Introducción al arte

INTRODUCCIÓN AL ARTE 1
HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO

INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL ARTE
0. INTRODUCCIÓN AL LENGUAJE ARTÍSTICO: ¿QUÉ ES EL ARTE?
a. ¿Qué es el arte?
¿Cuándo un objeto es una obra de arte y cuándo no?
¿Cuál es su valor?
¿Para qué sirve?
¿A qué dan importancia en una obra de arte los historiadores?
b. ¿Cómo miramos la obra de arte?
Las SENSACIONES del espectador:
Contemplación.
Reflexión.
Se hace necesario un proceso de formación: SABER MIRAR LA OBRA DE ARTE, APRENDER A MIRAR
LA OBRA DE ARTE.

c. Primeras conclusiones
La función del arte.
El lenguaje artístico.
El contexto de la obra de arte.
El valor de la obra de arte.

d. El concepto de Arte
El término arte procede del término latino Ars. En la Antigüedad se consideró el arte como la pericia y
habilidad en la producción de algo. Es sólo a partir de finales del siglo XV, durante el Renacimiento
Italiano, cuando, por primera vez, se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanía y
bellas artes) y, por ello mismo, entre el artesano, productor de obras múltiples, y el artista, productor
de obras únicas. Es también en este periodo cuando se crea un lenguaje articulado para referirse al
exterior y no a la representación formal. Quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas
artes) en tres oficios: escultores, pintores y arquitectos.
Es a finales del siglo XVIII y, sobre todo, a mediados del XIX (primera industrialización) cuando se da
una verdadera oposición entre el producto artístico (trabajo global con carácter exclusivo) y el
industrial (trabajo parcelado y producido en serie). En este periodo se dio un notable incremento de las
colecciones privadas, se crearon las primeras academias de arte (sin acceso para las mujeres hasta
principios del s. XX) y los primeros museos. Surgió la idea de patrimonio con la aparición de los primeros
museos (nacidos, en muchos casos, de las colecciones reales) y los „especialistas‟ como críticos,
galeristas y coleccionistas.

1. EL ARTE Y LA CREACIÓN ARTÍSTICA
La creación artística es inherente al ser humano, desde la niñez y desde las primeras culturas del Homo
Sapiens, el arte y el hombre son inseparables.
La obra de arte es, ante todo, comunicación; es un código más de los creados por el hombre para
expresar y transmitir ideas y sentimientos, por eso la creación artística es un lenguaje, el lenguaje
artístico.
Mediante el arte el hombre imita o expresa lo material o lo inmaterial, el artista expresa imágenes de
la realidad física o humana o simplemente sentimientos, sueños o esperanzas. En definitiva, crea
copiando, evocando o inventando.

JOSE ANGEL MARTINEZ ©


El autor, independientemente de la época y del modo de expresión, es, ante todo, creador, unas veces
respondiendo a criterios o normas de su civilización y otras expresando sus ideas y sentimientos con
mayor libertad.

2. NATURALEZA DE LA OBRA DE ARTE
La obra artística es el resultado de una serie de factores que influyen en el creador y en la obra de
arte en sí, ya que en ella inciden y se resumen una serie de componentes individuales (la personalidad
del artista), intelectuales (las ideas de la época), sociales (la clientela y los gustos de la sociedad del
momento) y técnicos.

2.1. La personalidad del artista
La obra de arte es reflejo de una personalidad creadora (No existe el arte, sólo artistas, señala E.
Gombrich), por lo que podemos incluso llegar a apreciar las características psicológicas del artista a
través de su obra (Autorretrato de Van Gogh; Autorretrato de P. Picasso). Pero no actúa el creador sin
más referencia que su propio yo, es inevitable que el mundo exterior de la realidad visible incida sobre
sus sentidos e influya en sus creaciones.

2.2. Las ideas y los gustos de la época
Sobre la personalidad del artista se superpone el mundo de pensamientos y sentimientos de la época en
la que el artista trabaja, lo que influye sobre sus creaciones consciente o inconscientemente. Pueden
influir circunstancias excepcionales de la biografía de un artista ( Los fusilamientos del 3 de mayo, de
Goya); los acontecimientos históricos que le tocan vivir (La Libertad guiando al pueblo, de Delacroix); o
la obra de los contemporáneos, otro factor que influye en la producción de cada uno de los otros
artistas.
Por tanto, las obras de arte no son simplemente la expresión de un artista individual, sino que traslucen
además múltiples aspectos de una época, de una sociedad, aunque la última palabra la tiene el genio
individual (La romería de San Isidro, de Goya). El arte es reflejo de la sociedad del momento en que
se crea.

2.3. Los conocimientos técnicos
En la medida que la actividad artística exige destreza manual, las posibilidades y características del
material sobre el que se trabaja y los conocimientos técnicos que se tienen, en general y sobre
materiales concretos y sobre sus posibilidades de trabajo, influyen inevitablemente en la obra final.
La historia del arte no es acumulativa, un estilo no supone un progreso sobre el anterior, ni el arte de
un siglo implica superioridad sobre el de los precedentes, pero sí lo es en el sentido técnico, en cuanto
que los medios de trabajo se van descubriendo y perfeccionando sucesivamente ( Cromlech de
Stonehenge; y Catedral de Toledo).

