Music Never Ends

Music is an adventure. It can choke your life out of touch with the world. It
can build around you and in your mind a world that is so real you may even forget
to breathe. And music is at its best when voices tell a story haunted by the music
itself. I even think that ballet is even more powerful since it offers the audience the
bodies of the dancers for this audience to admire them, dream of them, desire
them within the shrine of the dramatic story told by the voices and wrapped up in
the music itself.
And a silence comes in this sound world. The voices just suspend their
gliding in the air and the dancers freeze in suspended movement. In such an
instant of total suspension the mind, the soul, the senses, all are thrilled into
admiration and ecstasy. And the silence comes to an end. Bliss comes back.
Blessed be the music that never ends and only suspends its flight for one beat or
half a beat.
In the following numerous pages, whose number grows every quarter or so
and will go on growing forever, or at least tille death us parts, the newer pages
are often at the top and open the collection. And this time it is John Adams and
his operas that give the first opening salvo. More will come later. I am on
Stravinsky right now. That will come later and I guess I could many older
episodes. And enjoy the numerous pictures of this Musical Heaven.
I can’t resist and give the reference to the book Ivan Eve and I have
published together on Handel’s Agrippina and countertenors in opera. That
should be the appetizer. Just enjoy it intensely.
Olliergues March 1, 2018
Dr. Jacques COULARDEAU

Jacques Coulardeau & Ivan Eve at
Amazon KDP
HANDEL'S AGRIPPINA MODERN INTERPRETATIONS AND THE
ROLE OF COUNTERTENORS [Format Kindle]
Jacques COULARDEAU (Auteur), Ivan EVE (Auteur), Annunzio
COULARDEAU (Illustrations)
Handel's Agrippina was composed for the Carnival of Venice in 1709. It counts
three male voices in the countertenor pitch and range in those days most often held by
castratos. Centering on Jean-Claude Malgoire's 2004 production first to come out on DVD,
comparing it with two other productions on DVD that came out in the following years, but
also with the recent production of Handel's Faramondo, we study the four different dramatic
values of countertenors in Handel's operas. This leads us to an in-depth study of the re-
emergence of countertenors after at least two centuries of quasi-silence. Is it a transient fad,
a freaky sham or a long-running phenomenon? We will meet with two opposed opinions:
Russell Oberlin's in 2004 and Laura E. DeMarco's in 2002. I will more or less follow Russell
Oberlin who considers they allow the production of Handel's operas and oratorios that had
disappeared for two hundred and fifty years. Why can we witness now this epiphanic
resurrection? We are far from having all the answers to that simple question.
APPENDICES (Only English original resources and reviews)
1- HANDEL – MALGOIRE – AGRIPPINA
2- PHILIPPE JAROUSSKY – STABAT MATER, MOTETS TO THE VIRGIN MARY
3- PHILIPPE JARROUSKY – VIVALDI – VIRTUOSO CANTATAS
4- JOHANN CHRISTIAN BACH – PHILIPPE JAROUSSKY
5- VIVALDI – ERCOLE SUL TERMODONTE – PHILIPPE JAROUSSKY
6- LE CONCERT D’ASTRÉE – EMMANUELLE HAÏM – UNE FËTE BAROQUE
7- PHILIPPE JAROUSSKY - MAX EMMANUEL CENCIC – DUETTI
8- L’ARPEGGIATA – PHILIPPE JAROUSSKY – LOS PAJAROS PERDIDOS
9- HANDEL – FARAMONDO – MAX EMMANUEL CENCIC (FARAMONDO) –
PHILIPPE JAROUSSKY (ADOLFO) – XAVIER SABATA (GERNANDO) – TERRY WEY
(CHILDERICO) – LUGANO RADIO SVIZZERA 2008
10- GEORG FRIEDRICH HANDEL – ARNOLD OSTMAN – AGRIPPINA
11- JAN WILLEM DE VRIEND – EVA BUCHMANN – HANDEL – AGRIPPINA
12- PHILIPPE JAROUSSKY – THE VOICE – LA VOIX DES RÊVES
13- LEONARDO VINCI – ARTASERSE – PHILIPPE JAROUSSKY – MAX
EMMANUEL CENCIC – DANIEL BEHLE (tenor) – FRANCO FAGIOLI – VALER BARNS-
SABADUS – YURIY MYNENKO – CONCERTO KÖLN – DIEGO FASOLIS – 2012
14- RUSSELL OBERLIN, AMERICA’S LEGENDARY COUNTERTENOR –
RADIO CANADA – 1961 – 1962 – 2004
Editeur : Editions La Dondaine; 11 avril 2013; 146 pages
Vendu par : Amazon Media EU SARL
Langue : Anglais
ASIN: B00CC2KIME
Amazon.fr € 6,34, Amazon.com$8.24

Beautiful Music is Spiritual and
Prophetic
https://medium.com/@JacquesCoulardeau/beautiful-
music-is-spiritual-and-prophetic-dfdba188f313
You cannot chain John Adams to his chair
John ADAMS and the Opera
A retrospective of all operas composed
and produced by John Adams both on
stage or on screen.
I have collected here all I have written on the operas produced so far
by John Adams, plus two Chinese extensions for Nixon In China. It shows
how John Adams started with a political opera, Nixon In China, and he
continued with two more, The Death of Klinghoffer and Dr. Atomic. The
other operas are spiritual and referring to several spiritual experiences:
The Christian one of course, but also the Hindu way of thinking and the
old Inca way of living. John Adams is a highly spiritual and committed
composer in his operas: committed to the spiritual regeneration of the
world needed in our century.
He is also typical of someone who grew in the Western world, mixing
Christian and Jewish traditions but vastly opening his interest onto other
ways of behaving in the world and seeing that world. First of all, the Hindu
tradition, then the Inca tradition and finally Islam. Let’s note the Islamic
approach in The Death of Klinghoffer is clear in the opera but messed up
in the film adapted from that opera. I regret it.
The last element I want to say is that John Adams finds it easy to
integrate what has always been seen as apocryphal if not heretic within
the Christian context and his defense of the point of view of the third Mary
at the foot of the cross, Mary Magdalene, the Mary Jesus loved in his own
way but as a love partner and not only a soul to be saved, is exemplary.
That brings us back to so deep roots in our culture that I would need
pages to explain her position and role. Let’s say she was present in the

Catholic faith up to the 9th
or 10th
centuries, as I have been able to record
in old Romanesque churches in Auvergne, France.
She was also identified as a Christian Demeter, hence the Christian
triple goddess (and she is the “third” Mary at the foot of the cross). And
that makes things very difficult after the 11th
century. In my village, there
is, in an old church, an undated stone with a wolf, or rather a female wolf,
a wolf-bitch, if you are not offended by this word, and the inscription refers
to DRIMIDRI, in other words, a ternary DIMIDRI or DEMETER, the triple
goddess par excellence. That stone must go back to very old times since
the church started being built on an old sacred site (Roman and Celtic)
around the 9th
century. These Celtic and Gallo-Roman layers in the village
have been attested in many ways.
In Pignols in Livradois there is a very old castle chapel that has not
been destroyed, burnt or damaged by the French Revolution and that has
what we can consider its original decoration going back to the 9th
century,
waiting for some restoration work that might eventually come. This Church
is dedicated to the place where it stands, Pignols, meaning the place
where pine cones grow and pine cones are the symbol of Demeter, the
triple goddess again. Inside, the whole dedication is to light, and of course
Mary Magdalene who is identified as the light giver. This light is
represented with all sorts of images and symbols, particularly flowers and
a surprising swastika, the Indian type, not the Nazi type. And this symbol
shows how open this country, this old Christianity was to influences from
the East, the Far East, the distant East.
But the most surprising element is the Christ sitting in glory in his
mandorla on the ceiling of the apse of the church. For him to represent
light, LUX in Latin, his image has been slightly transformed. He holds the
book in his right hand and he blesses with his left arm and what is thought
at first to be a left hand and, after close examination, is a right hand
grafted on his left arm. And here is the symbol. His right arm is holding the
book in a square L. Then his left arm and elbow are pointing up to be able
to bless with a right hand grafted on the left arm and that makes the letter
V or U that are the same letter in Latin. Finally, the book and the blessing
hand have been crossed from left to right and from right to left and here is
the final X.
That’s the kind of spirituality you find in John Adams, a spirituality that
does not desecrate what people believe in but that looks for a limit in order
to bring people beyond that limit not as a transgression but as an opening,

an extension, as mental widening. Then be patient with humanity and
enter this world of mental experience that is at the heart of our human
destiny.
Table of Contents
1- Monday, August 25, 2014, Youmustbeafooltobelieveyouare
makinghistory
JOHN ADAMS – ELLIE CAULKINS OPERA HOUSE – DENVER,
COLORADO – MARIN ALSOP – COLORADO SYMPHONY
ORCHESTRA – COLORADO OPERA CHORUS – 2008 – NIXON
IN CHINA – 1987
2- Friday, August 29, 2014, It'sashameMaoisdepictedasaninvalid
sex-obsessedoldranterandraver
JOHN ADAMS – ALICE GOODMAN – PETER SELLARS – THE
METROPOLITAN OPERA ORCHESTRA, CHORUS, AND
BALLET – JOHN ADAMS conducting – FEBRUARY 12, 2011 live
capture – 2012 DVD BLU-RAY DISC – ISBN 075597960884
3- Saturday, September 06, 2014, ChineseCommunismhasdeeproots
inruralclassstruggle
XIE JIN – THE RED DETACHMENT OF WOMEN – 1961
4- Saturday, September 06, 2014, Thisballetwasquiteaheadofitstime
andhasbecomeaChineseclassic
Wangchun Shi – Hongwei Dai – THE RED DETACHMENT OF
WOMEN – 1970
5- Wednesday, September 24, 2014, Neitheranti-Semiticnorpro-
Palestinian
JOHN ADAMS – THE DEATH OF KLINGHOFFER –
ORCHESTRA OF THE OPÉRA DE LYON – 1991 – ELEKTRA
NONESUCH – 1992
6- Friday, September 26, 2014, Thisfilmbetraystheoperawiththe
benedictionofthecomposer
JOHN ADAMS – THE DEATH OF KLINGHOFFER
– LONDON SYMPHONY ORCHESTRA – CONDUCTED BY
JOHN ADAMS – DIRECTED BY PENNY WOOLCOCK – 2003 –
DVD
7- Thursday, August 28, 2014, Avideooperathattellsusaquitefamous
story: Jesusisbeingreborn
JOHN ADAMS – KENT NAGANO – PETER SELLARS–
DEUTSCHES SYMPHONIE-ORCHESTER BERLIN – EL NINO –
THÉÂTRE MUSICAL DE PARIS-CHÂTELET – PREMIERED
DECEMBER 2000 – DVD 2001

