El Renacimiento se caracterizó por la música polifónica entre 1400 y 1600. Las formas musicales incluyeron la misa, el motete y el madrigal. Compositores notables fueron Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás Luis de Victoria. El estilo se caracterizó por el contrapunto y el uso moderado de terceras y sextas como intervalos armónicos.
1. RENACIMIENTO
INTRODUCCIÓN
La música renacentista es la música clásica europea (1400 y 1600)
CARACTERÍSTICAS Textura polifónica que sigue las leyes del contrapunto, y
ESTILÍSTICAS regida por el sistema modal heredado del canto
gregoriano.
FORMAS o La misa y el motete en el género religioso
MUSICALES o El madrigal, el villancico y la chanson en el género
profano
o Las danzas, el ricercare y la canzona en la música
instrumental.
COMPOSITORES Josquin Desprez, Palestrina, Orlando di Lasso y Tomás
Luis de Victoria
ESTILO
Se caracteriza por una suave sonoridad que deriva de la aceptación de la
tercera como intervalo armónico consonante y del progresivo aumento
del número de voces, todas de igual importancia y regidas por las reglas del
contrapunto: independencia de las voces, preparación y resolución de las
disonancias, uso de terceras y sextas paralelas, exclusión de las quintas y
octavas paralelas, etc.
El prototipo de obra musical es una pieza vocal de textura polifónica,
frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces de carácter
cantabile; cada línea melódica o voz podía ser interpretada indistintamente con
voces reales o con instrumentos.
El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos
gregorianos.
2. Las características modales (opuestas a las tonales) comenzaron a agotarse
a finales del período con el uso creciente de intervalos de quinta como
movimiento entre fundamentales, característica definitoria de la tonalidad.
GÉNEROS Y FORMAS
MÚSICA RELIGIOSA: Se expandió en toda Europa. Las formas
litúrgicas fueron:
MISA: Dos procedimientos:
cubría el ciclo - Cantus firmus: (típica del siglo XV) Melodía preexistente,
del ordinario, procedente del canto llano, canciones profanas o populares y la
basado en situaba en una de las voces (Tenor). Las otras voces son creadas
material ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces.
preexistente Una variante es la de parafrasear (melodía preexistente es
fragmentada y repetida entre cuatro voces como en la Misa Pange
Lingua de Josquin Desprez)
- Parodia o de imitación: (habitual en el siglo XVI) Procedente del
motete o canción polifónica anterior. Y utiliza el material melódico
y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o fragmentos
completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos o
voces nuevas y cambiando el texto. Como en la Misa Malheur me
bat de Josquin Desprez, basada en una canción de Ockeghem
MOTETE: Procedente del motete medieval, asumió una textura imitativa de
Pieza voces de igual importancia (cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales
polifónica de del XVI), con frases musicales superpuestas y nuevos motivos para
texto sacro y cada frase textual. El autor solía crear material original.
en latín En el siglo XVI se desarrollan: Motetes bipartitos y en la Escuela
Veneciana los policorales, para 8 o 12 voces. (Ave María de Josquin .)
Géneros sagrados en lengua vernácula, fueron el villancico religioso
español, el madrigal espiritual, la lauda italiana y el coral luterano.
3. MÚSICA VOCAL PROFANA
En Italia, la villanella, la frottola y el madrigal.
En España, el romance, la ensalada y el villancico.
En Francia, la chanson polifónica parisina.
En Inglaterra imitan el madrigal italiano (1600 la canción con laúd
isabelina)
A finales del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la
ÓPERA tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.
MÚSICA INSTRUMENTAL
De modo paralelo al rango vocal, los instrumentos ampliaron su tesitura
creándose familias, cada tamaño era nombrado con el nombre de la voz
(flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos; las violas da gamba,
sacabuches de metal o chirimías de madera).
Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la
música polifónica. También se ejecutaba de forma instrumental (en
conjuntos homogéneos (llamados consorts), en grupos que combinaban
instrumentos de diversas familias o instrumentos polifónicos, como el órgano,
virginal, arpa, laúd o, en España, la vihuela).
