Características principales y selección de obras y autores del Renacimiento.

1. El Renacimiento

2. Marco histórico y cultural del Renacimiento.
• Auge de la burguesía urbana en Flandes y en el norte de Italia,
donde alcanzan el poder en algún caso.
• Crece el interés por la antigüedad grecorromana en toda Europa,
especialmente en Italia, dónde llegan muchos sabios bizantinos
tras la caída de Constantinopla en 1453.
• Surge el Humanismo (Dante, Pico della Mirandola, Erasmo de
Rotterdam, Luis Vives, etc.), un movimiento intelectual centrado
en el hombre que desplaza al Teocentrismo medieval como objeto
de interés y de estudio.
• La religión pierde importancia como patrocinadora y como
principal fuente y referente de inspiración artística.
• El descubrimiento de la imprenta permitirá el intercambio de
ideas y tendrá consecuencias de gran alcance en el mundo de la
cultura, generando un gran interés por el conocimiento.
• El Heliocentrismo de Copérnico y los descubrimientos geográficos
españoles, abren nuevos horizontes a la mentalidad y al comercio
europeos.
• Dante, Petrarca, Bocaccio y Ariosto son los grandes literatos que
incorporan las nuevas inquietudes y modelos del Renacimiento.
Monumento a Dante en Florencia.

3. El marco geográfico del Renacimiento.
Flandes: ciudades y provincias. Italia hacia el año 1500.

4. El Quattrocento
• El arte italiano del siglo XV es el
resultado de la actividad creadora de una
serie de artistas que buscan sus modelos
en la antigüedad clásica.
• La Florencia de los Medici será la gran
capital artística de esta época. Junto a
edificios religiosos, comenzarán a
levantarse también grandes edificios
civiles, símbolo del triunfo del hombre
individual, que albergarán numerosas y
espléndidas obras de arte.
• Los creadores del nuevo estilo son
Brunelleschi en arquitectura, Donatello
en escultura y Masaccio en pintura.
• Por otro lado, en Flandes, se descubre y
perfecciona la técnica de pintura al óleo,
que será decisiva en la evolución de las
formas artísticas.
• La exaltación de la figura humana y de la
naturaleza hace que se recuperen
géneros como el desnudo y el retrato y
nazcan otros como el paisaje.

5. Filippo Brunelleschi
Cúpula de Sª Mª dei Fiori (Florencia) Interior de la iglesia de San Lorenzo Palazzo Pitti
El recurso a soluciones técnicas y estéticas de la antigua Roma en su obra es patente. No queda rastro de medievalismo gótico,
como se puede observar en los ejemplos siguientes. En cada uno de ellos, Brunelleschi crea modelos que serán seguidos por la
arquitectura moderna: la cúpula, la organización interna del espacio en los templos, y el palacio.

6. Donatello
Retorna la escultura a las proporciones clásicas, reintroduce el
“contrapposto” y dota a sus figuras de una gran profundidad psicológica.
Derecha: San Jorge. Debajo: Retrato ecuestre del Condottiero Gattamelatta.

7. Masaccio
La ausencia de restos de pintura grecorromana que pudieran servir de referentes, hizo más singular, si cabe, el
Renacimiento pictórico, por lo que fueron cruciales grandes creadores como Masaccio.
Éste introdujo la perspectiva matemática y la individualización física y psicológica de los personajes, aunque mantiene
la tradición iconográfica y el predominio de la lìnea sobre el color.
Ello puede observarse en este fresco de la capilla Brancacci (Iglesia de Sº Mª del Carmine, en Florencia) que representa el pasaje del
tributo de la moneda.

8. Flandes: los hermanos Van Eyck y la técnica del
óleo.
Virgen del Canciller Rolin, de Jan Van Eyck, y
detalle de la arquería.
Desde Flandes se expandió por toda
Europa la técnica al óleo que permitió
representaciones muy realistas en las
que se multiplicaban los detalles y
cobraba relevancia y fuerza el color. No
obstante, desde un punto de vista
estilístico, la pintura sigue siendo
Gótica.

