NEOCLASSICISMO, ROMANTISMO E REALISMO.
1- NEOCLASSISMO
Rua de Paris, urbanização no século XVIII
O neoclassicismo surge no...
nova ordem econômica. Muitos sonham com um retorno ao campo, mas a mudança já foi operada: centros urbanos
serão para semp...
A iluminação, muitas vezes, é pontual, conferindo às
pinturas um ar de encenação teatral, o que salienta o caráter
simbóli...
O sistema de seleção por júri, característico em exposições de arte até hoje, foi introduzido no Salão
em 1748. O júri, co...
Após a revolução de 1830 na França, uma nova onda de revoltas alastrou-se pela Europa. Além das
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REALISMO
Revolução de 1848
O conjunto de revoluções que acontecem em toda a Europa no ano de 1848 é conhecido como
Primave...
Um dos marcos iniciais do movimento é a exposição da obra “Enterro em Ornans”, de Gustave
Courbet, pintada em 1849.
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Características e diferenças entre a pintura do romantismo e do realismo
Odalisca Reclinada, de Delacroix (1827) e Olympia...
PINTORES NEOCLÁSSICOS
A Coroação de Napoleão, de Jacques-Louis David
Ficha Técnica - A Coroação de Napoleão:
Autor: Jacque...
A vítima foi um dos principais membros da Convenção Nacional - órgão que governou a França na época do
Terror, Revolução F...
A Banhista de Valpinçon, de Jean-Auguste Dominique Ingres
Ficha Técnica - A Banhista de Valpinçon:
Autor: Jean-Auguste Dom...
Detalhes de A Banhista de Valpinçon se destacam:
1. Turbante e rosto:
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Originalmente, a obra deveria formar par com outro nu pintado por Jean-Auguste Dominique Ingres, porém o
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PINTORES ROMÂNTICOS
Liberdade Guiando Povo / Eugène Delacroix
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2- Os cadáveres: os mortos são membros da guarda de elite do rei. O realismo dos cadáveres é
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7- A composição: é uma composição
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ocupa o vértice da pirâmide. O mosquete
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John Constable Obra: A Carroça de Feno
A Carroça de Feno, do pintor inglês é a obra homenageada hoje pelo projeto Um Pouco...
2. Lavadeira:
Uma mulher aparece ajoelhada em um estrado que se prolonga a partir da casa. Não fica claro
que ela esteja l...
A Última Viagem do Temeraire, de William Turner
Ficha Técnica - A Última Viagem do Temeraire:
Autor: William Turner
Onde v...
2. Rebocador industrial: No dia da viagem final, outro barco seguiu o
Temeraire, mas Turner preferiu excluí-lo da pintura,...
PINTORES REALISTAS
Gustave Courbet
Jean-Desiré Gustave Courbet nasceu em Ornans, França, no dia 10 de
junho de 1819. De um...
Embora não possuísse uma boa oratória e seus argumentos muitas vezes soassem confusos, Gustave Courbet
jamais se negou a d...
Apesar de ser uma obra de encomenda, “A Origem do Mundo” é um manifesto de Gustave Courbet
contra as instituições acadêmic...
