cine

1. EL NACIMIENTO DEL CINE COMO INDUSTRIA.

2. La historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de diciembre de
1895, con los Hermanos Lumière. A pesar de que al principio el cine fue considerado por
sus creadores una atracción menor o atracción de feria, nuevos creadores como Meliès o
Segundo de Chomón, captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. Fue así
como en la primera década del siglo XX surgieron varios pequeños estudios fílmicos,
tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, las películas eran de pocos
minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como
por vestuario, eran de producción relativamente barata.
Pronto el cine atrajo el interés industrial, que se concretó rápidamente en la creación de
diferentes empresas con la intención de rentabilizarlo, es decir, las productoras. Esta
visión del cine como un producto rentable contribuyó a la realización de cada vez
mejores películas, haciendo avanzar el lenguaje cinematográfico.
1. Primeras productoras cinematográficas europeas: Pathe, Gaumont, Itala.

3. En Francia surge en 1895 Gaumont, la primera compañía productora y distribuidora de
películas. La compañía originalmente comerciaba con aparatos fotográficos, y en 1897
empezó a producir cortos para promocionar su proyector de cámara.
En 1896 se funda en París la Société Pathé Frères (Compañía Hermanos Pathé). Pathé se
convirtió, durante los primeros años del siglo XX, en la productora más grande de cine en
el mundo. Esta empresa extendería el cinematógrafo a Berlín, Londres, Roma, Moscú...
En 1907 Giovanni Pastrone funda Itala Films, en Italia. Esta productora realizará una de
las más ambiciosas producciones europeas, Cabiria (1914), film de dos horas de metraje y
que fue conocida de inmediato en Estados Unidos en una exposición Universal en el
pabellón italiano, siendo admirada por David W. Griffith.
Hasta 1914, Europa, con productoras como la Gaumont , la Pathé o la Itala films, dominó
los mercados internacionales. En 1913 la firma Pathé equipaba el 95% de las salas de
Bélgica, el 60% de Rusia y el 50% de Alemania. Incluso durante esta época, el cine
americano, pese a su producción autóctona continuaba importando filmes franceses. A
partir de la Primera Guerra Mundial, el testigo del mayor productor de cine pasaría a
manos anglosajonas.

4. 2. Inicios de la industria cinematográfica en Estados
Unidos: Biograph, Vitagraph y la Motion Picture Patents
Company.
A pesar de que el cine caminaba con paso firme en todos los
países, ya durante los años 20 la producción de Estados
unidos comienza a destacar sobre la del resto de
cinematografías mundiales, incluida la francesa. En 1895 se
funda en Estados Unidos la Biograph, primera productora
en los Estados Unidos dedicada plenamente a la producción
cinematográfica y la exposición de la misma y activa hasta
1916. Durante dos décadas fue una de las más prolíficas,
publicando más de tres mil cortometrajes y doce
largometrajes. Mientras se alzaba el cine mudo como
medio, Biograph fue el estudio cinematográfico más
destacado de América y uno de los estudios más respetados
e influyentes del mundo.
Vitagraph Studios, también conocida como Vitagraph
Company of America, fue en 1907 la productora de cine
estadounidense más importante, produciendo muchas
películas mudas famosas. Acabaría comprada por Warner
Bros. en 1925.

5. En 1897 en Estados Unidos se cierra el concesionario de los Lumière y se elimina la marca
cinematógrafo Lumière. Tras esto, tendrán lugar una serie de episodios que serán
bautizados como "la guerra de las patentes". Varias grandes compañías y algunos
pequeños empresarios luchan por hacerse con el control de explotación del monopolio
del cine a nivel internacional. En 1908 se pondrá punto y final a esta situación. La Edison
Co. conseguirá hacerse con el control de toda la industria, valiéndose de los derechos
adquiridos por su patente del kinetoscopio y firmando un pacto con grandes empresas
por el que se creará un trust internacional, la Motion Pictures Patents Co. que estará
encabezada por Edison y funcionará hasta 1915. El trust aprovechará las imprecisiones
legales para vender como propias las películas de la competencia, en particular las
europeas, de las que sacarán duplicados, hasta que la vigilancia legal termine haciéndose
más rigurosa y decidan volver a rodar las películas, copiándolas sin demasiadas
modificaciones. En 1909, el trust tenía monopolizada casi totalmente la producción
americana de películas.

