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ORIGEM - Indícios históricos e arqueológicos comprovam que é antiga a
preocupação do homem com o registro do movimento. O desenho e a pintura
foram as primeiras formas de representar os aspectos dinâmicos da vida
humana e da natureza, produzindo narrativas através de figuras. O jogo de
sombras do teatro de marionetes oriental é considerado um dos mais remotos
precursores do cinema. Experiências posteriores como a câmara escura e a
lanterna mágica constituem os fundamentos da ciência óptica, que torna
possível a realidade cinematográfica.
Jogos de sombras – Surge na China, por volta de 5.000 a.C. É a projeção,
sobre paredes ou telas de linho, de figuras humanas, animais ou objetos
recortados e manipulados. O operador narra a ação, quase sempre envolvendo
príncipes, guerreiros e dragões.
Câmara escura – Seu princípio é enunciado por Leonardo da Vinci, no século
XV. O invento é desenvolvido pelo físico napolitano Giambattista Della Porta,
no século XVI, que projeta uma caixa fechada, com um pequeno orifício
coberto por uma lente. Através dele penetram e se cruzam os raios refletidos
pelos objetos exteriores. A imagem, invertida, inscreve-se na face do fundo, no
interior da caixa.
Lanterna mágica – Criada pelo alemão Athanasius Kirchner, na metade do
século XVII, baseia-se no processo inverso da câmara escura. É composta por
uma caixa cilíndrica iluminada a vela, que projeta as imagens desenhadas em
uma lâmina de vidro.
PRIMEIROS APARELHOS - Para captar e reproduzir a imagem do movimento,
são construídos vários aparelhos baseados no fenômeno da persistência
retiniana (fração de segundo em que a imagem permanece na retina),
descoberto pelo inglês Peter Mark Roger, em 1826. A fotografia, desenvolvida
simultaneamente por Louis-Jacques Daguerre e Joseph Nicéphore Niepce, e
as pesquisas de captação e análise do movimento representam um avanço
decisivo na direção do cinematógrafo.
Fenacistoscópio - O físico belga Joseph-Antoine Plateau é o primeiro a medir o
tempo da persistência retiniana. Para que uma série de imagens fixas dêem a
ilusão de movimento, é necessário que se sucedam à razão de dez por
segundo. Em 1832, Plateau inventa um aparelho formado por um disco com
várias figuras desenhadas em posições diferentes. Ao girar o disco, elas
adquirem movimento. A idéia era apresentar uma rápida sucessão de
desenhos de diferentes estágios de uma ação, criando a ilusão de que um
único desenho se movimentava.
Praxinoscópio – Aparelho que projeta na tela imagens desenhadas sobre fitas
transparentes, inventado pelo francês Émile Reynaud (1877). A princípio uma
máquina primitiva, composta por uma caixa de biscoitos e um único espelho, o
praxinoscópio é aperfeiçoado com um sistema complexo de espelhos que
permite efeitos de relevo. A multiplicação das figuras desenhadas e a
adaptação de uma lanterna de projeção possibilitam a realização de truques
que dão a ilusão de movimento.
Fuzil fotográfico – Em 1878 o fisiologista francês Étienne-Jules Marey
desenvolve o fuzil fotográfico: um tambor forrado por dentro com uma chapa
fotográfica circular. Seus estudos se baseiam na experiência desenvolvida, em
1872, pelo inglês Edward Muybridge, que decompõe o movimento do galope de
um cavalo. Muybridge instala 24 máquinas fotográficas em intervalos regulares
ao longo de uma pista de corrida e liga a cada máquina fios que atravessam a
pista. Com a passagem do cavalo, os fios são rompidos, desencadeando o
disparo sucessivo dos obturadores, que produzem 24 poses consecutivas.
Cronofotografia – Pesquisas posteriores sobre o andar do homem ou o vôo dos
pássaros levam Étienne-Jules Marey, em 1887, ao desenvolvimento da
cronofotografia a fixação fotográfica de várias fases de um corpo em
movimento, que é a própria base do cinema.
Cinetoscópio – O norte-americano Thomas Alva Edison inventa o filme
perfurado. E, em 1890, roda uma série de pequenos filmes em seu estúdio, o
Black Maria, primeiro da história do cinema. Esses filmes não são projetados
em uma tela, mas no interior de uma máquina, o cinetoscópio – também
inventado por Edison um ano depois. Mas as imagens só podem ser vistas por
um espectador de cada vez.
Cinematógrafo – A partir do aperfeiçoamento do cinetoscópio, os irmãos
Auguste e Louis Lumière idealizam o cinematógrafo em 1895. O aparelho –
uma espécie de ancestral da filmadora – é movido a manivela e utiliza
negativos perfurados, substituindo a ação de várias máquinas fotográficas para
registrar o movimento. O cinematógrafo torna possível, também, a projeção das
imagens para o público. O nome do aparelho passou a identificar, em todas as
línguas, a nova arte (ciné, cinema, kino etc.).
Auguste Lumière (1862-1954) e Louis Lumière (1864-1948) nascem em
Besançon, na França. Filhos de um fotógrafo e proprietário de indústria de
filmes e papéis fotográficos, eram praticamente desconhecidos no campo das
pesquisas fotográficas até 1890. Após freqüentarem a escola técnica, realizam
uma série de estudos sobre os processos fotográficos, na fábrica do pai, até
chegarem ao cinematógrafo. Louis Lumière é o primeiro cineasta realizador de
documentários curtos. Seu irmão Auguste participa das primeiras descobertas,
dedicando-se posteriormente à medicina.
CINEMA MUDO - A apresentação pública do cinematógrafo marca oficialmente
o início da história do cinema. O som vem três décadas depois, no final dos
anos 20.
A primeira exibição pública das produções dos irmãos Lumière ocorre em 28 de
dezembro de 1895, no Grand Café, em Paris. A saída dos operários das usinas
Lumière, A chegada do trem na estação, O almoço do bebê e O mar são
alguns dos filmes apresentados. As produções são rudimentares, em geral
documentários curtos sobre a vida cotidiana, com cerca de dois minutos de
projeção, filmados ao ar livre.