9. Arquitectura del Quattrocento.
• Como elementos constructivos se utilizan
el arco de medio punto sobre columnas
de órdenes clásicos, cubiertas planas o
abovedadas con casetones y cúpulas.
• Como materiales predomina la piedra, el
mármol y también, revestido, el ladrillo.
• Como elementos decorativos aparecen
frecuentemente “grutescos”, guirnaldas,
“candelieri”, “Putti”, medallones, etc.
muchos de ellos tomados de la
antigüedad.
• En cuanto a tipología edificatoria, surgen,
junto a los templos de planta basilical o
central, el palacio (en torno a un patio
central o “cortile”) y la villa (generalmente
campestre).

10. Brunelleschi:
la capilla Pazzi (Santa Croce, Florencia).

11. Brunelleschi:
el Hospital de los Inocentes de
Florencia.
Se trata de una de sus obras más tempranas en la que ya se muestra el típico pórtico
sostenido por finas columnas y arcos de medio punto sobre zócalo escalonado y patio
interior con el mismo tramo rítmico.

12. Leon Battista Alberti.
A la izquierda, bajo estas líneas, Iglesia de Santa María Novella, en
Florencia, en la que Alberti incorpora todo un repertorio de formas
constructivas y decorativas clásicas que definirán su estilo.
Alberti es un teórico y tratadista
de la arquitectura. En su obra
“De re aedificatoria” muestra
cómo debe ser el edificio ideal y
el trabajo del arquitecto.
Impone un clasicismo más puro
que el de Brunelleschi.
En las imágenes, fachada
(análisis formal e imagen real) e
interior de la iglesia de San
Andrés en Mantua

13. Arquitectura del Quattrocento:
El Palacio renacentista florentino.
Palazzo Rucellai (Leon Battista Alberti) Palazzo Strozzi (Benedetto da Maiano) Palazzo Medici Ricardi (Michelozzo Michelozzi)
A partir del modelo del Palazzo Pitti de Brunelleschi, adopta planta cuadrangular, fachadas con paramento almohadillado que suele
dividirse en tres cuerpos, más robusto e incluso rústico, el inferior, y más refinado a medida que ascendemos, culminando en una
cornisa que reproduce el entablamento clásico. Este modelo pasará a Roma a finales de siglo y seguirá vigente en el Cinquecento.

14. Escultura del Quattrocento.
• Se trata de una evolución artística que
parte de la estética del último gótico en un
país en el que la pervivencia de lo clásico
es patente en todo el arte medieval.
• Se independiza de la arquitectura,
desarrollándose ampliamente la escultura
de bulto redondo. El relieve alcanza gran
interés, utilizándose la técnica del
“schiacciato”.
• El ser humano, idealizado a través del
canon, se convierte en el referente central
de la escultura.
• Se utilizan como materiales principales, el
mármol y el bronce, además de la
cerámica vidriada y, fuera de Italia, la
madera.
San Juan Evangelista. Donatello.

15. Ghiberti y Donatello.
Bajo estas líneas, las piezas de Brunelleschi y Ghiberti para el concurso de la Puerta del Paraíso del Baptisterio de la catedral de
Florencia y algunos de los paneles de la misma, obra del ganador, Lorenzo Ghiberti. A la derecha, “Il Zuccone”, de Donatello.

16. Jacopo della Quercia y Luca della Robbia.
A la izquierda, relieve de la Cantoría de la Catedral de Florencia (arriba) y cúpula en cerámica vidriada del Pórtico de la capilla Pazzi (debajo), de
Luca della Robbia. En el centro, arriba, Madonna de la Fonte Gaia (en Siena); debajo, Sepulcro de Ilaria Carreto (en Lucca). A la izquierda, relieve
del Pecado Original, en la portada de la iglesia de San Petronio (Bolonia), obras todas ellas de Jacoppo della Quercia.

17. Il Verrochio.
Escultura en
bronce del David,
retrato de
Giuliano de
Medici (arriba) y
retrato ecuestre
del condottiero
Colleoni.