6. En la historia del cine hay una primera etapa durante la cual la
imagen, auxiliada por pequeños textos (intertítulos), debía bastar
para sugerir todos los acontecimientos y aspectos de lo narrado. El
cine mudo tiene una gran importancia porque la carencia sonora
estimula la creación de una gramática visual muy elaborada que
permite dar cuenta de los distintos acontecimientos de la realidad
(documental) y satisfacer las más complejas exigencias de todo tipo
de relato. En esos años, la técnica de contar una historia en
imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas
concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los
escenarios eran simples telones pintados, y se utilizaba una cámara
estática. Con el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy
por hoy parecen básicas, como mover la cámara (por ejemplo, el
travelling) o utilizarla en ángulo picado o contrapicado, pero que en
esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el
telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente
de los filmes históricos rodados en Italia en la década de los años
diez (Quo vadis? o Cabiria).
El desarrollo de la industria en Estados Unidos impulsó a su vez el
desarrollo de esta gramática cinematográfica (tipo de planos,
movimientos de cámara, transiciones, montaje etc.). Dos cineastas
fueron claves en este proceso: Edwin S. Porter y David W. Griffith.
3. El desarrollo del lenguaje cinematográfico.

7. Hablar del lenguaje cinematográfico o de la historia del cine, supone
hacer referencia inevitablemente a la figura de David W. Griffith
(1874-1948). Es considerado como el padre del cine moderno,
aunque también destaca por consolidar logros anteriores (el primer
plano o el plano detalle, el encadenado, el flashback, los montajes, la
iluminación...). Dirige para la Biograph desde 1908 hasta 1913,
periodo en el que estudia y analiza las aportaciones del cine europeo
y del director americano Edwin S. Porter. Fue el primer productor
independiente (director y controlador principal de la película).
El nacimiento de una nación (1915), película basada en la Guerra de
Secesión Americana, aplica nuevas innovaciones expresivas: el uso del
claroscuro y del contraluz con fines dramáticos, el desenfoque como
efecto artístico, la combinación por primera vez de la luz natural con
la artificial, el primer plano o el plano detalle, el encadenado, el
flashback, y el más importante de todos: el montaje de secuencias
paralelas como gran recurso para crear tensión. Estos recursos
influenciaron fuertemente en el cine que vendría en años posteriores.
Es una película innovadora en este tipo de aspectos, a pesar de su
rechazable contenido que elogia al racismo y al Ku Kux Klan.
En 1916, se estrena Intolerancia, una de las películas más caras de la
historia del cine. En ella trata, a través de varios episodios históricos,
las desgracias provocadas por toda forma de injusticia y despotismo.
Las proporciones del rodaje fueron inmensas, pero no tuvo interés
del público y dejó al director casi arruinado.

8. 4. El cine en Europa durante el periodo de entreguerras.
En Europa la primera etapa del cine, antes del sonoro, las cinematografías más
destacables eran la alemana y la soviética. El arte vive un periodo de vanguardias
(Cubismo, Fauvismo, Expresionismo, Futurismo, Dadaismo, Surrealismo...) que se
extienden a las realizaciones cinematográficas. Estas se caracterizaron durante los años 20
por su experimentación formal con el lenguaje cinematográfico y reivindican para el cine
el estatus de arte.
Hans Richter: Filmstudie (1926)

9. 4.1 Cine expresionista alemán.
El final de la Primera Guerra Mundial y el reparto de los
mercados entre las potencias vencedoras dejaron a
Alemania en un estado de incertidumbre política y moral,
agravado por el impacto de una fuerte recesión económica.
Esta situación beneficia que en el cine se desarrolle el
movimiento expresionista, tanto en contenidos como en
aspectos formales. El cine refleja el estado del alma y la
psicología de los alemanes, y enlazaba con las teorías
psicoanalíticas de Freud. Este primer cine alemán estaba
sustentado por la productora UFA, creada por la República
de Weimar para contrarrestar la influencia en Alemania del
cine norteamericano.
La película pionera del cine expresionista alemán fue
El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene.
Considerada la obra por excelencia del cine expresionista
alemán, cuenta la historia de un loco hipnotista que usa a
un sonámbulo para cometer asesinatos. El film tiene un
estilo visual oscuro y retorcido, con formas puntiagudas,
líneas oblicuas y curvas, estructuras y ambientes que se
inclinan y giran en ángulos inusuales, y sombras y rayas de
luz pintadas directamente en los sets.

