1. CONCEPTOS Y EJEMPLOS
ILUSTRATIVOS DE: ASÍ SE
COMPONE UN CUADRO
Creado por: Xanderllopp
Asignatura: Teoría de la imagen
Programa: Licenciatura en informática y medios
audiovisuales
Centro educativo: universidad de córdoba

2. INTRODUCCIÓN
En esta presentación veremos como
se aplica las leyes y reglas que debe
tener un cuadro fotográfico, estos
factores son primordiales para
obtener una buena fotografía y así
darle un mejor estilo y originalidad.

3. VARIEDAD DENTRO DE LA UNIDAD
Se refiere al hecho de que, para lograr un buen orden, no
sólo deben interrelacionarse las partes de un todo sino que
ha de hacerse de una manera interesante. Para alcanzar el
interés se hace necesario aplicar variables al orden, es decir,
se debe tener en cuenta el contraste y, controlado para no
destruir las relaciones, las tensiones diversas que dinamizan
la resultante, las relaciones de semejanza, tanto como las
transiciones, las disonancias, etc.

4. VARIEDAD DENTRO DE LA UNIDAD

5. VARIEDAD DENTRO DE LA UNIDAD

6. UNIDAD DENTRO DE LA VARIEDAD
En esta consiste que los objetos no deben estar
tan separados en una imagen, la imagen en si
llamaría la atención, pero al poco tiempo
causara fatiga, esta ya no será interesante para
el observador. La imagen debe procurar tener
mas unidad, es decir que cada elemento debe
estar mas cerca y así se obtendrá una nueva
composición.

7. UNIDAD DENTRO DE LA VARIEDAD

8. UNIDAD DENTRO DE LA VARIEDAD

9. LA PROPORCIÓN ESPACIAL
La línea vertical divisoria en cuadro no debe ir
en el centro y tampoco excesivamente retirada a
un lado, ya depende del artista de elegir el
termino o el lugar exacta para dar una buena
imagen.

10. LA PROPORCIÓN ESPACIAL

11. LA PROPORCIÓN ESPACIAL

12. LEY DE LA SECCIÓN DORADA
Según Pacioli s. XV Viene a decirnos que "para
que un espacio dado, el cual es dividido en
partes desiguales resulte agradable y a la vez sea
estético, deberá haber entre la parte más
pequeña y la mayor la misma relación que entre
dicha parte mayor y el todo".

13. LEY DE LA SECCIÓN DORADA

14. LEY DE LA SECCIÓN DORADA

15. Organización de la forma y del espacio
Unidad: la superposición de varias formas
situando unas delante de otras, creando una
serie de planos o términos sucesivos, conducen
en principio a la obtención del factor básico
unidad.

16. Organización de la forma y del espacio,
unidad

17. Organización de la forma y del espacio,
unidad

18. SIMETRÍA
Es la distribución de los elementos del cuadrado
a ambos lados de un punto o eje central, de
modo que unas partes estén en
correspondencia con otras.

19. Organización de la forma y del espacio,
simetría

20. Organización de la forma y del espacio,
simetría

21. Organización de la forma y del espacio
La composición simétrica rígida: Es aquella
cuyas parte se hallan dispuestas con absoluta
similitud y correspondencia, respecto a un eje
casi siempre real.

22. Organización de la forma y del espacio,
simetría rígida

23. Organización de la forma y del espacio,
simetría rígida

24. Organización de la forma y del espacio
La composición simétrica variable: La
correspondencia de las partes es mas libre y
elástica. Esta mayor libertad puede traducirse en
un cambio en las posiciones o actitudes de las
figuras u objetos representados a ambos lados
del eje central.

25. Organización de la forma y del espacio,
simetría variable

26. Organización de la forma y del espacio,
simetría variable

27. ASIMETRÍA
Es la distribución libre e intuitiva de los
elementos del cuadro, equilibrando unas partes
respecto a otras, a fin de mantener y conseguir
una unidad de conjunto.

28. ASIMETRÍA

29. ASIMETRÍA

30. EQUILIBRIO
Este consiste que dentro de un cuadro seria
necesario compensar debidamente la diferencia
de peso, es decir que un conjunto de elementos
que este a la izquierda no afecte lo que esta a la
derecha en una imagen así sea de diferente
tamaño.

