1. Bárbara Kruger
Natalia Bagnasco
2° Tex C
Turno Vespertino

2. BREVE RESEÑA BIOGRÁFICA Y OBRA
Bárbara Kruger, artista conceptual norteamericana, nació el 26 de enero de 1945 en Newark,
Nueva Jersey. Se graduó de Weequahic Hogh School y luego estudió arte y diseño con Diane
Arbus y Marvin Israel en la Escuela de Diseño Parsons de Nueva York. Comenzó trabajando
como diseñadora en la revista Mademoiselle y luego continuó como editora de imágenes en
House and Garden, Aperture y otras publicaciones.
Además de ser artista y diseñadora, Barbara Kruger ha enseñado en diversos lugares tales
como el Instituto de Arte de California, el Instituto de Arte de Chicago y en la Universidad de
California.
Bárbara Kruger siempre ha estado fuertemente vinculada al tema de género y al feminismo, el
cual predomina en su obra.
Sus primeros trabajos como artista comprendieron obras hechas con materiales textiles con
tejidos, hilados, perlas, lentejuelas, plumas y cintas. Estas técnicas de origen decorativo se
asociaban al trabajo manual de las mujeres y en esos años ciertas artistas feministas, como
Kruger, las reivindicaron en el mundo del arte. Luego pasó a trabajar con fotografías en blanco
y negro de exteriores arquitectónicos, a las cuales agregaba texto.
Su trabajo artístico insignia se nota fuertemente influenciado por sus experiencias creativas en
el campo del diseño. Muy influenciada por las ideas de Michel Foucault, Roland Barthes y
Jacques Lacan, comienza a realizar collages estilo agit-prop con documentos fotográficos ya
existentes a los que les agrega textos concisos y frontales en tipografía Futura Bold Oblique en

3. color blanco sobre fondo rojo. Este texto suele invertir el significado de fondo, cuestionando
temas como el consumismo, el poder, los estereotipos sociales, el papel de la mujer, las
políticas sociales, provocaciones feministas, religión, sexo, etcétera
Descubre que la fotografía es un medio de difusión importante e impactante, al mismo tiempo
que considera que el poder en las relaciones sociales se impone a través de la imagen. Ella
sostiene que la sociedad está controlada por los códigos dictados por los medios de
comunicación, hasta el punto de que las experiencias vividas en ocasiones se reducen a la
imitación de aquellos clichés asentados en nuestra memoria.
Sus obras buscan despertar en el espectador una actitud crítica frente a todos los temas
nombrados, lo cual consigue a través de la utilización de una mínima cantidad de signos y del
excelente manejo del diseño gráfico y la publicidad que adquirió en sus primeros trabajos.
Kruger trabaja con el lenguaje y con los signos mediante técnicas publicitarias y de medios de
comunicación masiva para subvertir la iconografía de la sociedad de consumo, haciendo
cuestionar al espectador sobre el feminismo, el consumismo, la individualidad y el poder. En
este sentido, uno de los aspectos interesantes de su trabajo es que extrae las imágenes sobre
las que trabaja de las revistas que venden las ideas que ella cuestiona. Se apropia de imágenes
en blanco y negro ya existentes de otras épocas, las cuales tiene mucho peso en cuanto a
significado, alterándolas y destruyendo ese significado inicial para crear uno nuevo.
Sus obras poseen tamaño de gigantografía tal como si fueran una verdadera pieza publicitaria,
y suelen aparecen en periódicos, vallas, posters, paseos públicos, e incluso en estaciones de
tren. De esta forma la artista y su crítica se imponen tanto en el espacio público como en el
privado de la persona, planteando preguntas sobre temas que normalmente no se discuten.
El estilo personal de Kruger es directo y cortante y apunta directamente al control patriarcal, al
económico y al cultural. Algunos de sus eslóganes más conocidos son “Your body is a
Battlegroud” (Tu cuerpo es un campo de batalla), “I Shop, Therefore I am” (Compro, luego
existo), “ We don’t need another heroe” (No necesitamos otro héroe). La yuxtaposición de la
imagen con el texto crea una tensión que logra captar la atención y empujar al análisis del
mensaje. El uso de pronombres personales como Tú, Yo, Nosotros, involucra activamente al
espectador en el mensaje. La brevedad del texto elimina lo superfluo, y en cuanto a lo visual,
evita lo difícil para que la gente entienda claramente lo que la obra está transmitiendo.
Teniendo todo esto en cuenta, se ve claramente que el objetivo de su obra es lograr que el
espectador efectivamente reflexione sobre los temas que plantea.
Se encuentra una ironía también en que su obra posee forma de avisos publicitarios, cuando
es la publicidad la que vende y establece los conceptos y las ideas que ella cuestiona en sus
trabajos. De esta forma, logra subvertir la tradicional alianza de la propaganda con la élite
cultural y los poderosos.