3. LA OBRA ARTÍSTICA Y EL ESTILO
Denominamos “estilo artístico” a la forma de manifestarse un artista o una colectividad mediante unas
características comunes que se repiten durante una determinada época. En arte se trata de un
concepto fundamental, sin él careceríamos de los elementos que distinguen a todas las creaciones de
una misma época y del sentido de la evolución de las formas.
En relación con el proceso de evolución de los estilos y más concretamente refiriéndonos a su
desaparición y sustitución por otros nuevos, algunos tratadistas basan sus explicaciones en la
aparición de innovaciones técnicas, pero ésta es sólo una de las explicaciones posibles o aplicable



únicamente a momentos concretos, porque también los cambios de estilo pueden deberse a cambios
sociales, ideológicos, religiosos, políticos, etc.

4. CLASIFICACIÓN DE LAS OBRAS DE ARTE
La clasificación que debemos establecer, al quedar en ella incluidas todas sus manifestaciones, es la que
divide a las obras de arte en Artes Plásticas (arquitectura, pintura y escultura), Artes Decorativas
(subordinadas a la arquitectura, como los mosaicos, vidrieras, yeserías, etc., y exentas, como la
miniatura, el grabado, la orfebrería, los esmaltes, la cerámica...) y, por último, las Artes No
Plásticas (literatura, música, danza, fotografía, cine, etc.).

5. LA FUNCIÓN DEL ARTE
Desde siempre la función principal del arte (sobre todo de la pintura y de la escultura) había sido la
imitación o representación de la realidad (Las Meninas, de Velázquez), pero hoy es evidente que la
fotografía y el cine cumplen con mayor exactitud esta posibilidad.
En la época contemporánea los artistas han tenido que buscar otras salidas, convirtiéndose el arte en
un arte-creación (Las señoritas de Avignon de Picasso; y Composición de Mondrian), de alto contenido
conceptual y subjetivo.

5.1. La función de la escultura y la pintura
La función tanto de la escultura como de la pintura ha evolucionado a lo largo de la Historia. En sus
primeras manifestaciones (Bisonte de la cueva de Altamira; y Venus de Willendorf) sus funciones
estaban definidas por su carácter mágico y religioso (función religiosa).
Este carácter mágico-religioso ha estado asociado al arte hasta los inicios de la modernidad, ya que las
instituciones religiosas han tenido un papel determinante en la creación artística a lo largo de la
historia. Ha sido, además, un elemento común a todas las civilizaciones.
Posteriormente, cuando las instituciones políticas y religiosas comienzan a realizar grandes edificios
(Estatuas del templo de Ramsés II en Abu-Simbel), la escultura y la pintura sirvieron para mostrar el
poder y la riqueza de sus constructores (función política).

En otras ocasiones (Arco de Constantino) destaca una clara función conmemorativa, convirtiéndose las
obras de arte en importantes instrumentos “educativos” (función conmemorativa y educativa o
propagandística).
En todos estos casos son también elementos de representación de ideales estéticos (función
estética).

5.2. La función de la arquitectura
Tiene un fin eminentemente utilitario, hay que atender prioritariamente a los aspectos técnicos,
aunque también son importantes los aspectos estéticos, lo que ha permitido que la historia de los
estilos arquitectónicos sea tan rica y variada (El Partenón; Museo Guggenheim de Bilbao de Frank O.
Gehry).

6. TEORÍAS SOBRE EL ARTE
6.1. El arte como forma (formalismo)
El arte consiste en la combinación de colores, líneas y planos, etc. Estas obras generalmente no cumplen
un fin. Es el llamado arte por el arte. La obra es el fin en sí misma.



6.2. El arte como expresión (expresionismo)
El arte representa en sus obras las emociones y sentimientos del autor.
El artista trata de representar una experiencia emocional sirviéndose de las diferentes formas de
expresión artísticas.

6.3. El arte como símbolo (simbolismo)
Teoría que se centra en la significación de la obra. Los signos estéticos se caracterizan por no ser
referenciales, es decir, no hay una relación objetiva entre el signo y el objeto representado. Otra
característica es que son iconos, es decir, establece semejanzas entre las propiedades del objeto y la
imagen que lo representa. Expresan valores que contienen el signo mismo.

6.4. El arte para cambiar la sociedad
El arte se da siempre en un contexto histórico y social determinado. Algunas teorías indagan sobre el
propósito del artista en ese contexto.
Consideran el arte (o al artista, más bien) como una fuerza social: el artista tiene una gran
responsabilidad social, y ha de estar “comprometido” con su tiempo. Esta teoría fue defendida por los
socialistas franceses del siglo XIX y pronto se extendió a otros países.

6.5. El arte como enseñanza moral
La concepción moralista se basa en que el arte ha de estar al servicio de la moralidad, y se llega a
considerar incluso de que debe ser rechazado todo arte que no prometa valores morales que se
consideren aceptables. El moralismo en el arte se remonta a Platón (siglo IV a. de C.), para el que las
tres ideas fundamentales a las que debe aspirar el ser humano son la de Belleza, Bondad y Justicia,
habiendo entre ellas una íntima relación.

