primera mitad del sigo XV, es típicamente gótica aunque tiene algo de
influencia flamenca. Se hizo concretamente de 1424 a 1480 y pasó por las manos de los artistas
antes nombrados.
FACHADA DE LA CATEDRAL DE REIMS. MARTA LÓPEZ ORRIOS
Se trata de la fachada de la Catedral de Reims, pertenece al arte gótico
aunque en ella aun residen restos del arte románico.
La fachada esta enmarcada por dos torres formando una fachada en H y
que la podemos dividir en 4 pisos para hacer mejor su análisis.
En el primer piso está compuesto por tres puertas que presentan arcos
apuntados, cuyas arquivoltas están decoradas por relieves religiosos al
igual que las jambas en las cuales se muestra una clara influencia del
mundo clásico como en la Anunciación y el ángel que se encuentra a su
izquierda en el cual se aprecia una enigmática sonrisa similar a la
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12. Historia del Arte 2º
mueca arcaica griega. En las tres puertas encontramos arcos abocinados compuestos por
vidrieras, y en el portal central se puede ver una especie de rosetón y un parte luz en la puerta,
que esta dedicado a la Virgen María
En el segundo piso lo que más llama la atención es el gran rosetón
situado en medio compuesto por una vidriera, enmarcado por un arco
en sí mismo y también decorado por esculturas y que cuyo diseño
radial dará origen al termino “ rayonnant ” (radiante). A sus lados
podemos ver dos pares de arcos apuntados y que están separados por
un ajimez.
En el tercer piso está formado por una serie de esculturas de altorrelieve que componen la
“galería de los reyes” y que representan el bautismo de Clodoveo y flanqueado por estatuas de
sus sucesores. Todas estas estatuas están enmarcadas en arcos apuntados.
En el cuarto y último piso se encuentran las dos torres con una altura de 86 metros y formado
por numerosos arcos apuntados.
Está realizada en piedra y la técnica de ejecución utilizada es la talla y se puede apreciar
claramente hórror vacui al ser una fachada tan recargada.
Esta catedral fue construida en el S. XIII y aun debido a su complejidad solo tardaron 3 años.
La finalidad de esta catedral es el culto y la enseñanza por parte del obispo a los fieles. Aparte
de un lugar de oración también tuvo uso de lugar de fastos reales y de reuniones de
corporaciones gremiales. Los arquitectos de la catedral fueron Jean le Loup y Gaucher de
Reims.
IGLESIA DE SAN MARTÍN DE TOURS EN FRÓMISTA (PALENCIA) MARÍA HENAR BRAVO
PUERTAS
1.- ANÁLISIS DE LA OBRA
La iglesia de San Martín de Frómista
es un templo católico construido en la
segunda mitad del siglo XI en la provincia de
Palencia (Castilla y León) por orden de doña
Mayor de Castilla. Situado en el Camino de
Santiago. Antiguamente formaba parte de un
monasterio de San Martín, hoy en día
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13. Historia del Arte 2º
desaparecido.
Fue declarado Monumento Nacional en el año 1894, fecha en la
cual se inició su restauración, posteriormente se reabrió al
público, concretamente en 1904, cuando se finalizaron las obras,
en su interior se encuentra una maqueta de cómo era en su inicio.
Esta iglesia pertenece al estilo arquitectónico románico.
En su INTERIOR:
La iglesia de San Martín de Tours presenta una planta basilical
formada por tres naves; dos laterales y una central, las naves
laterales son mucho mas estrechas que la central y las tres finalizan con ábsides semicirculares,
éstas se encuentran separadas por 8 columnas que separa la nave central de la dos laterales.
Encontramos un cimborrio octogonal en el centro con un crucero a cada lado, lo que junto a la
nave central da forma de una planta de cruz latina.
En el otro extremo de la iglesia encontramos dos torres, una a
cada lado de la portada oeste o principal, ya que dicho
monumento posee tres portadas; la norte, la sur y la oeste.
Dentro de esta iglesia podemos destacar los capiteles que se
encuentran en cada columna; algunos con motivos vegetales,
otras animales y otras narrativas como el capitel que
representa la fabula de “La zorra y las uvas”.
