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Hélio Oiticica e Lygia Clark 
Universidade Feevale 
Mestrado em Processos e Manifestações Culturais 
Disciplina de Estética e Processos Culturais 
Aline Corso
Lygia e Hélio na performance “Diálogos de Mão” 
Hélio Oiticica e Lygia Clark, expoentes do experimentalismo nas artes plásticas nos anos 1960 e 1970 no Brasil 
construíram percursos que nasceram na pintura e se projetaram para o espaço tridimensional. Cada um a seu 
modo construiu intenso cruzamento arte-vida e ambos nutriram grande admiração mútua. Como vetor motriz 
comum, o conceito de “não-objeto” formulado pelo crítico Ferreira Gullar os articula na superação de uma arte 
de cunho geométrico-representacional para a proposição de experiências artísticas vivenciais centradas no 
corpo. 
Ambos participaram do Grupo Frente e do grupo Neoconcreto.
Hélio Oiticica Pintor, escultor,artista plástico e performático de aspirações anarquistas. 
Hélio Oiticica é um artista cuja produção se 
destaca pelo caráter experimental e inovador. 
Seus experimentos, que pressupõem uma ativa 
participação do público, são, em grande 
parte, acompanhados de elaborações 
teóricas, comumente com a presença de 
textos, comentários e poemas. Pode-se, de 
acordo com o crítico Celso Favareto, identificar 
duas fases na obra de Oiticica: uma mais 
visual, que tem início em 1954 na arte 
concreta e vai até a formulação dos Bólides, 
em 1963, e outra sensorial, que segue até 
1980.
Hélio Oiticica inicia, em 1954, estudos de 
pintura com Ivan Serpa, no Museu de Arte 
Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ. Essas 
aulas são essenciais porque possibilitam a 
Oiticica o contato com materiais variados e 
liberdade de criação. Em 1957, inicia a série 
de guaches sobre papel denominada, nos anos 
1970, Metaesquemas. Segundo Oiticica, essas 
pinturas geométricas são importantes por já 
apresentar o conflito entre o espaço 
pictórico e o espaço extra-pictórico, 
prenunciando a posterior superação do 
quadro.
Com as Invenções, de 1959, o artista marca o 
início da transição da tela para o espaço 
ambiental, o que ocorre nesse ano com os 
Bilaterais - chapas monocromáticas pintadas 
com têmpera ou óleo e suspensas por fios de 
nylon - e os Relevos Espaciais, suas primeiras 
obras tridimensionais. Nessa época produz 
textos sobre seu trabalho, sobre a arte 
construtiva e as experiências de Lygia Clark. 
Embora não tenha participado da 1ª Exposição 
Neoconcreta nem assinado o Manifesto 
Neoconcreto, em 1960 participa da 2ª 
Exposição Neoconcreta no Rio de Janeiro e 
pensa sua produção em relação à Teoria do 
Não-Objeto, de Ferreira Gullar.
Em 1960, cria os primeiros Núcleos, também 
denominados Manifestações Ambientais e Penetráveis, 
placas de madeira pintadas com cores quentes 
penduradas no teto por fios de nylon. Neles tanto o 
deslocamento do espectador quanto a movimentação das 
placas passam a integrar a experiência. Em continuidade 
aos projetos, Oiticica constrói, em 1961, a maquete do 
seu primeiro labirinto, o Projeto Cães de Caça, composto 
de cinco Penetráveis, o Poema Enterrado, de Ferreira 
Gullar, e o Teatro Integral, de Reynaldo Jardim. É uma 
espécie de jardim em escala pública para a vivência 
coletiva que envolve tanto a relação com a arquitetura 
quanto com a natureza. A maquete é exposta, no mesmo 
ano, no MAM/RJ, com texto de Mário Pedrosa, mas a 
obra nunca chega a ser construída. Até esse período 
sua obra é primordialmente visual. O espectador está 
presente nos Núcleos, mas há um desenvolvimento 
dessa questão com suas primeiras estruturas 
manuseáveis, os Bólides - recipientes que contêm 
pigmento - resultado, em 1963, da vontade de dar corpo 
à cor e acrescentar à experiência visual outros estímulos 
sensoriais.