18. La Pintura del Quattrocento
• Es fruto de una evolución estética que
arranca con la obra del Giotto.
• Utiliza como técnicas principales el fresco y el
óleo, difundiéndose esta última gracias al
lienzo (Venecia).
• Los temas incluirán, junto a los religiosos,
otros profanos como los mitológicos,
alegóricos e históricos.
• Emplean la perspectiva lineal y, al final de
esta época, leonardo introducirá la
perspectiva aérea (“sfumatto”).
• El dibujo es nítido y predomina sobre el
color.
• La luz es conceptual (no hay un foco difusor)
y sirve para marcar la idea de profundidad.
• El ser humano es el máximo centro de
interés, analizándose desde todos los puntos
de vista y utilizando el “escorzo” en su
representación. Se generalizará el retrato.

19. Los orígenes: Giotto
Nuevo lenguaje expresivo que destaca por su realismo y su fuerza.
Sitúa las figuras (aún con rasgos bizantinizantes) en un espacio real, con volúmenes y profundidad, en el
que han desaparecido los fondos dorados.
El beso de Judas (Cappella degli Scrovegni) Las bodas de Caná (Cappella degli Scrovegni)

20. Pintura de la primera mitad del Quattrocento:
Fra Angelico, Masaccio, Ucello...
Bajo estas líneas, la Anunciación de Fra Angélico. A la derecha,
arriba, la curación de los enfermos, de Masaccio y Masolino;
debajo, la batalla de San Romano, de Paolo Ucello.

21. …y Piero della
Francesca.
A la izquierda, arriba, batalla
entre Heraclio y Cosroes;
debajo, la adoración del árbol
sagrado por la reina de Saba y
encuentro con Salomón. A la
derecha, arriba, retrato de los
duques de Urbino; debajo,
virgen con el niño y el duque
de Montefeltro.

22. Segunda mitad del Quattrocento. Escuela florentina:
Domenico Ghirlandaio …
A la derecha,
arriba, Última
Cena de
Ognissanti
(Florencia);
debajo, el
Nacimiento de
la Virgen
(Santa María
Novella,
Florencia).
A la derecha,
retrato de
Giovanna
Tornabuoni.

23. … y Sandro Botticelli.
Arriba, a la izquierda, “La Historia de Nastaglio degli Onesti”; a la
derecha, el Juicio de Paris. Debajo, el Nacmiento de Venus y un
detalle del rostro de la diosa.

24. Segunda mitad del Quattrocento.
Escuela de Umbria: Il Perugino.
La entrega de las llaves a San Pedro. Fresco de la Capilla Sixtina (Roma)

25. Segunda mitad del Quattrocento.
Escuela de Padua: Andrea Mantegna.
Bajo estas líneas, fresco de la Cámara de los Esposos del Palacio ducal de Mantua y detalle del
mismo a su derecha, abajo. Arriba, El Tránsito de la Virgen.

26. Un gran avance técnico y formal:
la perspectiva matemática.
Izquierda:.
Arriba,
Flagelación de
Cristo; debajo,
Vista de una
Ciudad Ideal, de
Piero della
Francesca.
Derecha: Cristo
yacente y
bóveda de la
Cámara de los
Esposos
(palacio ducal
de Mantua), de
Mantegna.

27. El dibujo en la pintura del Quattrocento.
En el siglo XV, el dibujo es un elemento definidor absoluto de las imágenes que componen los cuadros, es preciso y
firme, y da lugar a una apariencia plana de las formas. Refleja también el temperamento de cada autor, como se
puede observar en estas obras de Mantegna (San Sebastián) y Botticelli (la calumnia de Apeles).

28. El paisaje en la pintura del Quattrocento italiano.
La cabalgata de los Reyes Magos de Benozzo Gozzoli.

29. El paisaje en la pintura del Renacimiento:
Países Bajos. Paisaje con San Jerónimo de J. Patinir .

30. La Luz y el paisaje: La Tempestad de Giorgione.

31. El Cinquecento
(siglo XVI)
• Desde un punto de vista artístico, el siglo XVI es el
fruto de la evolución formal del Quattrocento en
Italia, aunque con evidentes rasgos propios que,
muchas veces llegan de la mano de grandes
genios del arte como Miguel Ángel o Leonardo da
Vinci.
• La capitalidad artística pasa de Florencia a Roma y
surgen otros focos artísticos como Venecia, Milán
o Nápoles. Fuera de Italia, el Renacimiento se
expande por todos los países, desplazando
definitivamente al Gótico.
• El siglo XVI verá surgir también, a partir de la obra
de Miguel Ángel, una derivación artística del
Renacimiento clasicista que se denomina
“Manierismo” y que triunfará plenamente en la
segunda mitad de siglo.