31. EQUILIBRIO

32. EQUILIBRIO

33. COMPENSACIÓN DE LAS MASAS
En sentido mas simple quiere decir que la
compensación no se basa en una distribución
simétrica de masas, sino en un equilibrio de los
peso visuales que se ven dentro de un cuadro.

34. COMPENSACIÓN DE LAS MASAS

35. COMPENSACIÓN DE LAS MASAS

36. ESQUEMAS TRADICIONALES
Según los estudios en las artes antiguas (egipcio,
griego) es bastante notorio el empleo de figuras
geométricas básicas como el triangulo y el
rectángulo. Mas adelante en la roma se
empleaban como reglas de composición básica.

37. Esquemas triángulos y rectángulos: dentro de
estos esquemas era muy empleado en la pintura
clásica pero hoy en día se puede apreciar en
tomas fotográficas. Como esto viene del
renacimiento y paso al barroco dependía del
toque subjetivo del pintor si quería mostrar
majestuosidad o flotabilidad en la pintura.

38. Rectangulares

39. Rectangulares

40. Triangular

41. Triangular

42. ESQUEMAS TRADICIONALES
Esquemas en forma de elipse: este esquema le
da a la imagen una sensación de dinamismo
pero a la vez crea ambientes cerrados dentro de
un cuadro.

43. Elipse

44. Elipse

45. Esquemas basado en formas tipográficas: es la
aplicación de letras que da perfectas figuras
geométricas, estos esquemas fueron estudiados
por Fechner. Estas estructuras que son de
carácter abierto se usaron mucho en el barroco
y era para dar esa sensación de mas libertad en
un cuadro e invita al observador a despertar
mas la imaginación.

46. Forma L

47. Forma J

48. Forma S

49. Forma Z

50. Forma C

51. Forma Y

52. EL FACTOS VARIEDAD (SIMILITUDES)
La variedad dentro de la unidad ha de lograrse,
también creando similitudes, es decir por la
repetición premeditada de colores, tonos,
líneas.

53. Similitud de color
En cuadro se predomina así cuando el fondo y el
objeto o sujeto tiene casi los mismos colores
dando esa similitud “crear ecos que prolonguen
la dominante en el color”

54. Similitud de color

55. Similitud de volumen
La sensación de ver una imagen plana es eso, no
darle importancia al fondo, en ese caso se
puede notar en fotografías de primer plano de
retratos o en los autorretratos hechos por
muchos artistas.

56. Similitud de volumen

57. Similitud de volumen

58. Similitud de forma
Esta se crea cuando hay una abundancia de
curvas. En este caso es una obsesión que hace
un pintor en el caso de una foto seria buscar
unas formas adecuadas para resaltar el fondo.

59. Similitud de forma

60. Similitud de factura y estilo
Es dar a la imagen un estilo único construyendo
perfiles internos y externos.

61. Similitud de forma

62. Contraste de color luz y tono
El contraste actúa a través de la atracción o
excitación del público observador, mediante la
combinacion diferentes intensidades o niveles
de contraste, en el color, el tamaño, la textura,
etc. Pueden proporcionar mayor significado a
una composición.

63. Contraste de color luz y tono

64. Contraste de color luz y tono

65. Contraste por tamaño
El contraste de tamaño es directo. El contraste
entre lo grande y lo pequeño se ve en las formas
planas, mientras el contraste entre lo largo y lo
corto se ve en las formas lineales.

66. Contraste por tamaño

67. Contraste por tamaño

68. DRAMATIZACIÓN DE LAS
POSIBILIDADES EXPRESIVAS
La dramatización es algo crucial para los seres
humanos esta nos dan el reflejo de nuestras
acciones, y en una obra no puede faltar no
tendría sentido que un grupo de personas no
broten nada, entonces si un artista quiere llamar
la atención debe buscar expresividad y que su
obra la tenga.

69. Dramatización por encuadre y tamaño
El encuadre en llegar mas cerca al sujeto, perder
ese temor a realzar sus rasgos, pero también en
una toma general se puede realzar, la idea es
buscar el punto donde se pueda notar eso
detalles.

70. Dramatización por encuadre y tamaño

71. Dramatización por encuadre y tamaño

72. DRAMATIZACIÓN MEDIANTE LA LUZ ,
EL COLOR Y TONO
Los efectos lumínicos de una luz adecuadamente
dirigida, pueden expresar alegría o tristeza,
dureza o suavidad.