PRIMEIROS FILMES - Pequenos documentários e ficções são os primeiros
gêneros do cinema. A linguagem cinematográfica se desenvolve, criando
estruturas narrativas. Na França, na primeira década do século XX, são
filmadas peças de teatro, com grandes nomes do palco, como Sarah
Bernhardt. Em 1913 surgem, com Max Linder – que mais tarde inspiraria
Chaplin –, o primeiro tipo cômico e, com o Fantômas, de Louis Feuillade, o
primeiro seriado policial. A produção de comédias se intensifica nos Estados
Unidos e chega à Inglaterra e Rússia. Na Itália, Giovanni Pastrone realiza
superproduções épicas e históricas, como Cabíria, de 1914.
DOCUMENTÁRIO - Em 1896 os Lumière equipam alguns fotógrafos com
aparelhos cinematográficos e os enviam para vários países, com a
incumbência de trazer novas imagens e também exibir as que levam de Paris.
Os caçadores de imagens, como são chamados, colocam suas câmeras fixas
num determinado lugar e registram o que está na frente. A Inglaterra, O
México, Veneza, A cidade dos Doges passam a integrar o repertório dos
Lumière. Coroação do Czar Nicolau II, filmado em Moscou, é considerado a
primeira reportagem cinematográfica.
FICÇÃO - Os rudimentos da narração e da montagem artística são
desenvolvidos pelo americano Edwin Porter, em 1902, em Vida de um
bombeiro americano, e consolidados, um ano mais tarde, com O grande roubo
do trem, o primeiro grande clássico do cinema americano. O filme inaugura o
western e marca o começo da indústria cinematográfica. Despontam, então,
dois grandes nomes dos primórdios do cinema: Georges Méliès e David
Griffith.
Georges Méliès (1861-1938), diretor, ator, produtor, fotógrafo e figurinista, é
considerado o pai da arte do cinema. Nasce na França e passa parte da
juventude desenvolvendo números de mágica e truques de ilusionismo. Depois
de assistir à primeira apresentação dos Lumière, decide-se pelo cinema.
Pioneiro na utilização de figurinos, atores, cenários e maquiagens, opõe-se ao
estilo documentarista. Realiza os primeiros filmes de ficção – Viagem À Lua
(Voyage dans la lune, Le / Voyage to the Moon - 1902) e A Conquista do Pólo
(Conquête du pôle, La / Conquest of the Pole - 1912) – e desenvolve diversas
técnicas: fusão, exposição múltipla, uso de maquetes e truques ópticos,
precursores dos efeitos especiais.
David W. Griffith (1875-1948), nascido nos Estados Unidos, é considerado o
criador da linguagem cinematográfica. Antes de chegar ao cinema, trabalha
como jornalista e balconista em lojas e livrarias. Admirador de Edgar Allan Poe,
também escreve poesias. No cinema, é o primeiro a utilizar dramaticamente o
close, a montagem paralela, o suspense e os movimentos de câmera. Em
1915, com Nascimento de Uma Nação (The Birth of a Nation), realiza o
primeiro longa-metragem americano, tido como a base da criação da indústria
cinematográfica de Hollywood. Com Intolerância (Intolerance), de 1916, faz
uma ousada experiência, com montagens e histórias paralelas.
ASCENSÃO DE HOLLYWOOD - Com o recesso do cinema europeu durante a
1a Guerra Mundial, a produção de filmes concentra-se em Hollywood, na
Califórnia, onde surgem os primeiros grandes estúdios. Em 1912, Mack
Sennett, o maior produtor de comédias do cinema mudo, que descobriu
Charles Chaplin e Buster Keaton, instala a sua Keystone Company. No mesmo
ano, surge a Famous Players (futura Paramount) e, em 1915, a Fox Films
Corporation. Para enfrentar os altos salários e custos de produção, exibidores e
distribuidores reúnem-se em conglomerados autônomos, como a United Artists,
fundada em 1919. A década de 20 consolida a indústria cinematográfica
americana e os grandes gêneros – western, policial, musical e, principalmente,
a comédia –, todos ligados diretamente ao estrelismo.
Star system – O desenvolvimento dos grandes estúdios proporciona o
surgimento do star system, o sistema de "fabricação" de estrelas que encantam
as platéias. Mary Pickford, a "noivinha da América", Theda Bara, Tom Mix,
Douglas Fairbanks e Rodolfo Valentino são alguns dos nomes mais
expressivos. Com o êxito alcançado, os filmes passam dos 20 minutos iniciais
a, pelo menos, 90 minutos de projeção. O ídolo é chamado a encarnar papéis
fixos e repetir atuações que o tenham consagrado, como Rosita, de 1923, com
Mary Pickford.
COMÉDIA - Baseada na sátira de pequenas cenas do cotidiano, a comédia
americana dos anos 20 privilegia lugares, situações e objetos que retratam a
vida urbana e a "civilização das máquinas". Recorre com freqüência ao
"pastelão" e ganha impulso com o produtor e diretor americano Mack Sennett.
Destacam-se os tipos desenvolvidos por Ben Turpin, Buster Keaton, Harold
Lloyd e Charles Chaplin.
Charles Chaplin (1889-1977), diretor, produtor e ator, passa uma infância
miserável em orfanatos, na Inglaterra. Emprega-se nos music halls em 1908 e
adquire algum sucesso como mímico. Contratado por um empresário norte-
americano, vai para os Estados Unidos em 1913 e, um ano depois, realiza seu
primeiro filme - Carlitos Repórter (Making a Living - 1914). Seu personagem,
Carlitos, o vagabundo com bengala, chapéu-coco e calças largas, torna-se o
tipo mais famoso do cinema. Entre seus principais filmes estão O Garoto (Kid,
The - 1921), Em Busca do Ouro (The Gold Rush - 1925), Luzes da Cidade (City
Lights - 1931), Tempos Modernos (Modern Times - 1936) e O Grande Ditador
(The Great Dictator - 1940).