No fim da década de 1960 é levado pelos 
colegas Amilcar de Castro e Jackson Ribeiro a 
colaborar com a Escola de Samba Estação 
Primeira de Mangueira. Envolve-se com a 
comunidade do Morro da Mangueira e dessa 
experiência nascem os Parangolés. Trata-se de 
tendas, estandartes, bandeiras e capas de 
vestir que fundem elementos como cor, 
dança, poesia e música e pressupõem uma 
manifestação cultural coletiva. 
Posteriormente a noção de Parangolé é 
ampliada: "Chamarei então Parangolé, de agora 
em diante, a todos os princípios formulados aqui 
[...]. Parangolé é a antiarte por excelência; 
inclusive pretendo estender o sentido de 
'apropriação' às coisas do mundo com que 
deparo nas ruas, terrenos baldios, campos, 
o mundo ambiente enfim [...]".
Em 1967, as questões levantadas com o 
Parangolé desembocam nas Manifestações 
Ambientais com destaque para as obras 
Tropicália, 1967, Apocalipopótese, 1968, e 
Éden 1969. A Tropicália apresentada na 
exposição Nova Objetividade Brasileira, no 
MAM/RJ, é considerada o apogeu de seu 
programa ambiental - é uma espécie de labirinto 
sem teto que remete à arquitetura das favelas e 
em seu interior apresenta um aparelho de TV 
sempre ligado. Depois que o compositor 
Caetano Veloso passa a usar o termo tropicália 
como título de uma de suas canções, ocorrem 
diversos desdobramentos na música popular 
brasileira e na cultura que ficam conhecidos 
como tropicalismo.
O Projeto Éden - composto de Tendas, Bólides 
e Parangolés como proposições abertas para a 
participação e vivências individuais e coletivas - 
é apresentado em Londres em 1969, na 
Whitechapel Gallery. Considerada sua maior 
exposição em vida, é organizada pelo crítico 
inglês Guy Brett e apelidada de Whitechapel 
Experience. Com essa espécie de utopia de 
vida em comunidade, surge a proposição 
Crelazer, ligada à percepção criativa do lazer 
não repressivo e à valorização do ócio. Em 
1970, na exposição Information realizada no 
Museum of Modern Art - MoMA em Nova York, 
Oiticica desenvolve a idéia dos Ninhos como 
células em multiplicação ligadas ao crescimento 
da comunidade. Depois de breve período no Rio 
de Janeiro, em 1970, ganha bolsa da Fundação 
Guggenheim e instala-se em Nova York, 
fazendo de suas residências grandes Ninhos.
Em Nova York, inicia os projetos ambientais 
chamados de Newyorkaises, entre eles alguns 
labirintos do programa Subterranean Tropicália 
Projects. Retoma os Parangolés, propondo seu 
uso no metrô da cidade, com ênfase não mais 
no samba, mas no rock. Nos anos 1970, 
escreve demonstrando sua admiração por 
astros pop - Jimi Hendrix, Janis Joplin, Yoko 
Ono, Mick Jagger e os Rolling Stones, entre 
outros. Insatisfeito com o cinema como 
espetáculo e a passividade do espectador, 
elabora Cosmococa - programa in progress. 
Trata-se de nove blocos, alguns feitos com o 
cineasta brasileiro Neville d'Almeida e Thomas 
Valentin, e outros como proposta para amigos, 
denominados quase-cinema. São basicamente 
filmes não narrativos, produzidos com base em 
slides e trilha sonora, projetados em ambientes 
especialmente criados para eles e com 
instruções para participação. Em Nova York, o 
artista inicia alguns filmes em Super-8, como o 
inacabado Agripina é Roma Manhattan, entre 
dezenas de projetos de Penetráveis.
Volta ao Brasil em 1978 e participa de alguns 
eventos coletivos, como o Mitos Vadios, 
organizado pelo artista plástico Ivald Granato. 