8- Friday, August 22, 2014, 9/11willalwaysbesubliminallyengravedin
ourmemories,aslongasthevideooftheeventcanbeseen
JOHN ADAMS – NEW YORK PHILHARMONIC – LORIN
MAAZEL, CONDUCTOR – ON THE TRANSMIGRATION OF
SOULS – 2002
9- Thursday, August 21, 2014, A miracle of religious and cultural
mixing
JOHN ADAMS – A FLOWERING TREE – LONDON SYMPHONY
ORCHESTRA – SCHOLA CANTORUM VENEZUELA – 2006
10- Friday, September 05, 2014, Mostsymbolicalandpessimistictale
aboutwarandnopeace
JOHN ADAMS – DOCTOR ATOMIC – SAN FRANCISCO –
OCTOBER 1st 2005 – DE NEDERLANDSE OPERA – 2007
11- Tuesday, August 05, 2014, ThisPassionistalkingtousinthe
modernworld
JOHN ADAMS – THE GOSPEL ACCORDING TO THE OTHER
MARY – 2012 – GUSTAVO DUDAMEL – LOS ANGELES
PHILHARMONIC & LOS ANGELES CHORALE – 2014

MUSIC – MUSICA – MUSIQUE – MUSIK
A universal language
Some have tried to introduce a lexicon of music and a syntax of
music and they all have failed because apart from the notes that
have been rather stable since the 18th century, and the rhythms that
have changed from one century to the next and yet are always the
same, binary, ternary and quaternary, two-fold, three-fold or four-
fold with all possible combinations with the units of length, once
again rather stable across ages, all the rest is the result of the art of
the composer, his or her emotions, and the meaning is, altogether
on the side of the composer, on the second side of the interpreters
and on the third side of the audience, the result of the empathy and
feelings of each one person in these three fields.
When you add words onto this music, sung or spoken, then these
words have their own meaning, their own syntax and these lexical
and syntactic combinations are amplified in a way or another,
positively or negatively, by the music itself.
I celebrate here many composers and many styles, many periods
and many genres. Most of the various sections of this document
refer to wider, at times a lot wider, documents that may count many
dozen pages or even a few hundred pages.
Patience and persistence – equanimity in one word – have to be
your two bread and butter, bread and water, butter and cheese (with
bread if possible), cheese and fruit and I am sure many of you will
see many different meanings in my way of looking at things.
Enjoy then this forest of many different trees, including Lao She’s
reverie trees that only grow on Mars. Some pages are in French,
which is good for dreaming.

Jacques Coulardeau at Academia.edu
BENJAMIN BRITTEN’S OPERAS
https://www.academia.edu/24239693/BENJAMIN_BRITTE
N_S_OPERAS
Abstract:
BENJAMIN BRITTEN’S OPERAS
DEATH – MARGINALITY – TRANSCENDENCE – LOVE DENIAL
On the basis of the very first steps in that project for Avignon’s University, I submit
to discussion the following notes. Britten sounds to me like a spiritual
transcending chant and song of death beyond life in the heart of life itself. That
love, that life, that transcendence is like the figure of the boy killed in Curlew River
or some other operas, since I will only deal with operas, including of course Death
in Venice, the perfect sacred garden and cemetery of Benjamin Britten, the
graveyard of his belief that life can only be in death, or if you prefer that death can
only exist in life.
Here are the operas I will consider after collecting them. Some are ballets, some
are vaudevilles, some are operettas, but all are about that strange foreigner who
is the only stranger in our life that counts: death, death our friend, death our lover,
death our life partner.
Thinking of it now, just at the beginning of this search and hunt, I feel death is the
most beautiful experience man can have, and that is not morbid because any
“Danse Macabre” is not a simple ordinary dance. It is a trance that leads us to
bliss and full mental orgasmic enjoyment.
One of my starting blocks is La Chaise Dieu’s Danse Macabre and I add to this
first lap my review of two books on this Danse Macabre.
Research Interests:
Christianity, Sociology of Children and Childhood, Death Studies, War
Studies, Opera, Early Christianity, British Music, Second World War, Death and
Burial (Archaeology), New Testament and Christian Origins, Philosophy of
Love, Jesus Parables, Q, Historical Jesus, and Biblical Hermeneutics for Ethico-
Political Interpretation of New Testament, The relation between Theology and
Ethics in Pauline Letters, Masculinity, Fatherhood, Boys, Coventry, and Requiem
Discussion
https://www.academia.edu/s/bfa3ddcc3d
This is only the beginning of this research. Benjamin Britten is a
phenomenal composer and yet his works are scattered and there is no
comprehensive presentation of his music divided among various publishers or
producers and with repeats from one to the other and many works published

separately. What I am interested in is the figure of the stranger or the foreigner in
his operas and other stage productions. That leads to death most of the time,
particularly the death of young boys, or young men. This and the Christian
inspiration leads me to look into the way death was considered in the past
centuries, particularly in the Middle Ages and the 15th century, the century when
plague, war, and economic collapse could have had unpredictable consequences.
I found a lot on this subject in the direct Benedictine heritage in my corner of the
world. A strong Christian presence can be seen in his various productions, at
times directly imported from the Bible with the theme of being rejected for one
reason or another, and also being forgiven or even saved, be it only after death or
after some martyrdom. This denial of love in the midst of the assertion of love is
poignant and disquieting. The full paper is due for December and I have to
explore some 18 works, whose list is provided at the beginning. If you think I have
missed one or two, please let me know.
Jacques COULARDEAU & Benjamin BRITTEN
at Academia.edu
The Turn of the Screw, from James to Britten
https://www.academia.edu/s/6394c1fda3
https://www.academia.edu/27527052/The_Turn_of_the_Screw_f
rom_James_to_Britten
Presentation of discussion
I have to deliver a full article in December on the figure of the stranger in
Benjamin Britten's operas. I have listed 21 works in that field and I still have six to
go. The Turn of the Screw is particularly important because of the career the

opera has had on operatic stages in the world. It is also crucial because more
than with any other work this one has brought a wide - and wild - critical approach
to Benjamin Britten's sexual orientation which is not at stake in this opera the way
I read it, within the others like The Little Sweep that also deals with children in an
upper-class family. It is this way I would like to submit to your discussion and I am
quite open to all ideas though it is quite clear that I will not discuss in my article
the sexual orientation of the composer.
Abstract:
The following comparison of Henry James’ The Turn of the Screw and Benjamin
Britten’s adaptation of this novella to the operatic stage reveals there are two
oceans that are crossed: The Atlantic Ocean and the ocean of time. In spite of his
life spent between the USA where he was born and where he had brother, sister,
father and mother, Henry James is not English at all. This ghost story is typically
American and never reaches the Gothic level that British stories construct or the
ironic if not sarcastic level of Oscar Wilde. It is also the time of the great
debunkers of ghost stories known as Sherlock Holmes and Dr. Watson who do
not believe in ghosts but do believe in criminals and murderers and know from
experience that ghosts are a good cover up for a crime, still used in many TV
series.
On the other side, Benjamin Britten is British to the core and ghosts cannot be
ghosts because the ocean of time has been crossed along with two world wars,
the two successive births of globalization. We have more or less abandoned the
soul in psychiatry and we have vastly replaced it with the mind and the great
masters of the mind in 1955 were Sigmund Freud, Carl Jung, Jacques Lacan

already and emerging fast, but not yet Michel Foucault. Each one of these set the
mind in one special place of the body. For Freud, the mind is in emotions and
impulses. For Jung, the mind is a heritage from the old culture we receive with our
milk after birth. For Jacques Lacan, it is in the conflict and constructs of two
essential dimensions: the basic physiological body and the concept of authority,
both in their conflict and cooperation constructing a superego he called the
Phallus. Michel Foucault sets the mind at the level of the consciousness of one’s
sexual apparatus, in many ways like Wilhelm Reich but with a mental dimension
that Wilhelm Reich never reached, tied up and locked up in the sexual drives,
both penile and anal, or vaginal and anal.
But, and that’s my main point, Benjamin Britten moves away from the ghosts to
deal with mental memories or constructs that replace the parents these children
do not have any more, but he refuses the innuendo Henry James invested in his
novella all the time in the form of extreme sexual obsession in the nameless
Governess. He brings the kids back to their ages, eight and ten, and at ten a boy
needs a male model and not a male sexual partner. This model is a father
substitute when the father is absent or a father extension that brings into the
mental father of the boy new elements to build his superego, or Phallus to use
Lacan’s concept.
And Benjamin Britten shows his deep consciousness that with any maternal figure
in that situation who would be too possessive and in this particular case a power
and control (sexual) freak, the boy might be mentally destroyed to the point of
desiring to get out of this world back into the world where his mental model is
living, since Quint is dead and not dead at the same time. Simultaneously that
boy, in the most innocent way, will punish the maternal substitute who dared push
him into non-existence by dying in her arms, in her lap, his big death punishing

the mother-torturer-executioner who dared provoke some ripples in the field of his
still un-awake little death without understanding that you cannot play with that
impulse even with a boy of ten without running the risk of destroying him because
it is castrating if you frustrate the dim satisfaction of it and traumatic if an adult
takes advantage of it to satisfy his or in this case her phantasms.
This is part of a longer study due in December on the figure of the stranger in
Benjamin Britten’s operas, still, six to go out of twenty-one.
Research Interests:
Child and adolescent mental health, Mental Health, Posttraumatic Stress Disorder
(PTSD), Opera, Mental Representation, Trauma Studies, Benjamin Britten, Henry
James, Post traumatic stress disorder, Mental Imagery, Mental Models, PTSS, Ghost
stories, and Control Freaks
Jacques Coulardeau & Paul Bunyan at
Academia.edu
Paul Bunyan, from wilderness to consumer's society
https://www.academia.edu/27809566/Paul_Bunyan_from_wilder
ness_to_consumers_society

Abstract:
In the project going on right now to cover the figure of the stranger in Benjamin
Britten's operas, I have reached the first opera after many more I have studied
before. This one is more a manifesto, musical and political, on Auden and
Britten's side than a purely evanescent "entertainment neither true nor beautiful
nor witty."
The revival version though has cut off two essential scenes. But what is important
here is the fact that Bunyan reaches both the level of the epic hero of a
picaresque adventure and that of a myth, a legend, a folkloric character that
becomes universal in his all-encompassing historical vision of his conquest of the
West, like in a way the Chinese Monkey of the Buddhist Journey to the West.
Is the stranger, the eternal guest as he calls himself, that Bunyan is in our world
an ideal, a prophet, a guru, or just a friend to accompany our dreams of a better
world?
Research Interests:
Marxism, Sigmund Freud, Freud and Feminist Psychoanalysis, Karl
Marx, Hollywood, Soup, Lumber industry, Beans, John Bunyan, Oedipus, Spanish
conquest of the Americas, Campfire, Lumbering, Manhattan, Grand Central
Station, Lumber History, and A brief summary in Spanish about Jocasta

Discussion
https://www.academia.edu/s/765d8da82f
The figure of the stranger in Benjamin Britten's operas is more and more
a stranger from outside that completely perturbs the status quo of where he
arrives, or a stranger from inside that makes one confront his or her real
circumstances or real deeper self. Too often it has been associated with Benjamin
Britten's sexual orientation and in this case his collaboration with Auden increases
the tendency especially since it is about an all-male environment in which there is
ONLY one woman, and also one dog and two cats, all of them sung by women as
Auden notes in his introduction to the libretto. Yet I feel that it would be a mistake
to consider the question only, first of all or in any priority way as having to do with
Benjamin Britten's sexual orientation, just as much of a mistake as connecting his
approach of the American conquest of the West with his dentist of a father whose
drill he would try to run away from.
Benjamin BRITTEN @ Théâtres du Monde n° 27
(2017)
http://www.theatresdumonde.com/mn_revue.html
The article was published in French in April (32 pages) under the
following title:
Jacques COULARDEAU ------------------------------------------- p. 155
Benjamin Britten. L’étranger, l’enfant et la mort dans ses opéras

You will find all the reading and research notes IN ENGLISH, opera by
opera in the following file of some 140 pages.
I am pretty sure opera lovers, Benjamin Britten enthusiasts and music
lovers will enjoy following, in chronological order, the building of a whole temple
dedicated to the figure of the estranged man, rarely estranged woman, confronted
with a child, most of the times a boy, at times a boy and a girl and how these
children are confronted with death, real sad death that is anything but natural; but
also the death that comes as sinister fate, as war and an obsessive and recurrent
Jewish reference, be it Biblical or be it 1939 and Bertolt Brecht’s visionary poem
on the extermination of children, and first of all the Jewish child on the decision of
a Nazi judge.
You will of course love and enjoy over and over again Thomas Mann’s
Death in Venice, that poignant story of an old man seeing his end coming and
falling in love with a young teenager he will not speak to, he will not touch nor
approach in any way, contemplating in him his possible descent, his possible
heritage, his possible continuation in his search for beauty, the formal architecture
of beauty that is so mesmerizing when met in pure mental and spiritual
expectation to survive in it because beauty will survive his own departure.
Death becomes an offering to God and life in this empathetic search for
fulfillment.