A pintura é considerada uma das obras-primas centrais do século XIX. O quadro foi criado para a grande
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Neoclassicismo, romantismo e realismo

  1. 1. NEOCLASSICISMO, ROMANTISMO E REALISMO. 1- NEOCLASSISMO Rua de Paris, urbanização no século XVIII O neoclassicismo surge no século XVIII, na Itália, em oposição ao rococó e ao movimento barroco. O principal objetivo dos pintores neoclássicos era resgatar os valores da arte clássica, produzindo obras com temáticas nobres e moralizantes. O neoclassicismo é contemporâneo ao iluminismo francês. O mundo estava mudando rápido naqueles dias. Estamos em meados de 1750. O iluminismo está na moda. Este movimento intelectual critica o absolutismo político, o que significa que nos próximos anos, muitas cabeças nobres irão rolar. Reis serão guilhotinados, e revoluções liberais eclodirão por toda a Europa, trazendo monarquias constitucionais e repúblicas para a nova dança do poder. O neoclassicismo é um movimento cultural revivalista. Os pintores da época buscam suas referências na arte clássica, perpetuando a tradição dos grandes mestres. O retorno aos clássicos é um movimento recorrente no ocidente. Seus dogmas e diretrizes nunca são totalmente esquecidos, mas possuem períodos de maior destaque e influência. Até então, o movimento cultural predominante na Europa era o barroco, associado a Igreja Católica. Com a difusão dos preceitos iluministas e o apelo à racionalidade, a arte necessitava de uma renovação. Na Grécia e Roma antigas, julgou-se encontrar uma arte nobre, moderada e equilibrada. Ideal, portanto, para a propagação de valores importantes para a doutrina iluminista, como a honra, o dever, o patriotismo e o sacrifício. As principais referências eram encontradas na escultura antiga e nas pinturas do Renascimento Italiano – movimento cultural igualmente revivalista. Nesta época, também descobriu-se as cidades mortas de Herculano e Pompeia, que coloriram a imaginação dos artistas neoclássicos. Herculano e Pompeia foram soterradas pelas cinzas do vulcão Vesúvio, no ano de 79 d.C., e descobertas em 1749, graças aos avanços da arqueologia. Impressionantemente preservadas, tiveram sua arquitetura, seus afrescos e esculturas utilizadas como referências pelos neoclassicistas. A influência e intervencionismo da Igreja são cada vez mais contestados. E se antes o conhecimento humano ficava enclausurado em bibliotecas de mosteiros e abadias, agora ele é catalogado e vendido em enciclopédias, disponíveis para quem puder pagar. O século XVIII é o século das luzes. A razão e a ciência são as vedetes da vez. Cai a nobreza e o clero, sobe a burguesia, os maiores interessados em todas estas mudanças. Nos séculos anteriores, homens com dinheiro, mas sem origem nobre, estiveram sempre à sombra dos acontecimentos, em lugares secundários. Agora, o céu é o limite. E para obter status social, vale tudo: desde obter instrução e cargos públicos, até pendurar obras de arte na sala para impressionar os vizinhos. Máquinas cada vez mais sofisticadas permitem a produção de itens de consumo em série – tem início a Revolução Industrial. Os homens caminham em marcha para as cidades, que assumem um papel de destaque nesta
  2. 2. nova ordem econômica. Muitos sonham com um retorno ao campo, mas a mudança já foi operada: centros urbanos serão para sempre associados ao progresso e a modernidade. Nas artes, a ruptura com o passado deve ser substancial. O barroco é abandonado com ares de desprezo – é associado à Contrarreforma, um movimento da Igreja Católica para atrair fiéis. Mas o que pode assumir o seu lugar? Confuso, o homem da época é incapaz de assimilar todas as mudanças que estão ocorrendo a sua volta. O jeito é olhar para o passado e procurar uma referência. Grécia e Roma antigas parecem boas opções. Na Antiguidade, idealiza-se um período de grandeza serena, de glórias e conquistas, em diversos campos do conhecimento humano. Este retorno ao passado é conhecido como revivalismo. Características: Sofre influências do iluminismo, da Revolução Industrial e da ascensão burguesa; O revivalismo como uma das principais características do neoclassicismo; Resgatar os valores da arte clássica, produzindo obras com temáticas nobres e moralizantes. O neoclassicismo é contemporâneo ao iluminismo francês. Buscam inspiração na história grega e romana, na mitologia e na Bíblia, adaptando estas temáticas aos ideiais iluministas. Assim, apesar da temática antiga, as