4. LAS 5 CLAVES DE INTERPRETACIÓN DEL ARTE
CONTEMPORANEO
Clave 1:
Fundamentos y procesos de la institución artística:
-
Experiencia estética, Autoría, Objeto/obra de arte, Categorías del Lenguaje
Procesos: desmaterialización, deconstrucción de la autoría y de las categorías del
lenguaje, transformación de la experiencia del arte
La modernidad ha transformado los fundamentos clásicos del arte. La desmaterialización del
arte se refiere al cambio que ha tenido lugar y que se refiere al arte del concepto por sobre el
arte del objeto. El objeto ha dejado de ser lo principal, para darle mayor importancia a la idea y
al concepto que hay detrás del objeto en sí. En cuanto a la deconstrucción de la autoría, el arte
contemporáneo ha significado un cambio importante, ya que ya no se trata de un único autor
cuya firma era aún más importante que la obra, sino que comenzaron a aparecer obras
anónimas o colectivas, que dejan de lado la importancia del artista único, así como también
aparece el arte de apropiación. Este último se refiere a las obras de aquellos artistas que se
apropian de las obras de otros y las reproducen ya sea de manera idéntica o con alteraciones.
En este aspecto también entra el arte interactivo, en el cual el público es coautor de la obra
conjuntamente con el artista. Por otro lado, las antiguas categorías del lenguaje (Pintura,
Escultura, Arquitectura, etcétera) experimentan un giro al comenzar a aparecer nuevas
técnicas que son consideradas arte tales como la Fotografía y el Video Arte. Sobre la
experiencia estética, se puede decir que pasa a diferir de la experiencia racional ante la obra
de arte.
Clave 2:
Carácter performático del arte contemporáneo:
Hipótesis: Toda propuesta artística actual involucra una dimensión performáica.
4 dimensiones del arte performático:
-
Celebración plástica
Encadenamiento histórico
Contenido
Transgresión
El performance art es el arte de acción, donde el artista busca una relación más directa con el
espectador, a través de sus acciones en un espacio y tiempo específicos. El performance art

