Arte moderna

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Arte moderna

  1. 1. Trabalhos de História da Arte Arte Moderna
  2. 2. Cubismo
  3. 3. Introdução ao Cubismo  Surge no século XX e é considerado o mais influente do período. Com formas geométricas representadas, na maioria das vezes, por cubos e cilindros, a arte cubista rompeu com os padrões estéticos que primavam pela perfeição na busca da imagem realista, dando lugar a esta nova forma de expressão onde um único objeto pode ser visto por diferentes ângulos ao mesmo tempo.
  4. 4. Cubismo Cézanniano (entre 1907 e 1909) É a fase que dá início ao Cubismo. Período marcado pela forte presença das obras de Paul Cézanne. Paul Cezanne nasceu em 1839 na região da Provance (França), onde morreu em 1906.
  5. 5.  Paul Cezanne - Rideau, Cruchon et Compotier (1893)
  6. 6. Cubismo Analítico (entre 1910 e 1912)  Fase marcada pela união dos trabalhos criados separadamente por Picasso e Braque.  Pablo Picasso nasceu em Malaga, em 1881, viveu a maior parte da vida na França, e morreu em Mougins em 1973.  Georges Braques nasceu em Argenteuil, em 1882, morreu em 1963.
  7. 7. Pablo Picasso - Guernica (1937)
  8. 8.  Georges Braque - Still Life: The Table (1928)
  9. 9. Cubismo Sintético (entre 1913 e 1914)  Fase marcada pelo uso de formas decorativas e cores marcantes.  Juan Gris (Madrid 1887 - Boulogne-Sur-Seine 1927)
  10. 10.  Juan Gris - Chessboard, Glass, and Dish (1917)
  11. 11. Fauvismo
  12. 12. O que é? • O fauvismo é uma corrente artística do início do século XX. O nome da corrente deve-se a Louis Vauxcelles. Esse chamou alguns artistas de “Les Fauves” (que significa “feras” em português). O movimento artístico, caracterizado pela utilização de cores puras em grandes manchas e com grandes contrastes, acentuando ao máximo o valor expressivo da cor, exaltando a sua sensualidade e sugestão emotiva.
  13. 13. Onde surgiu? • O movimento surgiu em Paris, na França. Com um período de curta duração, iniciou-se na passagem do século XIX para o XX, constituiu o primeiro e mais importante movimento de renovação da pintura francesa depois do Impressionismo. Madame Matisse 1905; óleo sobre tela.
  14. 14. O que as obras expressam? • Com o intuito de deixar as pessoas emocionadas com as obras, os pintores exploravam o contraste de cor em tons fortes, levando o espectador a ter emoções profundas fazendo com que a ilusão da terceira dimensão se perca. Luxe, Calme et Volupté; Matisse, 1904; óleo sobre tela.
  15. 15. Artistas • Teve como líder Henri Matisse, contou também com outros grandes artistas, entre eles, André Derain, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braquese, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy, Emile Friesz. Charing Cross Bridge; André Derain.
  16. 16. Imagens Madame de chapéu, Matisse; 1905; óleo sobre tela. Nu azul, Matisse; 190?; óleo sobre tela
  17. 17. Abstracionismo O abstracionismo refere-se às formas de arte não administradas pela figuração e pela imitação do mundo, ou seja, não representam objetos próprios da realidade concreta. Ao contrário, se utiliza das relações formais entre cores, linhas e superfícies para produzir a realidade da obra.
  18. 18. Surgimento • Seu surgimento deve-se às experiências das vanguardas européias, que rejeitaram a herança renascentista das academias de arte.
  19. 19. • No começo do século XX, antes que os artistas atingissem a abstração absoluta, o termo foi utilizado para se referir a escolas como o cubismo e o futurismo. O abstracionismo divide-se em duas tendências: abstracionismo lírico; abstracionismo geométrico.