pinturas são comentários políticos sobre a França do seu tempo; Mesmo ao retratar eventos mais recentes, o estilo é grandiloquente, revestido de nobreza e dignidade, através da obediência aos padrões estilísticos dos grandes mestres; Temáticas nobres, com motivos atemporais e significações universais. Muitas pinturas possuíam um claro propósito moralizante e panfletário. Virtudes como a coragem, a dedicação, o sacrifício e o patriotismo são exaltadas; A pintura histórica é considerada a mais nobre forma de arte. Antes da realizar uma pintura histórica, pesquisas são realizadas, para conferir a obra uma impressão de autenticidade fatual. Muitas vezes, utiliza-se a iconografia cristã com o propósito de dotar um tema de nobreza e significação moral; As Técnicas do Neoclassicismo A técnica neoclassicista era ensinada nas tradicionais Academias de Arte. Para os pintores da época, os antigos captaram de maneira notável a simplicidade e elegância da natureza, por isso, eram a referência máxima. Na pintura neoclássica, os contornos são nitidamente definidos – privilegia-se o desenho, ao invés da cor. As pinceladas não devem ser visíveis. Nas figuras humanas, as referências são as estátuas gregas e romanas, a anatomia é representada com precisão e a pele é pintada de forma naturalista. A Morte de Marat, 1793, David Nos cenários, busca-se uma economia de elementos, atendo-se ao essencial para a representação do espaço. Linhas retas ocupam o lugar das delicadas curvas e espirais do movimento barroco, e as texturas são representadas realisticamente. As cores são fortes e sóbrias, substituindo os tons pasteis do barroco. O Juramento dos Horácios, 1784, David
  3. 3. A iluminação, muitas vezes, é pontual, conferindo às pinturas um ar de encenação teatral, o que salienta o caráter simbólico do tema. Apesar do uso dramático de luz e sombra, evita-se áreas muito escuras, que impediriam a correta apreciação do desenho. Cleombrotus ordenada em banimento por Leonidas II, rei de Esparta, 1768, Benjamin Oeste Nos retratos, as pessoas são representadas como figuras clássicas. O pintor sente-se à vontade para adaptar e corrigir certas características dos modelos que não considere apropriadas, criando uma arte ideal. Há um modelo de beleza pré-definido. Retrato/Portrait of Louisa Leveson Gower as Spes, 1767, Angelica Kauffman Salão de Paris, características do Salon de Paris - Principal exposição do período neoclássico Salão de Paris O Salão de Paris foi fundado em 1667 na capital francesa, e reunia o trabalho de artistas contemporâneos. Durante muitos séculos, foi à exposição oficial de arte da França. Regulamentada por órgãos do Estado, estava ligado a “Real Academia Francesa de Pintura e Escultura”, cujos docentes integravam a comissão de jurados e conferiam prêmios aos artistas segundo critérios próprios. A exposição foi chamada de “salão” pelo fato de ter sido organizada no Salon d’Apollon, no Louvre. Ocorreu anualmente de 1667 a 1736, depois bienalmente até o ano de 1789, para voltar a ser organizado todos os anos. Contou com subvenção estatal até 1881, quando passou a ser organizado pela “Sociedade dos Artistas Franceses”.
  4. 4. O sistema de seleção por júri, característico em exposições de arte até hoje, foi introduzido no Salão em 1748. O júri, composto de acadêmicos de arte e pintores consagrados em outros salões, possuía dois momentos de avaliação das obras: primeiro, selecionava os quadros que fariam parte da mostra, e depois conferia prêmios aos destaques do evento. Participar do Salão, além de propiciar prestígio ao artista, era uma oportunidade de vender suas obras – especialmente para o Estado – e conseguir patrocínios. Tradicionalmente, manteve-se pouco aberto a novas técnicas e linguagens. No século XIX, foi gradativamente perdendo o seu destaque, principalmente com o surgimento das vanguardas artísticas. Outros salões passaram a ser organizados, como a Mostra Impressionista (1776) – primeira exposição baseada em uma estética, e não em um júri -, e o Salão dos Independentes (1884). ROMANTISMO O romantismo é um movimento artístico surgido na Europa, nas últimas décadas do século XVIII. O romantismo surge em reação ao racionalismo do movimento neoclássico. Os pintores do romantismo buscam inspirar com a sua obra emoções fortes, baseadas em visões subjetivas de mundo. O século XVIII é conhecido como o século das revoluções. A queda da monarquia francesa é o marco definitivo que limita o fim da Idade Moderna e o início