7. FUNCIÓN SOCIAL DEL ARTE
La obra de arte desempeña una función como medio por el que nos acercamos a la cultura a la que
pertenece, ya que la actividad espiritual humana tiene su reflejo en la obra artística.
La belleza del lenguaje artístico contribuye a la formación estética de la persona que contempla la obra
y ayuda a enriquecer su personalidad.
Entre las diversas funciones del arte a lo largo del tiempo han estado, por ejemplo, la de propiciar la
caza en el Paleolítico, contribuir a la exaltación o divinización de algunos monarcas desde las primeras
civilizaciones, y también ser un instrumento eficaz para enseñar al pueblo y hacerle inteligibles
determinados mensajes. Sin embargo, desde el siglo XIX, con la Revolución Industrial y el desarrollo
del capitalismo, la obra de arte perdió la primitiva función y adquirió otros valores, convirtiéndose en
una mercancía en manos de intermediarios, marchantes, casas de subastas…, lo que conlleva
generalmente un mayor distanciamiento entre el creador y el cliente.
En la actualidad, la función de la obra artística obedece a criterios especulativos, como la inversión o
afianzar el prestigio del coleccionista, no necesariamente experto en la materia.

8. ARTISTAS, MECENAS Y CLIENTES
En todo lo concerniente a la obra de arte (período al que pertenece, el artista que la crea, su función, la
clientela que la demanda...) hay un alto grado de complejidad, ya que el hecho artístico es un acto social
en sí mismo y consecuentemente, obedece a diversas directrices.
El artista es un individuo que se gana la vida gracias a su trabajo, por lo que necesita de una
especialización previa y, por supuesto, de una clientela que le haga sus encargos.



Desde la Antigüedad, los artistas se agruparon por profesiones, primero en calles o barrios artesanales,
después en gremios y más recientemente en academias, asociaciones, colegios... Aunque siempre hubo
quienes, dotados de una excepcional maestría, gozaron de un reconocimiento y hasta de un estatus
privilegiado. Fue el caso de los escultores griegos Fidias y Praxíteles, de Leonardo da Vinc¡ y Miguel
Ángel o, más tardíamente, de Goya o Picasso, por citar solo unos pocos ejemplos.
Con todo, no cabe duda de que los artistas se fueron desligando lenta pero progresivamente del yugo
que los consideraba artesanos que ejercitaban un trabajo mecánico y sin aspiraciones intelectuales. Sin
embargo, no fue hasta bien entrado el siglo XVIII cuando, en líneas generales, fueron considerados
como tales.
Desde finales de la Edad Media, numerosos tratados vinieron a corroborar que la actividad artística
debía ser considerada merecedora de reconocimiento y admiración. Esta situación fue aceptada y
asumida con posterioridad, e incluso ha ido derivando hacia concepciones variopintas, al asociarse al
artista con la vida bohemia y desordenada, académica, rupturista o vanguardista, según los casos.
El mecenazgo artístico es un apartado de la creación plástica que ha sido reivindicado por los
historiadores del arte desde hace tiempo. No cabe duda de que sin la protección dispensada por
determinadas instituciones (caso de la Santa Sede o de las monarquías de los Austrias en España y de
los Borbones en Francia) y personalidades de elevada cultura y sensibilidad (como el emperador
Adriano, Lorenzo el Magnífico o el emperador Rodolfo II) difícilmente podríamos disfrutar en la
actualidad de las obras de Bramante, Ticiano, Rubens, Velázquez, Poussin, Arcimboldo, Rodin, Moore,
Miró y un incontable número de excepcionales artífices; ni desde luego de los museos ni colecciones que
se han convertido en receptores privilegiados de sus obras maestras.
Y es que coleccionar arte ha sido desde siempre símbolo de prestigio, de poder y, como no podía ser de
otra manera, de riqueza.
Por supuesto que por sí solo el mecenazgo no significa nada si no tenemos en cuenta el papel (más
modesto pero imprescindible) que ha tenido y tiene la clientela privada. En esta se encontraban y se
encuentran ricos mercaderes, parroquias y cofradías, gremios, compañías militares, marchantes,
entidades financieras, industriales, galeristas… Al fin y al cabo, la clientela privada es la que (sin
grandes alardes pero de una forma continua) ha mantenido vivo a lo largo de la historia del espíritu
creativo de tantos y tantos artistas.
En nuestro tiempo, multitud de galerías, ferias de arte y exposiciones se encargan de poner a la vista
del público las obras pasadas y presentes de reconocidos o desconocidos artistas que muestran sus
creaciones, y al mismo tiempo pueden ser fácilmente adquiridas de acuerdo con los gustos y la estética.