  20. 20. O abstracionismo lírico • O abstracionismo lírico aparece como uma reação a Primeira Guerra Mundial. Para compor uma arte imaginária, inspirava-se no instinto, no inconsciente e na intuição. As características da arte não figurativa são: o jogo de formas orgânicas, as cores vibrantes e a linha de contorno. A pretensão do abstracionismo lírico é transformar manchas de cor e linhas em ideais e simbolismos subjetivos.
  21. 21. FRANZ MARC (1880-1916), pintor alemão Apaixonado pela arte dos povos primitivos, das crianças e dos doentes mentais, o pintor alemão Marc escolheu como temas favoritos os estudos sobre animais.
  22. 22. Robert Delaunay (1885-1941) Era um artista francês que usava o abstracionismo e o cubismo em seu trabalho.
  23. 23. O abstracionismo geométrico • O abstracionismo geométrico recebeu influência do cubismo e do futurismo. Ao contrário do abstracionismo lírico, foca a racionalização que depende da análise intelectual e científica. No Brasil, o abstracionismo teve suas primeiras representações na década de 40.
  24. 24. Piet Mondrian (1872-1944) Começou sua pintura através do contato com as paisagens de seu país natal, a Holanda. Mas a guerra libertou nele um espírito inovador e de desgosto, quase uma ojeriza às formas naturais e humanas. A arte tinha de ser harmoniosa, organizada, sem esses traços falhos que o homem e o verde tanto teimavam em repetir.
  25. 25. Abstracionismo no Brasil No Brasil, o Abstracionismo surgiu na década de 1950, no século passado. Um dos primeiros pintores abstratos brasileiros foi Antônio Bandeira. No início de sua carreira, ele produzia uma obra figurativa. No ano de 1951, foi organizada em São Paulo, a Primeira Bienal Internacional de Arte, no Museu de Arte Moderna. O Abstracionismo já estava presente na mostra, causando interesse e polêmica. Os primeiros pintores abstratos brasileiros estiveram presentes na Primeira Bienal Internacional. Antônio Bandeira, Iberê Camargo, Lygia Clark, Manabu Mabe, Alfredo Volpi, Milton Dacosta, Waldemar Cordeiro, Ivan Serpa.
  26. 26. Iberê Camargo Iberê Camargo iniciou seus estudos ainda no Rio Grande do Sul, na Escola de Artes e Ofícios de Santa Maria, com Parlagreco e Frederico Lobe. Já em Porto Alegre estudou pintura com João Fahrion. Em 1942 ele chegou ao Rio de Janeiro, onde cursou a Escola Nacional de Belas Artes.
  27. 27. Iberê Camargo CAMARGO, Iberê. Fantasmagoria (1987). "A verdade da obra de arte é a expressão que ela nos transmite. Nada mais do que isso!"
  28. 28. Iberê Camargo CAMARGO, Iberê. As Idiotas (1991).
  29. 29. Iberê Camargo CAMARGO, Iberê. Solidão (1994). "Não há um ideal de beleza, mas o ideal de uma verdade pungente e sofrida que é a minha vida, é tua vida, é nossa vida, nesse caminhar no mundo."
  30. 30. Milton Dacosta Milton Rodrigues Dacosta (Niterói RJ 1915 - Rio de Janeiro RJ 1988). Pintor, desenhista, gravador, ilustrador. Inicia estudos de desenho e pintura em 1929 com o professor alemão August Hantv. No ano seguinte matricula-se no curso livre de Marques Júnior (1887-1960), na Escola Nacional de Belas Artes (Enba)
  31. 31. Milton Dacosta "Roda" de Milton Dacosta
  32. 32. Milton Dacosta "A Piscina" , 1942
  33. 33. Milton Dacosta "Carrosel", 1950
  34. 34. Zurique (Cabaret Voltaire)
  35. 35. O urinol de Marcel Duchamp
  36. 36. Cut with the Dada Kitchen Knife through the Last Weimar Beer-Belly Cultural Epoch in Germany", de Hannah Höch (1919).