32. Miguel Ángel Buonarroti
(1475-1564)
• Juega con el lenguaje clásico desde
la mayor libertad que le da su genio
creativo, dando lugar a una
tendencia artística conocida como
“Manierismo”
• Su plástica es de una gran fuerza,
especialmente la escultura, campo
en el que más destacó y cuyo
carácter imprimió en el resto de
realizaciones artísticas.
• En su pintura destaca la nitidez y la
gran precisión de su dibujo, así
como la intensidad y viveza de los
colores.

33. El primer Miguel Ángel.
Virgen de la Escalera – Florencia 1490 Ángel porta candelabro de San
Doménico (Bolonia 1495)
Baco del Bargello, en
Florencia (Roma 1496)

34. Miguel Ángel en Roma: la “Pietá” y el “Moisés”.

35. La tumba de Julio II.
Izquierda:
esclavo
moribundo
Derecha:
esclavo
rebelde

36. Tumba de Giuliano y Lorenzo de Medici
Tumba de Giuliano de Medici, con las alegorías de la
noche y el día.
Tumba de Lorenzo de Medici, con las alegorías del
crepúsculo y la aurora.

37. Los esclavos inacabados de
la tumba de Julio II y las
piedades de su vejez.
Pietà Bandini (Catedral de Florencia) y Pietà Rondanini

38. Arquitectura, interiores y urbanismo.
Arriba, escalera de la Biblioteca Laurenciana (Roma).
Abajo, a la izquierda, fachada del Palacio Farnese (Roma)
Abajo, a la derecha: Proyecto para la Plaza del Capitolio de Roma.

39. La arquitectura de Miguel Ángel.
Cúpula de la
Basílica de
San Pedro
del Vaticano
(Roma) y
planta del
proyecto
original de
Miguel
Ángel.

40. Miguel Ángel, escultor y pintor:
el Tondo Taddei y el Tondo Doni (Sagrada Familia)

41. Los frescos de la Capilla Sixtina.

42. Leonardo da Vinci (1452-1519)
• Considerado como
arquetipo de hombre
del Renacimiento por la
gran variedad de campos
(desde la ingeniería hasta
la filosofía) en los que
destacó, es uno de los
más grandes pintores de
todos los tiempos.
• Explora las cualidades de
la luz y su representación
pictórica, siendo uno de
los primeros en utilizar la
llamada “perspectiva
aérea” y, producto de la
misma, el “sfumato”.
• Aunque no fue un pintor
prolífico, si fue un
dibujante muy productivo

43. Leonardo: La Gioconda y
La Virgen con el niño y Santa Ana.

44. La Última Cena (1495-98)
En esta obra, Leonardo realza el momento álgido del pasaje bíblico con un intenso dramatismo al que contribuyen
los gestos y las tensas conversaciones de los personajes en los que las manos tienen un papel crucial.

45. Rafael Sanzio (1483-1520)
Crea un estilo personal, clásico por la armonía de sus composiciones y por la serenidad que transmite.
Sintetiza diversas influencias, desde Perugino, con el que colaboró en varias obras de juventud (Los desposorios de la Virgen, abajo a la
izquierda), a Leonardo (Madonna del jilguero, abajo a la derecha) y Miguel Ángel (Madonna de la silla, en el centro), a quienes conoció
durante su época florentina.

