El documento presenta información sobre diferentes fotógrafos, pintores y escultores, incluyendo breves biografías y descripciones de algunas de sus obras más destacadas. Entre los artistas mencionados se encuentran Chema Madoz, Hansel Adams, William Klein, Gregory Colbert, Walter Evans, Andrea Mantegna, Sandro Botticelli, El Greco y Domenico Greco.

1. “ 40 Principales” Sonia Cordón Martín Educación Artística y su didáctica (Plástica) 1º Educación Primaria Facultad de Ciencias de la Educación Campus del Carmen

2. La temática que he escogido para este trabajo es : “ La emotividad y la sensación que nos provocan las diferentes imágenes de los fotógrafos, pintores y escultores”. A continuación están las representaciones que he elegido.

3. William Klein Walter Evans Hansel Adams Gregory Colbert Chema Madoz Fotógrafos

4. Chema Madoz Ocultos entre la cotidianeidad surgen nuevos mundos. Nuevas dimensiones que de la mano de la metáfora alteran la percepción de la realidad más inmediata. El absurdo, la paradoja y el humor se dan cita en el estudio de su fotografía. En sus metaforizaciones fotográficas enmarca cosas de una singular simetría o hace que nos fijemos en sencillos desplazamientos, en puntos de vista que modifican lo real. Es un fotógrafo español (Madrid, 1958). En el año 2000 le concedieron el Premio Nacional de Fotografía. Ha realizado muchas exposiciones individuales en España y en el extranjero. Es amante de la fotografía en blanco y negro y en su obra existen imágenes extraídas de hábiles juegos de imaginación donde la perspectiva y la textura son muy importantes. Todas las fotografías son tomadas con luz natural. Solo introduce algo de luz artificial cuando ha fotografiado una lámpara como parte del objeto o solo para darle un toque especial a algún detalle.

5. Algunas de sus fotografías son:

7. Hansel Adams Fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas (1902 – 1984). Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes y como autor de numerosos libros sobre fotografía. Desarrolló un amplio sistema que lleva a analizar la exposición en función de una escala y no de un punto fijo. En el siguiente gráfico, podemos apreciar cada una de las zonas posibles en una imagen blanco y negro y su descripción, donde la Zona V es aquella sobre la cual se basa su exposición

8. Algunas de sus fotografías son:

10. William Klein Es un fotógrafo y director de cine estadounidense. Aunque nació en Nueva York y fue educado en el City College de esa misma ciudad, la actividad de Klein se desarrolla principalmente en Francia. Ha dirigido un gran número de películas comerciales, incluyendo el filme de 1966 Who Arte You, Polly Magoo? y la sátira antiestadounidente Mr. Freedom. La fotografía de Klein ganó el Premio Nadar en 1956. Es reconocido tanto por sus trabajos en el campo de la fotografía sobre moda como por sus reportajes de ciudades. Los primeros le hicieron célebre a través de la revista Vogue; los segundos son un testimonio de su certera visión de los lugares que visitó y muestran su habilidad para el reportaje gracias a su especial percepción psicológica. También son destacables sus trabajos en el campo de la cinematografía, a la que se dedicó en los años 60 y 70. William Klein en una de sus exposiciones

11. Algunas de sus fotografías son:

13. Gregory Colbert Nació en Toronto, Canadá, en 1960. Es un cineasta y fotógrafo mejor conocido como el creador de Ashes and Snow una exposición de obras fotográficas y videos albergada en el Museo Nómada (The Nomadic Museum). La primera exposición de Gregory Colbert se inauguró en el Museo de Elvsée en Suiza en 1992, recibiendo elogios de la crítica. Viajó a lugares como India, Birmania, Sri Lanka, Egipto, etc., para filmar y fotografiar la interacción entre los seres humanos y los animales.Desde 1992, Colbert ha realizado más de 60 expediciones y ha colaborado con más de 130 especies. Ha filmado y fotografiado animales como elefantes, ballenas, manatíes, halcones, águilas reales, rinocerontes, etc. Los sujetos humanos que ha fotografiado y filmado incluyen a monjes birmanos, bailarines en trance, gente San, y miembros de otras tribus indígenas alrededor del mundo. Gregory Colbert

14. Algunas de sus fotografías son:

16. Walter Evans Fotógrafo estadounidense que estudió en Williams College entre 1922-1923 y en la Sorbona en 1926. Se inició en la fotografía en 1930. Obtuvo una beca de la Fundación John Simon Guggenheim en 1940. En 1965 pasó a ser profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale. Sus fotografías se basan en retratos fotográficos con detalles arquitectónicos y escenas callejeras. Walter Evans

17. Algunas de sus fotografías son:

19. Pintores Andrea Mantegna Botticelli Domenico Greco El Bosco Francisco de Goya Van Gogh J. Honoré Fragonard Joaquín Sorolla Johannes Vermeer Leonardo da Vinci Masaccio Miguel Ángel Monet Murillo Rafael Sanzio Rembrandt Rubens Tintoretto Tiziano Velázquez

20. Andrea Mantegna Fue un pintor cuatrocentista italiano. Nació probablemente cerca de Vicenza, Italia. Alos 10 años comienza a trabajar en el taller de pintura de Francesco Sguarcione en Padua. A los 17 años se independiza, cansado de que su talento artístico sea apropiado por su mantenedor. La figura humana clásica será una de sus obsesiones, y reflejará en sus obras cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Donatello será su influencia en este periodo llamado “pétreo”. Los primeros años del siglo XVI estarán claramente influenciados por Mantegna en toda la pintura italiana. Por mucho tiempo, Mantegna fue considerado el autor de una serie de 50 grabados particulares, el Tarot de Mantegna, enigmática obra maestra del arte del grabado. No se trata propiamente de un Tarot, ni tampoco de una creación del celebre pintor. Se trataba claramente de un juego educativo que representa una concepción del mundo típica de la Edad Media, es decir un cosmos en miniatura expresado por cinco grupos: condiciones humanas, Apoco y las Musas, Artes liberales, principios cósmicos y virtudes cristianas y cuerpos celestes.

21. Algunas de sus obras son: El Cristo muerto es uno de los más célebres óleos sobre tela de Andrea Mantegna. Fue realizado entre 1457 y 1501. La pintura muestra a Cristo difunto, tendido sobre una losa de mármol. En un fuerte contraste de luces y sombras, la escena transmite un profundo sufrimiento y desolación. Se trata de un tema común en el Renacimiento pero nunca hasta entonces se había reflejado de una forma tan rotunda el carácter definitivo de la muerte.

22. Tránsito de la Virgen o La muerte de la Virgen María, es un óleo sobre tabla, pintado hacia el año 1461. Actualmente se exhibe en el Museo del Prado de Madrid. Se trata de una tabla de pequeño tamaño que describe un tema religioso. En realidad, era más grande, pues le falta la parte superior, en la que estaba representada la figura de Jesucristo bajo una bóveda, rodeado de ángeles que recogen el alma de la Virgen. En 2008, el Museo del Louvre ha reunido temporalmente ambas partes en una exposición sobre el artista. El estilo es veneciano. Está pintado en colores fríos, como es habitual en Mantegna.

23. Retablo de San Zenón. Es un tríptico realizado entre 1457 y 1460. Se encuentra ubicado en la Basílica de San Zenón, la principal iglesia de Verona. Las tres predelas fueron saqueadas por los franceses en el año 1797, y actualmente están reemplazadas por copias. Los originales se encuentran actualmente en el Louvre y el museo de Tours. Toda la composición está llena de detalles que se refieren a la Antigüedad clásica: el friso con los ángeles que sostienen dos guirnaldas o el trono, que recuerda a un sarcófago.

24. Sandro Botticelli Nació en Florencia y fue un pintor cuatrocentista italiano. Su reputación póstuma disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y la Primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas. Botticelli realizó entre 150 y 180 obras. Pinta numerosas obras religiosas, así como grandes composiciones profanas, mitológicas. También ha pintado varios retratos de sus mecenas, que no cuentan con la belleza, la mística, la luminosidad y el espíritu de sus otras obras. Autorretrato de Sandro Botticelli

25. Algunas de sus obras son: El nacimiento de Venus es una pintura de entre 1445 y 1510. Representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo. Se conserva en la Galería de los Uffizi (Florencia). El centro de la composición está ocupado por la diosa Venus sobre una concha que flota en un mar verdoso. Tiene la actitud de una Venus púdica: una mano sobre el pecho y otra sobre el sexo. Su postura curvilínea sigue siendo propia del gótico. Ahora bien, el contraposto, con todo el peso en la pierna izquierda y el pie derecho un poco atrasado y ligeramente levantado, se considera una actitud inspirada en las estatuas antiguas en particular del helenismo. Se trata de una pintura de extraordinaria calidad por la representación microscópica de los detalles, por las proporciones de los personajes concretos y por sus relaciones mutuas.