  37. 37. Marcel Duchamp
  38. 38. Man Ray, "Presente" (1921)
  39. 39. Surrealismo
  40. 40. Surgimento e história do movimento surrealista
  41. 41. De acordo com Freud, o homem deve libertar sua mente da lógica imposta pelos padrões comportamentais e morais estabelecidos pela sociedade e dar vazão aos sonhos e as informações do inconsciente. O pai da psicanálise, não segue os valores sociais da burguesia como, por exemplo, o status, a família e a pátria.
  42. 42. O marco de início do surrealismo foi a publicação do Manifesto Surrealista, feito pelo poeta e psiquiatra francês André Breton, em 1924. Neste manifesto, foram declarados os principais princípios do movimento surrealista: ausência da lógica, adoção de uma realidade "maravilhosa" (superior), exaltação da liberdade de criação, entre outros.
  43. 43. Artistas  ARTES PLÁSTICAS - Salvador Dali - Joan Miro - Max Ernst - René Magritte - Paul Delvaux - Remedios Varo - Frida Kahlo - Jean Arp - Leonor Fini - Alberto Giacometti - Vito Campanella
  44. 44. Surrealismo, V. Kush, nasc. 1965, Paisagem
  45. 45. Pintura de Vladimir Kush
  46. 46. Dali - Persistência da memória
  47. 47. Isto não é um cachimbo Rene Magritte
  48. 48. OP-Art
  49. 49. O que é? Op-art, também conhecida como Arte Óptica, é um estilo artístico visual que utiliza ilusões óticas. Este movimento artístico teve inicio na década de 1930 com as obras do designer gráfico e artista húngaro Victor Vasarely.
  50. 50. Principais Características  Uso de recursos visuais (cores, formas, etc.) para provocar ilusões óticas.  As imagens parecem ter movimento.  Combinações de formas geométricas simples como, por exemplo, quadrados, retângulos, círculos e triângulos.
  51. 51. Artistas Victor Vasarely Jesus Rafael Soto Bridget Riley
  52. 52. Victor Vasarely nascido em Hungria, (9 de abril de 1908—Paris, 15 de março de 1997 foi um pintor e escultor húngaro radicado na França)considerado o "pai da OP ART" Ainda na década de 40 começou a fazer diversos experimentos em suas pinturas fazendo quadros em diversos estilos como cubistas, futurista, expressionistas, simbolista e surrealista, mas ainda sem desenvolver um estilo único. Fazia diversas exposições de seus trabalhos, conseguindo aos poucos fazer seu talento ser admirado.
  53. 53. Jesus Rafael Soto Nasceu em Bolivar (1923-2005), Venezuela. Pintor e escultor. Em 1942, iniciou seu aprendizado artístico com bolsa para estudar na Escola de Artes Plásticas de Caracas.
  54. 54. Bridget Riley nasceu em Londres, no ano de 1931. Estudou na Golsmith´s school of art em Londres, em 1952 a 1955. Sua primeira exposição individual foi em 1962 na Gallery One.
  55. 55. Pop Art
  56. 56.  Pop art (ou Arte pop) é um movimento artístico surgido na década de 50 na Inglaterra mas que alcançou sua maturidade na década de 60 em Nova York.
  57. 57.  A Pop art propunha que se admitisse a crise da arte que assolava o século XX. Os artistas recorrem à ironia para elaborar uma crítica ao excesso de consumismo que permeia o comportamento social, estetizando os produtos massificados, tais como os provenientes da esfera publicitária, do cinema, dos quadrinhos, e de outras áreas afins.