5. proviene de los Happenings, los Actions, los Fluxus y el Body Art de finales de los años 60.
Todo arte actual tiene una propuesta performática, la cual incluye las 4 dimensiones
anteriormente nombradas. La celebración plástica se refiere al sentido estético, a los aspectos
formales de la performance. En cuanto al encadenamiento histórico, la performance está
vinculada a la historia del arte, no se percibe sin tener en cuenta esta historia. Para
comprenderla, hay que tener en cuenta los antecedentes artísticos, y los códigos en los cuales
esta obra está inserta. El contenido se refiere a lo que expresa la performance, al mensaje que
nos transmite, a la idea que la obra plasma. Toda obra performática también tiene una
dimensión transgresora, rompe con ciertos límites preestablecidos, busca ir más allá.
Clave 3:
Giro minimalista:
-
Implosión del objeto
Protagonismo del espacio, del tiempo y del cuerpo
El giro minimalista tiene lugar en la 2da mitad del siglo XX y se relaciona con lo geométrico, lo
industrial y con la austeridad constructiva y de recursos (“menos es más). El minimalismo se
caracteriza por la implosión del objeto en el sentido de que el mismo como tal desaparece
para dar protagonismo a la idea. Esto plantea un quiebre en el mercado del arte, ya que se
empieza a considerar la idea como más valiosa que el objeto en sí. El valor total de la obra pasa
a ser el concepto, y esto es lo que define al arte conceptual. El objeto puede ser llevado a cabo
por otra persona y no por el autor de la idea (esto está fuertemente relacionado con la
deconstrucción de la autoría anteriormente nombrada). Por otro lado, el espacio, el tiempo y
el cuerpo comienzan a ganar protagonismo y a jugar un papel importante a la hora de
conferirle carácter a la obra como tal. Por ejemplo, en cuanto a espacio, el arte se va fuera del
museo y toma otros ámbitos (vía pública, etcétera, noción de Land Art). La temporalidad gana
protagonismo con el Video, conjugando movimiento y acción mientras que el cuerpo también
lo hace a través del Body Art y la integración del público a la obra de arte.
Clave 4:
La experiencia estética como discontinuidad:
Experiencia estética como aplazamiento de la comprensión (Theodor Adorno)
Categorías temporales de la experiencia estética:
-
Tiempo suspendido
Tiempo asociativo
Tiempo paradójico
Concepto de Panestesia

6. La experiencia estética como conocimiento a través de la sensibilidad, como discontinuidad del
pensamiento racional, se refiere a trascender la posibilidad de razonar sobre lo que estamos
viendo. Esta clave sugiere que no se llega a comprender qué es lo que pasa con esa
experiencia. Tiempo, razón y lenguaje corren el mismo sentido. El tiempo de la experiencia
estética es surrealista, donde el futuro se junta con el pasado y se detiene en la obra.
Clave 5:
La imagen como símbolo:
-
La imagen de lo invisible
Concepto de Simbolon
Concepto de mitología griega. Platonismo
Poeta/Profeta
El concepto de simbolon (disco que utilizaban los griegos para sellar la vinculación entre
distintos clanes) ayuda a expresar la idea de la unión entre la imagen y el símbolo, de donde
nace el sentido del arte. Una parte va a remitir a la otra. La imagen representa lo materializado
en el arte, mientras que el significado al cual nos remite la imagen expresa lo específicamente
artístico.
Se puede estudiar el arte como tensión entre lo conocido y lo desconocido, entre el Orden
codificado por los cánones establecidos dentro de la cultura, un orden codificado que todos
conocemos y que lo tenemos incorporado y los que está fuera de esto: el caos, la no cultura, lo
no codificado, la discontinuidad y la irracionalidad. La ruptura que se produce en el paso entre
en “mundo” y otro, es lo que lleva a la innovación y a la originalidad, a la transformación de
esos conceptos establecidos. En el caos se exploran los límites entre el cánon establecido y la
experiencia misma de esos conceptos.