9. LA MUJER EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA
Desde la antigua Roma sabemos que hubo mujeres que se dedicaron al arte gracias al testimonio de
Plinio el Viejo, aunque a ciencia cierta desconocemos todo sobre ellas. Por lo tanto, es obvio pensar que
con posterioridad a Roma hubo otras artistas. Así, conocemos en la Edad Media a las miniaturistas Ende
e Hildegarda de Bigen y las pintoras Margarita van Eyck, Teresa Díaz o Susana Horenbout; en la Edad
Moderna, Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Artemisia Gentileschi, Marieta Robusti, Elisabetta
Siri, Angélica Kauffmann o Mary Moser; y, desde el siglo xix en adelante, Judith Leyster, Mary
Cassat, Cecilia Beaux, Berthe Morisot, Camille Claudel, Alice Bailly, Doris Lee, Elisabeth Vigeé Le Brun,
Frida Kahlo, María Montoya, Joan Zinder y Aurora Valero, entre muchas otras.
Si a ello añadimos que en España era práctica habitual en los siglos XVI y XVII que al desaparecer el
cabeza de taller ocupara su puesto su viuda -incluso ejerciendo labores artísticas-, podemos
comprender el papel destacado que la mujer históricamente ha desempeñado y, al mismo tiempo,
cuestionar sin tapujos que su intervención haya sido injustamente silenciada por la crítica.
Quizás iniciativas como la creación en 1981 del Museo Nacional de Mujeres Artistas en Washington
ayuden a divulgar la dimensión artística femenina ante las nuevas generaciones de curiosos e interesar a



los futuros investigadores, y con ello rechazar el mito de su papel secundario o inexistente en
contraposición con el masculino.
En 1989 un grupo de activistas feministas neoyorquinas portaban un cartel en el que se
proclamaba: “¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar al Metropolitan Museum? Menos del
5 % de los artistas de la Sección de Arte Moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son
femeninos”. Sobran las palabras.

10. EL LENGUAJE DEL ARTE
10.1. Arquitectura
La arquitectura se anticipó a las demás disciplinas artísticas desde la aparición del Neolítico, y
particularmente desde que se construyeron los primeros asentamientos urbanos. Por consiguiente, de
ella han dependido la pintura y la escultura, además de otras obras muebles. De esta manera, la
arquitectura se convirtió en un campo de experimentación constante que directamente influyó en la
evolución del arte en general.

a) Materiales
Si hablamos de edificación, de inmediato nos vienen a la cabeza los materiales con los que se levantaron
las construcciones. Al principio se utilizaron fundamentalmente la madera y el adobe, después les
siguieron el ladrillo, la piedra, el yeso, la cal, la arena... Dependiendo de la zona geográfica, unas
culturas se inclinaron por unos materiales o por otros.
Por lo general, las civilizaciones desarrolladas a lo largo de los ríos Tigris y Éufrates (en el Oriente
Próximo) desde el 3000 a.C. emplearon masivamente el ladrillo, lo que les permitió desarrollar la bóveda.
Además, para proteger los paramentos de las inclemencias climáticas cubrieron el ladrillo con una capa
vidriada que a su vez los decoraba.
Por el contrario, en la misma época en Egipto se explotaron las ricas canteras de piedra caliza, granito o
diorita con las que se levantaron grandiosas pirámides y sobrecogedores templos.
Las culturas posteriores (desde la griega a la neoclásica) utilizaron esta variedad de materiales de
forma diferente; lo que les permitió aportar nuevas soluciones constructivas, ornamentales y
espaciales.
Estas soluciones pervivieron hasta la aparición de la sociedad industrial, que introdujo nuevos
materiales, como el hierro, el acero o el aluminio, los cuales dieron un giro tanto a las técnicas de
edificación como a la estética.

b) Elementos y sistemas arquitectónicos
Los elementos de la arquitectura se pueden clasificar en dos tipos: los que tienen funciones
sustentantes y los que son sustentados.
Elementos sustentantes: Su misión principal es la de soportar el peso de la cubierta, pero también la
de dar sentido al espacio construido. Resumidamente, se pueden clasificar en tres:
El muro tiene la función de aislar y, al mismo tiempo, de servir de soporte a la techumbre. Los
muros pueden estar hechos de distintos materiales (adobe, ladrillo, piedra...), los cuales
pueden combinarse entre sí. Igualmente, estos materiales suelen utilizar conglomerantes que
aportan a los paramentos mayor consistencia y aislamiento. Además, los muros se pueden
decorar, para lo que se preparan previamente con capas de arena, yeso y cal. Dependiendo del
tamaño del muro y del peso sustentado se suelen utilizar contrafuertes que contengan la
presión lateral y eviten su derrumbe.



La columna comparte con el muro la carga de la cubierta. Adquiere un diseño peculiar según la
cultura que la use. Puede ser de ladrillo y, más habitualmente, de piedra (con frecuencia
realizada a piezas) y normalmente se sustenta en una basa y culmina en un capitel.
El pilar está a medio camino entre los dos anteriores, pudiéndose utilizar los tres
simultáneamente en edificios complejos. Es una columna de sección ortogonal que cuando
aparece adosada al muro recibe el nombre de pilastra.
Elementos sustentados: Se refieren a la techumbre de cualquier edificio y se dividen básicamente en
cubiertas y cúpulas:
Las cubiertas pueden ser de dos tipos:
o Las más sencillas son las techumbres planas y a doble vertiente o a dos aguas.
o Las más complejas son las bóvedas, que tienen forma curva. Las bóvedas se apoyan en
arcos. Hay distintos tipos de bóvedas y arcos.
Por lo general, en los grandes edificios suelen combinarse ambos tipos de cubiertas.
Las cúpulas son una solución constructiva compleja, cuyo mejor ejemplo es la que cubre el
Panteón de Roma. Se basa en levantar sobre una planta centralizada o en el crucero que
forma la intersección de dos naves una cubierta en forma de media naranja rematada, o no,
por una linterna.
Sistemas constructivos: A lo largo del tiempo se han utilizado distintos sistemas para construir. Los
más importantes son:
Arquitectura adintelada o arquitrabada. Este tipo de arquitectura se basa en el uso de
columnas y pilares que sujetan cubiertas rectas (dinteles).
Arquitectura abovedada. Utiliza el arco, la bóveda y la cúpula como forma de cubrir los
edificios.
Arquitectura basada en el uso de nuevos materiales. A partir del siglo XIX, el uso de
nuevos materiales de construcción, como el acero, el hierro o el hormigón, dio lugar a un
sistema constructivo distinto en el que la estructura del edificio se sustenta en un
«esqueleto» interno. De esta manera, los muros dejan de tener su función de sujeción y
pueden ser sustituidos por materiales frágiles, como el cristal, e incluso desaparecer.