73. DRAMATIZACIÓN MEDIANTE LA LUZ ,
EL COLOR Y TONO

74. DRAMATIZACIÓN MEDIANTE LA LUZ ,
EL COLOR Y TONO

75. DRAMATIZACIÓN DEL FACTOR
“INTERÉS HUMANO”
Si nosotros vemos una foto o un cuadro,
inmediatamente nos fijamos en el rostro de las
personas, a los humanos le interesa al mismo
ser humano ver su expresión, que mensaje
tiene, que sentimientos refleja, etc.

76. DRAMATIZACIÓN DEL FACTOR
“INTERÉS HUMANO”

77. DRAMATIZACIÓN DEL FACTOR
“INTERÉS HUMANO”

78. CENTRO DE INTERÉS
En un plano general, el centro de interés es todo
el conjunto. En estos casos, el fotógrafo utiliza el
ángulo de toma y la luz ambiente para crear la
composición y no correr el riesgo de obtener
una fotografía sin interés visual.

79. CENTRO DE INTERÉS

80. CENTRO DE INTERÉS

81. RITMO
Ritmo es cuando existe una ordenación
determinada en sus líneas de movimiento o una
repetición armónica de una línea (ritmo lineal),
una forma (ritmo formal), un color (ritmo
cromático) o un foco lumínico (ritmo lumínico o
de luces y sombras).

82. RITMO

83. RITMO

84. Ley de tercios
Se marca, en el recuadro fotográfico deben
trazarse, imaginariamente, dos líneas
equidistantes verticales y dos horizontales,
siendo en torno a alguno de los cuatro puntos
donde se cruzan las cuatro líneas, en donde
debe colocarse el motivo que deseamos resaltar
dentro de la composición.

85. Ley de tercios

86. Ley de tercios

87. Ley de la mirada
Es aquella ley en que toda persona, animal o cosa, dentro del
recuadro fotográfico debe de tener más espacio libre hacia su
parte frontal que lo que ocupa su parte trasera,
independientemente de la amplitud de lo abarcado en el
encuadre de la toma. Incluso podemos recortar el borde del
recuadro fotográfico, la parte del elemento gráfico en cuestión
por su parte posterior, si este se encuentra en un plano cercano
a la cámara o es de dimensiones muy grandes.

88. Ley de la mirada

89. Ley de la mirada

90. Textura
Entendemos por textura las propiedades que
presenta una superficie al tacto. Desde el punto
de vista fotográfico debemos trasladar esta
sensación táctil a nuestros ojos, de manera que
lo que estamos viendo parezca que lo estamos
tocando o proporcione una sensación de
tridimensionalidad.

91. Textura

92. Textura

93. Contraste cálido-frio
Es el contraste de temperatura, producido al
confrontar un colores cálidos con otros fríos. Se
acentúa a su vez, por el contraste de claro-
oscuro.

94. Contraste cálido-frio

95. Contraste cálido-frio

96. Claro-oscuro
Se obtiene mediante la gama de grises o
utilizando el blanco y el negro. El punto extremo
está representado por blanco y negro,
observándose la proporción de cada uno.

97. Claro-oscuro

98. Claro-oscuro

99. EL PAISAJE
En el paisaje es ir libre a tomar todo lo que este
alrededor, componer antes la misma naturaleza,
esto implica utilizar muchos punto de vista, la
mejor posición angular, la iluminación, el
tiempo, etc.

100. Urbano

101. Urbano

102. Paisaje rupestre o de campo abierto

103. Paisaje rupestre o de campo abierto

104. Marina

105. Marina

106. PLANOS
FOTOGRÁFICOS

107. GRAN PLANO GENERAL
Es la gran toma de un paisaje
donde el sujeto se ve reducido y no
tiene tanta importancia

108. GRAN PLANO GENERAL

109. GRAN PLANO GENERAL

110. PLANO GENERAL
En retrato, éste es el plano en el que aparece
todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un plano
entero si a quien o quienes estamos
fotografiando aparecen completos, desde los
pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto.

111. PLANO GENERAL

112. PLANO GENERAL

113. PLANO AMERICANO
Encuadra al actor desde la cabeza hasta
las rodillas (aprox.) y se llama americano
porque se utilizó con profusión en los
westerns ya que servía a la perfección
para encuadrar al pistolero de turno
hasta la altura a la que llegaba su
pistolera atada al muslo.