No ano seguinte, organiza o acontecimento 
poético-urbano Caju-Kleemania, proposta para 
participação coletiva no bairro do Caju, no Rio 
de Janeiro. Em homenagem a Paul Klee, realiza 
o contrabólide Devolver a Terra à Terra, que 
consiste em trazer terra preta de um lugar e 
colocá-la numa fôrma quadrada sem fundo 
sobre uma terra de outra coloração. Em 1980, 
ano de sua morte, propõe o segundo 
acontecimento poético-urbano Esquenta pr'o 
Carnaval, no Morro da Mangueira. 
Em 2009 um incêndio na residência de César Oiticica, 
destrói parte do acervo de Hélio Oiticica.
Lygia Clark Pintora e escultora brasileira contemporânea que autointitulava-se "não artista". 
Lygia Clark é uma das fundadoras do Grupo 
Neoconcreto. Gradualmente, troca a pintura 
pela experiência com objetos tridimensionais. 
Após 1976 se afasta da produção de objetos 
estéticos e volta-se sobretudo para 
experiências corporais em que materiais 
quaisquer estabelecem relação entre os 
participantes. A poética de Lygia Clark 
caminha no sentido da não representação e da 
superação do suporte. Propõe a 
desmistificação da arte e do artista e a 
desalienação do espectador, que finalmente 
compartilha a criação da obra. Na medida em 
que amplia as possibilidades de percepção 
sensorial em seus trabalhos, integra o corpo à 
arte, de forma individual ou coletiva. 
Finalmente, dedica-se à prática terapêutica.
Lygia Clark trabalha com instalações e body art. 
Em 1954, incorpora como elemento plástico a 
moldura em suas obras como, por exemplo, em 
Composição nº 5. Suas pesquisas voltam-se 
para a "linha orgânica", que aparece na junção 
entre dois planos, como a que fica entre a tela e 
a moldura. Entre 1957 e 1959, realiza 
composições em preto-e-branco, formadas por 
placas de madeira justapostas, recobertas com 
tinta industrial aplicada a pistola, nas quais a 
linha orgânica se evidencia ou desaparece de 
acordo com as cores utilizadas.
A radicalidade com que explora as potencialidades 
expressivas dos planos, leva-a a desdobrá-los, 
como nos Casulos (1959), que são compostos de 
placas de metal fixas na parede, dobradas de 
maneira a criar um espaço interno. No mesmo ano, 
participa da 1ª Exposição Neoconcreta. O 
neoconcretismo define-se como tomada de 
posição com relação à arte concreta 
exacerbadamente racionalista e é formado por 
artistas que pretendem continuar a trabalhar no 
sentido da experimentação, do encontro de 
soluções próprias, integrando autor, obra e 
fruidor. Inicia, em 1960, os Bichos, obras 
constituídas por placas de metal polido unidas por 
dobradiças, que lhe permitem a articulação. As 
obras encorajam a manipulação do espectador, que 
conjugada à dinâmica da própria peça, resulta em 
novas configurações. Em 1963, começa a realizar 
osTrepantes, formados por recortes espiralados em 
metal ou em borracha, como Obra-Mole (1964), 
que, pela maleabilidade, podem ser apoiados nos 
mais diferentes suportes ocasionais como troncos 
de madeira ou escada.
Sua preocupação volta-se para uma participação 
ainda mais ativa do público. Caminhando (1964) é 
a obra que marca essa transição. O participante cria 
uma fita de Moebius [August Ferdinand Moebius 
(1790-1868), matemático alemão]: corta uma faixa 
de papel, torce uma das extremidades e une as 
duas pontas. Depois a recorta no comprimento de 
maneira contínua e, na medida em que o faz, ela se 
desdobra em entrelaçamentos cada vez mais 
estreitos e complexos. Experimenta um espaço sem 
avesso ou direito, frente ou verso, apenas pelo 
prazer de percorrê-lo e, dessa forma, ele mesmo 
realiza a obra de arte. Inicia então trabalhos 
voltados para o corpo, que visam ampliar a 
percepção, retomar memórias ou provocar 
diferentes emoções. Neles, o papel do artista é de 
propositor ou canalizador de experiências.