Benjamin BRITTEN & Jacques COULARDEAU
@Academia.edu & @slideshare.net
Britten's Operas Survival Psychopomp Death
https://www.academia.edu/30240729/BrittensOperasSurviv
alPsychopompDeath
Britten's Operas Love Rejection Death
http://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/brittens-
operas-love-rejection-death
Published on Dec 4, 2016
TABLE OF CONTENTS
0. Introduction p. 2
1. Paul Bunyan 1941-1976 p. 5
2. Peter Grimes 1945 p. 13
3. Rape of Lucretia 1946 p. 18
4. Albert Herring 1947 p. 23
5. Saint Nicolas 1948 p. 30
6. The Little Sweep 1949 p. 33
7. Billy Budd 1951 p. 39
8. Canticle II: Abraham and Isaac 1952 p. 43
9. Gloriana 1953 p. 45
10. Turn of the Screw 1954 p. 51
11. Prince of Pagodas 1957 p. 74
12. Noye’s Fludde 1958 p. 75
13. Midsummer Night’s Dream 1960 p. 79
14. War Requiem 1962 p. 92
15. Curlew River 1964 p. 104
16. Burning Fiery Furnace 1966 p. 109
17. The Golden Vanity 1966 p. 119
18. Prodigal Son 1968 p. 120
19. The Children’s Crusade 1969 p. 124
20. Owen Wingrave 1970 p. 126
21. Death in Venice 1973 p. 136

Research Interests:
Music, Music History, Jewish Studies, Death Studies, Children and
Families, War Studies, Opera, Death and Burial (Archaeology), Philosophy of
Love, Ideologies of Motherhood, Masculinity, Fatherhood, Boys, Child
Soldiers, Hebrew Bible/Old Testament, Psychopomps and opera
Boulez, Bowie, and Cohen
Happythe one who can leave in due time
https://www.academia.edu/30541300/Happy_the_one_who_can_le
ave_in_due_time
Death makes life unforgettable
http://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/death-makes-life-
unforgettable
In 1974, I knew Pierre Boulez indirectly since I was reading the music treatises
of Pierre Schaeffer and some other books on the subject of modern music,
concrete music, noise if you want, but also plain music from classical to jazz, from
negro spiritual to Black and Soul, from the Beatles to The Who and AC/DC or vice

versa. I was ranting and raving on David Bowie the non-bipolar fluid gender
hermaphrodite. I was already waxing sentimental and dazzled by the genius of
Leonard Cohen, and yet I was trying to enter another world, the world of a
distorted stressed psyche that has managed to survive a couple of traumas
including the one of extreme eyesight impairment from birth to the age of six
without any medical assistance. You know: “Don’t Pass Me By!” And I had
enjoyed in all the twenty-nine years already behind me all that was sound, music,
languages, talk, drama, radio, and so many other things to listen to and to hear
even if seeing was not exactly the cup of tea in which I could rinse my
“spectacles” or glasses if you prefer.
Here was my mind then (never ever published since 1974 and only read once
to a small audience)
DAVIS, CALIFORNIA, 1974
And he looked right and he saw Lawrence
And he looked left and he saw Terence
And in front of him, he saw Stephens
And there and here someone else
Someone more
A Face anonymous and placid
Amorphous and tacit
A face with a nose and two eyes
With a pose and two lies
One for him and one for the world
And the pose of the comfort
Of the mind
We had tried hard to break the lurid front-lights
To jump into the dark pit
Of the tender-footed neophytes
The vertigo of a mosquito
Attracted by the bite
The fervid taste of blood
And the pounding grind of the slap
That will forever stop the flight
Of the buzzing nuisance
To a sad unacceptance
The clown was standing in front of his audience

And then all of a sudden
The bright imagination beam
Takes in its tight spot the face
Of what among others that is more
And yet nothing more
That is for an instant
And already no more
Of him he flippantly likes
And he recreates in his mind
In his flesh
Recreates with his quivering eyelids
Good morning but don’t touch me
I love you but don’t touch me
I want you but don’t touch me
I have you but don’t touch me
And phantasy phantasizes the phantasmic phantasms
Of his desire
He plays his stringy show

On a stringent note of maybe I can
Maybe I could
Maybe I might
Make him understand
The turn of my covetousness
The counter turn of my ravenousness
The stand of my desirousness
And got no answer, not even a clap
He relapsed in his voyeurism
He traced the fine of an ankle
The line of a leg
The mine of a thigh
That shivers at his breath
The lip brushes the softness of the hairs
The tongue waters the skin of his flesh

The fingers meet into the width of a palm
Cupping to retain the wine of the crotch
The milk of the breast
That mango juice he pines for
And lift it to his mouth
Furnishing his palate
With the sultry caressing lime
Green like the never ripe passion of his heart
Acid like the never-moored
Overflying Dutchman
Of his dearth
Coating his throat with the reviving paste
That springs high
That digs deep
That will never germinate
And yet will carry more fruit
Than the carob tree of yon savannah
Dead-like and lifeless
Like a bug dried in the moonshine
Silent
Dark
And fatefully immobile
There the cross of the long-legged roads
There were the east and the west meet
In the climax of their zenith
In the apex of their noon
The south emerges
Soothing and simmering
The flames in the eyes
The thirst in the mind
With a taste of roundness
With a flavor of boldness
A bouquet and a fragrance
Heady and exhilarating
Like the foreplay of the skin
Over the sharp edge of the blade
Of the brit milah of fervid tradition
Ready to penetrate
The soft sweet bread of the flesh
And got no answer not even a clap
From the unreachable posse of indifferent masks
Coulardeau Jacques
Davis June 1974

– Pierre Boulez – David Bowie –
– Leonard Cohen –
Blissful Recollection of the Future
Music wind of the mind
Crawling creeping sliding
In out through
Ears eyes skin
Music tempo of the soul
Beating dancing swinging
Up down gone
Hands feet head
Music tempest of the heart
Loving hugging cuddling
Back forth
All around
Chest breasts
Elbows and arms

Sitting in the dark gloom of the abbey church I listen to the opening of
some symphony that reverberates under the vault and among the columns.
A butterfly flutters gracefully in the sunshine and perches itself on my
knee in some green meadow behind the summer house of the vacation.
Snowflakes hover in the air and lightly cover the sidewalk of the still
benighted street of my city just one week before Christmas in the cold morning
air.
On the big square on a bench my street homeless friend wakes up every
morning when I come and every morning I give him half my ten thirty snack.
And all the time some music resonates in my brain and tells me in a
whisper between the notes, among the keys and codas, a message that I will
remember.
Ever!
“Go your way and keep in your fists the acorn you saved last September,
keep it for the forlorn forgotten forsaken squirrel of an alley urchin that has no
shelter and that longs for love.”
An acorn
A walnut
An apple
A pear
Shared and split in half
Bestowed and received
With a hungry smile
With two eager lips
With many ravenous teeth
Flat sharp pure tonic C
The schoolboy offers in one hand
The sidewalk wanderer gathers with both hands
Raises his eyes and locks them
On the blue irises pierced with a dark question
Why?
A voice from on high then vibrates like a tuning fork
“I won’t pass you by, I promise!
“But don’t vanish and go, ever!”
Jacques COULARDEAU
Olliergues, February 9, 2017

Boulez-Bowie-Cohen @Academia.edu &
SlideShare.net
Happythe onewhocanleave indue time
https://www.academia.edu/30541300/Happy_the_one_who_can_leave_in
_due_time
Death makes life unforgettable
http://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/death-makes-life-
unforgettable
Abstract:
Three living stars have just died in the field of music. Three supernovas
that were a galaxy of their own. Leonard Cohen, David Bowie and Pierre Boulez,
the whole western world in a nutshell, Canada, Great Britain and France, and the
last one directed and recorded Wagner as well as Frank Zappa. A whole world is
leaving and we are left alone in the orphanage our world has become.
And yet they leave in our hands, in our ears and in our eyes a whole
world of illumination, hallucination, inspiration and exquisite frustration. We have
to build tomorrow’s world with what they have just granted us as their heritage, as
our inheritance. Let’s take care of it for ever and ever.
Research Interests:
Music, Musicology, Popular Music, Death, Musicians, and Pop
Singers