26. La Fortaleza es una obra realizada al temple sobre taba cimbrada. Data de 1470 y se conserva en la Galería de los Uffizi (Florencia). Se trata de la primera obra documentada del artista. Botticelli resulta innovador en la representación iconográfica de este personaje, ya que están ausentes elementos tradicionales como el casco, el escudo y la espada. Se la representa como una mujer joven con coraza con diamantes. En la cabeza luce una diadema adornada de perlas, símbolo de pureza. Sujeta en las manos una maza de hierro, cuya forma recuerda a la de una columna. Está sentada en un trono muy elaborado, con los brazos adornados por volutas formadas por hojas de acanto. Este trono se asienta sobre un estrado poligonal, calado y sostenido por columnitas. Por encima de la Fortaleza hay una bóveda con casetones de mármol.

27. La Primavera es una de las obras maestras del pintor. Está realizada al temple sobre tabla. Botticelli opta en esta obra por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle. Las figuras son de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados que recuerdan el estilo elegante del manierismo del siglo XVI. Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes.

28. Domenico Greco Conocido como El Greco, fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida. Su obra la componen grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental.

29. Algunas de sus obras son: El entierro del Señor Orgaz popularmente llamado El entierro del Conde Orgaz, es una obra cumbre del autor. Se encuentra en la iglesia de Santo Tomé, Toledo (España). El cuadro tiene influencias de la pintura italiana y también de los pensamientos de la época sobre la construcción visionaria e idealizada de la gloria celeste desde lo alto. Es curioso como El Greco también pinta al Señor de Orgaz con armadura lujosa, no humildemente envuelto en una mortaja o un hábito de mendicante, como era en realidad. También es curioso, como consecuencia del manierismo, que no existe profundidad en la escena, por lo que no observamos ni suelo, ni fondo, ni casi podemos afirmar que la escena se representa al aire libre o en el interior de una cripta. La luz existe casi exclusivamente en la parte superior. En la inferior, la luz proviene de las vestiduras.

30. El Expolio es un cuadro para la Sacristía de la Catedral de Toledo. Es un Óleo sobre lienzo. Fue realizado entre los años 1577 y 1579. Este cuadro es más poético y de expresión más elevada del artista. En la composición representa a Cristo en el centro, mirando al cielo con una túnica de color rojo intenso que domina el resto de la composición; y a su alrededor, una masa de figuras. La idealizada figura de Jesucristo destaca vigorosamente del resto y parece ajena al gentío violento que lo rodea. El rostro melancólico del Salvador queda violentamente yuxtapuesto a las figuras de sus ejecutores, que se amontonan en torno a él, creando una impresión de desorden con sus movimientos, gestos, picas y lanzas.

31. Adoración de los pastores fue ejecutado entre 1612 y 1614 en óleo sobre tela. Se conserva en el Museo del Prado. Este cuadro fue pintado para la cripta de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo de Toledo. El cuadro es una obra que el artista hizo para que colgase sobre su propia tumba en esta misma iglesia. La composición está desarrollada en espiral, creando un movimiento de ascensión. Los colores brillantes y las formas y poses extrañas crean una sensación de maravilla y éxtasis al celebrar el milagro del niño recién nacido. En Niño Jesús aparece envuelto en brillantez y blancura lo que es un recurso tomado de los iconos y parece emitir una luz que juega en los rostros de los pastores. Una energía rítmica anima la pintura, expresada en los movimientos de las figuras, como si bailasen. Fuertes contrastes entre la luz y las zonas oscuras realzan el sentido del drama.

32. El Bosco Hieronymus van Aeken nació en Hertogen Bosh (Holanda) en 1450, ciudad donde trabajo gran parte de su vida. Su apodo de El Bosco (Bosh), viene precisamente del nombre de esta población. Su padre fue probablemente su maestro, ya que era pintor de oficio. De producción relativamente escasa -tan sólo existen sobre 40 piezas reconocidas con absoluta seguridad-, durante su vida gozó de gran popularidad. Su "secreto" residía en unir la creación de un mundo fantástico cargado de simbolismos, grotesco y en ocasiones absurdo con una técnica rica en formas y colorido. Satiriza el mundo de su época con un agudo sentido crítico, por medio de desenfrenadas visiones oníricas repletas de seres monstruosos. Sin embargo su obra está cargada de una intención moralizante propia de la época, en la que el pecado es omnipresente. En su tiempo, y todavía en nuestros días, su imaginación sobrepasa la normalidad, siendo para la mayoría de los pintores surrealistas su más ilustre predecesor y artista predilecto de los intelectuales del SXX.

33. Algunas de sus obras son: El Carro de Heno. En él, destaca un diablo azulado (símbolo del engaño) que dirige al género humano hacia la destrucción. La lateral derecha representa el infierno. La alegoría le sirve a El Bosco para narrar el camino de la vida. En el cuadro, critica a todos los estamentos de la sociedad medieval, incluido el clero. Este cuadro supone la culminación de la intención satírica y moralizante que caracteriza al genial pintor flamenco. Destaca el contraste entre el dinamismo de la escena central y la tranquilidad del paisaje de fondo, dotado este de gran luminosidad.

34. El Jardín de las Delicias es un tríptico excepcional, prodigio de mitos y tradiciones mundanas e imaginativas, plagado de un clima de fantasía inagotable. Es una pintura que se lee, son situaciones sucesivas que implican la máxima atención del espectador es su contemplación. Tradicionalmente se denominó "La pintura del Madroño". En su primera parte se representa la creación del mundo (Adán y Eva), el centro es el "Jardín de la Delicias" y la parte izquierda es el infierno.

35. Las tentaciones de San Antonio es un cuadro, que posiblemente su última obra, aparece la iconografía utilizada por el pintor flamenco a lo largo de su recorrido pictórico. Evoca un mundo corrupto a través del cual pretende transmitir una serie de verdades morales y espirituales de significados precisos. El resultado es la acumulación de una serie de extrañas composiciones en las que se mezcla lo humano y lo fantástico y que cautivan al espectador porque dibujan una escena insólita. El santo, que aparece en primer plano en una posición reflexiva, incrementa su gracia de fe ante los ataques tentadores del diablo. El cuadro es un espectáculo cromático de gran precisión debido en parte al perfeccionamiento que muestra el autor en la técnica del óleo.

36. Francisco de Goya Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia. Su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX. Francisco de Goya

37. Algunas de sus obras son: Autorretrato (1769-1773). Es el primer autorretrato conocido del autor en el que se muestra de un modo directo e implacable sin ningún asomo de idealización. Se representa como un joven artista de largos cabellos. Los ojos aparentan estar algo hundidos, no en vano el rostro se ve en penumbra, resaltando los contrastes luminosos en una cara de marcados carrillos, doble papada y labios carnosos y sensuales. La cabeza, grande y firmemente asentada sobre un ancho cuello, denota vigor y expresividad, recortándose hábilmente sobre un fondo oscuro de leve irradiación luminosa.

38. La familia de Carlos IV es un retrato de la familia real del monarca Carlos IV. En el cuadro se pueden distinguir a los integrantes más importantes de la familia real. En el centro la reina con sus dos hijos y a su izquierda el rey Carlos IV. En la parte izquierda aparece su hijo el futuro rey Fernando VII y el resto de personajes son hermanos de los monarcas con sus primogénitos. Esta pintura es una crítica a la familia real y a la monarquía, ya que Goya era afín al pensamiento ilustrado. La pintura es un estudio psicológico de los personajes. De este modo, podemos ver como la reina está situada en el centro de la obra y el rey queda relegado a un segundo plano. Con esto, Goya quería resaltar el fuerte carácter dominante de la monarca, de la que eran famosas sus infidelidades con el primer ministro Godoy. Mientras, el rey aparece bonachón y distraído. La poca profundidad de la obra, la desorganización de los personajes y el juego de luces y sombras transmiten agobio y negatividad, efecto que quería transmitir el pintor al hablar de la realeza. A pesar de esta crítica, los monarcas mostraron entusiasmo al ver la obra.