En su EXTERIOR:
Se trata de una obra arquitectónica característica del románico. En el exterior se observa poca
decoración excepto en toda la fachada una hilera ajedrezada como cornisa y los pequeños
canecillos que la decoran parecidas a gárgolas con formas humanas y de animales y seres
mitológicos y el crismón de seis brazos situado en la entrada principal. Con escasos ventanales,
de arco de medio punto en los ábsides y algunas más a lo largo de la iglesia. También
encontramos unos muros aparentemente gruesos y fuertes en ella.
Desde arriba podemos decir que presenta la cúpula octogonal sobre el crucero, pero la iglesia en
sí no es de mucha altura.
2.- CLASIFICACION Y CONTEXTO HISTORICO-SOCIAL
Esta obra pertenece al estilo arquitectónico del románico. La encontramos en Frómista, un
pequeño pueblo de la ciudad de Palencia (Castilla y León) en España. La primera información
que se tuvo de ella data de 1066 fecha en la cual se cree que empezó su construcción. No
IES Segundo de Chomón. Teruel 13

14. Historia del Arte 2º
aparece un autor en concreto pero se piensa que los canteros que la construyeron podían ser los
mismos que trabajaron en la construcción de la Catedral de Jaca ya que se corresponde dicho
periodo románico.
EL PÓRTICO DE LA GLORIA DE LA CATEDRAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA. MAR
LÓPEZ CLÉRIGUES
La obra a analizar se trata de uno de los pórticos de la catedral de Santiago de Compostela, por
él durante mucho tiempo han accedido a la catedral
peregrinos provenientes de todo el mundo. Pero su
valor no es solamente religioso, sino que
artísticamente también ha destacado.
Como puede verse, el Pórtico de la Gloria se
encuentra los pies de esta catedral (fachada
occidental). Antes de analizarlo hay que decir que
esta catedral fue de estilo románico y posteriormente
se realizaron añadiduras de estilo gótico, una de
ellas fue la fachada que se le añadió en los pies y
que dejó a cubierto el pórtico de la Gloria, motivo que explica su buena conservación.
Pórtico de la Gloria:
Es un pórtico de estilo románico realizado por el Maestro Mateo a encargo del rey Fernando II. El
pórtico actual no es exactamente el resultado de la obra del Maestro Mateo, ya que algunas de
sus figuras originales fueron retiradas al construirse la actual fachada de la Catedral ("la fachada
del Obradoiro"), a través de la cual penetra por un vano la luz solar que va iluminando las
diferentes partes del pórtico a lo largo del día.
Lo impresionante de la obra son las esculturas en alto relieve
adosadas que enmarcan el pórtico, todas ellas de motivos
religiosos y labradas en piedra tallada.
La obra consta de tres plantas entre las que se halla el
pórtico, que simboliza la Jerusalén celeste utilizando
símbolos tomados del Apocalipsis de San Juan y del Antiguo
Testamento. Se trata de un auténtico libro pétreo que narra
IES Segundo de Chomón. Teruel 14

15. Historia del Arte 2º
las enseñanzas de la iglesia a los fieles, en los que las figuras buscan una belleza mental y
siguen la ley del marco.
A pesar de pertenecer al románico, los cuerpos de sus figuras ya se han librado del hieratismo y
puede verse en sus gestos y rostros la expresión de sentimientos más característica del arte
gótico, por lo que puede decirse que es una obra de transición.
La estructura arquitectónica de la obra se divide en:
- Un tímpano enmarcado por las figuras de los 24 ancianos (cada uno de los cuales lleva un
instrumento musical de aquella época excepto dos figuras que sujetan una redoma), en cuyo
dentro se halla un Pantocrátor representado con un Cristo en Majestad, (que muestra las heridas
causadas por su crucifixión) y a su alrededor se representa el Tetramorfos de los evangelistas
con sus correspondientes atributos (animales y San Mateo en lugar del ángel utiliza un cofre
como símbolo, aludiendo a un antiguo empleo como recaudador de impuestos).
Tras los Evangelistas San Marcos y San Lucas, se representa a los cuatro ángeles a cada lado
con los instrumentos de la Pasión de Cristo (cruz, corona de espinas, lanza y cuatro clavos).
Encima de sus cabezas, dos multitudes de almas de bienaventurados, “turba celeste”.