10.2. Escultura
Dentro de la escultura hay que diferenciar entre dos fórmulas: Exenta o de bulto redondo y el relieve.
Materiales: La utilización de distintos materiales para la realización de una escultura resultan
determinantes, ya que cada uno proporciona una calidad táctil diferente, transmitiendo
sensaciones distintas. La calidad depende del material y el tratamiento (superficies finas,
pulidas, aristadas, rugosas…). Los empleados habitualmente son: madera, bronce, mármol,
hierro, terracota, marfil, hueso, etc.
Volumen: La escultura es tridimensional y por ello comporta un volumen. Cuando no dispone
más que de un punto de vista se dice que es una imagen regida por la ley de la frontalidad,
mientras que aquella que ha sido concebida para ser contemplada desde cualquier punto se
dice que es una escultura con volumetría.
Movimiento: Algo característico de la escultura es la disposición, es decir la sensación de
movimiento o reposo que es capaz de trasmitir. Ese movimiento se transmite mediante
recursos como los paños al viento, líneas de fuga, contrapostos, etc.



La composición es cuando la escultura recoge soluciones para dar la sensación de movimiento o
escenificar una historia.
Proporción: El módulo de proporción ha variado a lo largo de la historia, pero se habla de
proporción, cuando una escultura se aproxima a los volúmenes reales.
Masa: Se refiere a la sensación de peso que provoca la visión de una escultura. Es una
apreciación intelectual por la que nos parece que una figura puede ser pesada, rotunda,
compacta o por el contrario, liviana, ingrávida... o un caso extremo el de la combinación de
materia escultórica y no-escultórica.
Luz: Sirve para modelar, crear volumen y movimiento, es por tanto un factor compositivo.
El Color: Contribuye a subrayar en ocasiones su realismo, potenciando su expresividad y
resaltar su valor estético.
El Relieve: A veces la escultura está adherida a un plano, resultando una figura en
altorrelieve, bajorrelieve y si se hunde en el plano, huecorrelieve.

10.3. La pintura
La pintura se ha definido como el arte aristocrático, pues sólo la aprecian certeramente los pocos que
han adquirido una suficiente educación de su sensibilidad y se ha introducido apropiadamente en su
lenguaje.
La materia pictórica: Nos referimos al soporte (muro, lienzo, madera, papel…), así como a los elementos
que sirven de aglutinantes a la coloración (aceites, clara de huevo, agua...).
La pintura contemporánea ha añadido además a la materia pictórica elementos que hasta ahora eran
extraños al lenguaje de la pintura, tales como arena, trapos, metal… lo que le otorga una textura (lisa,
pastosa, mate, brillante, rugosa..) que a veces llega a ser tan densa que se habla de pintura matérica.
La línea: Permite la identificación y el reconocimiento de las formas. Tiene un valor esencial en la
transmisión de un mensaje pictórico. Según su trazo varía la expresión plástica:
Contínuo y cerrado = descriptivo.
Grueso y vehemente = expresivo.
Abierto = imaginativo y poético.
Curvilíneo = sensualidad.
Si en una obra predominan trazos verticales suele tener una significación mística; si son triangulares,
equilibrio; si son circular, perfección, etc.
El volumen: Es una ficción en la pintura, ya que ésta es siempre bidimensional, si bien lo que el autor
quiere transmitir es, una sensación de tridimensionalidad, y ello lo logra mediante la luz, el color, la
línea, etc.
La perspectiva: Mediante la misma se simula profundidad (la tercera dimensión), en todo el conjunto del
cuadro y no sólo en un objeto transformando la obra en una ventana abierta al espacio imaginario.
La perspectiva se ha asimilado en la Edad Media mediante la disminución de tamaño de los objetos, en el
Renacimiento mediante haces de líneas que configuran una pirámide, cuyo vértice es el punto de fuga de
las mismas. La perspectiva aérea es la gran aportación de Leonardo da Vinci y consiste en modificar los
contornos de los perfiles y objetos en la distancia, difuminar las figuras del fondo, etc.
El color: Es la esencia de la pintura. Existen colores primarios (que no son frutos de ninguna mezcla:
amarillo, rojo, azul), los secundarios, surgen de los primarios (anaranjado: amarillo + rojo, etc.).
Los colores se dividen a su vez en cálidos y fríos; los primeros son colores calientes (amarillo
anaranjado y rojo). Los fríos por el contrario absorben la luz (violeta, azul, verde).
El color tiene por sí mismo valor, participa en la composición de la obra en función de sus armonías,
modela objetos, crea perspectiva, influye en el tratamiento de la luz, puede tener añadido un valor
simbólico.