39. Retrato del Infante Don Luis de Borbón e s un lienzo (y no tabla como a veces figura por error en los catálogos) muy bien conservado y ejecutado con gran acierto y precisión en los detalles, no obstante su carácter de trabajo previo para un lienzo de grandes dimensiones. Tanto el rostro como el aire cansado y algo amargo que domina están conseguidos a la perfección, con gran economía de medios. El personaje viste casaca sobre la que destacan el cuello blanco, con chorrera de encaje y hebilla dorada sujetándolo. El fondo, neutro, permite destacar con fuerza la cabeza en la que brilla con acentuada finura el único ojo aquí visible, de un azul intenso, al cual el pintor, en un supremo esfuerzo de caracterización de su modelo, intentó dotar de transparencia.

40. Jean Honoré Fragonard Nació en Grasse (Región de los Alpes Marítimos), hijo de un sastre especializado en la realización de guantes. Pronto fue enviado a París por su padre y allí demostró su talento. Ya en 1756 fue a Italia y en Roma pudo admirar los románticos jardines, con sus fuentes, templos y terrazas, donde concibió los escenarios que posteriormente plasmaría en sus obras. Hasta 1765 Fragonard había dudado entre temática religiosa, clásica y otros temas en sus obras, pero en este momento la demanda de patrones por parte del rey Luis XV que representasen escenas de amor y placer en la corte, dirigió la temática de las obras de Fragonard hacia las obras con escenas de amor y voluptuosidad con las que el nombre del artista ha sido asociado. Destaca de su estilo la belleza de los colores así como el virtuosismo del trazado fácil de sus obras. Autorretrato de Jean Honoré Fragonard

41. Algunas de sus obras son: La gallina ciega es una pintura del rococó realizada hacia 1769. Es una pintura al óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo de Arte de Toledo. Fragonard retrata aquí el juego de la gallina ciega, pero es un cuadro lleno de equívocos. Por un lado, la joven con la venda en los ojos está mirando subrepticiamente por debajo de ella, de manera que más que jugar en serio, parece ser un pretexto para dar lugar a la seducción. Por otro lado, ambos personajes están vestidos de pastores, aunque bien pudieran ser nobles o burgueses disfrazados como tales. En cuanto al paisaje, parece un bosquecillo, pero igualmente pudiera ser un escenario de teatro. De esta manera parecen abolirse los límites entre realidad y ficción, verdad y mentira.

42. El columpio es un cuadro del rococó realizado en 1767. Es una pintura al óleo sobre lienzo. Se conserva en la Colección Wallace de Londres (Reino Unido). Un rico barón encargó este cuadro a Fragonard, como homenaje a su amante. El rococó se ha convertido en el símbolo de toda una época por su refinamiento y sensualidad. Representa una escena galante en un ambiente idílico. Una joven se balancea en un columpio que empuja un hombre mayor mientras que abajo, a la izquierda, aparece un joven que mira debajo de su falda. El marido queda relegado a la sombra, mientras que el joven (amante de la mujer) luce en primer plano entre vegetación y flores.

43. Retrato del Abbé de Saint-Non es una pintura del artista que data de 1769. Es una pintura al óleo sobre tela. Se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia. Entre los diversos géneros que abordó el pintor Fragonard está el del retrato. Sus retratos son de rápida ejecución, predominando en ellos la captación de posturas instantáneas, en lugar de esforzarse por lograr el parecido o la penetración psicológica. Inventa la figura de fantasía, una nueva concepción del retrato. Son retratos libres y esbozados con brío, entre los que se encuentra este Retrato del Abbé de Saint-Non. Es de pincelada suelta, ejecución rápida, «pintado en una hora». Se presenta al retratado de medio cuerpo, con la cabeza girada hacia atrás. Viste ricas ropas que ondean con gran dinamismo. Es una postura reiterada en muchos otros de sus retratos o figuras de fantasía.

44. Joaquín Sorolla Fue un pintor y artista gráfico español impresionista. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. En general el aspecto que más interesó al público norteamericano fue su peculiar manera de interpretar los efectos lumínicos en plena luz del sol, y el uso de esta técnica para transmitir a sus temas un sentido de optimismo, confianza y vitalidad, característico de su arte. Autorretrato Sorolla

45. Algunas de sus obras son: Niña entrando en el baño es un lienzo pintado durante el verano de 1916. En él se representa a una niña, posiblemente su hija Elena, en el momento de entrar al agua. Al fondo pueden verse dos barcas y unos niños jugando. La composición que posee unos magníficos efectos cromáticos que forma la luz al incidir sobre la arena y el mar, está centrada en la playa y en el movimiento de los pequeños, no siendo visible el horizonte. Se trata de una obra de madurez del pintor. Fue expuesto por primera vez en público en mayo de 2009.

46. Paseo a orillas del mar , fue pintado en 1909, es uno de los cuadros más famosos del autor. En él aparecen representadas su mujer, Clotilde García, la cual sostiene una sombrilla, junto a su hija mayor, María Clotilde, caminando al atardecer por la playa de Valencia mientras la brisa marina hace ondear sus ropas. Este cuadro fue realizado en el verano de 1909 a la vuelta de la cuarta exposición internacional de Sorolla a comienzos de ese mismo año en varias ciudades de Estados Unidos. El éxito que alcanzó en la ciudad de Nueva York se aprecia en el vitalismo y gran colorido de esta obra. Es difícil su clasificación estilística, aunque la mayoría de autores la sitúa en el postimpresionismo español, debido al tipo de pincelada suelta, la luz, el color y el movimiento que transmite la obra. Paseo a orillas del mar ha permanecido en el estudio del pintor en Madrid desde el año 1911, convertido en Museo Sorolla desde 1932.

47. Niños en la playa es una conocida obra del pintor. Data del año 1910, está ejecutado al óleo sobre lienzo. Pertenece al Museo del Prado de Madrid, a donde llegó procedente del Museo de Arte Moderno, al cual lo donó el propio pintor en 1919; no obstante, no está expuesto sino en Depósito.

48. Johannes Vermeer Johannes Vermeer van Delft llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer, es uno de los pintores neerlandeses más conocidos del Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro holandesa, en que su país experimentó un extraordinario florecimiento político, económico y cultural. La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente 33-35 cuadros. Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La Joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos. Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. William Thoré-Bürger contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de Holanda. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz.

49. Algunas de sus obras son: El arte de la pintura es una famosa obra del pintor quien hubo de pintarla hacia 1666. Está realizada al óleo sobre lienzo. Se conserva en el Museo de Historia del Arte de Viena, Austria, donde ha estado expuesta desde que fue recibida por el gobierno austriaco en 1946. Muchos expertos de arte creen que la obra de arte es una alegoría de la pintura, de ahí el título alternativo de este cuadro. Es el más grande y complejo de los cuadros de Vermeer. La pintura es famosa por ser una de las favoritas de Vermeer, y un buen ejemplo del estilo óptico de pintura. Creado en una época sin fotografía, ofrece una representación visual realista de la escena y es un buen ejemplo del estilo de la cámara oscura. Otros puntos fuertes de la obra son: el uso de colores brillantes y el impacto de la luz filtrándose por las ventanas sobre varios elementos de la pintura.

50. La joven de la perla o Muchacha con turbante es una de las obras maestras del pintor y, como el nombre implica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra en el Mauritshuis en La Haya. A veces se la denomina como “la Mona Lisa del Norte” o “la Mona Lisa holandesa”. Es una de las obras maestras. Es la historia de una joven que en su mayoría de edad se reúne con el pintor y se desarrolla en el siglo 17, donde una línea estricta entre ricos y pobres, católicos y protestantes, maestros y funcionarios, existe.