Yvan, Lionel, Stéphane Belmondo Yusef Lateef
Un jazz de souffrance dans un écrin
méditerranéen
(5 critiques en français)
Suffering, Morbid, Islamic, Mediterranean Jazz
(1 critique en anglais)
Intro in English
6 recent CDs
Belmondo's, brothers, sons and father, and
Yusef Lateef
https://www.academia.edu/32171834/Belmondos_brothers_son
s_and_father_and_Yusef_Lateef
&
https://www.slideshare.net/JacquesCoulardeau/belmondos-
brothers-sons-and-father-and-yusef-lateef
This is jazz and in spite of what John Steinbeck said jazz is the
descendant, one of the descendants of Black African polyrhythm that was

imported under duress and in suffering by slavers in their slave ships to
America.
To survive – a very short life expectancy was their lot, hardly more
than 21 years – they had to manage their suffering collectively. They just
hummed their basically rhythmic musical African heritage so that all the
slaves worked at the same speed and had the same results in the
evening, thus avoiding the whippings of the slower slaves and the
increase of the requirements for a standard day of work – generally of
course from sunup to sundown in the fields which meant getting up before
daybreak and going to sleep after nightfall – and even so whippings
occurred, especially because it was some kind of game for the slavers, be
they slave owners or just white supervisors.
African music was polyrhythmic and still is and the music that
evolved from this heritage in America is polyrhythmic. And in our modern
world, it has become the global heritage of humanity. Many forms exist
and jazz is one of them. Polyrhythmic like hell with the drums devised and
invented for jazz with real, simple drums and cymbals and other
percussions that can produce several rhythmic tempos since the two
hands and the two feet are working simultaneously. The bass is another
rhythmic instrument and of course, you have the third or third and fourth
instruments, no matter what they are that can have their own tempos.
There are also quintets and sextets, but those are rarer formations.
You add to that the syncopated style and you have these various
rhythms swinging not in unison but in coordination. If you take that
heritage off this music you may have some “jazzy” music but it is not jazz.
A last detail is that generally, every instrument will have a solo
moment in the piece when the concerned musician will prove his virtuosity
and will in all possible ways build some rhythmic patterns that will be
tremendously faster and more intense than the basic rhythmic pattern that
is kept in the back. That’s direct heritage from African music.
And that’s the real problem with the Belmondo brothers and father.
When the father is around you have a tremendously mashed and
mundane music for the new middle and upper middle classes of France
and Europe that has completely forgotten the past of the slaves since they
were on the sole side, if at all, of the slave traders. When you work with
Lionel and Stéphane Belmondo alone or together, the sons and brothers,
they very systematically borrow from classical music and arrange these

borrowings in a jazzy style. Stéphane in a luminous way. Lionel in a very
dark way. Lionel Belmondo’s compositions are generally mortiferous and
even morbid.
What’s different when Yusef Lateef joins them is that the music is
more original but it becomes contemplative and that contemplative
atmosphere is like someone, after having fulfilled some religious duty or
obligation, after having gotten in peace and communion with some God of
sorts, becomes able to just look at the world and not meddle with it. It is
not joyous but it is not morbid either. It is just contemplative and some
may say happy, though I am not satisfied with this word, more satiated in
spirituality and thus able to remain detached from reality. That’s when the
Belmondo family really meet with real jazz: this contemplative stance is
the direct heritage of the suffering of the past, of the Post Traumatic
Slavery Stress Syndrome that is alleviated not by forgetting but by
stepping back slightly in full consciousness of the crimes against humanity
the Black slaves have suffered but are finally just learning how to keep in
place and these crimes are no longer preventing the Blacks in the USA
from just living and finding some equilibrium. That’s what the Nation of
Islam is saying and practicing, bringing the descendants of the slaves
together to share, to bring back the past, as distant as possible, and finally
learning how to collectively and personally live with that heritage in peace.
The road to go is still long.
Of course, the Belmondo brothers and father cannot do that. So
their music is jazzy. Lionel seems to invest his own existential suffering in
his music but it is still just some neurotic or psychotic existential
discomfort. That’s probably why the middle and upper middle classes in
Europe love this music because it makes them feel as if they were
suffering, as if they were the descendants of the worst possible historical
alienation imaginable. And that is a mouthful of qualifiers.

LIONEL BELMONDO – L’HYMNE AU SOLEIL – CLAIR OBSCUR – 2011
Reprise de pièces musicales de compositeurs divers d’aujourd’hui ou hier
soir et variations sur leurs thèmes dans une tradition jazz bien acceptées
aujourd’hui. Il n’est pas question de reprendre les citations et références. Les
citations ne sont que des béquilles, encore faut-il savoir ce que l’on veut en faire
et ce que l’on en fait. La musique n’est qu’un accompagnement de la vie – ou de
la mort – et c’est cet accompagnement que je veux défricher plus que déchiffrer.
Le premier morceau lent et fort n’est aussi rien d’autre que cette force
lente qui envoûte pour sûr mais qui nous coupe du soleil du jour comme dans
Sainte Croix la romane un jour de canicule.

La seconde plage est lente et langoureuse, tout un monde de salons de
grande ville quand elle oublie la rumeur extérieure, dans ces grands salons du
Quai des Chartrons ou du Cours Xavier Arnozan feutrés et lambrissés et oubliant
qu’en bas, en dessous on commercer de l’esclave avec les îles de là-bas. Cela a
laissé comme une douceur opiniâtre qui ne veut pas nous quitter.
La troisième piste est une originale composition de Lionel Belmondo. Il
joue sur deux rythmiques modérées, l’une à la contrebasse et percussions et
l’autre au saxo et autres vents. On a alors un monde en plusieurs couches. Vous
vous engoncez dans la couche que vous voulez et oubliez ou estompez les
autres. Monde multiple, varié, divers, contradictoire mais sans violence, sans
heurts, bien huilé et jouant sur un jazz qui se veut plutôt détonant mais sans
détonation. Le souffle d’un boulet sans son bruit et sans dommage apparent dans
la vie moderne ambiante.
Gentille Love Letter posthume ensuite. Douceur de salon plus que de
Forum des Halles ou de Place Jean Jaurès ou des Quinconces. Le cours de
l’Intendance une demi-heure après la fermeture du Français. Le charme un peu
glacé de Bordeaux aux terrasses de bars et restaurants que rien ne perturbe,
disturbe, agite ou même surprend. L’entrecôte cuite aux sarments arrive dans les
rires dégingandés de gens insouciants.

Alors l’âme se trouve confrontée à l’appel profond des basses et à
l’élévation possible des aigus. Mais entre les deux aucun pont de pierre ou de
bois ne balance. Simple dilemme irrésolu. Quand arrivent le piano et les
percussions s’ouvre la voie au saxo qui va essayer de dominer la folie qu’il
repousse en arrière. Le solo type de tant de morceaux de jazz new-yorkais
secoue un peu les branches et on quitte les terrasses de la Place de la Comédie
pour faire une incursion de courte durée dans la forêt de pins sylvestres secoués
par la tempête, enfin n’exagérons rien, le vent, que dis-je peut-être simplement un
peu de brise. Et tant le vent pète que le saxo semble s’enivrer de son propre
souffle. Il y a dans ce solo une souffrance qui se veut bonheur, un salut qui se
veut perdition, un enfer qui se veut paradisiaque. Et il finit en queue de poisson
par un retour au début, une coda sans combat.
Le nocturne suivant garde la nuit mais ajoute l’inquiétude des ruelles
arrières de New York, la fascination de la faune et de la flore de la nuit de ces
villes où tout n’arrive qu’au cœur de l’ombre noire. Le piano essaie de nous tirer
de cet engluement nocturne mais n’y arrive qu’en nous entraînant dans un bar
tout aussi glauquement gauche et emprisonnant. Où est la liberté dans cette
vision de la ville sans lumière naturelle. Tout n’y est qu’artifice et écho de mille
choses déjà vues et entendues et à jamais oubliées. Le saxo serait-il la salvation,
le salut, la possibilité de s’échapper ? Oh que oui, mais une échappatoire mentale
et donc ce n’est qu’un cauchemar dans la nuit urbaine. Un cauchemar
accoutumant en diable.
Tristement lugubre l’épitaphe est pourtant comme si vous en demandiez
encore de la mort lente sans douleur car il est doux de mourir à jamais dans une

phrase qui n’en finit pas de trainer ses oripeaux et ses ors moulus et de ne même
pas agiter ses chaînes, pourtant en barbe à papa inaudible.
On peut alors repartir pour un tour chuintant et se traînant l’âme en peine
et le mal au ventre sans la moindre vigueur vitale ou bovine. Le pianiste va-t-il
changer la donne ? Pas vraiment. Déphasé, disjoncté, dépenaillé diront certains,
ce piano n’arrivera jamais à s’imposer. On restera donc dans des limbes
mélancoliques mêlant le dérangeant et l’inexorablement à jamais pour toujours
sans la moindre révolte. Rebelle, oui, le piano, mais sa mini-rébellion renforce
l’écrasante domination des autres rayons de ce soleil pris à l’hymne de l’éternelle
reproduction de l’actuel. Sur la fin il y a comme une prise du pouvoir pianistique
mais elle ne mène à rien qu’au retour de l’origine, de l’alpha qui étouffe, calme et
même accablé, l’oméga de ce qui aurait dû être le triomphe final.
Elégance mélodique dit-on alors mais surtout double souffle doux d’air
dans ce couloir un peu étroit ouvert aux deux extrémités. On tourne de gauche et
de droite. On est en est ou en ouest. Comme dans une église sans issue et sans
élévation : une chapelle venteuse au fin de fond de la lande. Un Passage Sarget
ou une Galerie Bordelaise que l’on se remémore comme étant le passage
Dijeaux.

Pourquoi alors Schoenberg vient-il nous déranger dans ce confort
inconfortable du luxe pulpeux des salons bordelais ? Probablement du fait de
l’immense héritage qu’il a laissé en Allemagne dans un jazz post-nazi et pré-
populiste. Ce morceau travaille la profondeur verticale en jouant des instruments
comme des voiles multiples de la danse de Salomé, les déroulant l’un après
l’autre, et toujours plus comme les peaux de quelque oignon bien emmitouflé
pour l’hiver. Où arrive-t-on ainsi après avoir passé tous les jupons de la dame de
la belle montagne. Une espèce de fluidité du piano qui voudrait nous faire douter
du genre des anges pour ne pas parler de leurs appendices juteux. Mais les
chairs meurtries se reconstituent et reprennent le dessus pour nous ré-enfermer
dans une coulisse de théâtre sans issue qui n’a pas vue sur la salle. J’ai comme

l’impression que l’on va nous rejouer la scène de la décapitation de Jean Baptiste
dans la douche d’Hitchcock.
Hommage final à un pianiste sans piano. Triste. Triste. Triste. Trois fois
Triste. Et même plus. Langoureux, presque sinistre ou mortuaire. On retrouve le
début, notre point de départ lent et puissant, un ton de bonheur funéraire. Le
bonheur est au fond u cimetière plutôt qu’au bout du pré. Il n’y a que la mort du
cygne pour signer cette clôture tout en un clair-obscur nocturne un jour de nuit
sans lune.
LIONEL BELMONDO – HYMNE AU SOLEIL – CHŒUR NATIONAL DE
LETTONIE – CLAIRIÈRES DANS LE CIEL - 2011
Compositions classiques ou plus modernes, de la fin du 19ème siècle à
aujourd’hui dont deux compositions originales de Belmondo lui-même, de ce qu’il
appelle le post impressionnisme français dans lequel il injecte ce qu’il appelle le
jazz modal. Ensemble donc varié et inspiré par d’autres, à partir d’autres
auxquels il affirme être fidèle et qu’il recompose, arrange et même réarrange
dans une perspective de jazz modal, ensemble qui donne à Lionel Belmondo et
son ensemble l’occasion de déplacer des musiques écrites pour des orchestres
plus ou moins symphoniques mais toujours classiques et des concerts mondains
pour s’abandonner à des instruments et des orchestres de jazz, vents, cuivres,
contrebasses, percussions diverses, le saxo du maître en position d’honneur ici et
là, bien que pas trop souvent, et la pratique de l’improvisation typique du jazz.