La luz: Es representada ilusoriamente y sirve para acentuar profundidad, crear movimiento, dar
expresividad y dinamismo.
La composición: Determina la ordenación de todos los elementos del lenguaje pictórico en el conjunto
del cuadro, utiliza formas geométricas, para transmitir una sensación de armonía, equilibrio,
movimiento, orden, caos, etc.

11. TECNICAS ARTÍSTICAS
11.1. Escultura
El modelado: Utiliza materiales blandos (barro, cera, etc.) y consiste en ir añadiéndolos. Si se quiere
una forma que perdure se utiliza un molde con la imagen en negativo, que se rellena del material elegido,
después se cuece en un horno (si es barro obtenemos una terracota).
La talla: Supone la eliminación del material hasta dar forma y volumen a la figura.
La fundición: Cuando se inyecta en un molde material líquido fundido al fuego (bronce, hierro…) o
licuado con agua (cemento...).
Un procedimiento habitual para obtener una imagen es la técnica de la cera perdida que consiste en
modelar una figura en cera, cubrirla con barro u otro elemento que resista en fuego, se le practique un
agujero en la cabeza, otro en los pies y por arriba se introduzca el líquido candente...al abrirse paso
derrite la cera que sale por abajo.
Policromía: Consiste en aplicar color a la pieza, lo que ha sido habitual en todas las culturas. En el caso
de la madera se utilizan técnicas como el estofado, que consiste en aplicar panes de oro a una figura,
después color y finalmente raspar o bruñir para que la policromía resalte.

11.2. Pintura
Colorante, aglutinante y diluyente, son los tres elementos fundamentales de la materia pictórica:
Colorante: Lo que llamamos pigmento es la base de la pintura tiene su origen en colorantes
minerales o químicos. Los más habituales para el azul o verde (cobre), rojos (hematites de
hierro), etc.
Aglutinante: Es el elemento que debe añadirse al colorante para que se pueda aplicar,
además cohesiona al colorante y lo protege. Entre otros se han utilizado yema de huevo,
goma arábiga, cola de animal, cal, aceites de linaza o ceras (para encáustica).
Una vez ejecutada la pintura se procede a recubrirla con un elemento protector, para protegerla o
resaltarla, para ello se han aplicado desde clara de huevo a resinas o ceras.
Los procedimientos pictóricos son:
Fresco: Técnica propia de la pintura mural (lleva un revoque y un enlucido de cal en la que
penetra el color).
Óleo: Utiliza aceite para disolver los colores, dando brillo al lienzo o a la madera sobre la
que se aplica (permite retocar y corregir).
Tempera o temple: Es toda aquella pintura que utiliza un diluyente acuoso. Se puede
aplicar sobre madera, lienzo o pared. Al contrario que el fresco se seca más lentamente y
corre el riesgo de descascarillarse.
Acuarela: Utiliza mucha agua como diluyente, y muy poca cantidad de aglutinante (goma,
baba de caracol, glicerina...).
Pastel: Es una pintura seca, se utiliza para la confección de lápices de colores, por ello sus
soportes habituales son tela y papel. La propia grasa de la piel funciona como diluyente.



El gouache: Utiliza como aglutinante agua gomosa, lo que da texturas más pastosas y
gruesas de mayor contenido expresivo. Su soporte habitual es la tela.
Polímeros o acrílicos: son pinturas plásticas o acrílicas, cuyo aglutinante es cola o resinas
sintéticas. Tiene gran densidad, por eso seca con rapidez.

12. METODOLOGÍA DE ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE
La comprensión y valoración de una obra de arte son fruto de un acercamiento a la misma que hemos de
realizar por dos vías diferentes pero complementarias.
La primera, que llamaremos intuitiva, podríamos definirla como la conmoción subjetiva, personal y
difícilmente comunicable que sentimos ante el objeto artístico y nos permite aprehender su valor
estético y establecer una vinculación emocional con el mismo. Se relaciona directamente con la
sensibilidad del espectador, por lo que su disfrute depende del mayor o menor desarrollo de la misma y
los gustos personales. Tiene un carácter directo e intuitivo.
La segunda vía, la reflexiva, es diferente. Supone un acercamiento a la obra de arte de modo racional,
calmado y sin prejuicios. Se trata de una habilidad cuya adquisición requiere partir del conocimiento
del lenguaje e intención del artista, así como la aplicación a su práctica de un método adecuado.
Precisamente es en este segundo aspecto, la adquisición de la habilidad, en el que nos centraremos
ahora, proponiendo y aplicando un método que, sin ser el único posible, pues la obra de arte es
infinitamente rica en significados que pueden ser abordados desde múltiples puntos de vista, nos
parece, sin embargo, adecuado para la tarea de iniciación que esta materia pretende realizar a lo largo
del curso.
Nuestro método se basa en dos fases sucesivas, a las que nos referimos como:
1. Análisis.
2. Comentario.
El análisis es el estudio de las formas visibles y no visibles de los elementos que componen la obra,
sus relaciones y funciones plásticas. Es una tarea precisa, rigurosa, que nos ha de permitir destacar
aquellos aspectos que por su originalidad e importancia definen el estilo o una obra concreta. A través
de su ejercicio se irá tomando conciencia de la gran diferencia que existe entre “adivinar” y “analizar”.
El comentario, realizado a continuación, admite un enfoque más libre. Se basa en una reflexión y
razonamiento, a partir de los caracteres analizados, que permitan la relación de la obra con su
contexto, comenzando por la clasificación de la misma e incidiendo en su contenido y significación, así
como en las circunstancias específicas que vengan al caso. Pese a su carácter personal habrá de
conservar, no obstante, un tono objetivo; los gustos personales sólo se manifestarán implícitamente,
evitándose exclamaciones, admirativas o peyorativas, en que se viertan las propias emociones.