114. PLANO AMERICANO

115. PLANO AMERICANO

116. PLANO MEDIO
Encuadra al personaje por encima
de la cintura. Nos lo muestra
cercano pero nos da más pista
sobre su persona (como viste) y le
resta, en ocasiones, protagonismo.

117. PLANO MEDIO

118. PLANO MEDIO

119. PRIMER PLANO
Enmarca el rostro del
personaje y parte de los
hombros.

120. PRIMER PLANO

121. PRIMER PLANO

122. PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO
Es un plano muy cercano en el cual la cámara nos
muestra un objeto, un detalle del mismo o un detalle
de una persona o animal. Sirve para recalcar la
presencia de una cosa (generalmente de reducido
tamaño) de forma que no pase desapercibida por el
espectador pues su importancia para la trama que se
está contando es capital.

123. PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO

124. PRIMERÍSIMO PRIMER PLANO

125. PLANO DE DETALLE
El plano detalle como su nombre indica sirve
para mostrar un objeto o una parte de un objeto
que forma parte de un conjunto más general.

126. PLANO DE DETALLE

127. PLANO DE DETALLE

128. ÁNGULOS DE
TOMA

129. ÁNGULO NORMAL
Como su nombre indica, éste es el
ángulo habitual con el que
fotografiamos y se caracteriza por
establecer una línea entre cámara y
objeto fotografiado paralela al suelo.

130. ÁNGULO NORMAL

131. ÁNGULO NORMAL

132. ÁNGULO PICADO
Este ángulo se produce cuando la
cámara se sitúa en un plano superior al
objeto fotografiado.
Precisamente esta posición superior
también conlleva una situación de
inferioridad, vulnerabilidad o debilidad
del objeto dentro de la fotografía.

133. ÁNGULO PICADO

134. ÁNGULO PICADO

135. ÁNGULO CONTRAPICADO
Si el ángulo picado se consigue situando la cámara
por encima del sujeto, el contrapicado lo logramos
situando la cámara en una posición inferior al objeto
a fotografiar.
Con este ángulo dotamos al objeto fotografiado de
mayor importancia, superioridad, magestuosidad y,
sobre todo, de una posición dominante frente al
observador.

136. ÁNGULO CONTRAPICADO

137. ÁNGULO CONTRAPICADO

138. ÁNGULO CENITAL
Cuando la situación de la cámara con respecto al objeto a
fotografiar es de extrema superioridad, hasta el punto de
situarse en la perpendicular al suelo por encima del sujeto
fotografiado, entonces hablamos de ángulo cenital.
Se trata un ángulo que incrementa aún más, si cabe, la sensación
de inferioridad. Por otro lado, si el picado centra mucho la
atención en el objeto, con el cenital abrimos un poco más el
campo y mostramos también el contexto que lo rodea.

139. ÁNGULO CENITAL

140. ÁNGULO CENITAL

141. NADIR
Si la situación de inferioridad de la cámara frente al objeto a
fotografiar la llevas al extremo, consigues el denominado ángulo
nadir. La cámara se sitúa prácticamente en la perpendicular que
une objeto fotografiado y cielo.
Con este ángulo se incrementan al máximo las sensaciones del
contrapicado, poniendo al que observa la fotografía en la piel de
una "hormiga" para la que todo es enorme y "amenazador".

142. NADIR

143. NADIR

144. Conclusiones
• Es claro que teniendo estos conceptos de
composición se pueden sacar excelentes fotografías,
pero como se puede dar cuenta, un cuadro no solo
esta conformado por una regla si por la combinación
de varias, esto depende del entorno, la luz, las
emociones de las personas , el todo y lo mas
importante depende de la creatividad del fotógrafo.

145. Conclusiones
• Un fotógrafo o dibujante de visionar la obra antes de
tomarla, igualmente la practica hace al maestro y
entre mas observe, detalle todo su entorno antes de
tomar la fotografía tendrá resultados espectaculares
otro ingrediente en las reglas es que se pueden
romper, pues los grandes fotógrafos han conseguidos
magníficos resultados experimentando, pero
teniendo cuidado de no perder la estítica y la esencia
de la imagen.

146. Fuentes bibliográfica
• Parramón (1967) así se compone un cuadro,
editado por instituto Parramón ediciones,
Barcelona – España