da Idade Contemporânea. Inflados por ideais liberais, a plebe guilhotina seus reis, e exige mudanças em todos os setores da sociedade. A Liberdade Guiando o Povo, Delacroix Mas a paz e a tranquilidade ainda demorariam a vingar em solo europeu. Com o século XIX, vem Napoleão e suas guerras infindáveis. Quando Rússia, Prússia e Áustria derrotam Napoleão Bonaparte e se unem na chamada Santa Aliança, tomam uma série de medidas cujo intuito é manter o absolutismo como forma de governo. Trazem novamente ao trono francês a família Bourbon, na figura de Luís XVIII. E resguardam-se o direito de intervir em qualquer território onde a monarquia esteja ameaçada. Mas na década de 1820 revoluções explodem por todo o continente europeu: a Bélgica liberta-se da Holanda, a Grécia liberta-se da dominação Turca, há uma tentativa fracassada de unificar a Alemanha e a Itália. Revoltas populares também ocorrem em Portugal e Espanha. Não há volta: ideologias de liberalismo e nacionalismo sopram em todas as direções. Em 1830, o povo francês, unido a sociedades secretas republicanas e a burguesia, realiza uma série de levantes contra o rei Carlos X – que havia assumido após a morte de Luís XVIII ( O terror Branco) e tomado uma série de medidas impopulares, como suprimir a liberdade de imprensa e dissolver a Câmara dos Deputados. O rei abdica, e parte para o exílio na Inglaterra. Sucede-lhe o filho, que abdica depois de 20 minutos, e o sobrinho, que abdica após 7 dias. Assume Luís I, da casa de Orléans, um ramo menor da Casa Bourbon. É o último rei da França, tendo abdicado em 1848. Revolução de 1830, na França
  5. 5. Após a revolução de 1830 na França, uma nova onda de revoltas alastrou-se pela Europa. Além das guerras e revoltas armadas, o homem contemporâneo ainda precisava lidar com uma crise econômica de proporção mundial, com um proletariado urbano faminto e desenganado. São nestes anos turbulentos que floresce o romantismo. Coexiste na mesma época do neoclassicismo, mas possui uma forma diferente de ver o mundo. O conceito da Teoria do Sublime e seu uso nas pinturas do romantismo Conceitualmente, o romantismo utilizou-se da chamada “teoria do sublime”, desenvolvida pelo inglês Edmund Burke – e logo difundida pelo iluminista Denis Diderot, na França. Burke escreveu, em 1757, o tratado “Uma Investigação Filosófica Sobre a Origem de Nossas Ideias do Sublime e do Belo”. A natureza nas pinturas do romantismo não é serena e apaziguadora, mas devastadora e misteriosa. Os traços não são claros e precisos, mas confusos e incertos, apostando na imaginação para preencher as lacunas. O homem não é perfeito, mas pequeno e solitário, capaz tanto de realizar o bem quanto praticar o mal. Os românticos buscavam imprimir em suas obras o sublime. Sublime é tudo o que exalta a alma, espanta os sentidos, tudo o que é grandioso. Tal deleite sensorial pode ser obtido com a beleza extrema e com as luzes, mas também com a feiura e as trevas. O horror também pode ser extraordinário. Para Burke, inclusive, o terror é causador da mais forte emoção que a mente é capaz de sentir. Ao se notar que este terror é fictício, experimenta-se o deleite. O romantismo é um movimento heterogênico, de grande pluralidade artística. Baseia-se mais em ideias do que em características formais. Assim, enquanto alguns pintores criam desenhos precisos e elaborados, outros utilizam pinceladas mais impulsivas e vigorosas, visíveis no quadro. As formas podem ser obtidas com massas de cor. O Exército de Aníbal Atravessando os Alpes, Turner, 1812 A composição tendia a ser movimentada e dinâmica, desenvolvendo-se em grandes linhas diagonais. Comum a todos os artistas românticos, a valorização da cor como tradução eficaz de sentimentos, principalmente emoções fortes. Utiliza-se o claro- escuro em relações contrastadas, para maiores efeitos de dramaticidade. Os Fuzilamentos de Três de Maio, Goya