Buster Keaton (1895-1966), Joseph Francis Keaton nasce nos Estados Unidos
e estréia no palco aos 3 anos, acompanhado de seus pais, num número de
acrobacia. Recebe o apelido de Buster (demolidor) por sua resistência aos
tombos. Em 1917 começa no cinema, fazendo pontas. Três anos depois, passa
à direção. Torna-se famoso com a criação de um tipo inesquecível - o cômico
que nunca ri - consagrado em A General (The General - 1927) e Marinheiro de
Encomenda (Steamboat Bill, Jr. - 1928), entre outros. É considerado um dos
maiores nomes do cinema humorístico, comparável a Chaplin.
CINEMA FALADO - O advento do som, nos Estados Unidos, revoluciona a
produção cinematográfica mundial. Os anos 30 consolidam os grandes
estúdios e consagram astros e estrelas em Hollywood. Os gêneros se
multiplicam e o musical ganha destaque. A partir de 1945, com o fim da 2a
Guerra, há um renascimento das produções nacionais – os chamados cinemas
novos.
PRIMEIRAS EXPERIÊNCIAS - As primeiras experiências de sonorização,
feitas por Thomas Edison, em 1889, são seguidas pelo grafonoscópio de
Auguste Baron (1896) e pelo cronógrafo de Henri Joly (1900), sistemas ainda
falhos de sincronização imagem-som. O aparelho do americano Lee de Forest,
de gravação magnética em película (1907), que permite a reprodução
simultânea de imagens e sons, é comprado em 1926 pela Warner Brothers. A
companhia produz o primeiro filme com música e efeitos sonoros sincronizados
- "Don Juan" (Don Juan - 1926), de Alan Crosland, o primeiro com passagens
faladas e cantadas - "O Cantor de Jazz" (The Jazz Singer - 1927), também de
Crosland, com Al Jolson, grande nome da Broadway, e o primeiro inteiramente
falado - "Luzes de Nova York", de Brian Foy (Lights of New York - 1928).
CONSOLIDAÇÃO - Em 1929 o cinema falado representa 51% da produção
norte-americana. Outros centros industriais, como França, Alemanha, Suécia e
Inglaterra, começam a explorar o som. A partir de 1930, Rússia, Japão, Índia e
países da América Latina recorrem à nova descoberta.
A adesão de quase todas as produtoras ao novo sistema abala convicções,
causa a inadaptação de atores, roteiristas e diretores e reformula os
fundamentos da linguagem cinematográfica. Diretores como Charles Chaplin e
René Clair estão entre os que resistem à novidade, mas acabam aderindo.
"Alvorada do Amor" (The Love Parade - 1929), de Ernst Lubitsch, "O Anjo Azul"
(Der Blaue Engel / The Blue Angel - 1930), de Joseph von Sternberg, e "M, o
Vampiro de Dusseldorf" (M - 1931), de Fritz Lang, são alguns dos primeiros
grandes títulos.
Dos anos 30 até a 2a Guerra, apesar de Hollywood concentrar a maior parte da
produção cinematográfica mundial, alguns centros europeus como França,
Alemanha e Rússia produzem obras que merecem destaque.
França – O realismo poético, com melodramas policiais de fundo trágico, de
Jean Renoir de "A Grande Ilusão" (La Grande illusion / The Grand Illusion -
1937) e "A Besta Humana" (La Bête Humaine / The Human Beast - 1938),
Marcel Carné de "Cais das Sombras" (Quai des Brumes / Port of Shadows -
1938), Julien Duvivier de "Um Carnê de Baile" (Un Carnet de Bal - 1937) e
Jean Vigo de "Atalante" (L' Atalante -1934) fornecem uma perspectiva lírica dos
problemas sociais. Com a invasão nazista, eles são exilados.
Rússia – "A Nova Babilônia" (Novyj Vavilon / The New Babylon - 1929), de
Grigori Kozintsev; "Volga-Volga" (Volga-Volga - 1938), de Grigori Aleksandrov;
"Ivan, o Terrível" (Ivan Groznyj / Ivan the Terrible - ), de Sergei M. Eisenstein; e
a "Trilogia de Máximo Gorki" (Detstvo Gorkogo / Childhood of Maxim Gorky -
1938), de Mark Donskoi, merecem destaque em um período dominado por
filmes de propaganda sobre os planos qüinqüenais, impostos por Stalin.
Alemanha – A Alemanha nazista também descobre, com "O Triunfo da
Vontade" (Triumph des Willens / Dokument vom Reichsparteitag - 1934), de
Leni Riefenstahl, e "O Judeu Suss" (Jud Süß / Jew Süss - 1940), de Veidt
Harlan, o cinema como instrumento de propaganda do regime.
ANOS DOURADOS DE HOLLYWOOD - Nos Estados Unidos, após a
Depressão, a indústria recupera-se. Hollywood vive os seus anos de ouro em
1938 e 1939. Surgem superproduções como A Dama das Camélias, ...E o
Vento Levou, O Morro dos Ventos Uivantes e Casablanca. Novos recursos
técnicos possibilitam o desenvolvimento pleno de todos os gêneros.
Desafiando o esquema dos grandes estúdios hollywoodianos, Orson Welles
lança, em 1941, Cidadão Kane, filme que revoluciona a estética do cinema.
Orson Welles (1915-1985), diretor, ator e roteirista, nasce nos Estados Unidos
e estuda pintura no Chicago Arts Institute. Como ator teatral funda, em 1936, o
Mercury Theatre, em Nova York. Dois anos mais tarde passa a trabalhar no
rádio, onde faz em 30 de outubro de 1938 uma emissão dramatizada da Guerra
dos Mundos, de H.G. Wells, na qual anuncia a invasão da Terra por marcianos.