  58. 58.  A defesa do popular traduz uma atitude artística adversa ao hermetismo da arte moderna. Com o objetivo da crítica ao bombardeamento da sociedade capitalista pelos objetos de consumo da época, ela operava com signos estéticos de cores inusitadas massificados pela publicidade e pelo consumo utilizando produtos com cores intensas, fluorescentes, brilhantes e vibrantes, reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande.
  59. 59.  Enquanto, porém, a Pop-art parece censurar o consumismo, ela igualmente não prescinde dos itens que integram o circuito do consumo capitalista. Exemplo disso são as famosas Sopas Campbell e as garrafas de Coca-Cola criadas pelo ‘papa’ deste movimento, o artista Andy Warhol.
  60. 60. Andy Warhol  Foi um empresário, pintor e cineasta norte-americano, bem como uma figura maior do movimento de pop art.  Os anos 1960 marcam uma guinada na sua carreira de artista plástico e passa a se utilizar dos motivos e conceitos da publicidade em suas obras, com o uso de cores fortes e brilhantes e tintas acrílicas.
  61. 61.  Este ícone da Pop-art inspirou-se nos mitos modernos, como o representado pela atriz Marilyn Monroe, símbolo do cinema hollywoodiano e do glamour contemporâneo, para produzir suas obras. Ele procurava transmitir sua certeza de que os ídolos cultuados pela sociedade no século XX são imagens despersonalizadas e sem consistência. Para isso o artista utilizava técnicas de reprodução que simulavam o trabalho mecanizado.
  62. 62.  Reinventa a pop art com a reprodução mecânica e seus múltiplos serigráficos são temas do cotidiano e artigos de consumo, como as reproduções das latas de sopas Campbell e a garrafa de Coca-Cola, além de rostos de figuras conhecidas como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Michael Jackson, Elvis Presley, Pelé, Che Guevara, Brigitte Bardot e símbolos icônicos da história da arte, como Mona Lisa.
  63. 63. No Brasil  Nos anos 60 frutificou entre os artistas brasileiros uma tendência irônica derivada da Pop art norte-americana refletindo o clima tenso criado pelo regime militar imposto em 1964. Aderindo apenas à forma e à técnica utilizada na Pop art os artistas expressaram a insatisfação com a censura instalada pelo regime militar, tematizando questões sociais de política.
  64. 64. Diz-se que a Pop art é o marco de passagem da modernidade para a pós-modernidade na cultura ocidental .
  65. 65. O que a Metafísica? Metafísica é uma palavra com origem no grego e que significa "o que está para além da física". É uma doutrina que busca o conhecimento da essência das coisas. A interpretação da metafísica como estudo do "sobrenatural" é de origem neoplatônica. A tradição escolástica identificou o objeto de estudo da metafísica com o da teologia, ainda que tenha distinguido as duas pelos métodos usados: para explicar Deus, a metafísica recorre à razão e a teologia à revelação.
  66. 66. O que a Arte Metafísica? A arte metafísica utiliza-se da pintura sobrenatural, da fuga da realidade, a representação de um mundo inquietante e absurdo, com objetos esquematizados situados em cenários insólitos, com construções de perspectiva exagerada e sem nenhuma relação com a realidade.
  67. 67. Características A pintura deve criar um impressão de mistério, através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos, em arcadas e arquiteturas puras, idealizadas, muitas vezes com a inclusão de estátuas, manequins, frutas, legumes, numa transfiguração toda especial, em curiosas perspectivas divergentes. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas, sombras sedutoras e cores ricas e profundas, de plástica despojada e escultural.
  68. 68. História da Pintura Metafísica? Pintura Metafísica foi um estilo criado em 1913 por Giorgio de Chirico e que acabou popularizando-se na Itália e sendo adotada por outros artistas, em especial Carlo Carrà e Giorgio Morandi (1890 - 1964). Carrà foi introduzido à Pintura Metafísica num hospital militar que esteve junto com Chirico em 1917 e os dois juntos acabaram por fundar um movimento. Apesar do estilo não ter sobrevivido à Primeira Guerra Mundial, vemos suas influências no Movimento Surrealista que iria se desenvolver.