10. 'El Golem' (1922). Precursora del expresionismo alemán, es
una de las grandes películas fantásticas del cine mudo
europeo, que sentó las bases del género de terror.
Nosferatu (1922), de F. W. Murnau es la adaptación al cine
por primera vez, de la célebre novela “Drácula” de Bram
Stoker. Murnau combina las escenas rodadas en el estudio
con la filmación en escenarios naturales; de esta manera
consigue el aire de espeluznante verosimilitud que se exigirá
en lo sucesivo al género “de terror”. También utiliza recursos
de vanguardia como el acelerado, el ralentí, o la película
negativa que señala el paso al mundo de lo fantástico.
Metrópolis (1927) de Fritz Lang es una gran producción
futurista o de ciencia ficción, en la que se recrea un mundo
de esclavos autómatas que finalmente se rebelan contra los
dueños del mundo. La película plantea las tensiones sociales
(comunismo y el fascismo) propias de la época y la lucha de
clases sociales. No sólo hace un alegato contra la máquina,
sino también una llamada dudosa a la “reconciliación” de las
clases sociales y una visión imaginativa de las arquitecturas
del mundo futuro.

11. 4.2 Cine soviético.
El cine surgido de la revolución rusa dio paso a numerosas e
importantes aportaciones teóricas y técnicas. El cine soviético
tiene la particularidad de que, a pesar de estar controlado por
el régimen, vive uno de sus momentos de mayor esplendor. El
cine se utilizaba como un medio de propaganda. Se caracteriza
por sus innovaciones estéticas: el enorme interés por el
montaje y la fotografía.
Lev Kulechov en su laboratorio experimental, desarrolló teorías
del montaje que se aplicaron en el trabajo de Dziga Vertov y de
Sergei M. Eisenstein.
Dziga Vértov (1896-1954) es autor de obras experimentales,
como El hombre de la cámara (1929) que revolucionaron el
género documental, y que además pone el acento en el
proceso de producción y consumo del cine (rodaje, montaje y
contemplación) con su teoría de “Cine-Ojo”. En El hombre de la
cámara se utilizaron muchas técnicas cinematográficas
incluyendo exposición doble, cámara rápida, cámara lenta,
fotogramas congelados, cortes de salto, pantallas divididas,
ángulos holandeses (plano aberrante), primeros planos,
travelling, metraje reproducido al revés o stop-motion. El
Hombre con la Cámara, describe el transcurso de un día en una
ciudad rusa mediante cientos de pinceladas fílmicas sobre la
vida cotidiana.

12. Sergei M. Eisenstein, supo aprovechar y enriquecerse con las
aportaciones de directores de todo el mundo para construir un
cine de gran efectividad plástica e ideológica (La huelga,1924 ; El
acorazado Potemkin, 1925; Octubre, 1927).
Será una figura clave para el surgimiento de diversas teorías
sobre el tipo de montaje que debía hacerse, llegando a plantear
incluso el tiempo que debía permanecer un plano en pantalla
para que éste fuese efectivo. Pero sin duda, una de las escenas
más conocidas será la de la escalera de Odessa del Acorazado
Potemkin, cuyo montaje supuso un punto de inflexión en el
séptimo arte.
El acorazado Potemkin está considerada como una de las
mejores películas de la historia del cine, una de las más
estudiadas en las escuelas de cine por su técnica de montaje
y una de las más influyentes de todos los tiempos.

13. 5. Grandes figuras del cine mudo: Buster Keaton, Charles Chaplin, Max Linder y el slapstick
de Mack Sennet.
Durante la I Guerra Mundial y aprovechando que la producción de películas en Europa ha
caído en picado, el cine americano se expande por todo el mundo. En los años veinte,
Hollywood, se había convertido en poco tiempo el centro industrial cinematográfico de los
EE.UU. Tras dejar atrás los "problemas" creados por Edison, grandes empresas han
levantando sus estudios donde, además de hacerse películas, se "fabrican" las estrellas para
interpretarlas. Se desarrolla un sistema de publicidad que crea una atmósfera de leyenda
alrededor de los ídolos del público, y de esta forma los actores y las actrices se convierten en
mitos. Ha nacido el Star System, sistema de producción basado en la imagen pública y la
promoción de los actores.
Además del cine cómico, la industria estadounidense abordó otros temas, dando origen a
una serie de líneas de producción que se denominarán géneros cinematográficos, como por
ejemplo: cine del oeste o western (John Ford “El caballo de hierro”, 1924); cine de aventuras
(Allan Dwan “Robin Hood”, 1922); cine bélico y social (King Vidor “El gran desfile”, 1925);
melodrama (Frank Borzage “El séptimo cielo”, 1927), entre otros muchos.