  6. 6. REALISMO Revolução de 1848 O conjunto de revoluções que acontecem em toda a Europa no ano de 1848 é conhecido como Primavera dos Povos. Ocorrem em função de regimes governamentais autocráticos, crises econômicas e falta de representação política das classes médias. Iniciada por burgueses e nobres que desejavam um governo constitucional, tem a adesão de trabalhadores e camponeses que se rebelam contra os excessos do capitalismo. O capitalismo, aliás, está em crise. Os anos de 1845 e 1846 são de péssimas colheitas, o que elevou drasticamente os custos de vida e levou à miséria famílias inteiras de camponeses. Com menos pessoas comprando produtos manufaturados, a crise atingiu a indústria. Assim, a massa popular estava suscetível aos apelos revolucionários difundidos pelos socialistas. As Revoluções de 1848 se iniciam na França, com a queda do último rei francês, Luís I, e a instauração da república. Neste mesmo ano, Napoleão III, sobrinho do antigo imperador, é o primeiro presidente eleito por sufrágio universal. Seu mandato seria de quatro anos, mas Napoleão articula um golpe de estado e nomeia-se imperador da França, assim como Napoleão Bonaparte havia feito anos antes. As revoluções expandiram-se pela Europa, em países como Áustria, Alemanha e Hungria. Seus efeitos foram sentidos inclusive no Brasil, com os rebeldes republicanos da Revolução Praieira. Foi um despertar do nacionalismo dos povos. Embora ansiassem pelo mesmo ideal – a eleição de representantes políticos pelo voto -, as revoluções de 1848 separaram definitivamente a burguesia e o proletariado. Enquanto os primeiros desejavam a manutenção da propriedade e planos de desenvolvimento econômico, as classes menos favorecidas queriam reformas sociais e o fim da desigualdade. Os interesses burgueses prevaleceram. Os artistas tomaram as dores do povo. Inicia-se o movimento cultural do realismo. Características do Realismo, Artistas do Realismo, obras do Realismo O realismo é um movimento artístico surgido na segunda metade do XIX, na França. Os artistas interessavam-se pela realidade de sua época, e não raro as pinturas traziam reflexões sociais e políticas. Os Quebradores de Pedras, Gustave Courbet
  7. 7. Um dos marcos iniciais do movimento é a exposição da obra “Enterro em Ornans”, de Gustave Courbet, pintada em 1849. Enterro em Ornans Autor: Gustave Courbet Ano: 1849 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 315cm x 668cm Movimento Artístico: Realismo Museu: Museu d’Orsay, Paris, França A técnica no movimento artístico do realismo O realismo a que se propõe o movimento não é a exatidão fotográfica, mas a exaltação da verdade, acentuando-se nos temas elementos que melhor o representem e eliminando o que for acessório. The Fifer, Manet, 1866 Os artistas do realismo buscam um equilíbrio entre a linha (associada a intelectualidade) e a cor (emotividade). Privilegia-se os tons fechados e menos vibrantes. O traço é expressivo e denuncia a personalidade de seu criador. The Forest of Fontainebleau, Corot, 1830-1832 Ao deixar um vestígio visível da atividade física de fazer o quadro, bem como ao ignorar certas convenções pictóricas (perspectiva, proporção…), o artista chama a atenção para o caráter ilusório da pintura. A obra deixa de representar a realidade para se tornar uma realidade e m si. The Village Maidens, Courbet, 1851-1852
  8. 8. Características e diferenças entre a pintura do romantismo e do realismo Odalisca Reclinada, de Delacroix (1827) e Olympia, de Manet (1863) O romantismo surge nas últimas décadas do século XVIII. O realismo, por sua vez, surge na segunda metade do século XIX, na França, influenciado pelas teorias científicas e filosóficas de sua época. Abaixo, algumas diferenças fundamentais entre os movimentos do romantismo e realismo: Imaginação x realidade: os pintores do romantismo elegem a imaginação como a faculdade artística criadora por excelência. Já os realistas acreditam que a beleza está na realidade ao redor, e que cabe ao artista descobri-la e acentuá-la. Pintores realistas sustentam que temas abstratos e imaginados não pertencem ao domínio da pintura; Escapismo x engajamento: costumeiramente, os artistas românticos buscam evadir-se no tempo e no espaço, através de pinturas históricas, mitológicas, narrativas ou exóticas. Já os realistas exaltam o seu próprio tempo e o heroísmo da vida cotidiana e moderna. Podem, inclusive, enriquecer suas obras de intenções políticas e sociais; Emoção x objetividade: pintores do romantismo elegem a cor como modo especial de expressão. Suas pinceladas são impetuosas, rápidas e impulsivas. Os artistas do realismo buscam um equilíbrio entre a linha (associada a intelectualidade) e a cor (emotividade). As cores são menos vibrantes do que na escola romântica; Ilusionismo x verdade: os pintores realistas chamam a atenção para os processos reais da pintura – traço, pincelada, cor, composição. Este vestígio físico da atividade de se fazer o quadro, bem como a quebra de regras acadêmicas como a perspectiva e a profundidade de campo, denunciam o aspecto ilusório da pintura.