12.1. Guión para el análisis de una obra arquitectónica
En este caso se trata de realizar una descripción pormenorizada del edificio, siguiendo un orden lógico
e identificando todos los elementos significativos del mismo. Podemos seguir el siguiente esquema:
1. Identificación de la obra:
Se trata de establecer qué tenemos delante de nuestros ojos. En arquitectura puede ser una
fotografía (exterior-interior; vista general o parcial, fachada, cabecera, etc.); la planta del edificio
(cruz griega, cruz latina…en el caso de las iglesias, cuadrada, etc.); una perspectiva axiométrica o
isométrica; un alzado, una sección (longitudinal o transversal) e incluso una reconstrucción ideal del
edificio.
2. Materiales con que ha sido realizada la obra:
o Tipo: piedra (mármol, granito, caliza, etc.), madera, barro (ladrillo, adobe), tapial, hormigón,
hierro, cristal…



o Causas de su utilización: influencia del medio geográfico, criterios estéticos, prácticos,
técnicos…
o Cualidades estéticas: pesadez, ligereza, belleza,….
3. Sistema arquitectónico:
o Adintelado
o Abovedado
4. Elementos constructivos: soportes y cubiertas.
o Soportes:
Muros (conviene indicar el tipo de aparejo, paramento y relación macizo-vano).
Soportes exentos: pilares, columnas, pies derechos…
Adosados: pilastras, estribos, ménsulas…
Siempre hay que identificar y describir el orden al que pertenecen, y señalar si la
función es estructural o decorativa.
o Arcos:
Tipo: medio punto, apuntado, herradura…
Función: cubrir un vano, refuerzo, separar naves (formeros), decorativa (arcos
ciegos)…
o Cubiertas:
Adinteladas y armaduras de madera.
Abovedadas: de cañón, apuntadas, de arista…
Cúpulas de media naranja, gallonadas…
En todos los casos hay que mencionar cada uno de los elementos de la cubierta.
5. Elementos decorativos.
o Escasos o abundantes (elemento que permite, en ocasiones, ubicar correctamente una obra
dentro de una época y estilo determinado…).
o Su naturaleza: arquitectónicos, escultóricos o pictóricos…
o Materiales en que están realizados: estuco, mármol, madera…
o Tema o temas: vegetal, geométrico, figurativo…
o Localización: frisos, bóvedas…
o Función fundamental o accesoria.
6. Valores plásticos.
o Proporción, armonía: correcciones ópticas, módulos….
o Existencia o no de simetría.
o Volúmenes exteriores: su plasticidad, relación con el interior y con el entorno.
o Espacio interno: ejes de composición general, articulación interna de los muros, uso de la luz
y el color en la creación de un determinado ambiente, escala respecto al hombre….
Este esquema no presupone que en todos los casos podamos identificar y describir todos los elementos
posibles que conforman la obra. Nuestro análisis, dependerá lógicamente, de la obra que tengamos
delante y de sus características.

12.2. Guión para el análisis de una obra escultórica
Seguiremos el siguiente esquema:
1. Descripción:
o Tipo de escultura:



Bulto redondo, figura o grupo escultórico. Cuerpo entero, busto, torso.
Relieve: altorrelieve, bajorrelieve.
o Actitud: de pie, sedente, orante, yacente, ecuestre…
o Asunto: descripción de la escena.
o Material: piedra, madera, barro, bronce, oro…
o Técnica: tallado, modelado, fundido…
o Localización:
Dependiente de la arquitectura: friso, frontón, capitel…. Cuestión de la adaptación
al marco.
Independiente de la arquitectura: plazas, jardines, etc.
2. Elementos formales:
o Textura de las superficies: lisas, finas y pulidas; o ásperas, rugosas y con aristas.
o Sensación de blandura o de dureza (morbidez y tersura).
o Sentido del volumen.
o En relación con el exterior: frontalidad, multiplicidad de los puntos de vista.
o Relieves: hay que estudiar también la profundidad (tipo de perspectiva).
o Composición y movimiento:
Reposado, sereno o hiératico.
Dinámico: movimiento ficticio, mostrado por movimiento externo o tensión interna y
conseguido por ritmos formales, contrapposto…
o Incidencia de la luz sobre la escultura.
Homogénea y suave.
Contrastada.
o Color, existencia o no de policromía.
Naturaleza del color: naturalista o real, simbólico…
o Técnicas: estofado…
3. Elementos no formales:
o Formas de expresión:
Abstracto o figurativo.
Naturalismo: idealismo (búsqueda de la belleza arquetípica) o realismo (fidelidad al
modelo).
Antinaturalismo, simbolismo, estilización, hieratismo, convencionalismos
jerárquicos…
o Elementos de expresión:
Anatomía: correcta o incorrecta, proporciones, escala, musculatura…
Ropajes y pliegues.
Función: encubrir o manifestar el cuerpo, movimiento…
Forma, tamaño y profundidad de los pliegues, angulosos u ondulantes, finos o
pesados….
o Dimensión temporal de la obra: eterna o fugaz.