14. Un género que destacó y que atrajo a numeroso público a las salas, fue el slapstick
(traducido del inglés como "bufonada" o "payasada" o "golpe y porrazo") o cine cómico.
Este género estaba basado en el sketch (escena humorística corta) o gag (efecto cómico
rápido e inesperado en un film) en los que se muestra acciones exageradas de violencia
física que no derivan en consecuencias reales de dolor. De esta forma se generalizan los
lanzamientos de pasteles de nata, las locas persecuciones, los golpes con sartenes....
Mack Sennett , actor y productor fue el gran impulsor del slapstick creando en 1912 su
famoso estudio Keystone, del cual surgieron cientos de comedias que tuvieron un éxito
arrollador y que convirtieron el slapstick en uno de los géneros más exitosos del cine
mudo. Descubrió grandes talentos como Chaplin y Roscoe Arbuckle y sus aportaciones en
la comedia fueron muy importantes para este género. Durante más de diez años la
Keystone fue sinónimo de la comedia cinematográfica.

15. Max Linder. Actor cómico francés de la época del cine mudo.
Fue el cómico más exitoso de su país y de Europa en el período
anterior a la Primera Guerra Mundial y fue una clara influencia
para Charles Chaplin, que se reconocería como discípulo suyo.
Encarnó a un personaje de aspecto distinguido, de atildada
vestimenta que se veía atrapado en los más insólitos enredos.
Charles Chaplin Actor, humorista, compositor musical,
productor, guionista, director y editor británico. Adquirió gran
popularidad en el cine mudo gracias a las múltiples películas
que realizó con su personaje Charlot. Es considerado un
símbolo del cine mudo de humor y uno de los hombres más
reconocidos de la cinematografía mundial. Las películas más
destacadas de Chaplin fueron El chico (1921), La quimera del
oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos
(1936) y El gran dictador (1940).
Buster Keaton: Actor, guionista y director estadounidense de
cine mudo cómico. Ganador de un Óscar honorífico en 1960.
Se caracterizó principalmente por su humor físico mientras
mantenía un rostro inexpresivo en todo momento. Es
considerado uno de los mejores cómicos del cine mudo
además de uno de los mejores cómicos de la historia del cine.

16. 6. El nacimiento del cine sonoro. La revolución en la industria.
El final de la década de los veinte está marcado por la
revolución que supuso la llegada del cine sonoro. La primera
película comercial que se considera sonora es El Cantor de Jazz
(1927), aunque en muchos países ya se habían realizado
pruebas de sincronización en cortos.
Hacia 1928 se habían superado la mayoría de los problemas
técnicos con los que se inició el cine sonoro, se inventó la
«jirafa», el micrófono que se coloca en lo alto de la escena y se
evitaron así las cámaras insonorizadas, pesadas y aparatosas,
que impedían la movilidad en las escenas.
Como consecuencia de la implantación del cine sonoro, diversos
sectores profesionales se ven afectados por la revolución
tecnológica que se está produciendo. Por un lado los directores
deben adaptarse a la grabación del sonido, que depende de
unos ingenieros que se convierten en los principales
protagonistas del Estudio.
Los actores son los que más sufren el nuevo invento, pues
muchos deben abandonar la profesión debido a que su voz no
es la más apropiada para la pantalla. Por último, los músicos,
que trabajaban en las importantes salas de las grandes ciudades
ven cómo pierden su empleo al no tener que acompañar
musicalmente las imágenes, pues éstas ya tienen sonido.

17. Gracias al sonido los espectadores podían entender mejor las historias y muchos
intelectuales vieron la posibilidad de escribir guiones interesantes. Los estudios se vieron
obligados a realizar grandes inversiones para adaptarse a la nueva tecnología del registro
del sonido.
Las cámaras de cine, para asegurar una buena sintonización entre la banda sonora y la de
imagen, pasaron a rodar de 16 a 24 fotogramas por segundo, lo cual implicó también la
reforma de las salas de exhibición.
El control de la industria se concentra en manos de la gran banca y de la industria
electrónica. La llegada del sonido también potenció la importancia de los guionistas en la
industria del cine y supuso el despegue definitivo de Hollywood como la industria
cinematográfica más importante del mundo.
El cine sonoro tuvo dos consecuencias trascendentales:
1) Consiguió duplicar en poco tiempo el número de espectadores.
2) Revolucionó los modos expresivos, siendo, a partir de 1930, cuando se produce el
avance estético y lingüístico con relación al cine mudo.