Em Luvas Sensoriais (1968) dá-se a redescoberta 
do tato por meio de bolas de diferentes tamanhos, 
pesos e texturas e em O Eu e o Tu: Série Roupa- 
Corpo-Roupa (1967), um casal veste roupas 
confeccionadas pela artista, cujo forro comporta 
materiais diversos. Aberturas na roupa 
proporcionam, pela exploração táctil, uma sensação 
feminina ao homem e à mulher uma sensação 
masculina. A instalação A Casa É o Corpo: Labirinto 
(1968) oferece uma vivência sensorial e simbólica, 
experimentada pelo visitante que penetra numa 
estrutura de 8 metros de comprimento, passando 
por ambientes denominados "penetração", 
"ovulação", "germinação" e "expulsão".
Em Túnel (1973) as pessoas percorrem um tubo de 
pano de 50 metros de comprimento, onde às 
sensações de claustrofobia e sufocamento 
contrapõe-se a do nascimento, por meio de 
aberturas no pano, feitas pela artista. Já 
Canibalismo e Baba Antropofágica (ambos de 1973) 
aludem a rituais arcaicos de canibalismo, 
compreendido como processo de absorção e de 
ressignificação do outro. No primeiro 
acontecimento, o corpo de uma pessoa deitada é 
coberto de frutas, devoradas por outras de olhos 
vendados; e, no segundo, os participantes levam à 
boca carretéis de linha, de várias cores e 
lentamente os desenrolam com as mãos para 
recobrir o corpo de uma pessoa que está deitada no 
chão. No final, todos se emaranham com os fios.
A partir de 1976, dedica-se à prática terapêutica, 
usando Objetos Relacionais, que podem ser, por 
exemplo, sacos plásticos cheios de sementes, ar ou 
água; meias-calças contendo bolas; pedras e 
conchas. Na terapia, o paciente cria relações com 
os objetos, por meio de sua textura, peso, tamanho, 
temperatura, sonoridade ou movimento. Eles 
permitem-lhe reviver, em contexto regressivo, 
sensações registradas na memória do corpo, 
relativas a fases da vida anteriores à aquisição da 
linguagem.
Bibliografia 
http://www.lygiaclark.org.br 
http://www.leonardo.info/isast/spec.projects/osthoff/osthoff.html 
http://enciclopedia.itaucultural.org.br 
http://www.forumpermanente.org/painel/coletanea_ho/ho_sperling 
http://www.concretosparalelos.com.br/?p=990 
FAVARETTO, Celso. A Invenção de Hélio Oiticica. São Paulo: Edusp, 1992. p. 49.

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Hélio e Lygia na performance

  • 1. Hélio Oiticica e Lygia Clark Universidade Feevale Mestrado em Processos e Manifestações Culturais Disciplina de Estética e Processos Culturais Aline Corso
  • 2. Lygia e Hélio na performance “Diálogos de Mão” Hélio Oiticica e Lygia Clark, expoentes do experimentalismo nas artes plásticas nos anos 1960 e 1970 no Brasil construíram percursos que nasceram na pintura e se projetaram para o espaço tridimensional. Cada um a seu modo construiu intenso cruzamento arte-vida e ambos nutriram grande admiração mútua. Como vetor motriz comum, o conceito de “não-objeto” formulado pelo crítico Ferreira Gullar os articula na superação de uma arte de cunho geométrico-representacional para a proposição de experiências artísticas vivenciais centradas no corpo. Ambos participaram do Grupo Frente e do grupo Neoconcreto.
  • 3. Hélio Oiticica Pintor, escultor,artista plástico e performático de aspirações anarquistas. Hélio Oiticica é um artista cuja produção se destaca pelo caráter experimental e inovador. Seus experimentos, que pressupõem uma ativa participação do público, são, em grande parte, acompanhados de elaborações teóricas, comumente com a presença de textos, comentários e poemas. Pode-se, de acordo com o crítico Celso Favareto, identificar duas fases na obra de Oiticica: uma mais visual, que tem início em 1954 na arte concreta e vai até a formulação dos Bólides, em 1963, e outra sensorial, que segue até 1980.