Vous êtes prévenus. Ce n’est pas une suite de simples interprétations
d’œuvres du répertoire par la classe symphonique terminale de quelque
conservatoire de Bordeaux ou de la Porte de Pantin mais bien des dérives, des
variations, des fuites, des envolées bien au-delà de ces compositions. Si vous
n’aimez pas le jazz ou le non-respect de la partition, abstenez-vous.
Mais alors qu’est-ce que cette interprétation apporte ?
Énormément !
On négligera le latin tu début. Il crée cependant un travail vocal
incompréhensible linguistiquement (on ne parle pas latin chez les jazzistes), et
qui ne veut pas être vraiment compris et qui crée une atmosphère éthérée,
vaporeuse, céleste probablement mais un ciel nuageux, des cieux en fait
changeants et toujours mystérieux. On retrouve ce travail vocal même avec les
pièces en français comme « Demain fera un an » de Francis Jammes sur une
musique de Lili Boulanger. Une domination de sopranos très aigues et d’alto
féminines tout aussi hautes qui créent ce qui pour moi est un cri féminin qui
exprime l’horreur plus que tout autres chose. Mais on ne comprend pas le
langage devenu confus et indistinct. Les ténors et basses créent un continuo plus
qu’autre chose pour les altos modérés dans l’aigu et les sopranos extrêmes. Mais
prenez le temps de lire les paroles. Elles sont en français.
Un homme parle dans ce texte alors que les voix féminines du chœur
dominent dans le chant. Un homme désemparé, mentalement démembré, abattu,
incapable de ne voir autre chose que de la douleur, de la souffrance, sa douleur,
sa souffrance dans tout ce qui l’entoure, si désemparé qu’il en est littéralement

démembré et ne devient que « une pauvresse » jetée, abandonnée à quelque
fossé. Et on découvre finalement qu’il a perdu une femme, une femme qu’il devait
aimer, peut-être métaphoriquement cette « pauvresse au fossé » à laquelle il
s’identifie dans son démembrement viril. On a là l’expression d’un achèvement et
d’un enfermement dans la douleur, la castration, la stérilisation, l’annihilation qui
est si pessimiste, si défaitiste que la musique jazzée ne fait qu’amplifier au point
d’en devenir lugubre, funéraire, diabolique, infernale. Ecoutez les basses dans le
fond, les voix de Satan, de Lucifer et de Belzébuth en un seul bouquet vocal.
La cinquième piste est une plage originale de Lionel Belmondo. Le saxo
triomphe sur une sorte de fond répétitif rythmique et minimaliste et des voix qui
ne savent que se lamenter, pousser des plaintes, n’être qu’une matière sonore
vocale pour sûr mais qui n’a rien à dire. Cri sur cri l’Enigma déroule ses plaintes
et ses jérémiades, ses souffles et ses soupirs et enveloppe le saxo soutenu par
quelques percussions comme si on avait un cœur de pleureuses africaines et une
musique d’adieu à la vie pour le mort qui va partir en fumée ou en cendre ou se
dissoudre dans l’ombre de quelque tombe. Il n’y a rien d’énigmatique dans ce
deuil musical et vocal comme si on chantait la fin inéluctable de quelque mariage
avec la bête. Il y a dans cette pièce une dimension apocalyptique, mais de
l’Apocalypse de Saint Jean, et je dis bien SAINT Jean, une dimension religieuse,
de recueil, de crainte et de respect de la dimension immense de la mort dans le
marital et le natal, dans l’union de l’alpha et de l’oméga et de toutes les autres
lettres de l’alphabet.
On peut alors nous envoyer Lili Boulanger et Francis Jammes à nouveau
avec un texte sur des lilas si sinistres et si mortuaires qu’on en mourrait rien qu’à
entendre les deux premières notes. On nous ouvre les portes de l’enfer et on
nous prie de bien vouloir y descendre, lilas en mains comme des rameaux de

Pâques ou des pensées indignes un jour de Fête-Dieu. Et les basses nous
enterrent avec les cris des sopranos. Sinistres fin de ce qui semble n’avoir jamais
commencé et qui n’existe que dans son trépas et son ensevelissement.
Une seconde pièce de Lionel Belmondo avec lamentations et
gémissements vocaux lugubres sur percussions folles et dérangées, dérangées
mentalement dans la tête de je ne sais quelle bête qui nous menace, et des
percussions métalliques viennent redoubler les tambours pour nous indiquer la fin
ultime qui ne peut qu’arriver ultimement et finalement qu’incessamment tout de
suite.
Eclosion en douceur qui monte en puissance et s’épanouit en douleur
lancinante déferlant sur nos paupières avachies de fatigue. Dans ces percussions
et plaintes musicales s’ajoutent quelques gémissements vocaux de ténors
éperdus dans la forêt vierge de ce malheur.
Et Olivier Messiaen nous rejoint d’un diptyque qui d’emblée nous entraîne
dans la chute en fuite descendante d’Orphée ou de je ne sais quel fou qui veut
aller chercher son amour où il est enseveli. L’amour de cette musique est un mort
ou une morte vivant dans des bois sombres qu’un saxo alors enlève et anime
d’une faim de finalité, mais en sachant qu’il n’y a aucune fin dans cette famine
sentimentale et vocale, dans cette pénurie et cette disette musicale. C’est un

prodige d’ainsi faire chanter un chœur dans le seul registre du cri et de la plainte
lamentée et lamentable.
Il manquait dans cet univers nocturne la lune Séléné et elle vient comme
par miracle pour apaiser le malheur, bercer un peu les malheureux et les
pauvresses, consoler les enfants perdus et abandonnés, plus abandonnés que
perdus. Le saxo est le confesseur et le « consoleur » sinon le consolateur de
cette pénurie totale de sentiments et de chaleur humains. Ecoutez ces notes
lentes et longues qui alternent avec les notes des sopranos qui ne sont peut-être
plus des plaintes mais peut-être des souffles de renaissance dans cet univers
mortifère. Mais c’est Gabriel Fauré qui a ainsi su rendre à ce Tenebrae terminal
un peu d’espoir que le dies irae de cette mort puisse mener à une lamentation
consolée, une lamentation bercée du suave de la survie. Y a-t-il un peu d’espoir
dans ce malheur consommé sinon consolé, cette fureur apaisée bien qu’apeurée.
Lili Boulanger nous ramène dans le lancinant bruit et la sempiternelle
fureur de quelque chose qui n’arrive pas à survivre malgré l’intraveineuse de
morphine. Arrêtez pleureuse sans fin et donnez-nous un peu de réconciliation
dans le réconfort que la mort n’est pas encore universellement distribuée à tous
avec le jus d’orange du petit déjeuner. Je trouve qu’il y a dans cette lugubre
pérégrination comme la peur d’être perdu au cœur de quelque bûcher d’Arcachon
ou des Landes, perdu entre tous ces pins dressés comme des croix sur des
tombes, comme des pals d’empalement de quelques Conte Dracula dans sa
campagne contre quelques Turcs Ottomans. Des milliers, des dizaines de milliers
d’oiseaux morts enfilés sur ces pals, embrochés sur ces pieux. Et pourtant il doit
bien y avoir encore un peu de vie dans la ville d’à côté si ce n’est dans le gouffre
de quelque Padirac dont on en revient pas. On dirait qu’on fête la mort ultime de
tous les Néanderthaliens qui dans leur mort nous offre la survie

Et nous pouvons conclure en anglais avec Yusef Lateef dans un parterre
de fleurs. Et les pals d’empalement sont devenus des geôles médiévales de
torture sans noms et sans fin. Et l’amour est une salvation salutaire dans cette
cave de dépeçage de nos corps et de nos cœurs, l’amour, sursis de quelques
instants, échappatoire illusoire de quelques secondes, de quelques bouffées d’air
vicié entre les cris, les tenailles, les clous, les tourniquets, les ciseaux, les scies et
autres scalpels qui nous coupent en tranches et nous laissent sanguinolents
condamnés à ne pas mourir tout de suite. La musique est un étirement
sempiternel, éternel et sans fin de notes éraillées et de rythmes et tempos si
dépenaillés et si décharnés qu’on a envie de se demander si comme Rimbaud
nous ne sommes plus que des moucherons à la pissotière de l’hôtel de passe de
la place de la Victoire ou je ne sais quels pucerons à la branche décharnée de
quelque rosier qui n’est pas de quelque Madame Husson que ce soit, mais
simplement en train de crever exsangue sous les dents de ces charognards
parasites car on nous a enlevé toutes les coccinelles dont nous aurions pourtant
tant besoin.
Nous finissons ainsi sur une musique si tellement tombale et carcérale,
enfermés que nous sommes dans la geôle de la souffrance exquise de quelque
torture à la Prométhée dont le foie est dévoré jour après jour par l’aigle punisseur
de quelque dieu jaloux avant de se reconstituer pendant la nuit pour que l’aigle
divin puisse recommencer son travail dévoreur de violeur le lendemain matin.

LIONEL BELMONDO TRIO – EUROPEAN STANDARDS - 2012
Vous reconnaîtrez ici et là les bribes mélodiques des classiques que
Lionel Belmondo reprend, décortique, module, distorte, adapte, module, varie et
perturbe encore en modulations variées sans fin de jazz. Cela commence avec
Johannes Brahms qu’il rend lumineux en diable, même si c’est un soleil
langoureux et un peu mélancolique mais le soleil est par essence mélancolique
pour qui ne croit qu’à la vie nocturne et Belmondo est l’homme d’un jazz de la nuit
alors laissez le soleil se contorsionner sur les trottoirs de la ville tout le jour
durant.
Puis il se lance tout seul, notre Belmondo, et le voilà qui pirouette à
droite, qui pirouette à gauche, qui se met à lentement onduler dans l’espace, un
peu reposant mais il manque l’aventure que nous attendons de lui, l’aventure de
l’océan si proche et que la batterie voudrait à demi-ton faire trépidant, endiablé,
tumultueux et même franchement récalcitrant et déchiquetant du rythme en
innombrables bribes tandis que le saxophone essaie vainement de trouver un
rythme, une ligne directrice, une voie vers un objectif qu’il semble avoir perdu
dans ses hésitations contournantes et retournantes. Le cercle mineur de ce qui
ne tourne que quand c’est grave et majeur. Alors autrement il se dévoie un peu
sur le gravier arrière d’une batterie qui joue la basse continue.
Enfin ce à quoi Lionel Belmondo excelle nous arrive avec The Love of A
Dead Man. Le mineur et le lent sont aussi majeur que la mort elle-même et ses
ébats lents sur fond de sanglots perlés de gémissements. Lionel Belmondo adore
les pleureuses africaines et laisse son saxo descendre dans les limbes de la vie
en lambeaux qui nous reste encore après la mort de ceux qu’on aime car leur
amour nous est encore un écho dans l’âme au coin de quelque rue qui tourne et
se contorsionne entre la Porte Dijeaux et le Cours de l’Intendance. Ce n’est pas
la contrebasse qui dira le contraire dans ses va-et-vient sempiternels qui varient
de rythme aussi souvent que possible pour chacun des trois conils de notre
bonne vieille ville.
L’élégie de Fauré est un autre morceau de bravoure dans le thème et le
ton printaniers presque jardiniers à s’en étouffer de senteurs douces et âcres de
fleurs qui essaient de ne pas plier sous le soleil en sucre d’orge. Il a de
l’élégiaque l’élasticité molle que Fauré savait tellement cultiver mais il y ajoute
comme une dimension de nostalgie jouisseuse de l’empâtement dans la tourbe
rupestre et agricole.