  9. 9. PINTORES NEOCLÁSSICOS A Coroação de Napoleão, de Jacques-Louis David Ficha Técnica - A Coroação de Napoleão: Autor: Jacques-Louis David Onde ver: Museu do Louvre, Paris, França Ano: 1805 a 1807 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 979 cm x 629 cm Movimento: Neoclassicismo A obra, pintada entre os anos de 1805 e 1808, encontra-se exposta no Museu do Louvre, em Paris, na França. O principal foco de atenção do quadro é seu tamanho. Reza a lenda que Napoleão supervisionou o trabalho de David e visitava regularmente seu ateliê para verificar o progresso do pintor com o quadro. Uma cópia da composição foi feita pelo próprio pintor oficial da corte francesa e encontra-se no palácio de Versalhes. A Morte de Marat, de Jacques-Louis David
  10. 10. A vítima foi um dos principais membros da Convenção Nacional - órgão que governou a França na época do Terror, Revolução Francesa. Sua orientação política extremista fez com que reunisse muito inimigos, em especial após a queda dos girondinos. Em 13 de julho, uma jovem chamada Charlotte Corday, uma adversária política de Marat, obteve uma audiência com ele em sua sala de banho. Algo comum, já que ele sofria de uma doença de pelo que o forçava a tomar banhos frequentemente. Por isso, o revolucionário usava seu banheiro como escritório. Durante a reunião, Corday esfaqueou Marat até a morte. Em seu julgamento, ela declarou: "Eu matei um homem para salvar cem mil vidas". Três dias após, ela foi mandada para a guilhotina. Jacques-Louis David foi convidado pela Convenção a pintar um memorial a Marat. Ele era uma boa escolha, porque compartilhava dos mesmos ideais revolucionários e tinha um estilo neoclássico rigoroso, adequado à situação. Depois da Revolução, o quadro se tornou constrangedor para o novo regimo e em 1795 foi devolvido a David. Sua reputação só foi ser restaurada com o poeta e crítico de arte Charles Baudelaire que, sobre ela, comentou: "Esta obra contém algo ao mesmo pungente e terno; uma alma alça voo no ar frio do aposento, entre estas paredes frias, em volta desta fria banheira funerária". Detalhes de A Morte de Marat se destacam: 1. Face de Marat Durante a Revolução, Marat foi um dos homens mais poderosos da França. Ele foi um jornalista radical, editor da publicação L'Ami du Peuple (O Amigo do Povo). David alterou a aparência do amigo para ajustá-la à de um herói martirizado. Removeu suas marcas de pele e o rejuvenesceu, embora Marat realmente usasse esta espécie de turbante molhado de azeite devido a sua doença. 2. Faca do crime A faca de Charlotte está no chão, como se ela estivesse fugido e deixado-a no chão. Segundo alguns relatos, porém, a faca ficou alojada no peito de Marat. Mas David excluiu todo elemento que prejudicasse a imagem de mártir do revolucionário. Ele também "limpou" a imagem, deixando-a com pouco sangue e mudando o fundo ornamentado do banheiro. 3. Mobília Para enfatizar que Marat era um "homem do povo", David pintou este caixote velho como uma escrivaninha improvisada. Foi nesta superfície em que o artista assinou sua dedicatória "Ao Marat, David". 4. Carta na mão A carta na mão de Marat é uma apresentação de Charlotte: "Basta minha grande infelicidade para dar-me o direito à sua bondade". David distorce a verdade para destacar a natureza generosa do assassinado e demonizar a assassina. Na verdade, Charlotte conseguiu entrar porque afirmou ter informações sobre os reacionários, inimigos monarquistas.