Causa pânico na população e ganha notoriedade nacional. Em 1941 lança O
Cidadão Kane, onde subverte a narrativa cronológica, com um enredo não-
linear, ousadia na profundidade de campo e iluminação inspirada no
expressionismo. Cria depois outras obras, como It's All True (interrompida e
concluída postumamente em 1993), e Macbeth (Macbeth - 1948) e Othello
(Tragedy of Othello: The Moor of Venice, The - 1952), de inspiração
shakesperiana.
MUSICAL - Surge em Hollywood na década de 30 e se caracteriza por roteiros
musicais que mesclam danças, cantos e músicas. No início dos filmes falados,
os musicais sofrem grande influência do teatro. O filme que definitivamente
estabelece o gênero é Melodia da Broadway (Broadway Melody - 1929), de
Harry Beaumont. Seu êxito provoca uma onda de filmes que rapidamente se
tornam populares, como Caçadoras de Ouro (Gold Diggers of 1933 - 1933), A
Canção do Deserto ( - 1933) e O Rei do Jazz ( - 1933). Voando Para o Rio
(Flying Down to Rio - 1933), projeta Fred Astaire e Ginger Rogers. Gene Kelly
por Diário de Um Homem Casado (A Guide for the Married Man - 1967), Rita
Hayworth por O Protegido do Papai (The Lady In Question - 1940) e Judy
Garland por O Mágico de Oz (Wizard of Oz, The - 1939) também ganham
notoriedade.
COMÉDIA - Gênero consolidado na década de 20, a comédia incorpora novos
nomes. Os irmãos Marx brilham com seus diálogos absurdos e graças de
picadeiro em "No Hotel da Fuzarca" (The Cocoanuts - 1929), "Diabo a Quatro"
(Duck Soup - 1933) e Uma Noite Na Ópera (A Night At The Opera - 1935). Os
atores Oliver Hardy e Stan Laurel notabilizam a dupla O Gordo e o Magro em
"Fra Diavolo" (The Devil's Brother / Fra Diavolo - 1933) e "Filhos do Deserto"
(Sons of the Desert / Fraternally Yours - 1933). W.C. Fields, que surgiu no
cinema por volta de 1915, destaca-se na década de 30, com "No Tempo do
Onça" e "A Filha do Saltimbanco". O prestígio de Chaplin mantém-se em filmes
como "Luzes da Cidade" (City Lights - 1931) e "Tempos Modernos" (Modern
Times - 1936), que adquirem dimensão política. A combinação de ousadias
eróticas e certa dose de crítica do cotidiano resulta na comédia de costumes,
que domina o cinema americano. O alemão Ernst Lubitsch desenvolve o estilo
em filmes como "Ladrão de Alcova" (Trouble in Paradise - 1932) e "Ninotchka"
(Ninotchka - 1939), este com Greta Garbo. Outros representantes: George
Cukor por "Uma Hora Contigo" (One Hour With You - 1932), William Wellman
por "Nada É Sagrado" (Nothing Sacred - 1937), Leo McCarey por "Cupido É
Moleque Travesso" (The Awful Truth - 1937), Howard Hawks por "Levada da
Breca" (Bringing Up Baby - 1938) e um dos maiores nomes das décadas de
30/50, o diretor Frank Capra.
Frank Capra (1897-1991) nasce na Sicília e emigra para os Estados Unidos,
em 1903. Na juventude estuda química e matemática. Começa no cinema
como argumentista dos cômicos Laurel e Hardy (O Gordo e o Magro). Na
direção, desenvolve uma obra de conteúdo social, otimista e confiante na
democracia americana, que acerta em cheio, nos anos difíceis da Depressão.
"Aconteceu Naquela Noite" (It Happened One Night - 1934), ganha os
principais Oscars do ano. "Do Mundo Nada Se Leva" (You Can't Take It with
You - 1938), "A Mulher Faz o Homem" (Mr Smith Goes to Washington - 1939) e
Adorável Vagabundo (Meet John Doe - 1941) são seus principais sucessos.
WESTERN - Gênero específico americano, o western (faroeste) explora
marcos históricos, como a Conquista do Oeste, a Guerra de Secessão e o
combate contra os índios. Cenas de ação e aventura envolvem caubóis e
xerifes. Em 1932 inicia-se uma grande produção de westerns, onde o caubói é
também cantor, como Gene Autry e Roy Rogers. Cecil B. de Mille produz
Jornadas Heróicas (The Plainsman - 1937). Em 1939, com No Tempo das
Diligências (Stagecoach - 1939), John Ford abre o ciclo de produções com
grandes diretores e astros, onde se destacam também King Vidor por Duelo ao
Sol (Duel in the Sun - 1946) e Henry King por Jesse James (Jesse James -
1939).
John Ford (1895-1973), diretor americano nascido no Maine, filho de
irlandeses, é um dos cineastas mais premiados do mundo. Depois de se formar
no ensino médio, vai para Hollywood, em 1914. Começa trabalhando como
ator, contra-regra e assistente nos filmes de seu irmão, Francis Ford, diretor e
roteirista da Universal. Em 1917 estréia na direção, fazendo pequenos
westerns. Seus filmes possuem orçamentos modestos, poucos atores, e
alternam dramas com trechos de comédias. Sangue de Herói (Fort Apache -
1948) e O Céu Mandou Alguém (The Three Godfathers - 1948), estão entre os
westerns mais importantes da década de 40.
TERROR - São várias as tendências dos filmes de terror, que têm em comum o
desequilíbrio e a transgressão do real. Em 1931, Drácula (Dracula - 1931) e
Frankenstein (Frankenstein - 1931) entram em cena. Um ano depois, é a vez
de O Médico e o Monstro (Dr. Jekyll and Mr. Hyde - 1932), baseado no
romance de Robert Louis Stevenson. Em 1933, o gorila King Kong (King Kong -
1933) assusta as platéias do mundo inteiro.
POLICIAL - O filme policial surge na França, no começo do século, mas é nos
Estados Unidos, a partir da década de 30, que o gênero se firma. Cenários
sombrios e escuros, neblina, cenas de crimes e violência envolvem detetives,
policiais, aristocratas e belas mulheres. O filme noir - como os franceses o
denominaram - logo se impõe como um grande gênero. Destacam-se Howard
Hawks por Scarface - (Scarface - 1932) e John Huston por Relíquia Macabra /
Falcão Maltês (The Maltese Falcon - 1941).