51. Muchacha leyendo una carta es una pintura que se encuentra en la Gemäldegalerie de Desde. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo. El cuadro nos muestra la esquina de una habitación, con la presencia de una mujer, leyendo una carta frente a una ventana abierta. A pesar de que la protagonista está mostrada de perfil, es posible contemplar su rostro gracias al reflejo de los cristales de la ventana. La figura ocupa poco espacio en comparación con el tamaño total del lienzo. Esta alfombra y este plato con frutas son los mismos que se pueden contemplar en otras obras del mismo artista. En un primerísimo plano destaca un cortinón verde, suspendido de una barra horizontal, y recogido en el lado derecho del cuadro. Constituye un efecto frecuentemente utilizado por los pintores holandeses de la época, y que dota al cuadro, como en esta ocasión, de un cierto aspecto de "escenario teatral". La protagonista lee absorta una carta, ocupando el centro de la composición.

52. Leonardo da Vinci Leonardo di Ser Piero da Vinci fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor, músico, ingeniero y el hombre del Renacimiento por excelencia. Humanista de primera línea, está ampliamente considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y quizá la persona con más variados talentos de la historia. Sus pinturas son famosas por una serie de cualidades. Sus técnicas innovadoras, su detallado conocimiento de anatomía, luz, botánica y geología, su interés en fisionomía y la forma en que los humanos registran emoción. Su gran aportación es el esfumado, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. Leonardo usa la llamada "perspectiva aérea", esto es, representar la sensación de profundidad haciendo menos nítidos los planos del fondo. Autorretrato Leonardo da Vinci

53. Algunas de sus obras son: La Última Cena es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497. Se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia). No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo. La escena parece estar bañada por la luz de las tres ventanas del fondo, en las que se vislumbra un cielo crepuscular, de igual manera que por la luz que entraría a través de la ventana verdadera del refectorio. Dicha luminosidad, así como el fresco colorido, han quedado resaltados a través de la última restauración. Los 12 Apóstoles están distribuidos en cuatro grupos de 3.

54. La Virgen de las Rocas es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre lienzo. A pesar de su gran tamaño no se trata de una composición tan compleja, pues hay sólo cuatro figuras, y un paisaje rocoso. La Virgen está sentada en el suelo de un refugio rocoso entre montañas. El paisaje que se divisa entre las rocas es alpino. Es un ambiente absolutamente innovador, en el que las figuras se agrupan formando una pirámide, envueltos por un paisaje salvaje de rocas que caen y aguas que se arremolinan. Es reseñable también la precisión del dibujo, que se detiene en las plantas del primer plano reproduciendo exactamente las variadas especies vegetales.

55. Santa Ana con la Virgen y el Niño , es una pintura al óleo representando a Santa Ana, su hija la Virgen María y el Niño Jesús. Cristo es representado agarrando un cordero lo que simbolizaba su Pasión mientras que la Virgen intenta detenerlo. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de París (Francia). En la composición se delata un incipiente manierismo. De nuevo Leonardo escoge el tema de figuras en un paisaje. Lo que hace inusual a esta pintura es que hay dos figuras colocadas de forma oblicua, superpuestas: María y Santa Ana, con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda. Los rostros son dulces y amorosos, apreciándose gran parecido entre madre e hija. El grupo triangular del primer plano encuentra correspondencia con los elementos en prisma de las colinas. La escena se desarrolla en un paisaje atemporal, rocoso. Los picos montañosos parecen evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición.

56. Masaccio Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica. Su primera obra segura es el tríptico para San Juvenal de Casia, que lleva la fecha, en la tabla central. En 1424 se inscribió en la Compañía de San Lucas de Florencia. Posiblemente este año o en 1425 comenzó a colaborar con Masolino en los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de dicha ciudad. En febrero de 1426 empezó el Políptico de Pisa , trabajo que le ocuparía durante casi todo el año. Autorretrato de Masaccio

58. La Virgen y el Niño , también conocido como Virgen con el Niño y ángeles , es un cuadro pintado en óleo sobre tabla hacia 1426. Se conserva en la National Gallery de Londres. Masaccio trabajó en colaboración con su hermano Giovanni y con Andrea di Giusto. La pintura es el panel central de un gran retablo de 19 piezas que se ejecutó para la capilla del notario Giuliano di Colino en la iglesia de carmelita en Pisa, conocido como Políptico de Pisa, realizado en el año 1426 por Masaccio. Junto a rasgos arcaicos, como el uso del fondo de oro, la principal novedad era que todos los paneles tenían un único punto de fuga, de modo que la composición resultase unitaria. Actualmente las 19 piezas están dispersas por cinco museos distintos.

59. La Trinidad. Su título completo es la Sagrada Trinidad, con la Virgen, San Juan y donantes. Está pintado en uno de los muros laterales de la iglesia de Santa María Novella de Florencia en Italia. Es quizá la obra más celebrada de Masaccio. La pintura representa el dogma de la Trinidad, en el marco de una capilla inspirada en los arcos de triunfo romanos, con una bóveda de medio cañón dividida en casetones y sostenida por columnas jónicas, flanqueadas a su vez por pilastras que sostienen un entablamento. La Trinidad destaca por su inspiración, tomada de los antiguos arcos triunfales romanos y la estricta adhesión a los recientes descubrimientos en materia de perspectiva , con un punto de fuga al nivel del espectador. La única figura que no tiene una ocupación del espacio plenamente lograda en tres dimensiones es el Dios majestuoso que soporta la Cruz, considerado un ser inconmensurable.

60. Miguel Ángel Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni conocido en español como Miguel Ángel , fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte de Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos. Autorretrato de Miguel Ángel

61. Algunas de sus obras son: El Santo Entierro es un cuadro inacabado. La datación es alrededor de 1500-1501. Una técnica mixta (témpera y óleo). Se conserva en la National Gallery de Londres, Reino Unido. La obra ha sido objeto de una serie de disputas sobre su posición cronológica, aunque en general se considera obra de juventud. El centro del cuadro representa a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con barba que está tras él es José de Arimatea, el hombre que dio su tumba para la sepultura de Cristo. La figura de la izquierda es probablemente san Juan, con una larga túnica roja, mientras que arrodillada a sus pies estaría María Magdalena. La identidad de las dos figuras de la derecha es incierta (Nicodemo, la del interior, y María Salomé se han sugerido). La otra figura que falta sería la de la Virgen María.

62. Bóveda de la Capilla Sixtina es el conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano (Roma). Fue pintada entre 1508 y 1512 por Miguel Ángel y es una de las obras pictóricas más complejas y más bellas de toda la historia del arte, encargada por el papa Julio II. En la bóveda de cañón rebajada, el artista diseñó una complicada arquitectura simulada donde incluyó el desarrollo de historias del Génesis, narradas desde el extremo del altar hasta la puerta de entrada de la capilla en más de 500m2 de espacio. Desde 1508 hasta el otoño de 1512 estuvo trabajando Miguel Ángel en su realización solo, sin ayudantes.

63. Tondo Doni es un cuadro que se ejecutó entre el 1503 y el 1504. Se conserva en la Galería de los Uffizi de Florencia (Italia), con su marco original, diseñado por el propio Miguel Ángel. Miguel Ángel empleó dos medios para esta obra, témpera y óleo. Al aplicar el óleo en capas sucesivas desde el color más intenso hasta el más ligero, de la manera que le fue enseñada cuando era un aprendiz. Miguel Ángel creó un efecto colorista bastante distinto del de los pintores flamencos de la época. Detrás de estas figuras principales se encuentra un grupo de personas. El significado de este añadido de figuras desnudas masculinas es objeto de debate, pues no hay ninguna relación obvia ni precedentes bíblicos que la relacionen con la escena que transcurre en el primer plano.

64. Monet Claude-Oscar Monet fue un pintor impresionista francés. Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos. Al aire libre, bajo la luz solar, pudo minuciosamente observar y plasmar casi inmediatamente, a "brochazos", los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por tal razón que la pintura de Monet nos resulta especialmente vital, aunque su vitalidad sea una serena vitalidad, llena de armonías. Monet

65. Algunas de sus obras son: Mujeres en el jardín es un cuadro que data del año 1867 y se trata de un óleo. Actualmente se encuentra en el Louvre de París, Francia. La tela fue rechazada en el Salón de París. Es una de las primeras telas en las que Monet, abandonando el academicismo, se encaminaba hacia el impresionismo. Aún se nota en él, sin embargo, la inspiración por modelos clásicos y por la Escuela de Barbizon . Es un momento en el que Monet prosigue sus investigaciones plásticas. Representa un día de verano, con su despreocupado ambiente. Varias mujeres, con vestidos de verano, se divierten en un jardín de flores. Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra. Protagonista del cuadro es la luz que se refleja en los cabellos, en la piel, en los vivos colores de los vestidos, las flores y las hojas de los árboles. Los reflejos luminosos y las sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en actitudes naturales.