- El parteluz que divide las dos hojas de la puerta es una columna a los pies del Pantocrátor en
la que se encuentra la figura de Santiago Apóstol, patrón de la catedral, con su bastón de
peregrinaje para acoger a todo el que llegue a la basílica. Porta un pergamino en el que pone
“Dios me envió”.
En la parte posterior del mismo se halla representado el Maestro Mateo, la explicación es que él
mismo se representó en la parte delantera, pero cuando mostró su obra a el Papa éste como
Castigo a su osadía de representarse junta a Santos..., hizo que su figura se pusiera a los pies
de la parte inferior posterior del parteluz para que así, todos el mundo pudiera verla por encima
del hombro.
- En las columnas de la puerta central y en las dos puertas laterales, aparecen representados
apóstoles, profetas y otros personajes. Cada uno coronado con un capitel de decoración animal
y vegetal.
Comenzando por la columna derecha y mirando de derecha a izquierda, se ven las figuras del
apóstol San Pedro, vestido de Pontificial y con las llaves del cielo en la mano; San Pablo, con un
libro abierto y descalzo; Santiago el Menor, con el báculo; y San Juan, joven, con un libro y sobre
una águila. Debajo de la figura de San Pablo se ven unas figuras que representan algunas
escenas de su vida, en las que se quiere ver la obediencia que deben los inferiores a los
superiores.
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16. Historia del Arte 2º
En la columna de la izquierda, y comenzando por la que mira al apóstol Santiago, vemos las
figuras de los profetas del Antiguo Testamento Moisés, con las Tablas de la Ley; Isaías, con el
bastón; Daniel y Jeremías, con barba; todos ellos sujetan un cartel en el que está escrito su
nombre. Debajo de la figura de Isaías, aparece un joven dispuesto a golpear a un monstruo;
otras fuentes ven la representación del sacrificio de Isaac. (Wikipedia).
- En la puerta derecha se hizo una alegoría del juicio final. Aparece una doble arquivolta que
queda fragmentada en dos por las cabezas de San Miguel y Cristo incluidas entre cuartelas. A
su derecha vemos el infierno con feas figuras monstruosas de demonios que cumplen sus
funciones de atormentar almas. A su izquierda se representa el cielo con las almas que se han
salvado y ángeles. En las jambas a derecha e izquierda aparecen santos.
- La puerta izquierda es una alegoría del Antiguo Testamento, en la que aparecen los justos que
esperan la llegada del Mesías. También aparece Dios Creador que porta el Libro de la Verdad
Eterna con Adán Abraham, Jacob, Esaú y Noé a su derecha. A su izquierda se aprecia a Eva,
Moisés, Aarón, David rey y Salomón.
En la segunda arquivolta, aparecen figuras representando a las diez tribus de Israel, faltando la
tribu de Judá (a la que pertenecía Cristo) y la de Benjamín. Las figuras están medio ocultas por
un bocel que parece tenerlas presas y que simboliza la esclavitud que las somete.
http://es.wikipedia.org/wiki/P%C3%B3rtico_de_la_Gloria
EL MATRIMONIO ARNOLFINI. BLANCA AGUILAR
Identificación:
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan
van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne
Cenami.
Ubicación:
Es sin duda una obra maestra del arte de los primitivos flamencos. Formó parte de la
colección real española, pero fue robada por el ejército francés durante la Guerra de la
Independencia. En 1842 la National Gallery de Londres la adquirió y todavía permanece ahí.
Cronología/Contexto histórico
La obra fue pintada en Flandes, durante el siglo XV. En esta época aparece una
sociedad avanzada con una economía basada en los productos textiles de lujo y en el comercio,
favorecido por su excelente situación estratégica, por allí pasan muchas rutas comerciales. La
burguesía flamenca, debido a su alto desarrollo intelectual ama el lujo y las obras de arte. Y
esas obras de arte son para el propio disfrute, o sea, para llevárselas a casa o para instalarlas en
capillas privadas. Por eso la pintura es la técnica ideal (manejable, barata y propensa a reflejar
los gustos burgueses).
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17. Historia del Arte 2º
La obra pertenece al estilo de los primitivos flamencos: la escuela flamenca de pintura
será una de las importantes del mundo, desde el siglo XV hasta el siglo XVIII, por eso, para
distinguir este primer periodo del siglo XV, es denominada Escuela de Primitivos Flamencos.