BIBLIOGRAFIA
http://www.webcine.com.br/historia1.htm

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Origem cinema

  • 1. ORIGEM - Indícios históricos e arqueológicos comprovam que é antiga a preocupação do homem com o registro do movimento. O desenho e a pintura foram as primeiras formas de representar os aspectos dinâmicos da vida humana e da natureza, produzindo narrativas através de figuras. O jogo de sombras do teatro de marionetes oriental é considerado um dos mais remotos precursores do cinema. Experiências posteriores como a câmara escura e a lanterna mágica constituem os fundamentos da ciência óptica, que torna possível a realidade cinematográfica. Jogos de sombras – Surge na China, por volta de 5.000 a.C. É a projeção, sobre paredes ou telas de linho, de figuras humanas, animais ou objetos recortados e manipulados. O operador narra a ação, quase sempre envolvendo príncipes, guerreiros e dragões. Câmara escura – Seu princípio é enunciado por Leonardo da Vinci, no século XV. O invento é desenvolvido pelo físico napolitano Giambattista Della Porta, no século XVI, que projeta uma caixa fechada, com um pequeno orifício
  • 2. coberto por uma lente. Através dele penetram e se cruzam os raios refletidos pelos objetos exteriores. A imagem, invertida, inscreve-se na face do fundo, no interior da caixa. Lanterna mágica – Criada pelo alemão Athanasius Kirchner, na metade do século XVII, baseia-se no processo inverso da câmara escura. É composta por uma caixa cilíndrica iluminada a vela, que projeta as imagens desenhadas em uma lâmina de vidro. PRIMEIROS APARELHOS - Para captar e reproduzir a imagem do movimento, são construídos vários aparelhos baseados no fenômeno da persistência retiniana (fração de segundo em que a imagem permanece na retina), descoberto pelo inglês Peter Mark Roger, em 1826. A fotografia, desenvolvida simultaneamente por Louis-Jacques Daguerre e Joseph Nicéphore Niepce, e as pesquisas de captação e análise do movimento representam um avanço decisivo na direção do cinematógrafo. Fenacistoscópio - O físico belga Joseph-Antoine Plateau é o primeiro a medir o tempo da persistência retiniana. Para que uma série de imagens fixas dêem a ilusão de movimento, é necessário que se sucedam à razão de dez por segundo. Em 1832, Plateau inventa um aparelho formado por um disco com várias figuras desenhadas em posições diferentes. Ao girar o disco, elas adquirem movimento. A idéia era apresentar uma rápida sucessão de desenhos de diferentes estágios de uma ação, criando a ilusão de que um único desenho se movimentava. Praxinoscópio – Aparelho que projeta na tela imagens desenhadas sobre fitas transparentes, inventado pelo francês Émile Reynaud (1877). A princípio uma
  • 3. máquina primitiva, composta por uma caixa de biscoitos e um único espelho, o praxinoscópio é aperfeiçoado com um sistema complexo de espelhos que permite efeitos de relevo. A multiplicação das figuras desenhadas e a adaptação de uma lanterna de projeção possibilitam a realização de truques que dão a ilusão de movimento. Fuzil fotográfico – Em 1878 o fisiologista francês Étienne-Jules Marey desenvolve o fuzil fotográfico: um tambor forrado por dentro com uma chapa fotográfica circular. Seus estudos se baseiam na experiência desenvolvida, em 1872, pelo inglês Edward Muybridge, que decompõe o movimento do galope de um cavalo. Muybridge instala 24 máquinas fotográficas em intervalos regulares ao longo de uma pista de corrida e liga a cada máquina fios que atravessam a pista. Com a passagem do cavalo, os fios são rompidos, desencadeando o disparo sucessivo dos obturadores, que produzem 24 poses consecutivas. Cronofotografia – Pesquisas posteriores sobre o andar do homem ou o vôo dos pássaros levam Étienne-Jules Marey, em 1887, ao desenvolvimento da cronofotografia a fixação fotográfica de várias fases de um corpo em movimento, que é a própria base do cinema. Cinetoscópio – O norte-americano Thomas Alva Edison inventa o filme perfurado. E, em 1890, roda uma série de pequenos filmes em seu estúdio, o Black Maria, primeiro da história do cinema. Esses filmes não são projetados em uma tela, mas no interior de uma máquina, o cinetoscópio – também inventado por Edison um ano depois. Mas as imagens só podem ser vistas por um espectador de cada vez. Cinematógrafo – A partir do aperfeiçoamento do cinetoscópio, os irmãos Auguste e Louis Lumière idealizam o cinematógrafo em 1895. O aparelho –
  • 4. uma espécie de ancestral da filmadora – é movido a manivela e utiliza negativos perfurados, substituindo a ação de várias máquinas fotográficas para registrar o movimento. O cinematógrafo torna possível, também, a projeção das imagens para o público. O nome do aparelho passou a identificar, em todas as línguas, a nova arte (ciné, cinema, kino etc.). Auguste Lumière (1862-1954) e Louis Lumière (1864-1948) nascem em Besançon, na França. Filhos de um fotógrafo e proprietário de indústria de filmes e papéis fotográficos, eram praticamente desconhecidos no campo das pesquisas fotográficas até 1890. Após freqüentarem a escola técnica, realizam uma série de estudos sobre os processos fotográficos, na fábrica do pai, até chegarem ao cinematógrafo. Louis Lumière é o primeiro cineasta realizador de documentários curtos. Seu irmão Auguste participa das primeiras descobertas, dedicando-se posteriormente à medicina. CINEMA MUDO - A apresentação pública do cinematógrafo marca oficialmente o início da história do cinema. O som vem três décadas depois, no final dos anos 20. A primeira exibição pública das produções dos irmãos Lumière ocorre em 28 de dezembro de 1895, no Grand Café, em Paris. A saída dos operários das usinas Lumière, A chegada do trem na estação, O almoço do bebê e O mar são alguns dos filmes apresentados. As produções são rudimentares, em geral
  • 5. documentários curtos sobre a vida cotidiana, com cerca de dois minutos de projeção, filmados ao ar livre. PRIMEIROS FILMES - Pequenos documentários e ficções são os primeiros gêneros do cinema. A linguagem cinematográfica se desenvolve, criando estruturas narrativas. Na França, na primeira década do século XX, são filmadas peças de teatro, com grandes nomes do palco, como Sarah Bernhardt. Em 1913 surgem, com Max Linder – que mais tarde inspiraria Chaplin –, o primeiro tipo cômico e, com o Fantômas, de Louis Feuillade, o primeiro seriado policial. A produção de comédias se intensifica nos Estados Unidos e chega à Inglaterra e Rússia. Na Itália, Giovanni Pastrone realiza superproduções épicas e históricas, como Cabíria, de 1914. DOCUMENTÁRIO - Em 1896 os Lumière equipam alguns fotógrafos com aparelhos cinematográficos e os enviam para vários países, com a incumbência de trazer novas imagens e também exibir as que levam de Paris. Os caçadores de imagens, como são chamados, colocam suas câmeras fixas num determinado lugar e registram o que está na frente. A Inglaterra, O México, Veneza, A cidade dos Doges passam a integrar o repertório dos Lumière. Coroação do Czar Nicolau II, filmado em Moscou, é considerado a primeira reportagem cinematográfica.