66. Impresión, sol naciente es un cuadro que dio su nombre al movimiento impresionista. Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel. La pintura se exhibió en 1874 durante la primera exposición independiente de los impresionistas, todavía no conocidos por ese nombre. Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo.

67. Los nenúfares es un ciclo de pinturas al óleo que ejecutó el pintor al final de su vida, sobre amplios paneles, y que actualmente se exhiben en el Museo de la Orangerie de las Tullerías, en París, Francia. Estos inmensos paneles representan un lago con nenúfares. Monet los pintó para que quedaran suspendidos en círculo (dentro de una estancia circular). Los motivos le fueron proporcionados por los nenúfares del estanque de su jardín en Giverny. Los nenúfares obtienen un gran éxito en 1909, y profundizó en el estudio de estas plantas, con toda una serie de cuadros como Nenúfares en el crepúsculo (1910), que puede verse en la Kunsthaus de Zúrich. Esta serie de composiciones cromáticas culminaron con el conjunto monumental pintado para estas dos salas de la Orangerie de París.

68. Murillo Bartolomé Esteban Murillo nació en 1617, en Sevilla y fue un pintor español del siglo XVII. Es una de las figuras más importantes de la pintura barroca española que, tras haber decaído en estimación a principios del siglo XX, vuelve a gozar de importante reconocimiento mundial. Sus primeras obras están influidas por Zurbarán, Ribera, Alonso Cano, Rubens, Tiziano y Velázquez. De gran realismo, aunque con un estilo que se estaba forjando a lo que sería después, su pintura de estos años está llena de sentido social y de estética naturalista; sus grandes temas, como los niños mendigos o las escenas de la infancia de Cristo, ya están presentes en estos años, y conectan con la sensibilidad popular de las barriadas sevillanas azotadas por la peste y la mortalidad infantil. Su obra fue adquiriendo importancia y evolucionó hacia un pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas. Murillo se convirtió en un excelente pintor y poco a poco cimentó su fama. Autorretrato Murillo

69. Algunas de sus obras son: Autorretrato. El pintor aparece enmarcado en un óvalo decorado con molduras, mientras que sobre la mesa que sujeta el fingido marco encontramos elementos alusivos a su profesión: la paleta y los pinceles en la derecha y un dibujo con el lápiz, el compás y la regla en la izquierda. El modelo saca la mano del óvalo y la apoya en el marco, para crear una mayor sensación de perspectiva y acentuar el naturalismo que caracteriza a todo el conjunto. El centro de la imagen es, sin duda, el rostro de Murillo, captado con toda su profundidad psicológica, resaltando sus facciones agradables y su mirada serena. La intensidad de las luces en algunas partes y el fondo en penumbra refuerza la potencia del retrato, demostrando la calidad de Murillo para esta temática que no tocó en demasía.

70. Joven mendigo es una obra datada hacia 1650. Se trata de un óleo sobre lienzo. Se encuentra actualmente en el Museo del Louvre de París, Francia. Se ha apuntado la posibilidad de que esta obra fuera un encargo de mercaderes extranjeros en Sevilla, dado el gusto flamenco por las obras de género que reflejan la vida cotidiana. Aparece un mendigo vestido con harapos, que se concentra en su ropa apretada entre las manos. Tiene los pies sucios. Por todo acompañamiento, Murillo pinta un cántaro de barro y un cesto con manzanas. En el suelo, restos de camarones u otros crustáceos. Forman un bodegón por sí mismos. Gracias a ellos, demuestra su gran capacidad para pintar diferenciadamente materiales y texturas. La escena está iluminada con un fuerte claroscuro propio de la época barroca. La luz proviene de la ventana que queda a la izquierda e incide plenamente en el cuerpo sentado del chico, dejando en penumbra el resto de la estancia. La composición está dominada por ejes diagonales, lo cual es típicamente barroco. En cuanto al cromatismo, dominan los colores amarillentos y castaños, desde los más claros hasta los oscuros, casi negros.

71. Mujeres en la ventana es un de las obras más enigmáticas que realizó Murillo. Asomadas ante una ventana aparecen dos mujeres, ambas esbozando una sonrisa y mirando hacia el exterior, clavando sus miradas en el espectador, la de primer plano apoyada sobre el alféizar de la ventana, constituyendo un retrato magnífico, y la de segundo plano tapa su sonrisa con la toca; pero ¿qué nos está ilustrando Murillo con esta escena? El tema seguramente podría estar influido por la pintura holandesa y flamenca. La mayoría de la crítica se pone de acuerdo en que el tema de la obra es el de una escena callejera en el que se representa a dos prostitutas de la época. Según la distinta bibliografía la clave interpretativa de la obra estaría en la sonrisa esbozada por ambas mujeres, que remite a obras similares realizadas por pintores holandeses ( La Pícara de Frans Hals).

72. Rafael Sanzio Raffaello Sanzio fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento que logró importantes actuaciones tanto en las artes gráficas, como en la arquitectura y que también se interesó por la arqueología. Hijo de un pintor y criado entre artistas, alcanzó la fama a los 25 años, cuando realizó cuatro murales, entre ellos el llamado La escuela de Atenas , considerado como su obra cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años. A pesar de su muerte prematura fue muy productivo, creó una inusual colección de pinturas que en parte se conservan en Museos Vaticanos. Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael, fueron consideradas de nuevo como un modelo superior. Retrato Rafael Sanzio

73. Algunas de sus obras son: El triunfo de Galatea es un fresco realizado por el autor en la Villa Farnesina en Roma. En el centro de la composición, Galatea, de pie sobre una gran concha sostiene con ambas manos las riendas de una pareja de delfines que arrastran el original vehículo sobre la rizada superficie del mar. Anchuroso manto agitado por la brisa envuelve la mitad inferior del cuerpo de la Nereida dejando visible su hermoso torso. Si Galatea, por la corrección de sus líneas, la pureza de sus contornos y la elegancia de sus movimientos es una figura admirable, no lo es menos la de una graciosa ondina que en primer término aparece sentada sobre un centauro marino que trata de aprisionarla entre sus nervudos brazos mientras ella, sonriente y seductora, deja flotar el viento su ligero velo. Al fondo, varios centauros surcan las ondas, unos llevando a las compañeras de Galatea y otros tocando trompetas y sendos caracoles.

74. La escuela de Atenas es una de las pinturas más famosas del artista. Fue pintada entre 1510 y 1511 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. Muestra a los filósofos, científicos y matemáticos más importantes de la época clásica. Los filósofos se encuentran en una arquitectura clásica, abovedada como unas termas. En unos nichos se ven figuras gigantescas de los dioses Apolo y Atenea. Platón y Aristóteles se encuentran en el centro de la composición, alrededor del punto de fuga. Ambos debaten sobre la búsqueda de la Verdad y hacen gestos que se corresponden a sus intereses en la filosofía: Platón está señalando el cielo mientras que Aristóteles la tierra. El autorretrato de Rafael está ubicado a la derecha del cuadro, el joven de cabello marrón que observa al espectador, tocado con un sombrero redondo de color azul.

75. La pesca milagrosa. Para cubrir los frescos quattrocentistas del presbiterio de la Capilla Sixtina, el papa León X encargó a Rafael la ejecución de una serie de diez cartones inspirados en los Evangelios y en los Hechos de los Apóstoles. Según san Lucas, cuando Cristo predicaba en el lago Genesaret solicitó a Simón Pedro que echara las redes para la pesca, obteniendo una captura tan numerosa que necesitó la ayuda de otra barca. Simón cayo a los pies de Cristo ante tan increíble pesca. Este es el momento elegido por el pintor para el cartón que contemplamos, destacando el preciso movimiento de las figuras cuyos escorzadas posturas se asemejan a las obras de Miguel Ángel al igual que el aspecto escultórico y la acentuación de la anatomía. La escena se desarrolla en un amplio y luminoso paisaje, creándose una acertada sucesión de ritmos que refuerza el aspecto dramático y teatral de la composición, anticipándose el maestro al Barroco.