18. 6.1 El cine sonoro en España.
La llegada del cine sonoro a España es más tardía. Las dificultades que
tiene la industria cinematográfica española en el paso del mudo al sonoro
Se constatan en El misterio de la Puerta del Sol (1928), de Francisco Elías,
película que busca sorprender con la captación de ruidos ambientales y
diálogos ingeniosos, aunque todavía contiene muchas partes mudas en
las que diversos rótulos explican las situaciones.
La falta de medios tecnológicos, de equipos de rodaje sonoros, obligan a
algunos directores inquietos como Benito Perojo a marchar a París o Berlín
para rodar películas como El embrujo de Sevilla (1930). A las dificultades
de producción se deben añadir las que surgen en el sector de exhibición,
en donde los múltiples sistemas de proyección que comienzan a llegar a
España dificultan en gran medida la implantación de una programación
sonora continuada. Salvo los empresarios con más recursos, la inmensa
mayoría de las salas españolas se ven obligadas a proyectar cine mudo
durante varios años.
Las grandes productoras de Hollywood producen versiones de películas
rodadas en español. Estas van encontrando cabida en las salas de las
grandes ciudades españolas.
Tanto las versiones en español, como las películas en versión original
subtituladas se difunden por las pantallas españolas hasta mediados
de los años treinta. En 1932, se crea el primer estudio sonoro en
Barcelona (Estudios Orphea) y a partir de entonces, el cine sonoro
español dejará de depender del exterior. Dracula 1931

19. 7. El cine en color.
El color llegó al cine antes de que apareciera la película de color.
En un principio se coloreaban a mano todos los fotogramas de una película. En 1905 Pathé
introdujo en el proceso de coloreado mecánico con plantillas, pero esto no simplificó en
exceso la tarea. Debido al trabajo que suponía colorear un film completo se terminó
utilizando sistemas menos complejos como el entintado, dando baños de color a secciones
del film, reflejando estados de ánimo o situaciones de luz. Así se pintaba azul si la escena
sucedía de noche, amarillo si era de día o rojo cuando había fuego. Se coloreaba el propio
soporte película. Las partes claras de la imagen ya no aparecen blancas, sino del color
escogido. El virado, otra técnica de coloreado, se realiza en el momento del revelado de la
película, y que afecta a la imagen grabada. En el virado, los blancos quedan intactos, ya que
el color solo se fija en las partes oscuras.
En 1909, en el teatro Palace-Varieté de Londres, se proyectaron por primera vez películas
en color, gracias al empleo del sistema Kinemacolor inventado por George A. Smith. Este
sistema utilizaba tan sólo dos colores, el verde y el rojo, que se mezclaban de forma aditiva.

20. Más tarde llegaría de la mano de Herbert Kalmus el Technicolor,
concretamente en 1916. Este sistema que empezó con dos colores
se mejoró a lo largo de varias décadas. Se desarrolló el
procedimiento tricromático (verde, rojo, azul), cuyo uso exigía una
triple impresión fotográfica, incorporación de filtros cromáticos y
unas cámaras de enormes dimensiones. Curiosamente, se considera
la primera película filmada completa con este nuevo sistema un
corto de animación de Walt Disney Flowers and Trees, dirigida por
Burt Gillert en 1932. Aunque no es hasta 1935, tres años después,
cuando se estrena el primer largometraje rodado con este sistema,
La feria de las vanidades (1935), de Rouben Mamoulian. A partir de
aquí, el uso del Technicolor se generalizó y popularizó en musicales
como El mago de Oz o Cantando bajo la lluvia, películas de época
como Las aventuras de Robin Hood, o de animación, como
Blancanieves y los siete enanitos. También se usó para películas
como en Que el cielo la juzgue o Niágara.
En 1950, otra compañía llamada Eastman Kodak, que llevaba años
investigando en este campo, introdujo un sistema mucho más
sencillo, el Kodachrome que necesitaba una sola cinta, por lo tanto
podía usarse en cualquier tipo de cámara. Además, la calidad de la
impresión era mejor que la de Technicolor. Con el tiempo, esta
empresa dejó de producir películas, y Eastman Kodak llegó a superar
la intensidad del color en sus impresiones durante los años 70.