  • 6. FICÇÃO - Os rudimentos da narração e da montagem artística são desenvolvidos pelo americano Edwin Porter, em 1902, em Vida de um bombeiro americano, e consolidados, um ano mais tarde, com O grande roubo do trem, o primeiro grande clássico do cinema americano. O filme inaugura o western e marca o começo da indústria cinematográfica. Despontam, então, dois grandes nomes dos primórdios do cinema: Georges Méliès e David Griffith. Georges Méliès (1861-1938), diretor, ator, produtor, fotógrafo e figurinista, é considerado o pai da arte do cinema. Nasce na França e passa parte da juventude desenvolvendo números de mágica e truques de ilusionismo. Depois de assistir à primeira apresentação dos Lumière, decide-se pelo cinema. Pioneiro na utilização de figurinos, atores, cenários e maquiagens, opõe-se ao estilo documentarista. Realiza os primeiros filmes de ficção – Viagem À Lua (Voyage dans la lune, Le / Voyage to the Moon - 1902) e A Conquista do Pólo (Conquête du pôle, La / Conquest of the Pole - 1912) – e desenvolve diversas técnicas: fusão, exposição múltipla, uso de maquetes e truques ópticos, precursores dos efeitos especiais. David W. Griffith (1875-1948), nascido nos Estados Unidos, é considerado o criador da linguagem cinematográfica. Antes de chegar ao cinema, trabalha como jornalista e balconista em lojas e livrarias. Admirador de Edgar Allan Poe, também escreve poesias. No cinema, é o primeiro a utilizar dramaticamente o
  • 7. close, a montagem paralela, o suspense e os movimentos de câmera. Em 1915, com Nascimento de Uma Nação (The Birth of a Nation), realiza o primeiro longa-metragem americano, tido como a base da criação da indústria cinematográfica de Hollywood. Com Intolerância (Intolerance), de 1916, faz uma ousada experiência, com montagens e histórias paralelas. ASCENSÃO DE HOLLYWOOD - Com o recesso do cinema europeu durante a 1a Guerra Mundial, a produção de filmes concentra-se em Hollywood, na Califórnia, onde surgem os primeiros grandes estúdios. Em 1912, Mack Sennett, o maior produtor de comédias do cinema mudo, que descobriu Charles Chaplin e Buster Keaton, instala a sua Keystone Company. No mesmo ano, surge a Famous Players (futura Paramount) e, em 1915, a Fox Films Corporation. Para enfrentar os altos salários e custos de produção, exibidores e distribuidores reúnem-se em conglomerados autônomos, como a United Artists, fundada em 1919. A década de 20 consolida a indústria cinematográfica americana e os grandes gêneros – western, policial, musical e, principalmente, a comédia –, todos ligados diretamente ao estrelismo. Star system – O desenvolvimento dos grandes estúdios proporciona o surgimento do star system, o sistema de "fabricação" de estrelas que encantam as platéias. Mary Pickford, a "noivinha da América", Theda Bara, Tom Mix, Douglas Fairbanks e Rodolfo Valentino são alguns dos nomes mais expressivos. Com o êxito alcançado, os filmes passam dos 20 minutos iniciais a, pelo menos, 90 minutos de projeção. O ídolo é chamado a encarnar papéis fixos e repetir atuações que o tenham consagrado, como Rosita, de 1923, com Mary Pickford.
  • 8. COMÉDIA - Baseada na sátira de pequenas cenas do cotidiano, a comédia americana dos anos 20 privilegia lugares, situações e objetos que retratam a vida urbana e a "civilização das máquinas". Recorre com freqüência ao "pastelão" e ganha impulso com o produtor e diretor americano Mack Sennett. Destacam-se os tipos desenvolvidos por Ben Turpin, Buster Keaton, Harold Lloyd e Charles Chaplin. Charles Chaplin (1889-1977), diretor, produtor e ator, passa uma infância miserável em orfanatos, na Inglaterra. Emprega-se nos music halls em 1908 e adquire algum sucesso como mímico. Contratado por um empresário norte- americano, vai para os Estados Unidos em 1913 e, um ano depois, realiza seu primeiro filme - Carlitos Repórter (Making a Living - 1914). Seu personagem, Carlitos, o vagabundo com bengala, chapéu-coco e calças largas, torna-se o tipo mais famoso do cinema. Entre seus principais filmes estão O Garoto (Kid, The - 1921), Em Busca do Ouro (The Gold Rush - 1925), Luzes da Cidade (City Lights - 1931), Tempos Modernos (Modern Times - 1936) e O Grande Ditador (The Great Dictator - 1940).