76. Rembrandt Rembrandt Harmenszoon van Rijn fue un pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa. Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas, y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores holandeses. Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica, y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Autorretrato Rembrandt

77. Algunas de sus obras son: La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp es un cuadro del pintor que fue pintado en 1632. Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo. Se conserva en el Mauritshuis de La Haya (Países Bajos). Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt. Fue un encargo del potente gremio de los cirujanos. El cuadro muestra una lección de anatomía con un grupo cirujanos impartida por el doctor Nicolaes Tulp. El doctor está representado explicando la musculatura del brazo a profesionales de la medicina. Especialistas modernos han comentado la exactitud de los músculos y los tendones. La cara del cadáver queda parcialmente en sombra, sugiriendo la umbra mortis (sombra de la muerte), una técnica que Rembrandt utilizaría con frecuencia.

78. La ronda de noche es una de las más famosas obras maestras del pintor, pintada entre 1640 y 1642. Ésta es una de la joyas de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam. En ella aparece la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da la orden de marchar al alférez Willem van Ruytenburch. Detrás de ellos aparecen los 18 integrantes de la Compañía. Además, en el cuadro aparecen tres niños corriendo y un perro que animan la escena. El dibujo, apenas esbozado, queda disminuido por la importancia del color y la luz, siendo poco nítidos los contornos de las figuras. Rembrandt usa el tenebrismo y el claroscuro, creando fuertes contrastes entre la penumbra y la luz. La luz proviene de la izquierda, según la dirección de las sombras proyectadas. En ocasiones parece que nace del interior de las figuras, como en el caso de la niña que corre. La iluminación es la gran protagonista de este cuadro, porque recrea una atmósfera mágica de penumbras doradas, sombras envolventes y luces cegadores. El color está aplicado con pinceladas espontáneas.

79. Los síndicos del gremio de pañeros es otra de las obras maestras del autor realizada en 1662 para la Corporación de Fabricantes de Paños, en la que aparecen representados cinco de los síndicos y un empleado de la Corporación. Rembrandt recurre a una perspectiva de abajo arriba y coloca en primer plano la mesa cubierta con un rico tapete de color rojo con bordados. Tras ella vemos a los síndicos. Rembrandt utiliza su característica luz que provoca contrastes entre zonas de luz y de sombra, aumenta los contrastes por el colorido oscuro de los trajes y el blanco de los cuellos. La pincelada utilizada por el pintor es bastante suelta, la "manera áspera" que se denominaba en la época, a base de manchas de color y de luz.

80. Rubens Peter Paul Rubens fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Se calcula que llegó a pintar unos 3.000 cuadros gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena. Las pinturas del taller de Rubens se han clasificado en tres categorías: las pintadas por el mismo Rubens, aquellas en las que sólo algunas partes -principalmente, manos y rostros- se deben al maestro y, por último, aquellas que simplemente supervisó. Como todos los grandes pintores de su época, Rubens contó con un gran taller formado por aprendices y estudiantes, algunos de los cuales -como Van Dyck- se convertirían con el tiempo en artistas profesionales por méritos propios. Autorretrato Rubens

81. Algunas de sus obras son: Autorretrato con su esposa Isabel Brant . Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo sobre madera. Actualmente se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania). El cuadro fue realizado hacia 1609, durante el primer año de matrimonio, y pretende reflejar tanto la felicidad como el bienestar de la pareja. La pintura es un retrato doble a tamaño casi natural de la pareja sentada ante un arbusto de madreselva, que simboliza el amor y la fidelidad conyugal. Las manos derechas unidas indican que ya estaban casados. Es aproximadamente el centro del cuadro y traza una diagonal con la pierna izquierda del artista. Rubens se deleita expresando con gran detalle las calidades de las telas, los encajes y bordados. Además, Rubens se representa a sí mismo como un caballero aristocrático con su mano izquierda sobre la empuñadura de su espada. El cuadro presenta una luz dorada, típica del otoño, y recae principalmente en los jóvenes rostros de los recién casados.

82. El triunfo de la Iglesia sobre la Furia, la Discordia y el Odio. Concretamente en esta escena, la Iglesia -representada por una mujer sobre un carro triunfal portando la Eucaristía- arrastra a la Ceguera y la Ignorancia, pisando con las ruedas de su carro al Odio, la Discordia y la Maldad. La composición, está llena de movimiento y de diagonales y escorzos, siguiendo el característico estilo del artista. Las figuras se sitúan en primer plano para implicar al espectador. El dinamismo de la escena se acentúa con el colorido y el claroscuro empleado. Para desarrollar aun más el concepto de barroquismo que marca toda la obra de Rubens, ha recurrido a colocar dos columnas barrocas en los extremos y dos arquitrabes en la zona superior e inferior. A esta arquitectura ha adosado la escena como sí de un tapiz se tratara, aludiendo al cuadro dentro del cuadro tan habitual en esta época. Fuera del supuesto tapiz se observa la bola del mundo, aprisionada por la serpiente que simboliza el mal. El simbolismo de la composición alcanza a los colores: azul, carmín y blanco para las virtudes y oscuros para los vicios.

83. Las tres Gracias es un cuadro de Rubens expuesto en el Museo del Prado de Madrid y está pintado al óleo sobre tabla. Se trata de un tema mitológico. La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas y están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas. La disposición de las Gracias forma un triangulo, estando la de en medio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras. Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la flacidez de sus carnes y la ampulosidad de sus contornos. El trío está enmarcado por un árbol a la izquierda y una cornucopia dorada a la derecha. A esto se une la esplendidez de un colorido cálido, brillante y luminoso con un fondo constituido por un pintoresco paisaje de una gran sutileza. En él pueden distinguirse pequeños animales pastando. Se dice que al menos una de las figuras es reproducción de la segunda mujer de Rubens o incluso variaciones sobre el mismo rostro de su esposa. Otros creen reconocer las facciones de las dos esposas del pintor.

84. Tintoretto Tintoretto, de nombre verdadero Jacopo Comin, fue uno de los grandes pintores de la escuela veneciana y probablemente el último gran pintor del Renacimiento italiano. Por su fenomenal energía y ahínco a la hora de pintar fue apodado IL Furioso, y su dramático uso de la perspectiva y los especiales efectos de luz hacen de él un precursor del arte barroco. Sus trabajos más famosos son una serie de pinturas sobre la vida de Jesús y la Virgen María en la escuela de San Rocco. Evolucionó a partir de 1540, siendo de tendencia manierista más marcada que los otros dos grandes pintores de la escuela veneciana, Tiziano y Veronés. Es un pintor que pinta con pasión, alcanzando en su plenitud su característica audacia, el dinamismo incansable de su composición, su uso dramático de la luz y sus enfáticos efectos de perspectiva, que hacen que parezca un artista barroco adelantado a su tiempo. Autorretrato de Tintoretto

85. Algunas de sus obras son: El Lavatorio es un cuadro del pintor considerado una de sus obras más importantes. Está realizado con la técnica de óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1548-1549, encontrándose actualmente expuesto en el Museo del Prado de Madrid. El artista representa a Cristo y san Pedro en un extremo de la composición. La mayor parte del lienzo está ocupado por la estancia donde se desarrolla la Última Cena, con la mesa y los discípulos en torno a ella. En el centro destaca un perro, y detrás los apóstoles descalzándose o en diversas posturas y escorzos. El extremo de la izquierda está dominado por otro apóstol que se está desatando el calzado. En el fondo se ven arquitecturas clásicas de una ciudad que recuerda a Venecia, con una barquichuela entre canales, en azules y blancos bañados por una luz fría, lo que da un aire un tanto irreal.

86. San Marcos liberando al esclavo es uno de los cuadros más conocidos del pintor. Está realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado en 1548, encontrándose actualmente en la Galería de la Academia de Venecia, Italia. La figura sentada en la parte del lado derecho, vestida de rojo intenso, es el caballero de Provenza, señor de quien va a ser castigado. Sin embargo, es salvado por la milagrosa intervención del santo. El santo está pintado en un sorprendente escorzo, en lo alto, en paralelo al escorzo de la figura del esclavo que yace en el suelo.Las figuras se enmarcan en un escenario arquitectónico.