21. 8. El sistema de grandes estudios americanos: las majors.
El control de la producción, distribución y exhibición.
Se conoce como las majors a un número reducido de estudios
cinematográficos que desde la época de la fundación del sistema
de estudios (los años 1910 y 1920), han dominado la industria
del cine estadounidense, esencialmente desde Hollywood, un
distrito de la ciudad de Los Ángeles en el que se encuentran sus
sedes. A los estudios cinematográficos también se les llama
«productoras de cine» o simplemente «productoras».
Las películas de las majors acumulan sistemáticamente la mayor
cuota de mercado tanto en lo que respecta a la recaudación en
taquilla (box office en inglés) como al número de espectadores,
tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. Como
consecuencia indirecta, los grandes estudios también dominan
de forma los mercados derivados (las ventas a cadenas de
televisión, la distribución de vídeo y DVD, las ventas de licencias,
etc.) y van desarrollando progresivamente una creciente
posición de dominio también en nuevos medios de distribución
(streaming, video bajo demanda). Para asegurar este dominio a
largo plazo,actualmente las corporaciones propietarias de las
majors integran productoras, estudios de televisión, cadenas de
salas de proyección cinematográfica, emisión en streaming, etc.
Años 30-50. The Big
Five and Little Three
Majors hoy

22. 9. Las productoras independientes. El cine Indie.
El llamado cine independiente hace referencia a todas aquellas
películas que se realizan, o se han realizado, al margen de los
circuitos comerciales y de producción habituales. La característica
principal de una película independiente es que no ha sido producida
por los grandes estudios cinematográficos y, en Estados Unidos, que
no ha sido producida con personal afiliado a los poderosos sindicatos
del gremio. Así el cine independiente es…
…un cine alejado de los grandes estudios y de sus canales de
producción, distribución y exhibición, tres fases que controlaron
hasta que la ley antimonopolio se lo impidió a finales de los años 50.
…un cine más realista e intimista, que surge como consecuencia de
ese distanciamiento de los estudios y la aparición de una nueva
corriente narrativa en Nueva York que trataba de mostrar a los
personajes en situaciones reales de la vida cotidiana.
…un cine de autor, a raíz de que los estudios dejaron de producir
determinado tipo de cine, lo que llevó a muchos cineastas a buscar su
propia financiación y montar pequeñas productoras en los años 80,
aunque sus aspiraciones eran las de trabajar para la industria
cinematográfica de Hollywood.
…un cine de bajo presupuesto. Por lo general una película
independiente es una producción de bajo presupuesto de una
productora pequeña.

23. Son incontables los festivales de cine independiente, como el
Festival de Cine de Sundance o los Independent Spirit Awards.
La primera producción de carácter independiente que logró ser
distribuida por una de las grandes fue Easy Rider (1969)
distribuida por Universal. Se convirtió en un éxito de taquilla
superando el presupuesto invertido.
Las producciones independientes han estado siempre alejadas
de las "grandes" superproducciones de Hollywood; se podría
decir que Europa es el continente más involucrado en este tipo
de cine. Incluso el término suele aplicarse a determinadas
películas producidas en países donde no existe una industria
cinematográfica propiamente dicha.
En la actualidad, la nueva generación de cámaras digitales
contribuye a que sea aún más fácil realizar este tipo de películas
y, por tanto, a una creciente popularidad de este tipo de
producciones.

24. 10. Sistemas actuales de producción cinematográfica.
La gran cuota de mercado sigue estando en mano de las grandes
productoras o majors, principalmente americanas. Paramount, Warner
Bros., Sony Pictures-Columbia, The Walt Disney Company o Universal
Studios tienen el poder de la producción y distribución de sus
contenidos.
Aunque este sistema tradicional de preproducción, producción y
distribución de los contenidos audiovisuales sigue dominando, algo
está cambiando. En la actualidad, la forma en la que consumimos
producciones audiovisuales se encuentra en plena fase de transición, y
ha experimentado un giro espectacular, especialmente entre la
población más joven. Ahora vemos la televisión, el cine o las series
a la carta y en streaming. La convergencia entre medios tradicionales y
nuevos que se anunciaba hace apenas unos años, se ha cumplido.
Podemos ver cualquier película, serie, documental o programa de
televisión, aunque no tengamos un televisor ni tampoco una toma de
antena, pues los contenidos audiovisuales han dado el salto a la red y
lo único que necesitamos es una conexión a internet y cualquiera de
los dispositivos que nos acompañan a diario: ordenador, smartphone,
tablet o smart-tv. Este sistema de nueva producción, distribución y
hábitos de consumo se materializa en el triunfo de empresas como
Netflix, que empezaron con el alquiler de DVDs por correo, y que han
pasado a ser productoras de contenidos y han eliminado los
intermediarios en la distribución.