Eran habituales los conjuntos domésticos de instrumentistas aficionados,
incapaces de leer la notación musical convencional, por lo que el sistema de
escritura era peculiar para cada instrumento, llamado tablatura. El laúd, fue el
instrumento doméstico solista más popular en Europa. De diversos
tamaños y forma de pera. Tenía una cuerda simple y cinco dobles y el clavijero
vuelto hacia atrás; y se utilizaba como instrumento solista, con el canto y
en conjuntos de cámara. La vihuela de mano fue su equivalente español.
Los primeros tratados de enseñanza de cada instrumento (como los que
dedican Ganassi a la flauta de pico y Diego Ortiz a la viola da gamba) denotan
un muy alto nivel técnico y musical, solía transmitirse oralmente y raramente
escrita: era habitual la improvisación, fuese directa o sobre material vocal
preexistente (disminución).
4. Las principales formas instrumentales de la época fueron:
Formas derivadas de modelos vocales: sin texto. Del motete derivaron
piezas polifónicas imitativas (ricercare, fantasía o tiento), de la chanson
derivó la canzona, más viva y dividida en secciones.
Danzas: funciones instrumental de acompañamiento. Solían estar
escritas a cuatro voces, en una sencilla textura homofónica.
Formas improvisatorias: Podía tratarse para instrumento polifónico
(toccata, preludio, tiento), bien de variaciones melódicas ornamentales
sobre una o varias voces de un modelo vocal preexistente (recercada,
disminuciones) o bien de largas series de variaciones sobre un basso
ostinato, el passamezzo antiguo o el passamezzo moderno.
Teoría y notación
Las composiciones estaban escritas
- En particellas
- Las barras de compás no se usaban.
- Las figuras eran más largas que las usadas en nuestros días
- La unidad de pulso era la semibreve, o redonda. Como ocurría desde el
Ars Nova cada breve podía equivaler a dos o tres semibreves. En la
actualidad, una negra puede equivaler a dos corcheas o tres que se
escribirían como un "tresillo".
Contexto social
El ascenso de la burguesía como clase social, las ideas del Humanismo
(incluyendo la revalorización de las artes como puro disfrute personal) y el
invento de la imprenta produjeron una extraordinaria y nueva difusión de la
música culta. Esta pasó de ser un privilegio sólo al alcance de la nobleza y el
alto clero, y ejecutada exclusivamente por profesionales, a ocupar también un
lugar en el ocio de las clases medias, que consumían la amplia literatura
musical profana publicada en toda Europa para uso casero de aficionados:
canciones polifónicas en Francia, libros de vihuela y villancicos en España,
madrigales en Italia e Inglaterra... Tocar un instrumento musical pasó de ser
tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases altas,
recomendado incluso por Maquiavelo en El Príncipe.
5. Historia y evolución
Primera generación: las escuelas inglesa y borgoñona (1420-1450)
La influencia del nuevo estilo inglés (John Dunstable, Leonel Power), basado
en el uso de terceras y sextas como consonancias (practicadas de forma
improvisada y sistemática en el fauxbourdon), estilo más límpido y fluido. Si
bien se perdió complejidad rítmica, se ganó en vitalidad rítmica y el
empuje armónico cadencial.
Es en esta época cuando fueron gradualmente establecidas las reglas del
contrapunto académico, tales como la prohibición de quintas y octavas
paralelas y la restricción de las directas. Los más notables autores de este
tiempo estuvieron en la órbita del ducado de Borgoña (que incluía también
tierras de las actuales Holanda, Bélgica y el norte de Francia), como Guillaume
Dufay y Gilles Binchois.
La segunda generación franco-flamenca (1450-1480)
En la generación de Antoine Busnois y Johannes Ockeghem se afianzaron las
nuevas reglas del contrapunto, consolidándose la polifonía imitativa en un
estilo erudito de frases larguísimas y sofisticadas. Se usaron extensamente las
técnicas del canon, convencional o mensural.
La tercera generación franco-flamenca: el estilo internacional (1480-1520)
Josquin Desprez
Aparece así uno de los mayores genios de la historia musical, Josquin des
Prez, cuyo estilo claro, limpio y elegante se convierte en modelo de estilo
polifónico para toda Europa: cadencias claras y frecuentes, secciones a dos o
tres voces, pasajes homofónicos que subrayan el texto, clara articulación
general de la forma, líneas melódicas equilibradas y de apariencia sencilla...