87. Venus, Vulcano y Marte es un cuadro realizado en óleo sobre lienzo. Fue pintado hacia 1555, encontrándose actualmente en la Alte Pinakothek de Múnich, Alemania. Venus está reclinada y su marido, el viejo Vulcano, se acerca y descubre el pubis de su esposa. En una cuna, detrás, Cupido duerme. Y bajo la cama se oculta el amante de Venus, Marte. Hay en este cuadro una gran asimetría. El pintor lleva la mirada hacia el fondo, a la derecha, a través de la perspectiva de las baldosas. La figura de Vulcano se refleja en el espejo del fondo. Venus extendida en una marcada diagonal desde la parte superior izquierda hacia la zona central del borde inferior, parece un poco masculina.

88. Tiziano Tiziano Vecellio o Vecelli , conocido tradicionalmente en español como Tiziano fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas" , Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes (dos de los temas que le lanzaron a la fama), escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano. En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental. Autorretrato de Tiziano

89. Algunas de sus obras son: La Asunción de la Virgen es un cuadro del que fue acabado en 1518. Se trata de un óleo sobre madera de gran tamaño. Se encuentra en la Basílica de Santa María Gloriosa dei Frari, de Venecia, Italia. La pintura muestra diferentes acontecimientos en tres capas. En la inferior están representados los Apóstoles, con los brazos alzados hacia el cielo, con la excepción de san Pedro, cuyos brazos están cruzados. Miran a la Virgen María, Los tres planos están unidos por un efecto de luz insólito. Los personajes están representados en movimiento, con posiciones distintas: de frente, de espaldas o en escorzo.

90. Danáe es un cuadro realizado al óleo sobre tela pintado entre 1550 y 1555, para el rey de España Felipe II, que hoy pertenece a la pinacoteca del Museo del Prado (Madrid). La obra recrea una fábula de la mitología pagana, una “poesía mitológica” que representa a Danae recibiendo a Júpiter en forma de “lluvia de oro”. Es considerado como uno de los más bellos desnudos del pintor veneciano. La composición de la pintura la realiza como si fuese un friso, en un plan horizontal. Danae desnuda aparece recostada en el lecho deshecho esperando a que Zeus se le aproxime en forma de “lluvia de oro”. Separada por una colcha roja que se recoge a los pies de la dama, aparece la figura de una criada negra que, sentada en el mismo lecho trata de recoger en su mandil la lluvia de oro que llega desde el cielo. Esta figura, colocada en paralelo con la de Danae, no hace otra cosa que marcar el contraste entre la sensualidad de la dama con sus formas rudas, ásperas y con un fuerte claroscuro y realzar con su fealdad la belleza de Danae. Tiziano se expresa principalmente por el color, creando una mágica fusión de figuras y ambiente, en una gama cromática entretejida de luz.

91. Flora es un cuadro de una bella y sensual figura femenina que porta en su mano derecha unas flores mientras que con la izquierda sostiene el elegante manto carmesí , dejando al descubierto parte de sus encantos. Este gesto de Flora desconcierta a los especialistas, que no saben cómo interpretar exactamente el asunto, si como una prostituta que ofrece sus servicios a los clientes o como una alegoría matrimonial, al mostrar parte de un pecho y ocultar el otro. La luz dorada y el color se adueñan de la composición, recortando la figura ante un fondo neutro y oscuro con el que dota de mayor volumetría al conjunto. El excelente dibujo empleado por el maestro destaca la riqueza de las telas o el detallismo de las flores. La belleza sensual de Flora con su cabello dorado, su delicada piel y su expresivo gesto hacen de esta obra un auténtico retrato.

92. Van Gogh Vincent Willem van Gogh fue un pintor holandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose una de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes. Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo. Autorretrato Van Gogh

93. Algunas de sus obras son: La Italiana quizá sea esta obra la más atrevida de las ejecutadas del autor en París. La inspiración le viene a Van Gogh de las estampas japonesas por las que sentía admiración, llegando a copiar algunas de ellas bajo el título Japonaiserie. La bidimensionalidad de la figura y el aspecto decorativo de los colores tienen su origen en las xilografías orientales que Van Gogh intenta repetir hasta en el aspecto del papel donde estaban ejecutadas a través del sombreado. En el lateral derecho y en la zona superior encontramos un entramado de líneas paralelas que centran la composición, considerándose como los laterales del lienzo y los hilos que unen la tela al bastidor, en un afán de romper con la pintura tradicional. Una vez más, el color ocupa el papel protagonista, anunciando los futuros trabajos de Arles.

94. Lirios es posiblemente una de las escenas más populares de Van Gogh. Fue realizada durante su estancia en el hospital mental de Saint-Rémy. Las flores ocupan todo el espacio pictórico, empleando una perspectiva frontal, dando la impresión de ser una fotografía. Las líneas onduladas se adueñan de la composición gracias a las hojas y los tallos. Vincent juega con los tonos complementarios al recurrir a verdes y malvas, acompañados de naranjas y amarillos, creando una espectacular muestra de riqueza cromática y de luz. Las líneas oscuras que delimitan los contornos. Las pinceladas se adueñan del espacio compositivo, apreciándose claramente por parte del espectador; nuevos conceptos artísticos entran con Vincent en el mundo de la pintura.

95. Retrato del doctor Paul Gachet. La figura del doctor se recorta sobre un fondo azulado. Su gesto cansado acodándose sobre la mesa, se refuerza por la mirada y el rictus del rostro, que mira al vacío. La línea ondulada se adueña de la composición especialmente en el gabán, el fondo y la flor que aparece sobre la mesa. Por el contrario, la mesa ha sido pintada de manera plana, como si fuera una estampa japonesa. Algunos contornos han sido remarcados con tonos más fuertes. Los tonos empleados son oscuros, recurriendo al rojo y al azul como colores complementarios; en contraste, el rostro y las manos del médico son más claros. Este tipo de retratos intimistas nos acercan al modelo, dando la impresión de conocerlo de antiguo.

96. Velázquez Diego Rodríguez de Silva y Velázquez conocido como Diego Velázquez , fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La rendición de Breda . En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas . Autorretrato Velázquez

97. Algunas de sus obras son: La fábula de Aracné popularmente conocido como Las hilanderas es un lienzo conservado en el Museo del Prado. Esta obra es de los máximos exponentes de la pintura barroca española y está considerada como unos de los grandes ejemplos de la maestría de Velázquez. Temáticamente es una de sus obras más enigmáticas, pues aún no se conoce el verdadero propósito de esta obra. Velázquez divide la obra en planos, a la manera de aquellos cuadros medievales cuyos grupos han de «leerse» en un orden determinado, como si fuesen páginas de un libro. Consigue que nuestra vista pase de la hilandera iluminada de la derecha, a la de la izquierda, para saltar por encima de la que se agacha en la penumbra hasta la escena del fondo. En cuanto a los colores, Velázquez usa una paleta casi monocroma, con capas de pintura finas y diluidas. Usa una pincelada suelta.

98. La rendición de Breda o Las lanzas es un óleo sobre lienzo, pintado entre 1634 y 1635 por y que se conserva en el Museo del Prado de Madrid desde 1819. Velázquez desarrolla el tema sin vanagloria ni sangre. Los dos protagonistas están en el centro de la escena y más parecen dialogar como amigos que como enemigos. Justino de Nassau aparece con las llaves de Breda en la mano y hace ademán de arrodillarse, lo cual es impedido por su contrincante que pone una mano sobre su hombro y le impide humillarse. En este sentido, es una ruptura con la tradicional representación del héroe militar, que solía representarse erguido sobre el derrotado, humillándolo. Igualmente se aleja del hieratismo que dominaban los cuadros de batallas. Velázquez representa con realismo al general Spínola. Un realismo semejante, y caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados, que están tratados como retratos.

99. La Venus del espejo es un cuadro que actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. La obra representa a la diosa Venus en una pose erótica, tumbada sobre una cama y mirando a un espejo que sostiene el dios del amor sensual, su hijo Cupido. Se trata de un tema mitológico al que Velázquez, como es usual en él, da trato mundano. No trata a la figura como a una diosa sino, simplemente, como a una mujer. Esta vez, sin embargo, prescinde del toque irónico que emplea con Baco , Marte o Vulcano .