46. Rafael : La academia de Atenas (Estancias
Vaticanas – Stanza della Segnatura.)

47. Rafael: Incendio en el Borgo
(Estancias Vaticanas. Stanza della Segnatura.)

48. Rafael: Retratos del Papa León X y de un
cardenal.

49. Rafael: retratos de Baltasar de Castiglione y de
Agnolo Doni

50. La Arquitectura del Cinquecento.
• Roma se convertirá en el gran centro de la
arquitectura renacentista, sobre todo
gracias a la gran obra de San Pedro del
Vaticano.
• Aunque Bramante mantiene el clasicismo,
a partir del 2º tercio del siglo, Miguel Ángel
iniciará el denominado Manierismo
arquitectónico, cuyas características son:
a)Libertad en el empleo de los elementos
clásicos.
b)Dicotomía entre forma y función.
c)Búsqueda de la sorpresa y la originalidad.
• A esta corriente pertenecen ya Andrea
Palladio y Vignola, dos grandes arquitectos
y teóricos de la segunda mitad de siglo.
• Se generalizan algunos elementos
decorativos como los grutescos, que
desafían el equilibrio de líneas clásico.
Iglesia de la Consolación de Todi (Bramante).

51. Donato Bramante (1444-1514).
“Tempietto” de San Pietro in Montorio (Roma) “Nichale” del “Cortile” del Belvedere en el Vaticano (Roma)
Es el arquitecto que sirve de transición al Cinquecento, el que pone las bases del clasicismo que
Miguel Ángel llevará a su culminación y que se superará en el Manierismo. Su obra fundamental será
el proyecto de la basílica de San Pedro del Vaticano, aunque finalmente será encargada a Miguel
Ángel.

52. Andrea Palladio
(1508-1580)
Es un tratadista y arquitecto manierista, creador
de modelos que han llegado hasta nuestros días,
como el llamado Tramo rítmico palladiano
(Basílica de Vicenza, arriba a la derecha) o la villa
(La “Rotonda”, abajo a la derecha). El manierismo
es visible en su “Teatro Olímpico” de Vicenza
(abajo)

53. Vignola
(1507-1573)
Izquierda:
Fachada de
la Iglesia de
la Compañía
de Jesús en
Roma (Il
Gesú).
Derecha:
Fachada
principal y
vista aérea
de la Villa
Farnese en
Caprarola.

54. La Arquitectura renacentista española:
El estilo Plateresco.
Durante el primer tercio del siglo XVI se desarrolla este estilo, que es transición entre el Gótico y el
Renacimiento y que se caracteriza por una gran profusíón decorativa, especialmente en las fachadas.
Destacarán Diego de Siloé (Escalera Dorada de la Catedral de Burgos, debajo a la izquierda) y Rodrigo
Gil de Hotañón (fachada de la Universidad de Alcalá). Una de las obras cumbre es la fachada de la
Universidad de Salamanca (debajo a la derecha)

55. La Arquitectura renacentista española:
El estilo Purista o clasicista.
Hacia el 2º tercio de siglo, la monarquía de los habsburgo impulsará una nueva arquitectura más clásica
y sobria, que primero sigue los modelos italianos (Pedro Machuca en el Palacio de Carlos V de
Granada, abajo a la izquierda) y hacia la segunda mitad de siglo se centrará en la sobriedad maciza y
desprovista de decoración (Palacio de El Escorial, de Juan de Herrera, abajo izq.).

56. La Escultura del
Cinquecento.
• Continúa la línea clásica (con mayor
predominio de la curva), pero progresivamente
va introduciéndose un mayor dinamismo
(movimiento helicoidal o línea “serpentinata”)
• Muy influida por Miguel Ángel, la escultura
será pronto manierista: romperá el equilibrio y
en ella se mostrará el gran dominio técnico de
sus autores.
• Los más destacados serán, en Italia,
Giambologna y Benvenuto Cellini, el cual,
además de escultor, fue un gran orfebre.
Fuera de Italia, cabe destacar a Alonso
Berruguete en España.
Giambolgna: El rapto de las sabinas (Florencia)

57. Giovanni da Bologna
(1529-1608)
A la izquierda, “Venus”; en el centro, “Hércules derrotando al Centauro
Nesso”; y a la derecha, “Mercurio” en bronce.