  • 4. Hélio Oiticica inicia, em 1954, estudos de pintura com Ivan Serpa, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ. Essas aulas são essenciais porque possibilitam a Oiticica o contato com materiais variados e liberdade de criação. Em 1957, inicia a série de guaches sobre papel denominada, nos anos 1970, Metaesquemas. Segundo Oiticica, essas pinturas geométricas são importantes por já apresentar o conflito entre o espaço pictórico e o espaço extra-pictórico, prenunciando a posterior superação do quadro.
  • 5. Com as Invenções, de 1959, o artista marca o início da transição da tela para o espaço ambiental, o que ocorre nesse ano com os Bilaterais - chapas monocromáticas pintadas com têmpera ou óleo e suspensas por fios de nylon - e os Relevos Espaciais, suas primeiras obras tridimensionais. Nessa época produz textos sobre seu trabalho, sobre a arte construtiva e as experiências de Lygia Clark. Embora não tenha participado da 1ª Exposição Neoconcreta nem assinado o Manifesto Neoconcreto, em 1960 participa da 2ª Exposição Neoconcreta no Rio de Janeiro e pensa sua produção em relação à Teoria do Não-Objeto, de Ferreira Gullar.
  • 6. Em 1960, cria os primeiros Núcleos, também denominados Manifestações Ambientais e Penetráveis, placas de madeira pintadas com cores quentes penduradas no teto por fios de nylon. Neles tanto o deslocamento do espectador quanto a movimentação das placas passam a integrar a experiência. Em continuidade aos projetos, Oiticica constrói, em 1961, a maquete do seu primeiro labirinto, o Projeto Cães de Caça, composto de cinco Penetráveis, o Poema Enterrado, de Ferreira Gullar, e o Teatro Integral, de Reynaldo Jardim. É uma espécie de jardim em escala pública para a vivência coletiva que envolve tanto a relação com a arquitetura quanto com a natureza. A maquete é exposta, no mesmo ano, no MAM/RJ, com texto de Mário Pedrosa, mas a obra nunca chega a ser construída. Até esse período sua obra é primordialmente visual. O espectador está presente nos Núcleos, mas há um desenvolvimento dessa questão com suas primeiras estruturas manuseáveis, os Bólides - recipientes que contêm pigmento - resultado, em 1963, da vontade de dar corpo à cor e acrescentar à experiência visual outros estímulos sensoriais.
  • 7. No fim da década de 1960 é levado pelos colegas Amilcar de Castro e Jackson Ribeiro a colaborar com a Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira. Envolve-se com a comunidade do Morro da Mangueira e dessa experiência nascem os Parangolés. Trata-se de tendas, estandartes, bandeiras e capas de vestir que fundem elementos como cor, dança, poesia e música e pressupõem uma manifestação cultural coletiva. Posteriormente a noção de Parangolé é ampliada: "Chamarei então Parangolé, de agora em diante, a todos os princípios formulados aqui [...]. Parangolé é a antiarte por excelência; inclusive pretendo estender o sentido de 'apropriação' às coisas do mundo com que deparo nas ruas, terrenos baldios, campos, o mundo ambiente enfim [...]".
  • 8. Em 1967, as questões levantadas com o Parangolé desembocam nas Manifestações Ambientais com destaque para as obras Tropicália, 1967, Apocalipopótese, 1968, e Éden 1969. A Tropicália apresentada na exposição Nova Objetividade Brasileira, no MAM/RJ, é considerada o apogeu de seu programa ambiental - é uma espécie de labirinto sem teto que remete à arquitetura das favelas e em seu interior apresenta um aparelho de TV sempre ligado. Depois que o compositor Caetano Veloso passa a usar o termo tropicália como título de uma de suas canções, ocorrem diversos desdobramentos na música popular brasileira e na cultura que ficam conhecidos como tropicalismo.