  • 9. Buster Keaton (1895-1966), Joseph Francis Keaton nasce nos Estados Unidos e estréia no palco aos 3 anos, acompanhado de seus pais, num número de acrobacia. Recebe o apelido de Buster (demolidor) por sua resistência aos tombos. Em 1917 começa no cinema, fazendo pontas. Três anos depois, passa à direção. Torna-se famoso com a criação de um tipo inesquecível - o cômico que nunca ri - consagrado em A General (The General - 1927) e Marinheiro de Encomenda (Steamboat Bill, Jr. - 1928), entre outros. É considerado um dos maiores nomes do cinema humorístico, comparável a Chaplin. CINEMA FALADO - O advento do som, nos Estados Unidos, revoluciona a produção cinematográfica mundial. Os anos 30 consolidam os grandes estúdios e consagram astros e estrelas em Hollywood. Os gêneros se multiplicam e o musical ganha destaque. A partir de 1945, com o fim da 2a Guerra, há um renascimento das produções nacionais – os chamados cinemas novos. PRIMEIRAS EXPERIÊNCIAS - As primeiras experiências de sonorização, feitas por Thomas Edison, em 1889, são seguidas pelo grafonoscópio de Auguste Baron (1896) e pelo cronógrafo de Henri Joly (1900), sistemas ainda falhos de sincronização imagem-som. O aparelho do americano Lee de Forest, de gravação magnética em película (1907), que permite a reprodução simultânea de imagens e sons, é comprado em 1926 pela Warner Brothers. A
  • 10. companhia produz o primeiro filme com música e efeitos sonoros sincronizados - "Don Juan" (Don Juan - 1926), de Alan Crosland, o primeiro com passagens faladas e cantadas - "O Cantor de Jazz" (The Jazz Singer - 1927), também de Crosland, com Al Jolson, grande nome da Broadway, e o primeiro inteiramente falado - "Luzes de Nova York", de Brian Foy (Lights of New York - 1928). CONSOLIDAÇÃO - Em 1929 o cinema falado representa 51% da produção norte-americana. Outros centros industriais, como França, Alemanha, Suécia e Inglaterra, começam a explorar o som. A partir de 1930, Rússia, Japão, Índia e países da América Latina recorrem à nova descoberta. A adesão de quase todas as produtoras ao novo sistema abala convicções, causa a inadaptação de atores, roteiristas e diretores e reformula os fundamentos da linguagem cinematográfica. Diretores como Charles Chaplin e René Clair estão entre os que resistem à novidade, mas acabam aderindo. "Alvorada do Amor" (The Love Parade - 1929), de Ernst Lubitsch, "O Anjo Azul" (Der Blaue Engel / The Blue Angel - 1930), de Joseph von Sternberg, e "M, o Vampiro de Dusseldorf" (M - 1931), de Fritz Lang, são alguns dos primeiros grandes títulos. Dos anos 30 até a 2a Guerra, apesar de Hollywood concentrar a maior parte da produção cinematográfica mundial, alguns centros europeus como França, Alemanha e Rússia produzem obras que merecem destaque. França – O realismo poético, com melodramas policiais de fundo trágico, de Jean Renoir de "A Grande Ilusão" (La Grande illusion / The Grand Illusion - 1937) e "A Besta Humana" (La Bête Humaine / The Human Beast - 1938), Marcel Carné de "Cais das Sombras" (Quai des Brumes / Port of Shadows - 1938), Julien Duvivier de "Um Carnê de Baile" (Un Carnet de Bal - 1937) e Jean Vigo de "Atalante" (L' Atalante -1934) fornecem uma perspectiva lírica dos problemas sociais. Com a invasão nazista, eles são exilados. Rússia – "A Nova Babilônia" (Novyj Vavilon / The New Babylon - 1929), de Grigori Kozintsev; "Volga-Volga" (Volga-Volga - 1938), de Grigori Aleksandrov; "Ivan, o Terrível" (Ivan Groznyj / Ivan the Terrible - ), de Sergei M. Eisenstein; e a "Trilogia de Máximo Gorki" (Detstvo Gorkogo / Childhood of Maxim Gorky - 1938), de Mark Donskoi, merecem destaque em um período dominado por filmes de propaganda sobre os planos qüinqüenais, impostos por Stalin.