Désillusion de Lionel Belmondo lui-même a un peu plus de dynamisme et
la contrebasse comme la batterie veulent bien se coordonner. Mais le dynamisme
se heurte à des envies d’élévation qui ne trouvent pas vraiment leur envolée.
Alors il retombe, il se ré-embourbe dans la recherche bouffonne, griffonne et
brouillonne d’une sortie dans un monde qui semble vouloir peut-être appeler à
une aventure pérambulatoire, mais on tourne, détourne et contourne et la batterie
finit pas enterrer le saxo qui donne un écho décharné et éraillé ici et là comme
pour retrouver une assise, mais quelle assise peut-on avoir quand il n’y a pas de
suivi et de trajectoire, de cible et d’ambition et qu’on se renferme sur soi-même
en un dernier accord nostalgiquement lumineux.
Alors la Sérénade de Schubert peut essayer de nous faire croire que ce
saxo vient nous parler d’amour, un amour tendre et mou à première vue mais qui
se met à répéter ses couplets comme s’il n’était qu’un lied germanique
romantique d’amour souhaité mais jamais satisfait à la Werther se languissant
dans une écharpe portant son cœur comme si c’était un bras cassé. Et le saxo
n’arrive pas à échapper à ce romantisme triste à la Lamartine.

Il ne reste plus qu’à demander à J.S. Bach de nous introduire à la mort et
de lui faire confiance pour nous l’amener sur un plateau comme la tête de Jean-
Baptiste. Avec Bach on ne larmoie pas. On pleure. Avec Bach on n’est pas triste,
on déplore la joie et même la vie des autres. Avec Bach on n’espère pas mourir
trop tôt, on espère mourir le plus tard possible pour souffrir le plus longtemps
possible de la langueur d’une vie qui n’en finit pas de nous torturer et dans
laquelle nous nous enterrions la tête la première. Bach est le plus mortifère des
musiciens chrétiens qui confond la passion du Christ avec une mission de
transformer notre vie en une torture permanente de la naissance à la mort. Il
manque cependant la sérénité soumise de Bach qui ne triomphe que dans le total
abandon aux phalanges osseuses de cette faucheuse qui n’a de dents qu’à sa
faucille prussienne et de mordant qu’à son marteau saxon.
Chopin peut alors, après notre mort consommée, nous ouvrir la voie d’un
prélude en forme de langueur geignante à la George Sand qui de sa rue Taitbout
le laisse partir aussi souvent qu’elle le veut aux rues où il se perd sans espoir
sinon de revenir quand elle le lui permettra pour se perdre et reperdre dans ses
fumées de cigare et ses jupons en forme de pantalons. Triste désolation
amoureuse pour une amante sans âme toute dédiée à des marionnettes au bout
de leurs ficelles. Et Chopin lui caresse les cordes de son piano.
Rachmaninov est au rendez-vous de Belmondo et essaie de nous ouvrir
à l’esprit russe, cet esprit de force physique et de dureté humaine car la vie est
une danse cosaque sinon comique et la mort est une danse mongole sinon
frivole. Le saxo essaie ainsi de se laisser aller aux variations du continent aussi
vaste que deux qu’est la Russie sur le territoire de laquelle le soleil brille toujours
quelque part. Mais on regrette que ce ne soit qu’un trio car le monde russe
demande plus de diversité et quelques sonorités plus rugueuses plus
gouailleuses seraient les bienvenues dans ces terres slaves. On aimerait
entendre les ébats des sorcières de quelque sabbat sur quelque mont chauve ou
dans quelques forêts sibériennes giboyeuse de loups où l’homme est le gibier,
puisque tous les Russes sont des envoyés de Satan et des braconniers en terres
étrangères.
Et Wagner et son Tannhäuser, ses maisons de sapin, nous attendent au
virage et nous assaille au tournant. Et on nous dit que c’est le chant de quelque
Evening Star, autrement dit Vénus dans son déshabillé nocturne qui n’a rien à
envier à son déshabillé du matin. Mais Wagner, vraiment, inquiétant, menaçant,
lourd de quelque tempête, d’un Ragnarok qui ne se dit pas encore prêt mais qui
se déclare imminent. Il y en aura pour tous, de la mort en fin du monde, de
l’apocalypse en fin de jouissance pulsionnelle irraisonnée. Il y a dans cette plainte
descendante comme une forêt de sentiments sombres qui cherchent leur lumière
dans le creux de quelque antre enterré au fond de la descente en paradis tête-
sur-queue plus encore que tête-à-queue de l’enfer qui a pris la lumière de Lucifer
pour le verbe de dieu et plus que le 69 juteux s’adonne à quelque 66 ou 99 de la
Bête sanguinolente et sanguinaire de la fin de Babylone où tout n’est qu’histoire

de tête et de queue. Alors sombrez donc dans les cieux de ce sillon inter-
mammaire ou intra-fessier.
Mais cela nous enfonce dans l’atmosphère glauque de je ne sais quelle
Midwinter qui ensevelit la vie pour les mois de l’hiver sans promesse de les faire
revivre et pourtant le saxo voudrait nous faire croire que c’est comme la Saint
Jean, un jour de joie comme si la joie naissait de la nuit et de l’ombre, du froid et
de la glace. La contrebasse nous tient un discours plus réaliste mais tout aussi
mensonger et enjôleur pour notre mort et notre malheur. Le saxo nous tente
d’une dernière charmante phrase mélodique mais il devient ironique et nous
tance de sa propre satisfaction. Dansez donc, vous les vivants mourant comme
des mouches dans quelque pissotière de quelque hôtel mal famé place du Palais
au détour d’une Promenade Sainte Catherine.
Et pour nous conseiller la sagesse sur la route une seconde version en
bonus de la Désillusion de tout à l’heure. Et rien n’a changé vraiment. Il nous

nargue à la fin de son jeu et il nous tance, nous intime l’ordre et le défi de bien
vouloir partir à la vie pour y trouver je ne sais quelle mort. Il y a chez Lionel
Belmondo une langueur nostalgique et triste qui jamais de trouve vraiment une
réalisation de ce que l’on pourrait appeler son espoir toujours déçu d’une autre
dimension jouisseuse et joyeuse d’une vie que la mort ne menacerait plus.
Allez donc, vous les pauvres péquins en bas de la scène de votre lecteur
MP3 ou de votre téléphone plus smart que musical, allez donc voir dans les
chemins creux de la vie s’il y a encore quelque espoir de ne pas finir en
lamentation dilapidée. Orphée est donc remonté mais pour finir larmoyant et
morfondu sous un chêne qui l’enterrera car il n’a plus d’espoir du tout. Une fin
donc en note suspendue sans rime ni sens, sans son ni rythme. Un jazz urbain
aquitain qui sent bon – si vous aimez cette odeur – la nonchalance insouciante
des noctambules de Bordeaux pris entre une boîte de nuit bicéphale et un Grand
Hôtel d’un genre franchement fluide en diable. Si vous aimez les anges,
abstenez-vous.
LIONEL & STÉPHANE BELMONDO –YUSEF LATEEF – INFLUENCE - 2005
This double album is probably essential for the career of Lionel
Belmondo, performing here with his brother Stéphane and an ad hoc group of
musicians that associates the regular musicians Lionel Belmondo uses, plus his
brother and some coming along with and for Yusef Lateef, a jazzman from the
USA recently deceased, whose life and career span from Tennessee where he

was born, to Massachusetts where he died. He represents a jazz of his own that
has impacted Lionel Belmondo’s work tremendously, and yet. . .
As soon as the first notes of this recording we have a tone we had not
found yet in Belmondo’s music so far in our discovery. A light, florid, rich, deep,
joyous and even blissfully ecstatic music that sweats and radiates some
happiness, joy and not the morbid mortiferous contemplation we found so often in
Lionel Belmondo’s music. But due to the dates, is this mortiferous and morbid
style a later style, a style due to something Lionel Belmondo has lost? For sure
this here recording is full of light and sunny rays of pleasure.
Without entering all the tracks one after the other, I would prefer giving
you some impressions rather than a scholastic manual. The presentation booklet
that comes along with the CDs is good enough for that and signed by Vincent
Bessières who is a journalist at Jazzman, a French magazine on the subject
of jazz and jazz performance. Founded in October 1992, it was merged with Jazz
Magazine in September 2009 in response to the worldwide economic downturn
and the general loss of revenue among music magazines. It was advertised as
"the magazine for all jazz." Jazzman began as a free supplement in Le Monde de
la musique. It published its first independent number in March 1995. It is not clear
whether the separation was a divorce or a way to expand the jazz publication by
making it autonomous. The booklet is in both French and English. I have chosen
to favor English.
Bessières says somewhere the musicians have chosen the blues as their
style. I am not sure because for me the blues requires a voice, a singer, words to
express the blues itself and the music is generally not jazzy and it is certainly
most of the time particularly sad, suffering, crying and weeping, howling at times
with despair. Here the music is at most hesitating between having a continuous
melodic line or just impressionistic touches like in the second track: “Si tout ceci
n’est qu’un pauvre rêve” (If all this is nothing but a pitiful dream). The title by Lili
Boulanger originally here arranged by Lionel Belmondo has been made luminous
in its hesitation, the search of some elevation but no doubt ever, it will come from

contemplating the inside dimension of this music that is never erratic but only
curiously stumbling and touching around to look for a door, an uplifting golden
path in the forest of some urban maddening crowd that does not madden you at
all.
This recording owes a lot to Christophe Dal Sasso who gave two tracks
on the first CD. He could be qualified as sad but it does not succeed and I will
then consider that his half smile of half happiness is, in fact, the detachment of a
contemplative man in front of this world. What could make his music sad makes it,
in fact, restful and peaceful? We just let ourselves slip slowly into this music and
we enjoy the rest we find there, the abandon and nonchalance that are seeping
from the notes and the instruments. Are we lying on a deck chair or chaise lounge
on some beach or gently rolling ship on an oily sea without any wind, apart from a
light breeze that cannot even fill our sails? Just let’s look at the gulls, at the sun,
at the dust dancing in the sunlight, let’s draw the curtains of our mental bedroom
and let us recline in the velvety featherbed. Is there any regret at times not to be
part of the game, part of that outside world of pure excellence and enjoyment
without any exhilaration?
There might be a desire behind this music by Christophe Dal Sasso and
his use of percussions to make rolling balls dance from right to left and then open
some window to some plaintive but aerial and sky like azure flute that could be
some Indian musician in the morning challenging the percussions, the drums, the
whole of nature and summoning the deepest and most secret animal spirits of our
world, those we never listen to and we always want to meet but without the
courage to say, OK yes, let the wolves come dancing with me, let the frogs croak
with me, let some other deer or bears come celebrate life with me. That’s when a
more metallic sound and a humming voice appear, if it is a voice, and deeper,
more somber sounds come up, rise, swell in the sky on a canapé of metal

percussion, cymbals and their metallic sweeping, bells, we are confronted to the
birth of a world, of a mythology, of a future because any birth means a future that
will drop on the side what is not important for that future like the shouts and yells
of crowds. The piano brings in the responsibility of life and government. And a
saxophone or clarinet or whatever brass instrument comes and amplifies that
social forest of responsible enjoyment of what is to come and we call for. The
bass can then temporize with that future. And something lurks out of the wings
and inflates itself into some existence You are, new-born god, the master of this
world and we are your servants, your believers, your powerful intercessors to life
and we become the echo of your peace of divine mind and that makes us divine
too. Oh! Friend of mine that moved away, that is trekking along some new
territory, your voice is still reverberating in my mind and that voice is like a divine
message telling me what to think. It is the few isolated notes of a bird’s call and
song. And then it can become the recollection of the pleasure of loving you and
the pleasure of still loving you though you are blazing some trails in some new
forest and a trumpet tells me you are strong, manly, powerful and sure of yourself
like some calamus growing in Walt Whitman’s pond in his contemplation of the
masculine heart of the conquerors of wild territories. That music is an ode to joy
and bliss and orgasmic climax, all contemplative in the mind of the beholder. To
contemplate is to have. Just enjoy that contemplation that is your possession, that
rich possession that makes you another person and yet the same. That’s how a
friend and his love can transform your mind even in his absence because he is
always there in your brain. Can’t you feel him squirming when you speak of him?