7. ANÁLISIS DE LA OBRA DE BÁRBARA KRUGER
SEGÚN LAS CLAVES DE INTERPRETACIÓN
Teniendo en cuenta las claves de interpretación del arte contemporáneo nombradas
anteriormente, al analizar la obra de Bárbara Kruger se puede ver como muchos de esos
planteos aparecen claramente, afirmando su calidad de artista conceptual.
En primer lugar, se puede ver como su obra no entra dentro de las antiguas categorías del
lenguaje, ya que utiliza una técnica nueva que es la combinación de fotografías con texto al
estilo collage. Asimismo, aunque hay un objeto material (gigantografías), el concepto es
extremadamente importante en su obra, ya que, aparte de haber “patentado” su estética, el
concepto de la superposición de fotografías que plantean un tema con un texto puesto encima
que nos lleva a criticar ese tema, es algo que es sumamente importante en su obra, al punto
de que todas sus propuestas se basan en esa misma idea. Al ver una foto en blanco y negro
con texto blanco sobre fondo rojo sobre ella, por más que sea de otra persona, vemos la firma
de Bárbara Kruger en esa estética y en ese concepto de llevar al espectador a la crítica y a la
reflexión a través de esa contradicción entre fotografía y texto.
En su obra también se puede encontrar la apropiación, lo que cuestiona el concepto de autoría
antiguo. Bárbara Kruger se apropia de fotografías tomadas por otras personas en otras
épocas, para deconstruir su significado y darle uno nuevo mediante el agregado del texto. Crea
algo con un significado totalmente nuevo a partir de imágenes que tomó otra persona.
Su obra como propuesta performática presenta las 4 dimensiones. Por un lado se ve
claramente la celebración plástica, en una estética muy fuerte y diferencial, en un estilo propio
de componer el mensaje que ha pasado a ser la insignia de esta autora (fotografía en blanco y
negro con palabras en tipografía Futura Bold Oblique en color blanco sobre fondo color rojo,
texto conciso, etcétera). El encadenamiento histórico también está presente, ya que para
entender su obra es necesario saber lo que fue el arte anteriormente, para entender la ironía
de sus mensajes es necesario entender a la fotografía como documento histórico, la fuerza del
texto, el tipo de tipografía sin serifa, el significado del color rojo, etcétera. No se podría
entender plenamente el mensaje que ella quiere transmitir si no se supieran de antemano
todos esos aspectos.
En cuanto al contenido de esa performance, claramente se puede ver el mensaje que la autora
quiere expresar a través de la obra. Es un mensaje conciso, directo y muy fuerte, que llega a
todos por igual, que puede ser entendido por la gran mayoría de las personas y que busca que
aquel que lo lee pueda plantearse a sí mismo lo que está planteando la autora y tomar una
decisión al respecto. Este mensaje está totalmente relacionado con la dimensión de
transgresión ya que toda su obra de por si rompe con varios límites preestablecidos. Desde la
estética y su alejamiento de las categorías antiguas del Arte hasta los temas que trata y la
manera de tratarlos de forma inversa a la publicidad que los vende utilizando el lenguaje de
esa misma publicidad, es una forma de cruzar esos límites a los que estamos acostumbrados.