Esta escuela suele pintar cuadros de temática religiosa, que trata como escenas costumbristas,
aunque también desarrolla el retrato y el paisaje. Utilizan la técnica al óleo y su estilo se
caracteriza por la minuciosidad, el deleite en la reproducción de objetos, el naturalismo y el amor
al paisaje.
Descripción
La obra es un reflejo de las características estilísticas de los primitivos flamencos:
Consta de dos personajes, Giovanni Arnolfini y su esposa Cenami. Los objetos están
pintados minuciosamente plasmando detalladamente todos los objetos de la sala, esto es
posible gracias al uso del óleo y de plumillas
especiales. Se observa un claro naturalismo, reflejado
en la preocupación por representar la realidad con la
mayor exactitud posible. Los personajes presentan una
actitud hierática, incluso el perro, el movimiento es
nulo, la escena es rígida, teatral y poco espontánea.
Existe una gran preocupación por la luz y la
perspectiva, la luz que entra por la ventana es suave y
envuelve las formas delicadamente. El marco
arquitectónico y el recurso del espejo del fondo dan
una sensación de profundidad muy verosímil.
Finalidad:
Puede tener distintas finalidades, bien como un
simple retrato de dos importantes miembros de la
sociedad o como prueba de que se ha realizado este
matrimonio, pero esto siempre será un misterio.
Simbolismo:
Este cuadro es una alegoría del matrimonio y
de la maternidad esto se refleja en la multitud de
objetos que aparecen y que aparentemente carecen de
importancia:
La representación de los esposos revela los
diferentes papeles que cumple cada cual en el
matrimonio, él es severo, bendice, ostenta el poder moral de la casa y sostiene con autoridad la
mano de su esposa que agacha la cabeza con actitud de sumisión y coloca su mano izquierda
en su abultado vientre, que es irreal, y que representaría su culminación como mujer. Los ricos
ropajes muestran el elevando estatus social del matrimonio.
Hay multitud de objetos que se muestran como si carecieran de importancia pero son
importantes elementos simbólicos:
Las naranjas importadas del sur eran un lujo en el norte de Europa por lo que simboliza
la riqueza de la familia y la prosperidad económica que les aguarda o quizás aluden al origen
mediterráneo de los retratados. También representaban la fruta prohibida del edén,
probablemente simboliza la pérdida de la gracia.
La cama tiene relación sobre todo con la realeza y la nobleza, con la continuidad del
linaje y del apellido, lugar donde se nace y donde se muere.
La alfombra es muy lujosa y cara, procedente de Anatolia, otra muestra de riqueza.
Los zuecos esparcidos por el suelo representan el vínculo sagrado del hogar y también
son señal de que se estaba celebrando una ceremonia religiosa.
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18. Historia del Arte 2º
Los rosarios era un presente habitual del novio a la futura esposa. El cristal es signo de
pureza y el rosario sugiere la virtud de la novia y su obligación de ser devota. También el cristal
del espejo alude a la pureza del sacramento del matrimonio.
En torno al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Vía Crucis (las paradas del
camino de Cristo hasta su muerte en el Gólgota). Su presencia sugiere que la interpretación del
cuadro debe ser cristiana y espiritual en igual medida que legal y recuerda el sacrificio que tienen
que soportar los esposos.
La lámpara sólo tiene una vela, que simboliza la llama del amor era costumbre flamenca
encender una vela el primer día de la boda.
Giovanna lleva un elegante vestido verde (el color de la fertilidad), propio de un retrato
de aparato y un cuadro de boda. No está embarazada, su postura se limita a delatar el vientre,
que entonces se tenía por una de las partes más bellas del cuerpo. También cabe pensar que su
pose y la exagerada curvatura del vientre sugieran su fertilidad y deseada preñez que nunca
resultó.
En el cabezal de la cama se ve la talla de una mujer con un dragón a los pies.
Es probable que sea Santa Margarita, patrona de los alumbramientos, cuyo atributo es el
dragón; pero por la escobilla que hay al lado podría ser Santa Marta, patrona del hogar, que
comparte idéntico atributo
El perro en los retratos, los perros suelen simbolizar, como aquí, la fidelidad y el amor
terrenal.
http://checkinaddicts.wordpress.com/2009/07/29/el-matrimonio-arnolfini-jan-van-eyck/
http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa
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