58. Benvenuto Cellini (1500-1571)
“Perseo con la cabeza de Medusa” y salero del rey Francisco I de Francia

59. Escultura española del Renacimiento.
En España, la temática predominante será religiosa y utilizará la talla en madera como
técnica y material más común. Los estilos varían entre los más puristas, como Diego de
Siloé o Felipe Bigarny (Trasaltar de la capilla mayor de la Catedral de Burgos, abajo a la
izquierda) hasta el manierismo de Alonso Berruguete (Sacrificio de Isaac, en el centro, y
Martirio de San Sebastián, a la derecha).

60. Escultura funeraria y retablos en
España durante el siglo XVI.
El concepto de la muerte cambia respecto a la Edad Media y, siempre dentro del ámbito religioso, la
idea de permanencia en el recuerdo llevará a una gran demanda de sepulcros monumentales a la que
responderán grandes escultores como Bartolomé Ordóñez (Sepulcro de Juana la Loca y Felipe el
Hermoso en la Capilla Real de Granada) o Vasco de la Zarza (Sepulcro de El Tostado, abajo a la
izquierda).
Por otro lado, la tradición del retablo en España, se enriquecerá, durante esta época, con un nuevo
tipo completamente esculpido, generalmente en madera, por autores como Diego de Siloé (San
Jerónimo, imagen del centro), Gaspar Becerra o Damian Forment (Retablo del Pilar de Zaragoza)

61. La Pintura Veneciana.
• Desde el Quattrocento, el color y la preocupación por
captar la luz, serán los elementos más característicos de
la pintura veneciana, cuya escuela es iniciada por los
Bellini.
• El exotismo, derivado del comercio veneciano con el
norte de Europa y el Oriente, es otro rasgo destacado.
• Otra característica es la sensualidad que rezuma todo su
arte y, especielmente, la pintura.
A la derecha, “Apoteosis de Venecia” de Paolo Veronés en el Palacio Ducal.
Debajo: Alegoría Sacra, de Giovanni Bellini (1490).

62. Pintura veneciana:
Giorgione (1477-1510) y Tiziano (1487-1576)
Tiziano: Venus del Cagnolino.Giorgione: Venus dormida.
Giorgione es discípulo de los Bellini y Tiziano lo es, a su vez, de Giorgione. En ambos, el
color comienza a desempeñar un papel más importante y a ir imponiéndose sobre la
línea.
Tiziano gusta de representar temas mitológicos y el desnudo femenino de formas
redondeadas y elegantes.

63. Pinturas mitológicas de Tiziano:
La “Bacanal” y “Baco y Ariadna”.
En estas obras, Tiziano rinde un homenaje a la sensualidad, la luz y el color, a la alegría de
vivir típica de Venecia. Se sirve para ello de temas y personajes de la mitología clásica.

64. Retratos de los reyes Carlos V y Felipe II.
Tiziano inaugura el retrato de “aparato”, es decir, aquel en que el personaje retratado
aparece rodeado de boato y con la máxima dignidad. Es el primer gran pintor de corte
europeo. Viajará a España para ponerse al servicio de Carlos I y Felipe II.

65. Pintura veneciana: Paolo Veronés (1528-1588)
Las bodas de Caná (Museo del Louvre)

66. Pintura veneciana: Tintoretto (1518-1594)
Izquierda: El Hallazgo del
Cuerpo de San Marcos
(Venecia).
Derecha: Susana y los Viejos.
Debajo: El lavatorio de los pies.

67. Pintura Manierista.
• Los manieristas continúan la evolución estética
marcada por los grandes genios de la pintura
renacentista del Cinquecento, especialmente la
“maniera” de Miguel Ángel.
• Se abandonan las proporciones clásicas en el
cuerpo humano.
• El espacio se interpreta de forma más libre, sin las
rigideces de la perspectiva matemática.
• El movimiento se intensifica y se recurre a la línea
“serpentinata”, que sugiere también
inestabilidad.
• Pintores manieristas son Correggio (1494-1534),
seguidor de Rafael, Il Parmigianino (1503-1540),
Pontormo (1494-1556) y su discípulo Bronzino
(1503-1572)
Correggio: “El rapto de Ganímedes”