  69. 69. História da Pintura Metafísica? Uma prova dessa influência da Pintura Metafísica no Surrealismo foi o fato do nome desse segundo movimento ter sido dado pelo poeta francês Apollinaire, inspirado, entre outros trabalhos, (como o de Marc Chagall), no de Chirico. Caracteriza-se principalmente por imagens misteriosas, ilógicas e sugestões de alucinações, normalmente realizadas através de um uso típico da luz e da perspectiva.
  70. 70. GIORGIO DE CHIRICO  (1888-1978), pintor italiano, nascido na Grécia, principal representante da "pintura metafísica", Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. As suas obras retratam cenários arquitetônicos, solitários, irreais e enigmáticos, onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente, perpassado de inquietações metafísicas. Também usada nas suas obras manequins, nus ou vestidos à moda clássica, enigmáticos e sem rosto, que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente.
  71. 71. The Enigma of the Hour Artista: Giorgio de Chirico Material: Tinta a óleo Criação: 1911 The Disquieting Muses Obra de arte Artista: Giorgio de Chirico Material: Tinta a óleo Criação: 1916–1918
  72. 72. The Nostalgia of the Infinite Obra de arte Artista: Giorgio de Chirico Material: Tinta a óleo Localização: Museu de Arte Moderna Criação: 1911 The Song of Love Obra de arte Artista: Giorgio de Chirico Material: Tinta a óleo Localização: Museu de Arte Moderna Criação: 1914
  73. 73. The Enigma of a Day Artista: Giorgio de Chirico Material: Tinta a óleo Criação: 1914 Great Metaphysical Interior Artista: Giorgio de Chirico Material: Tinta a óleo Criação: abril de 1917 - agosto de 1917 The Prodigal Son Obra de arte Artista: Giorgio de Chirico Criação: 1922 Materiais: Têmpera, Tinta a óleo The Seer Artista: Giorgio de Chirico Material: Tinta a óleo Criação: 1914–1915
  74. 74. GIORGIO MORANDI (1890-1964), pintor italiano. Notável por suas naturezas-mortas, em que buscava a unidade das coisas do universo. Conferiu imobilidade e transparência de formas, recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos, garrafas, caixas e lâmpadas velhas.
  75. 75. Futurismo
  76. 76. Caracteristicas: DES PREZA EXP L ICI TAMENTE TODO PADRÃO MORAL , BEM COMO OS VALORES QUE PERMANECERAM NO PAS SADO. ELA PRIMAVA POR UM NOVO PARADIGMA ES TÉTICO, O QUAL DEVERIA SEGUIR PARÂMETROS FUNDADOS NA CELERIDADE TEMPORAL , NO ENGRANDECIMENTO DOS COMBATES E, CONSEQUENTEMENTE, NA RECORRÊNCIA À FORÇA. O FUTURI SMO SE INS INUA NO ÂMBI TO DE TODAS AS EXPRES SÕES ARTÍ S TICAS E INS P IRA MUI TOS ART Í F ICES A INS T I TUIR SUAS PRÓPRIAS ES COLAS MODERNI S TAS . ELE CULTUA DE TAL FORMA A NOVIDADE , QUE ATÉ MESMO SE VÊ TENTADO A DEMOL IR INS TI TUIÇÕES MUSEOLÓGICAS E CIDADES ANCES TRAI S . PARA OS FUTURI S TAS AS CONF LAGRAÇÕES BÉL ICAS VI SAVAM SANAR O P LANETA.
  77. 77. Artistas e suas obras Formas Únicas de Continuidade no Espaço, Umberto Boccioni (1913)
  78. 78. Artistas e suas obras Dinamismo de um automóvel, Luigi Russolo
  79. 79. Artistas e suas obras Automóvel + velocidade + luz, Giacomo Balla

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