100. Escultores Alexander Archipenko Alexander Calder Antonio Canova Auguste Rodin Brancusi Donatello Gian Lorenzo Bernini Luis Ortiz Monasterio Marcel Duchamp Miguel Ángel

101. Alexander Archipenko Fue un artista, escultor y artista gráfico ucraniano de vanguardia. Su nombre puede verse escrito, también, como Olexandr, Alexander, o Aleksandr, mientras que su apellido puede aparecer transcrito como Archipenko. Su estilo está asociado con el cubismo. Se alejó de la escultura neoclásica de su época y usó el espacio negativo para crear una manera nueva de mirar a la figura humana, mostrando simultáneamente una serie de puntos de vista del sujeto. Se le conoce por haber introducido vacíos escultóricos, y por su invención de mezclar géneros a lo largo de su carrera: diseñando «esculto-pinturas», y más tarde experimentando con materiales tal como acrílico claro y terracota. Fotografía de Alexander Archipenko

102. Algunas de sus obras son: La reina de Saba

103. Motivo Egipcio Mujer andando

104. Alexander Calder Alexander Calder fue un escultor estadounidense hijo y abuelo de escultores, siendo su madre pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1872. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas. Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. Alexander Calder

105. Algunas de sus obras son: Flamingo

106. Font de Mercuri Pez de acero

107. Antonio Canova Antonio Canova fue un escultor italiano. A causa de sus modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó una fama y un prestigio que mantuvo durante toda su vida. Sus primeras obras venecianas están impregnadas todavía del espíritu barroco que reinaba en la ciudad de la laguna. Sus primeras obras del período romano manifiestan ya la maestría técnica y la perfección en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución realizada con un detallismo casi artesanal. Antonio Canova

108. Algunas de sus obras son: Cupido y Psyche Las tres Gracias

109. Paulina Bonaparte Borghese

110. Auguste Rodin Auguste Rodin fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: «el primer moderno». El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido. Retrato de Auguste Rodin

111. Algunas de sus obras son: El Beso Los burgueses de Calais

112. El pensador

113. Brancusi Constantin Brancusi fue el más famoso escultor rumano, nacido en Hobiţa (Târgu Jiu) en 1876 y fallecido en París en 1957. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumanía y Australia. Brancusi estudió en Craiova (Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional militar de Bellas Artes en Bucarest desde 1894 hasta 1981. Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios. Como estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno. Entabló amistad con Amedeo Modigliani, Erik Satie y Marcel Duchamp. Su obra evolucionó hacia una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. Brâncusi, Roché & Satie.

114. Algunas de sus obras son: La Columna del Infinito La mesa del silencio

115. La puerta del Beso

116. Donatello Donatello nació en Florencia (Italia) en 1386 y fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada en 1408, en los años sucesivos realizó Entre sus obras más importantes destacan el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio. Estatua de Donatello

117. Algunas de sus obras son: El Gattamelata

118. San Jorge Virgen, Niño y Santos

119. Gian Lorenzo Bernini Gian Lorenzo Bernini fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. Las obras de Bernini revelaron ya desde un principio su enorme talento. En su primera fase estilística, Bernini demuestra un interés y un respeto absoluto por la escultura helenística, en obras que imitaban a la perfección el estilo antiguo. A lo largo de su vida realizó numerosos retratos de papas, reyes y nobles, que le reportaron fama y riqueza. Les solía retratar a la heroica, realzando la expresión y magnificencia. El mismo confesó inspirarse para ello en Rafael. El arte de Bernini estaba basado en la arquitectura, la escultura y el urbanismo, que se fundían en el teatro. Bernini fue un escenógrafo muy apreciado, utilizaba todos los recursos disponibles para sorprender al público con efectos ilusionistas, reutilizados después en su arquitectura. Esto se aprecia en conjuntos monumentales que combinan las figuras esculpidas, ubicadas en un escenario arquitectónico. Autorretrato de Bernini

120. Algunas de sus obras son: Apolo y Dafne David

121. Éxtasis de Santa Teresa

122. Luis Ortiz Monasterio Escultor mexicano. Tras cursar estudios en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia de San Carlos, llegó a ser profesor de esta última en 1926. Dos años después expuso con éxito en Los Ángeles y en San Francisco, y en 1936, en la Galería Nacional de México. Su impresionante cultura artística favoreció una obra que integra un variado abanico de estilos historicistas. Con sus esculturas ofreció una nueva interpretación de la antigüedad clásica, egipcia, india y autóctona de marcado tono realista. Entre su amplio repertorio de obras monumentales de talla directa en piedra, que reinterpretan la tradición plástica azteca, destacan El llamado a la Revolución , El esclavo , La fuente de Netzahualcóyotl , en Chapultepec, y los bajorrelieves de la Escuela Nacional de Maestros.

123. Algunas de sus obras son: El Viento La Venus

124. La Victoria

125. Marcel Duchamp Marcel Duchamp. Artista y ajedrecista francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art, y aún hasta nuestros días, se mantiene como el artista crucial para la comprensión de la posmodernidad. Es frecuente desprender de las obras de Duchamp lecturas con contenidos explícitamente sexuales, en general, los análisis de su obra se mueven entre el sicoanálisis y los cuestionamientos académicos e institucionales de las artes plásticas.

126. Algunas de sus obras son: Botellero Fuente

127. Rueda de bicicleta

128. Miguel Ángel Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Es el gran escultor de todos los tiempos. Fue ante todo un artista que prefirió este genero por encima de los demás. Miguel Ángel es un estudioso del movimiento, siendo innovador y presentando nuevas soluciones. Poseía una amplia visión de la composición escultórica, siendo sus composiciones originales, novedosas, fruto de una gran reflexión. Toma posesión del espacio, el volumen es una preocupación de su escultura, da siempre el volumen adecuado. Sus composiciones escultóricas están llenas de ritmo, inspirado en la propia vida. Trabaja siempre grandes bloques de mármol, nunca hace añadidos. Suele trabajar sólo por lo que es un maestro del cincel, realiza desde el vaciado grueso hasta la pulido del mármol. Miguel Ángel

129. Algunas de sus obras son: La Piedad

130. La Virgen de la escalera Moisés

131. Libres Jean Arp Joan Miró Picasso Toulouse-Lautrec. Dalí

132. Jean Arp Hans (Jean) Arp fue un escultor, poeta y pintor francoalemán. Nació en Estrasburgo, durante el breve período siguiente a la guerra franco-prusiana, cuando la zona era conocida como Alsacia-Lorena , después de haber sido devuelta a Alemania por parte de Francia. Luego de que el territorio fuera reincorporado a Francia nuevamente, al término de la Primera Guerra Mundial, las leyes francesas determinaron que su nombre sería Jean y no Hans . Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica , en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad. Su poesía se incluye dentro del movimiento surrealista. En 1926, Arp se traslada al suburbio de Meudon en París. En 1931, rompe con el movimiento surrealista y funda la Abstracción-creación, trabajando con el grupo parisino Abstracción-creación y editando en la revista Transition .

133. Algunas de sus obras son: Abstract Composition, Knossos Configurazione

134. The Crucified on black ground

135. Joan Miró Joan Miró i Ferrà pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de " matarlos, asesinarlos o violarlos ", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York. Joan Miró en Barcelona

136. Algunas de sus obras son: Dona i Ocell La caricia de un pájaro

137. Personajes fantásticos

138. Picasso Pablo Ruiz Picasso (Málaga, 25 de octubre de 1881 - Mougins, Francia, 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras supervivientes en museos de toda Europa y el mundo. En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone). Foto de Pablo Picasso

139. Algunas de sus obras son: Guernica

140. Las señoritas de Avignon Los tres músicos

141. Toulouse-Lautrec Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa Tapié de Celeyran, conde de Toulouse-Lautrec-Monfa, conocido simplemente como Toulouse Lautrec fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del postimpresionismo. La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes, siendo el suyo un estilo muy característico. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres influencia del arte japonés, que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. Sin embargo, su primera influencia fue la pintura impresionista y, sobre todo, la figura de Degas, de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Fue la vanguardia del modernismo y del Art Nouveau. Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec

142. Algunas de sus obras son: Baile en el Moulin Rouge

143. Salon de la rue des Moulins Suzanne Valadon

144. Dalí Salvador Dalí fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que « vampirizó » innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria , el famoso cuadro de los « relojes blandos », realizada en 1931. Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Salvador Dalí

145. Algunas de sus obras son: El enigma del deseo

146. La persistencia de la memoria Muchacha asomada a la ventana