  • 9. O Projeto Éden - composto de Tendas, Bólides e Parangolés como proposições abertas para a participação e vivências individuais e coletivas - é apresentado em Londres em 1969, na Whitechapel Gallery. Considerada sua maior exposição em vida, é organizada pelo crítico inglês Guy Brett e apelidada de Whitechapel Experience. Com essa espécie de utopia de vida em comunidade, surge a proposição Crelazer, ligada à percepção criativa do lazer não repressivo e à valorização do ócio. Em 1970, na exposição Information realizada no Museum of Modern Art - MoMA em Nova York, Oiticica desenvolve a idéia dos Ninhos como células em multiplicação ligadas ao crescimento da comunidade. Depois de breve período no Rio de Janeiro, em 1970, ganha bolsa da Fundação Guggenheim e instala-se em Nova York, fazendo de suas residências grandes Ninhos.
  • 10. Em Nova York, inicia os projetos ambientais chamados de Newyorkaises, entre eles alguns labirintos do programa Subterranean Tropicália Projects. Retoma os Parangolés, propondo seu uso no metrô da cidade, com ênfase não mais no samba, mas no rock. Nos anos 1970, escreve demonstrando sua admiração por astros pop - Jimi Hendrix, Janis Joplin, Yoko Ono, Mick Jagger e os Rolling Stones, entre outros. Insatisfeito com o cinema como espetáculo e a passividade do espectador, elabora Cosmococa - programa in progress. Trata-se de nove blocos, alguns feitos com o cineasta brasileiro Neville d'Almeida e Thomas Valentin, e outros como proposta para amigos, denominados quase-cinema. São basicamente filmes não narrativos, produzidos com base em slides e trilha sonora, projetados em ambientes especialmente criados para eles e com instruções para participação. Em Nova York, o artista inicia alguns filmes em Super-8, como o inacabado Agripina é Roma Manhattan, entre dezenas de projetos de Penetráveis.
  • 11. Volta ao Brasil em 1978 e participa de alguns eventos coletivos, como o Mitos Vadios, organizado pelo artista plástico Ivald Granato. No ano seguinte, organiza o acontecimento poético-urbano Caju-Kleemania, proposta para participação coletiva no bairro do Caju, no Rio de Janeiro. Em homenagem a Paul Klee, realiza o contrabólide Devolver a Terra à Terra, que consiste em trazer terra preta de um lugar e colocá-la numa fôrma quadrada sem fundo sobre uma terra de outra coloração. Em 1980, ano de sua morte, propõe o segundo acontecimento poético-urbano Esquenta pr'o Carnaval, no Morro da Mangueira. Em 2009 um incêndio na residência de César Oiticica, destrói parte do acervo de Hélio Oiticica.
  • 12. Lygia Clark Pintora e escultora brasileira contemporânea que autointitulava-se "não artista". Lygia Clark é uma das fundadoras do Grupo Neoconcreto. Gradualmente, troca a pintura pela experiência com objetos tridimensionais. Após 1976 se afasta da produção de objetos estéticos e volta-se sobretudo para experiências corporais em que materiais quaisquer estabelecem relação entre os participantes. A poética de Lygia Clark caminha no sentido da não representação e da superação do suporte. Propõe a desmistificação da arte e do artista e a desalienação do espectador, que finalmente compartilha a criação da obra. Na medida em que amplia as possibilidades de percepção sensorial em seus trabalhos, integra o corpo à arte, de forma individual ou coletiva. Finalmente, dedica-se à prática terapêutica.
  • 13. Lygia Clark trabalha com instalações e body art. Em 1954, incorpora como elemento plástico a moldura em suas obras como, por exemplo, em Composição nº 5. Suas pesquisas voltam-se para a "linha orgânica", que aparece na junção entre dois planos, como a que fica entre a tela e a moldura. Entre 1957 e 1959, realiza composições em preto-e-branco, formadas por placas de madeira justapostas, recobertas com tinta industrial aplicada a pistola, nas quais a linha orgânica se evidencia ou desaparece de acordo com as cores utilizadas.