12.3. Guión para el análisis de una obra pictórica
Seguiremos el siguiente esquema:
1. Descripción.
o Asunto o tema representado.
o Técnica: fresco, temple, acuarela, óleo, pastel, cera, gouache, collage, grabado….
o Soporte: muro, tabla, lienzo, papel, vidrio…
2. Elementos formales:
o Factura: pincelada o toque (corta, acabada, deshecha, suelta, prieta….); textura: tersa, lisa
o pastosa, rugosa, mate o brillante. No siempre es posible apreciar la factura en una lámina.
o Línea: existencia o no de líneas y contornos; su intensidad y continuidad; su función: suplir la
falta de volumen, ornamental, compositiva…
o Modelado: representación o no de volumen, logrado mediante gradaciones de color o de luz,
en contrastes suaves (sfumato) o violentos (claroscuro).
o Luz: Tipo: natural, artificial, de estudio…; procedencia: ambiental (clara, serena…), de un
foco concreto (lámpara, sol…), surgida del objeto mismo. Intensidad y contraste con las
sombras; función: creación de volumen, apoyo a la perspectiva, valores expresivos…
o Color: gama empleada (fría, cálida) y tonalidades. Su naturaleza (local o simbólico). Relación
con la luz y modelado (colores planos o matizados). Función de la obra, protagonista o
secundario.
o Perspectiva: desinterés por el espacio y profundidad (características de los fondos);
interés por la representación espacial. Tipo de perspectiva utilizada (caballera, lineal, aérea,
cubista…). Recursos técnicos (escenarios paisajísticos o arquitectónicos, variedad de planos,
uso de la luz, escorzos, cuadraturas…
o Composición: distribución de las figuras (sencilla y clara o compleja); estructura formal
(lineal: eje de simetría, diagonal, curva; geométrica: triangular o piramidal, pentagonal…).
Movimiento interno (composición dinámica o estática). Valor expresivo de la composición.
Posible originalidad.
3. Formas de expresión:
o Abstracta o figurativa, naturalista (ideal o realista), antinaturalista (simbolismo y sus
formas).
o Elementos de expresión: anatomía y sus características, ropajes y pliegues.
Dimensión temporal de la obra.

12.4. El comentario Histórico de la obra de arte
Cualquier esquema de comentario ha de ser lo suficientemente flexible, de modo que pueda ser aplicado
a cualquiera de las obras que estudiemos, con independencia del tipo que sea, la época a la que
pertenezca e incluso sus propias peculiaridades. En el comentario tienen cabida todos nuestros
conocimientos sobre la obra, incluso aquellos que no se aprecian en la ilustración, siempre que aporten
una mejor comprensión de la misma y no sean un alarde gratuito de erudición confusa.
Podemos seguir el siguiente esquema:
1. Clasificación de la obra, fundamentada en el análisis que ya hemos hecho. En ella estableceremos:
Estilo.
Escuela o etapa del mismo (si procede)
Autor. Etapa de su producción a que pertenece (si procede).



Título de la obra.
2. Contenido y función, que habremos de tratar de forma diferente en la arquitectura respecto de las
artes plásticas.
o Tipo de edificio y su finalidad:
Religioso (altares, iglesias, mezquitas, templos…)
Funerario (pirámides, hipogeos, mausoleos)
Civil: públicos (función política o jurídica, conmemorativos (arcos de triunfo), obras de
ingeniería. Privados: casas, palacios, villas….
o Tema de la escultura o pintura:
Identificación del mismo.
Forma de representar: iconografía (cómo está representado, novedad). Simbología.
o Función en el momento de su creación: mítica, religiosa, mágica, cívica, política, docente…
3. La obra.
o Circunstancias concretas de su realización y relación con el contexto sociocultural en que
aparece.
o Posibles antecedentes.
o Su importancia en la producción total del artista.
o Su trascendencia en la Historia del Arte.
4. El autor.
o Breve reseña biográfica, haciendo especial hincapié en las circunstancias que incidan en la obra
objeto de estudio.
El comentario de cualquier obra de arte se completará con una explicación de los procesos
históricos claves de la época en que fue realizada. El objetivo de esta explicación será establecer
las relaciones que existen entre el autor, la obra y el tiempo histórico en que se sitúan.

PREGUNTAS PAEG:
El arte como expresión humana en el tiempo y en el espacio: significado de la obra
artística.
La obra artística en su contexto histórico. Función social del arte en las diferentes
épocas: artistas, mecenas y clientes. La mujer en la creación artística.
La peculiaridad del lenguaje plástico y visual: materiales, técnicas y elementos formales.
Importancia del lenguaje iconográfico.
Aplicación de un método de análisis e interpretación de obras de arte significativas en
relación con los estilos y con artistas relevantes.


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