If you find Christophe Dal Sasso slightly liquorish and satiating, maybe
too much, too hypnotic, just take a rest with Lionel Belmondo and his saxophone.
No problem; you can go drunk on that heady music that titillates in you the dark
humors that have to come out to become sunny and happy. He is the pleasure
bringer, the hawker in the street that tries to hawkishly sell you the shiny trinkets
you do not need and yet that will be so useful for you to dance all night as if you
were happy in some luxurious and lustful reception in some palace imagined by
Lestat de Lioncourt somewhere in Auvergne. Don’t let your fingers be taken up by
these strings. Resist the envy and the desire to be nice with the Hawker who is a
predator like his name says and he will draw all he can out of you to let you go on
your wooly legs totally empty of all your blood. You will sit on a public bench and
you will admire your new acquisition of empty air.
And that’s when across the street on the second CD Yusef Lateef comes
and transform our urban stroll into a rainforest chase for unknown species.
Chattanooga, Tennessee, is the destination. Is it Chattanooga today or the
Chattanooga of the times of slavery? Is it the past or the future? To ask the
question is sure to never get an answer. Just enjoy the trip.
I guess Southern Comfort is next on that road to the south but definitely
with an urban background from the north.
But it is a day to wake some vast ideal from morning to dusk. Iqbal
dominates the whole suite and it brings together so many things, in 2005 and
even more today. The great and mythic by now Sir Muhammad Iqbal, widely
known as Allama Iqbal, was a poet, philosopher, and politician, as well as an
academic, barrister and scholar in British India who is widely regarded as having
inspired the Pakistan Movement. Born: November 9, 1877, Sialkot, Pakistan.
Died: April 21, 1938, Lahore, Pakistan. There is in this music something that goes

beyond the slowness and nonchalance of the south. There is something that
enters the Muslim mind of Yusef Lateef, a Muslim mind that comes from his
reference to Pakistan, an aspiration to develop, an aspiration to thrive but also a
tremendous fear that behind the green canopy of the trees there may be a very
aggressive and violent sky and yet let the canopy of leaves and birds in their nest
lock itself up onto the shady happiness of here inside this temple and let our
words open our hearts to the divine beyond this closed up cell of nature. That
divine grandeur is not outside this cell; it is not outside our own minds. It is inside
our minds and we have to cultivate that call, that language, our prayers, our
demands, our request from God who does not have any obligation and would
even consider this request as some kind of undue begging. Do we have the right
to beg from God for small little advantages and presents?
We should be the ones offering and not the ones being granted any
offering. And by the ones offering I feel in that music how we are supposed to let
ourselves be taken and we are becoming the offering itself this music makes to
the giant monsters of life. We are the offering on the altar, on the pyre assembled
for the sacrifice, we are the ones open, entirely open and receptive to the blade of
the knife that makes us the redeeming sacrifice music brings up to the world to
salvage this humanity. This jazz is an expiating sacrifice to save the world from its
evilness, its monstrosity, its hawkish carrion eating raptors that are soaring and
circling high in the sky over us, their preys. But strangely enough, Yusef Lateef
tries to convince us there is nothing to be afraid of and we can just sit back and lie
low and enjoy the orgasmic communion with nature and with the duration of
things and the cosmos, of the whole universe. That music is so pacifying, so
smoothly caressing that we may forget the world outside is not that nice after all.
And Allama Iqbal becomes an Iqbal sports champion, or an Iqmal child
overworked and exploited by some wild capitalism in underdeveloped countries
like Pakistan. There are so many Iqbal in this world.

But if we come down from this vision we come to some may-fest on the
village green, with pipes and some dancing elves. The world is so beautiful when
we look at it with the eyes of someone who has satisfied his divine duties and has
thus rebuilt his ability to just take the world the way it comes and enjoy it in
pleasure and bliss along the dancing crowds. Don’t wonder who this Brother John
is. He certainly is not Saint John and his Apocalypse; there is nothing apocalyptic
in this music, nothing menacing, just multifarious and multi-voiced hymns and
canticles dedicated to the peace of mind you reach when you concentrate your
mind on the divine. This music is so Muslim in all possible ways. There is no
contradiction that is not reduced to a broken bone that heals all by itself with the
bandage of belief, faith, and submission to the truth of on-high, of beyond all the
dangers that are not of life but of some other world that has to be forgotten and
nullified.
There is nothing bluesy in this music, nothing sad, mortiferous and
morbid. Why on earth has Lionel Belmondo later on developed his morbid and
death-loving style? There probably is no answer to that question. But his
productions of 2011 and 2012 are in complete contradiction with this radiating
bright luminous maybe slightly unempathetic style. Happiness is at the bottom of
the flowery meadow like in The Sound of Music. It is well known, provided the
world is the microcosm of Switzerland untouched and unconcerned by the
violence outside its borders. I must say I miss the drama and the tragedy of so
much jazz that pushes its roots and branches into the compost of centuries of

inhumane and barbaric history of slavery and exploitation. That’s maybe this
contemplation of monstrosities from under the crystal dome of protected
relaxation that is so common in Bordeaux and its region, in the Landes forest and
on the lakes there, that explains the coming together of two jazzmen who are so
different.
The world is beautiful and life is marvelous. Let’s enjoy them both till we
are drunk with an overdose of sugar and alcohol.
STEPHANE BELMONDO – THE SAME AS IT NEVER WAS BEFORE - 2011
Un trompettiste, d’abord et avant tout qui a donc joué toute sa vie durant
dans des formations de jazz ou plus légères mais ici qui s’adonne aussi à des
morceaux qu’il porte de son propre nom, donc comme compositeur. Le titre
anglais est bien sûr une provocation. Comment prétendre faire dans le jazz
autrement qu’en anglais ? Mais comme dirait Steinbeck : « Prenez n’importe
quelle musique dans n’importe quel genre ou pays et improvisez dessus en
tempo syncopé et vous avez du jazz. » Il disait cela dans l’ancienne Union
Soviétique. C’est la pratique la plus courante de son frère Lionel, à notre
Stéphane, qui prend des morceaux classiques et les déjante en jazz, les dé-jazze
en quelque sorte.

Stéphane Belmondo reprend une pièce sur deux à des artistes de langue
anglaise et probablement américains. Et cela donne de la variété en style alterné
comme un tissu pied de poule.
Le premier morceau de Stéphane Belmondo est nostalgique en diable et
m’évoque le vertige contemplateur qu’on peut développer d’une cime de
montagne plus ou moins élevée quand devant vous, sous vos pieds ou presque,
à vos pieds pour sûr vous n’avez que le vide et l’envolée tombante si par malheur
vous oubliez d’ouvrir vos ailes musicales pour descendre en vol plané.
Stevie Wonder donne ensuite du rythme, de la joie, car lui il ne voit pas le
vide sous ses pieds et donc il peut danser sans s’arrêter quel que soit le climat ou
le paysage. Par contre Habiba de Kirk Lightsey introduit un sous-bois plutôt
simple pour la trompette ou autre cousine dérivée ou cousin mal luné qui peut
alors s’introduire et montre son caractère grincheux, hésitant, un peu révolté ou
insoumis qui se demande s’il doit aller à droite ou à gauche, s’il doit s’envoler ou
se poser, plonger ou faire la planche. Il joue même d’une sorte d’écho de lui-
même, une voix de tête de sa voix de poitrine. Très bonne introduction à ce qui
vient ensuite, le corps principal de ce ou cet ou cette Habiba qui me rappelle
Habib Bourguiba dans ma mémoire ancienne, mais en fait c’est de l’anglais
urbain comme ils disent là-bas de l’anglais presque vulgaire ou argotique des
quartiers dits populaires comme Belleville ou Ménilmontant. Et là, le sens est
simple :

“The meaning of Habiba is beloved, sweetheart or loved one, and it's
incredibly accurate. A Habiba is a stunning human being, with a brilliant sense of
humor and a personality that reminds you why it is a pleasure to be alive.
Habiba can make you laugh when you've had the worst day. You can talk
to her as though you've known her your whole life, and trust her with anything.
Habiba's are beautiful creatures, and if you know one then hold on! You feel that
the world is a brighter place simply by talking to her. She is the kindest, most
genuine individual, who you can be yourself - no matter how ridiculous that is -
with, and an absolute honor to have in your life :)
Habiba is the kind of incredible friend that I would happily share Tom
Hiddleston with. Cheekbones and all. I love her so, so much.”
L’amour parfait mais que l’on est prêt à partager. Etrange concept de
l’amour qui est comme l’amour d’une bonne pièce de bœuf que l’on partage avec
son meilleur ami. Mais cet amour partagé devient fou avec la trompette qui
s’emballe comme un taureau devant un morceau de chiffon rouge. Il ferait bien de
freiner un de ces jours, de s’arrêter, mais rien à faire. Il danse comme un fou, un

dératé, un inconscient aux mains pleines qui se ruent vers le ravin comme un
bison poussé par le troupeau en folie et qui va aller s‘écraser au fond d’un ravin.
Les charognards viendront après comme la batterie, tambours et cymbales qui
s’en donnent à cœur joie du silence de la bête. Là aussi, il y a de l’amour qui se
clôt par quatre notes de piano.
Stéphane Belmondo nous donne alors une de ses compositions et on
retrouve le ton un peu lent et hésitant mais nostalgique, presque triste malgré le
titre « free for three » qui devrait être enthousiasmant car trois ça tourne en diable
comme une valse en Sainte Trinité et libre c’est encore plus tournant, mais non
pas tourner de l’œil d’émoi alangui mais tourner comme une toupie au bord de la
falaise, et on reçoit en priorité l’appel du vide et de la chute. On hésite, d’un orteil
ou de deux, vais-je sauter, plonger, sombrer ou réfléchir à deux fois ou
simplement m’abandonner au plaisir de commencer la chute en oubliant les
remontrances d’un vieux père que l’on doit penser la fin avant de commencer.
Mais le fils et frère n’écoute rien sinon l’appel du tambour.
Mais une fois ne vient jamais seule et Stéphane Belmondo nous donne
une autre composition de lui qui commence avec les vagissements d’un bébé et
un solo de contrebasse aux cordes piqués, pincées et tordues comme il se doit.
Puis cymbales, piano et nous voilà parti et la trompette prend le lead, le lied, la
tête et le chant. Et la lumière sur Rita tombe sèche et langoureuse, elle sera
humide plus tard. Pour le moment elle est jouisseuse de la vue voyeuriste et le
piano piaffe un peu d’impatience. Mais Rita n’est pas vraiment à prendre, du
moins pas encore. La trompette se fait un peu plus attirante, moqueuse, attirante,
appelante, et même un peu exhibitionniste. Alors piano me prendras-tu ou pas.