8. Temas como el consumo desmedido tratado en “Compro, luego existo”, el papel de la mujer
en la sociedad, que trata en la obra “It's a Small World But Not If You Have to Clean It” (“Es un
mundo pequeño pero no si tienes que limpiarlo”), “We Have Receive Orders Not To Move”
(“Hemos recibido órdenes de no movernos), los estereotipos, la política, el poder, que
aparecen por ejemplo en la obra “Pro-life for the unborn, Pro-death for the born “ (“Pro-vida
para los no nacidos, pro-muerte para los nacidos) con la imagen de George Bush de fondo.
Kruger trata temas que no están en discusión todos los días, sale de la zona de confort y
arremete con mensajes que no van a hacer sentir comodo a todo el mundo.
En cuanto al aspecto minimalista del arte contemporáneo, se nota en su obra la fuerza de la
idea y del concepto a transmitir, si bien el objeto material está presente y juega un papel
importante. Las obras materiales de Bárbara Kruger presentan una austeridad de recursos,
donde menos es más. Gracias a su conocimiento del mundo del diseño gráfico logra transmitir
mensajes e ideas sumamente poderosas solamente mediante una fotografía en blanco y negro
y un texto sumamente conciso, al cual no le falta ni le sobra nada. Solamente con esos
recursos logra resaltar el protagonismo del concepto de la obra, de esa crítica cultural y social
que caracteriza su trabajo. Asimismo, la utilización de fotografías que no son propias afirma el
concepto minimalista y le da incluso mayor importancia a la idea, ya que una parte del objeto
material es hecho por otra persona y no por el artista.
También podemos ver en la obra de Kruger como el espacio comienzo a ganar protagonismo,
confiriéndole otro carácter a la obra. Más allá de algunas muestras, la artista, como se dijo
anteriormente difunde sus trabajos en cartelería de vía pública, portadas de libros y soportes
varios, los cuales le quitan lugar al museo y a la galería de arte. Esta forma de salirse del
espacio establecido para las obras de arte también aparece reflejada en su obra “You invest in
the divinity of the masterpiece” (“Inviertes en la divinidad de la obra de arte”). Al utilizar
características propias de la publicidad en su obra, es razonable la utilización de diferentes
soportes para difundirla. De esta forma también se manifiesta cierta transgresión por parte de
la artista. De igual forma, en "Belief+Doubt," una muestra suya en el Museo Hirshhorn en
Washington, D.C., los salones fueron enteramente cubiertos en paredes techo y piso con sus
trabajos, con textos en letras enormes y blancas en fondos negros y rojos impresos en vinilo
industrial y puestos de forma que envolvían al espectador de manera de convertirla en una
experiencia física del lenguaje. (Adjunto fotos de la muestra al final del trabajo)
En sus trabajos también se puede encontrar la la idea de tiempo suspendido, donde el futuro
se junta con el pasado, donde utilizando imágenes de las revistas americanas de mitad de siglo
XX nos brinda una experiencia estética por demás actual. También es cierto que aparte de la
experiencia estética y del conocimiento a través de la sensibilidad, es necesario que el
espectador también pueda experimentar la obra racionalmente para que efectivamente pueda
reflexionar sobre los temas planteados, que no son menores.
En la obra de Bárbara Kruger se ve claramente e concepto de imagen como símbolo, ya que en
su obra se encuentran dos partes que se unen para darle sentido a la obra como todo. Sus
obras no tendrían el mismo efecto si las imágenes que utiliza las complementara con textos
que no se contradijeran, o si utilizara los textos declarativos con imágenes de fondo que no
aportaran nada. La imagen que veo en su obra me genera determinadas reacciones porque

9. está acompañado de ese ingrediente irónico, de crítica que me hace pensar en el mensaje
como algo transgresor y complejo. La imagen en sí es el elemento más importante para esta
artista, quien dice que “el panorama de las relaciones sociales está mediado por imágenes”.
Por eso ella como artista busca que esas imágenes que utiliza simbolicen claramente el
concepto que quiere expresar.
El concepto de la obra de Bárbara Kruger es, a mi entender, infinitamente más importante que
la obra en sí. La claridad y la potencia de sus mensajes van mucho más allá de la imagen que
estoy viendo, de esa gráfica que ella diseñó con los mínimos recursos necesarios. En su caso, el
Menos es Más se refleja de manera clarísima y le da toda la razón a ese dicho.

13. BIBLIOGRAFÍA

RIVERA, SARA, Biblioteca Babab [en línea]
Disponible en: http://www.babab.com/no08/barbara_kruger.htm [citado en
29/11/13].
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Art History Archive [en línea]
Disponible en: http://www.arthistoryarchive.com/arthistory/feminist/BarbaraKruger.html [citado en 29/11/13].
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Wikipedia, La Enciclopedia Libre [en línea]
Disponible en: http://en.wikipedia.org/wiki/Barbara_Kruger [citado en 29/11/13].
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Wikipedia, The Free Encyclopedia [en línea]
Disponible en: http://es.wikipedia.org/wiki/Barbara_Kruger [citado en 29/11/13].
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Barbara Kruger [en línea]
Disponible en: http://www.barbarakruger.com/ [citado en 29/11/13].

MILLER, SHAUNA, The Atlantic [en línea]
Disponible en: http://www.theatlantic.com/entertainment/archive/2012/08/theunsettling-text-driven-world-of-barbara-krugers-belief-doubt/261348/ [citado en
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