68. Pintura manierista: Corregio y Parmigianino.
Il Parmigianino: “Madonna del collo lungo”Correggio: “Noli me tangere”

69. Pintura manierista: Pontormo y Bronzino.
Izquierda:
Pontormo:
“Cristo
muerto”
Derecha:
Bronzino:
“Venus,
Cupido, la
Locura y el
Tiempo”

70. Pintura renacentista de Los Países Bajos:
Joachim Patinir (1480-1524)
Es el primer gran paisajista. En sus cuadros, las
figuras empequeñecen para pasar a convertirse en
un elemento más del paisaje. Recibe influencias
de Leonardo, de quien toma los tonos apagados de
los fondos y algunos detalles como las rocas
puntiagudas.
A la derecha, arriba, “Descanso en la huída a Egipto”;
debajo, “El Bautismo de Cristo” .
Bajo estas líneas, “El Paso de la Laguna Estigia”

71. Países Bajos:
Peter Brueghel el
Viejo (1525-1569)
Continúa con la tradición paisajista
holandesa y recrea escenas que
representan la relación entre la
naturaleza y el ser humano.
En la imagen de arriba, “El Censo de
Belén”.
Debajo: “Patinando sobre el lago
helado”

72. Pintura renacentista en Alemania:
Alberto Durero (1471-1528)
Es la gran figura del Renacimiento alemán, autor muy prolífico, gran retratista y grabador.
Debajo de estas líneas, a la izquierda, Autorretrato, en el centro figura de Adán, parte de un
díptico con la figura de Eva, y grabado titulado “Melancolía”

73. Otros pintores renacentistas alemanes.
Hans Holbein, el joven (1497-1543).
Retrato de Enrique VIII.
Lucas Cranach, el joven (1472-1553) .
Retrato de Lutero y “Venus”.

74. Pintura española del siglo XVI.
• Se mantiene una temática principalmente
religiosa.
• Recibe influencias de los pintores flamencos
(especialmente en la zona castellana) y de
los pintores del norte de Italia, sobre todo
Rafael, Leonardo y Miguel Ángel.
• Los autores más importantes son, en
Valencia, Fernando Yáñez de la Almedina y
Juan de Juanes y, en Castilla, Alonso
Berruguete, Pedro Machuca y Luis de
Morales. En la Corte recalarán los
retratistas Alonso Sánchez Coello y Juan
Pantoja de la Cruz.
Yáñez de la Almedina: Santa Catalina de Siena.

75. Juan de Juanes. La Santa Cena

76. Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz.
Retratos de la infanta Isabel Clara Eugenia.

77. El Greco
(1541-1614).
• De origen cretense, Doménikos
theotocópoulos es un pintor
formado en Italia (Venecia y
Roma), que recala en España
(Toledo), donde llevará a cabo
la mayor parte de su obra.
• Es un pintor manierista,
apasionado por el color, la luz y
el movimiento.
• En su etapa final, su pintura
derivará hacia un marcado
expresionismo.
El Expolio (1577), cuadro en el que destaca el rojo
intenso de la capa de Jesús y el sereno rostro de
Jesús frente a los sombríos rostros que lo rodean.

78. El Greco: “El Entierro
del Conde de Orgaz”
Este cuadro se divide en dos partes
claramente diferenciadas, el Cielo y
la Tierra, unidas por el ángel que
lleva el alma del difunto, que es
seguida por algunas miradas.
La “isocefalia” (superposición de
cabezas a partir de una línea)
consigue dar un efecto de
profundidad, acentuado por los
tonos oscuros de los ropajes y del
fondo que contrastan con los tonos
dorados y claros de los clérigos del
primer plano.
Por lo que se refiere a los
personajes, se trata de un conjunto
de retratos de gran realismo.

79. El Greco: Paisaje de Toledo y retrato del
caballero de la mano en el pecho.

80. Obras de su etapa final: “El
Nacimiento” y “La visión del
apocalipsis”

81. Fin de la presentación.
Fernando Ruiz.
IES Ignacio Ellacuría.
Alcalá de Henares.