Plutôt pas que oui mais pas question de fuir hurle la trompette, taratata. Mais rien
n’y fait le piano a perdu son latin et son envie j’imagine à cette trompette
dominante. Il se noie plus ou moins dans la contrebasse comme si pianoter dans
la contrebasse pouvait couper le nœud gordien de l’impossible rencontre d’un
piano un peu trop réservé et d’une trompette devenue un peu trop aguichante
comme si on était place Clichy quatre minute après minuit, demandez à Stephen
King, il sait tout ce qui peut arriver à cette heure fatidique. Et la trompette revient
pour une dernière absinthe sur un sucre et la batterie ajoute un peu d’eau sur le
sucre pour diluer l’absinthe et en faire un jus de fruit désorbitant. Musique
parisienne en diable, du Paris populaire et du Paris érotique pour ne pas dire
pornographique.
Matt Denis a alors rendez-vous avec nos musiciens et c’est le cas de la
dire Everything Happens to Me. Et là ma chère trompette tenez-vous bien et ne
dérangez pas l’étal du magasin. Calme, lentement, avancez d’un pas plus sûr
qu’il n’y paraît et faites donc que le destin qui est derrière vous, vous soutienne et
vous pousse vers des extrémités, des fins, des finalités inconnues et nouvelles.
Mais la langueur paresseuse de notre trompette résiste à la poussée et ne
ressent pas l’appel alors elle se prend d’une jouissance personnelle sur place,
tournant sur un pied et un talon et se demandant s’il n’y aurait pas un ciel d’aube
qui puisse se révéler dans la nuit de ce boulevard à la porte du Cimetière du Père
Lachaise incapable de pousser le portillon ou de passer le mur pour enfin se
trouver dans la seule chose qui arrivera un jour pour sûr, de jour comme de nuit,
la mort certaine et la fin en terre ou en fumée comme si rien ne pouvait dépasser
cette limite triste. Ah quoi bon pourvu qu’on ait un verre de vin j’imagine, en cinq
notes.
Mais Stéphane Belmondo se devait bien d’en appeler à Dieu et son
Godspeed n’a rien de bien rapide ni divin mais bien plus diabolique, répétitif,
lancinant, méchant même. Il y a un charme dans cette titillation sans fin comme si
on était dans un concours de chatouillis et de gratouillis qui finit heureusement
avant d’exploser.

Wayne Shorter veut nous prêcher l’unité dans son United, une unité
comme pour du square dancing disjoncté et qui n’en finit pas de ne pas se
trouver. Il part ici et là dans un jazz plus urbain mais ne se retrouve quand même
pas. Unis, nous sommes peut-être mais cela devient fébrile, intense, prenant,
emportant, impératif, pressant, injonctif et tout sauf conditionnel. Le mouvement
nous prend les pieds et le corps et nous déboulons sur l’avenue principale de je
ne sais quelle New York, Nunited, Nyounited, Newnited. Le piano se croit dans un
speakeasy alcoolique et il nous enivre de ses touches noires et blanches, de son
clavier qui ondule dans notre ivresse. La batterie nous tanne la peau et le dos
comme si nous étions quelques esclaves méritant le fouet, et la trompette peut
revenir avec un chat à neuf queues pour ajouter quelques griffures à notre dos
balafré de fouettage salé. Et on retombe dans le petit air mélodique du début
comme si de rien n’était, comme si ce fouettage n’avait été qu’un exercice de
jouissance dans l’exquise douleur de ce qui ne dure qu’un temps toujours trop
court.
Et nous finissons avec Stéphane Belmondo qui nous hante maintenant et
est hanté de la même façon. Hanté, hantant, bref pris d’un spectre en forme de
trompette et de quelques chaînes pianistiques en prière. Voyez-vous le revenant,
le fantôme de je ne sais quelle nuit folle au matin arrivé et qui se doit de se
demander ce qui a bien pu arriver dans ce monde nocturne. Et le piano fait ses
vocalises sur nos nerfs tirés à blanc. Vous mourrez bien ce matin, petit frère mal
appris et spectral. Mais nous en parlerons dans quelques heures quand j’aurai
repris du poil de la bête. Et après une pause tout reprend dans des gargouillis et
un équilibre retrouvé. Le fantôme de la gueule de bois est parti et il ne reste plus
qu’un appétit à en mourir de faim. Et bien dansez donc maintenant.

BELMONDO FAMILY SEXTET – MEDITERRANEAN SOUND – 2013
Soyons donc familiaux et familiers et rencontrons le père et ses deux fils,
de vrais frères, dans la musique dans laquelle les fils sont nés et ont grandi et
dans laquelle ils vont nous bercer pendant une heure. On est loin d’une musique
dramatique, morbide ou funéraire comme si souvent attaché à Lionel Belmondo.
Ici c’est la musique douce de la Riviera, de la Côte d’Azur, une côte si paisible
quand on ne voit que l’élite des villas de luxe, que le farniente de ceux qui ne
travaillent pas ou que peu, la joie et la facilité de vivre dans un monde nonchalant
car ceux qui peinent et suent pour que cette façade de vie facile et insouciante
puisse se développer et rutiler sont bien cachés, loin de la Promenade des
Anglais ou de la Croisette, loin des casinos qui pourtant ne pourraient pas vivre
sans leur travail mais on ne les voit, ces pauvres hères du travail, que le matin tôt
ou le soir pas trop tard quand ils vont travailler pour l’élite (et souvent très tôt) ou
reviennent du travail pour cette même élite (et dans ce cas parfois très tard). Et
dans certaines zones dites industrielles, les activités de ce genre sont des
activités hautement supérieures en revenus et en prestige comme fabricant de
torpille pour les industries de l’armement, trop souvent directement liées à l’état
avec des salariés quasi-fonctionnaires de facto travaillant un gros maximum de
1200 heures par an, et parfois même bien moins, là où la moyenne des Français
font 1600 heures et cela implique que certains font jusqu’à 2000 heures dans
l’année.

C’est cette musique insouciante et légère que nous avons ici. C’est du
jazz bien sûr mais ce n’est pas le jazz auquel je donnerai des palmes d’honneur
ou des heures d’écoute car il n’apporte pas grand-chose si ce n’est le confort de
l’écoute justement, le silence de l’éthique, le calme du repos perpétuel, et oui,
une certaine mort de l’esprit et de la conscience. Le jazz blanc des quartiers
huppés de New York ou de Chicago, des hôtels et restaurants cinq étoiles, des
casinos de Las Vegas. Mais le jazz noir des quartiers populaires de la Nouvelle
Orléans, de New York (et c’est de moins en moins Harlem en pleine mutation de
classe supérieure), du Sud profond et du Midwest industriel est absent de ce
disque. Dommage. Comme je suis prêt à donner à Jimi Hendrix du temps et de
l’honneur et peu par contre aux Beach Boys, à David Bowie et peu aux Boys
Bands de toutes catégories qui sont juste capables de se mesurer à des Sheila et
même pas Petula Clark, à Sydney Bechet et même Dave Brubeck mais
certainement pas au jazz d’ascenseur, le célèbre Elevator Jazz que l’on peut
entendre et en fait subir sans dommage dans les ascenseurs, bien sûr, mais
aussi dans de nombreux lieux publics musicalisés, autant je suis capable de ne
pas donner quoi que ce soit à ce jazz devenu une religion de la classe moyenne
où ils et elles montrent leurs cravates (le Slip Français en vitrine) et leurs jupettes
(lingerie fine sexy en prime).

Une exception d’une autre inspiration est l’emprunt (car toutes ces
musiques sont empruntées) à Jules Massenet, « Méditation », mis en ordre jazzé,
tendre, langoureux, gentil comme tout, une musique tout, tout ce que l’on peut
attendre pour survivre à la langueur d’une vie sans vie, une musique toutou ou
pékinois pour mémé endormie et pépé assoupi. Il y a cependant un peu de
dépassement car même Jules Massenet rêvait de faire de la musique pour autre
chose que les salons bourgeois parisiens. Mais ce n’est pas assez pour
régénérer une heure de musique qui adoucit les mœurs. Cela me rappelle un
inspecteur primaire, vraiment primaire, il y a longtemps qui expliquait dans sa
conférence de rentrée aux instituteurs de l’école de Sainte Foy La Grande que la
musique était faite pour adoucir les sentiments des gens vers la paix, le calme et
l’entente universelle, bref le méchoui passé à la moulinette pour esprits surtout
pas critiques, éveillés et alertes. Une heure entière de ce discours de petit
intellectuel assis dans un fauteuil de velours m’avait endormi en son temps, ce
qui me valut une remarque acerbe que je n’avais pas écouté avec soin et
attention.
Voilà. Dommage mais cette musique ne me remue pas les méninges, ni
mêmes les hormones et me laisse plutôt froid et réservé comme si pris dans un
bocal de conserve qui a vieilli sur les rayonnages de ma cave depuis plusieurs
années et a perdu toute couleur dans l’obscurité et presque tout goût dans le
verre, mais a vieilli, vieilli sans fin comme un vin gaulois récupéré deux mille ans

plus tard, même si ce vin gaulois est plutôt romain, mais qu’importe l’ivresse
pourvu qu’on ait la bouteille
Lionel Belmondo ou Stéphane Belmondo peuvent faire mieux, beaucoup
mieux, surtout Lionel dans ses compositions mais ici ils ne sont que des
instrumentalistes de qualité pour une musique qui n’est qu’un trip, j’allais dire une
tripe, nostalgique d’une heure de musique avec papa. Notons que cela donne du
jazz une image phallocrate dont j’ai horreur : le jazz est une musique d’homme
qui se transmet de père en fils, et est faite pour des hommes. Je sais, on doit bien
trouver une femme par ci par là, mais dieux que cela est rare aussi rare qu’une
femme dans le grand conseil du Vice-Président Pence sur les droits de la femme
réuni à la fin mars 2017 à la Maison Blanche : c’est clair PAS UNE SEULE.
J’imagine que le jazz doit faire un peu mieux. Mais combien de femmes dans un
big band classique de jazz ? A quand un big band de femmes ?
Tu rêves Jacquot ! Tu rêves debout un rêve de « gender fluidity ».
Restons raisonnable, s’il te plait.

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