Estilo internacional común en Alemania, Italia, España, Francia e Inglaterra.
Entre las muchas obras maestras de Josquin, de todos los géneros, cabría
destacar la Misa Pange Lingua.
Durante las décadas de inicio del siglo XVI la convención musical de un tactus
(pensemos en el moderno compás) de dos semibreves=una breve comenzó a
6. ser tan común como el de tres semibreves=una breve, como había sido
habitual hasta entonces.
La cuarta generación (1520-1550)
Cristóbal de Morales
Entrado ya el siglo XVI el estilo internacional (fuertemente influenciado por
Josquin) se impone en la música religiosa, si bien autores como el español
Cristóbal de Morales o Nicolas Gombert tienden a aumentar el número de
voces (típicamente cinco), homogeneizar la textura, alargar frases y ocultar las
cadencias, volviéndose de algún modo así a las maneras más complejas y
refinadas de Ockeghem.
Es en esta época cuando se consolidan los estilos locales de la música
profana: aparecen el nuevo madrigal italiano (Festa, Arcadelt, Verdelot) y la
chanson parisina (con frecuencia homofónica, y muchas veces onomatopéyica
y humorística). En España se publican libros para vihuela.
La quinta generación (1550-1600)
La convulsión provocada por la Reforma protestante y la Contrarreforma afectó
de lleno al estilo musical. Pasado el peligro de supresión de la polifonía,
fomentando la homofonía y en general la claridad. Giovanni Pierluigi da
Palestrina vino a cultivar un fluido estilo de contrapunto libre en una densa y
rica textura en la cual las disonancias. Este estilo quedó fijado como modelo
para la música religiosa de su tiempo, y desde entonces para la enseñanza
del contrapunto académico.
En este período, el tactus era generalmente de dos semibreves por breve, con
tres por breve para los efectos especiales y las secciones culminantes.
La disolución del estilo renacentista
Diversas razones, algunas de origen puramente musical y otras ideológicas
causaron las progresiva descomposición del estilo musical típico del
Renacimiento: la policoralidad, el estilo concertante, la creación de la monodia
y la consiguiente aparición del bajo continuo disolvieron la textura polifónica,
mientras el cromatismo extremo y las tendencias tonales (como las quintas
como movimiento entre fundamentales) rompían el sistema modal diatónico.
7. La policoralidad
En Venecia, se desarrolló el impresionante estilo policoral, que dio a Europa
algunas de los múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes
espacios de la Basílica de San Marcos de Venecia. Estas múltiples
combinaciones, que contenían ya el germen del estilo concertante, se
difundieron por toda Europa en las décadas posteriores, Alemania, España,
Francia e Inglaterra, marcando el principio del cambio estilístico que
conduciría al Barroco musical.
La monodia acompañada
Empezó en Florencia, donde hubo un intento de revivir el drama y el estilo
musical de la antigua Grecia mediante la monodia, un canto declamado
sobre un acompañamiento instrumental simple. Inicialmente la monodia fue
utilizada sólo en la música profana. Estos músicos fueron conocidos como la
Camerata Florentina.
El manierismo
A finales del siglo XVI, se desarrolló un estilo manierista radical. En música
profana, especialmente en el madrigal, había una tendencia hacia la
complejidad y hacia el cromatismo extremo. Musica reservata estilo o práctica
musical a cappella, en Italia y el sur de Alemania, asociado al refinamiento,
cierta exclusividad y una intensa expresión emocional del texto cantado.
Tendencias conservadoras
Los compositores romanos eran estilísticamente más conservadores que los
de la Escuela Veneciana. El origen de la Escuela Romana fue Giovanni
Pierluigi da Palestrina , con la tranquila, clara y perfecta polifonía.
Los madrigales ingleses eran a cappella, predominantemente ligeros en estilo,
y generalmente empezaban como copias o traducciones directas de los
modelos italianos. La mayoría fueron escritos para entre 3 y 6 voces.