  • 14. A radicalidade com que explora as potencialidades expressivas dos planos, leva-a a desdobrá-los, como nos Casulos (1959), que são compostos de placas de metal fixas na parede, dobradas de maneira a criar um espaço interno. No mesmo ano, participa da 1ª Exposição Neoconcreta. O neoconcretismo define-se como tomada de posição com relação à arte concreta exacerbadamente racionalista e é formado por artistas que pretendem continuar a trabalhar no sentido da experimentação, do encontro de soluções próprias, integrando autor, obra e fruidor. Inicia, em 1960, os Bichos, obras constituídas por placas de metal polido unidas por dobradiças, que lhe permitem a articulação. As obras encorajam a manipulação do espectador, que conjugada à dinâmica da própria peça, resulta em novas configurações. Em 1963, começa a realizar osTrepantes, formados por recortes espiralados em metal ou em borracha, como Obra-Mole (1964), que, pela maleabilidade, podem ser apoiados nos mais diferentes suportes ocasionais como troncos de madeira ou escada.
  • 15. Sua preocupação volta-se para uma participação ainda mais ativa do público. Caminhando (1964) é a obra que marca essa transição. O participante cria uma fita de Moebius [August Ferdinand Moebius (1790-1868), matemático alemão]: corta uma faixa de papel, torce uma das extremidades e une as duas pontas. Depois a recorta no comprimento de maneira contínua e, na medida em que o faz, ela se desdobra em entrelaçamentos cada vez mais estreitos e complexos. Experimenta um espaço sem avesso ou direito, frente ou verso, apenas pelo prazer de percorrê-lo e, dessa forma, ele mesmo realiza a obra de arte. Inicia então trabalhos voltados para o corpo, que visam ampliar a percepção, retomar memórias ou provocar diferentes emoções. Neles, o papel do artista é de propositor ou canalizador de experiências.
  • 16. Em Luvas Sensoriais (1968) dá-se a redescoberta do tato por meio de bolas de diferentes tamanhos, pesos e texturas e em O Eu e o Tu: Série Roupa- Corpo-Roupa (1967), um casal veste roupas confeccionadas pela artista, cujo forro comporta materiais diversos. Aberturas na roupa proporcionam, pela exploração táctil, uma sensação feminina ao homem e à mulher uma sensação masculina. A instalação A Casa É o Corpo: Labirinto (1968) oferece uma vivência sensorial e simbólica, experimentada pelo visitante que penetra numa estrutura de 8 metros de comprimento, passando por ambientes denominados "penetração", "ovulação", "germinação" e "expulsão".
  • 17. Em Túnel (1973) as pessoas percorrem um tubo de pano de 50 metros de comprimento, onde às sensações de claustrofobia e sufocamento contrapõe-se a do nascimento, por meio de aberturas no pano, feitas pela artista. Já Canibalismo e Baba Antropofágica (ambos de 1973) aludem a rituais arcaicos de canibalismo, compreendido como processo de absorção e de ressignificação do outro. No primeiro acontecimento, o corpo de uma pessoa deitada é coberto de frutas, devoradas por outras de olhos vendados; e, no segundo, os participantes levam à boca carretéis de linha, de várias cores e lentamente os desenrolam com as mãos para recobrir o corpo de uma pessoa que está deitada no chão. No final, todos se emaranham com os fios.
  • 18. A partir de 1976, dedica-se à prática terapêutica, usando Objetos Relacionais, que podem ser, por exemplo, sacos plásticos cheios de sementes, ar ou água; meias-calças contendo bolas; pedras e conchas. Na terapia, o paciente cria relações com os objetos, por meio de sua textura, peso, tamanho, temperatura, sonoridade ou movimento. Eles permitem-lhe reviver, em contexto regressivo, sensações registradas na memória do corpo, relativas a fases da vida anteriores à aquisição da linguagem.
  • 19. Bibliografia http://www.lygiaclark.org.br http://www.leonardo.info/isast/spec.projects/osthoff/osthoff.html http://enciclopedia.itaucultural.org.br http://www.forumpermanente.org/painel/coletanea_ho/ho_sperling http://www.concretosparalelos.com.br/?p=990 FAVARETTO, Celso. A Invenção de Hélio Oiticica. São Paulo: Edusp, 1992. p. 49.