  • 11. Alemanha – A Alemanha nazista também descobre, com "O Triunfo da Vontade" (Triumph des Willens / Dokument vom Reichsparteitag - 1934), de Leni Riefenstahl, e "O Judeu Suss" (Jud Süß / Jew Süss - 1940), de Veidt Harlan, o cinema como instrumento de propaganda do regime. ANOS DOURADOS DE HOLLYWOOD - Nos Estados Unidos, após a Depressão, a indústria recupera-se. Hollywood vive os seus anos de ouro em 1938 e 1939. Surgem superproduções como A Dama das Camélias, ...E o Vento Levou, O Morro dos Ventos Uivantes e Casablanca. Novos recursos técnicos possibilitam o desenvolvimento pleno de todos os gêneros. Desafiando o esquema dos grandes estúdios hollywoodianos, Orson Welles lança, em 1941, Cidadão Kane, filme que revoluciona a estética do cinema. Orson Welles (1915-1985), diretor, ator e roteirista, nasce nos Estados Unidos e estuda pintura no Chicago Arts Institute. Como ator teatral funda, em 1936, o Mercury Theatre, em Nova York. Dois anos mais tarde passa a trabalhar no rádio, onde faz em 30 de outubro de 1938 uma emissão dramatizada da Guerra dos Mundos, de H.G. Wells, na qual anuncia a invasão da Terra por marcianos. Causa pânico na população e ganha notoriedade nacional. Em 1941 lança O Cidadão Kane, onde subverte a narrativa cronológica, com um enredo não- linear, ousadia na profundidade de campo e iluminação inspirada no expressionismo. Cria depois outras obras, como It's All True (interrompida e concluída postumamente em 1993), e Macbeth (Macbeth - 1948) e Othello (Tragedy of Othello: The Moor of Venice, The - 1952), de inspiração shakesperiana. MUSICAL - Surge em Hollywood na década de 30 e se caracteriza por roteiros musicais que mesclam danças, cantos e músicas. No início dos filmes falados, os musicais sofrem grande influência do teatro. O filme que definitivamente estabelece o gênero é Melodia da Broadway (Broadway Melody - 1929), de Harry Beaumont. Seu êxito provoca uma onda de filmes que rapidamente se tornam populares, como Caçadoras de Ouro (Gold Diggers of 1933 - 1933), A Canção do Deserto ( - 1933) e O Rei do Jazz ( - 1933). Voando Para o Rio (Flying Down to Rio - 1933), projeta Fred Astaire e Ginger Rogers. Gene Kelly por Diário de Um Homem Casado (A Guide for the Married Man - 1967), Rita
  • 12. Hayworth por O Protegido do Papai (The Lady In Question - 1940) e Judy Garland por O Mágico de Oz (Wizard of Oz, The - 1939) também ganham notoriedade. COMÉDIA - Gênero consolidado na década de 20, a comédia incorpora novos nomes. Os irmãos Marx brilham com seus diálogos absurdos e graças de picadeiro em "No Hotel da Fuzarca" (The Cocoanuts - 1929), "Diabo a Quatro" (Duck Soup - 1933) e Uma Noite Na Ópera (A Night At The Opera - 1935). Os atores Oliver Hardy e Stan Laurel notabilizam a dupla O Gordo e o Magro em "Fra Diavolo" (The Devil's Brother / Fra Diavolo - 1933) e "Filhos do Deserto" (Sons of the Desert / Fraternally Yours - 1933). W.C. Fields, que surgiu no cinema por volta de 1915, destaca-se na década de 30, com "No Tempo do Onça" e "A Filha do Saltimbanco". O prestígio de Chaplin mantém-se em filmes como "Luzes da Cidade" (City Lights - 1931) e "Tempos Modernos" (Modern Times - 1936), que adquirem dimensão política. A combinação de ousadias eróticas e certa dose de crítica do cotidiano resulta na comédia de costumes, que domina o cinema americano. O alemão Ernst Lubitsch desenvolve o estilo em filmes como "Ladrão de Alcova" (Trouble in Paradise - 1932) e "Ninotchka" (Ninotchka - 1939), este com Greta Garbo. Outros representantes: George Cukor por "Uma Hora Contigo" (One Hour With You - 1932), William Wellman por "Nada É Sagrado" (Nothing Sacred - 1937), Leo McCarey por "Cupido É Moleque Travesso" (The Awful Truth - 1937), Howard Hawks por "Levada da Breca" (Bringing Up Baby - 1938) e um dos maiores nomes das décadas de 30/50, o diretor Frank Capra. Frank Capra (1897-1991) nasce na Sicília e emigra para os Estados Unidos, em 1903. Na juventude estuda química e matemática. Começa no cinema como argumentista dos cômicos Laurel e Hardy (O Gordo e o Magro). Na direção, desenvolve uma obra de conteúdo social, otimista e confiante na democracia americana, que acerta em cheio, nos anos difíceis da Depressão. "Aconteceu Naquela Noite" (It Happened One Night - 1934), ganha os principais Oscars do ano. "Do Mundo Nada Se Leva" (You Can't Take It with You - 1938), "A Mulher Faz o Homem" (Mr Smith Goes to Washington - 1939) e Adorável Vagabundo (Meet John Doe - 1941) são seus principais sucessos.
  • 13. WESTERN - Gênero específico americano, o western (faroeste) explora marcos históricos, como a Conquista do Oeste, a Guerra de Secessão e o combate contra os índios. Cenas de ação e aventura envolvem caubóis e xerifes. Em 1932 inicia-se uma grande produção de westerns, onde o caubói é também cantor, como Gene Autry e Roy Rogers. Cecil B. de Mille produz Jornadas Heróicas (The Plainsman - 1937). Em 1939, com No Tempo das Diligências (Stagecoach - 1939), John Ford abre o ciclo de produções com grandes diretores e astros, onde se destacam também King Vidor por Duelo ao Sol (Duel in the Sun - 1946) e Henry King por Jesse James (Jesse James - 1939). John Ford (1895-1973), diretor americano nascido no Maine, filho de irlandeses, é um dos cineastas mais premiados do mundo. Depois de se formar no ensino médio, vai para Hollywood, em 1914. Começa trabalhando como ator, contra-regra e assistente nos filmes de seu irmão, Francis Ford, diretor e roteirista da Universal. Em 1917 estréia na direção, fazendo pequenos westerns. Seus filmes possuem orçamentos modestos, poucos atores, e alternam dramas com trechos de comédias. Sangue de Herói (Fort Apache - 1948) e O Céu Mandou Alguém (The Three Godfathers - 1948), estão entre os westerns mais importantes da década de 40. TERROR - São várias as tendências dos filmes de terror, que têm em comum o desequilíbrio e a transgressão do real. Em 1931, Drácula (Dracula - 1931) e Frankenstein (Frankenstein - 1931) entram em cena. Um ano depois, é a vez de O Médico e o Monstro (Dr. Jekyll and Mr. Hyde - 1932), baseado no romance de Robert Louis Stevenson. Em 1933, o gorila King Kong (King Kong - 1933) assusta as platéias do mundo inteiro. POLICIAL - O filme policial surge na França, no começo do século, mas é nos Estados Unidos, a partir da década de 30, que o gênero se firma. Cenários sombrios e escuros, neblina, cenas de crimes e violência envolvem detetives, policiais, aristocratas e belas mulheres. O filme noir - como os franceses o denominaram - logo se impõe como um grande gênero. Destacam-se Howard Hawks por Scarface - (Scarface - 1932) e John Huston por Relíquia Macabra / Falcão Maltês (The Maltese Falcon - 1941).