  11. 11. A Banhista de Valpinçon, de Jean-Auguste Dominique Ingres Ficha Técnica - A Banhista de Valpinçon: Autor: Jean-Auguste Dominique Ingres Onde ver: Louvre, Paris, França Ano: 1808 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 146cm x 97cm Movimento: Neoclassicismo A obra, originalmente chamada de A Mulher Sentada, acabou por receber o nome do colecionador a quem pertencia quando foi comprada pelo Louvre, em 1879. A obra foi pintada em Roma, onde Ingres esteve de 1806 a 1810. A imagem transmite uma sensação de contemplação distraída e encanto sensual. Existe na obra uma preocupação maior com os contornos fluidos do corpo da mulher do que com a sugestão de estrutura óssea da mesma. Isso é especialmente evidente na perna direita, desenhada com graça. No entanto, se observada de perto é possível perceber que essa parece ter sido enxertada nos panos acima dela, ao invés de conectar- se de modo convincente ao corpo.
  12. 12. Detalhes de A Banhista de Valpinçon se destacam: 1. Turbante e rosto: Apenas uma parte do rosto da banhista é visível, o que destaca ainda mais o seu turbante listrado. Alguns outros nus de Ingres seguem essa tradição orientalista. 2. Costas: A vasta área das costas da banhista cria um conjunto de formas abstratas, mas ao mesmo tempo transmite a suavidade da carne viva. 3. Ombro: O contorno liso do ombro esquerdo sintetiza a filosofia idealista do artista sobre a representação do corpo feminino. Todas as angulosidades e irregularidades reais que indicam ossos e tendões sob a pele foram substituídos pela perfeição. 4. Pé e sandália: Ingres concebeu as formas da banhista de modo amplo, em especial quando comparadas às delicadas rendas da sandália. Isso passa a impressão de que a mulher não tem ossos nem tornozelos. A Grande Odalisca F i c h a T é c n i c a - A G A Grande Odalisca: Autor: Jean-Auguste Dominique Ingres Onde ver: Museu do Louvre, Paris, França Ano: 1814 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 91cm x 162cm Movimento: Neoclassicismo
  13. 13. Originalmente, a obra deveria formar par com outro nu pintado por Jean-Auguste Dominique Ingres, porém o regime de Bonaparte desmoronou, obrigando Carolina a fugir. Desta maneira, o segundo nu, uma pessoa dormindo, foi destruído. Ingres era fiel ao estilo neoclássico, com uma obra de atmosfera serena, e mais atenção aos contornos do que à cor em sua pintura. A Grande Odalisca foi pintada em Roma, durante um período em que o artista desfrutava de uma reputação muito melhor na Itália do que na França. Na obra a modelo é retratada como uma mulher de um harém, adotando, assim, o gosto temático pelo orientalismo, popular entre os artistas românticos. Mesmo com essa afinidade, o pintor permaneceu contrário aos ideais românticos até sua morte. Detalhes de A Grande Odalisca se destacam: 1. Olhar de soberba: Apesar de sua nudez, a odalisca é representada de maneira a parecer distante e inacessível. Ela esconde o seu corpo do espectador e oferece a ele um olhar arrogante, sem sinais de simpatia. O efeito ainda é reforçado pelo fundo e pelos tons frios e prateados dos tecidos e acessórios. 2. Pose estranha: A obra e repleta de contradições. A imagem parece exemplificar, ao mesmo tempo, a indolência mimada e a sensualidade natural da mulher. No entanto, ao ser melhor analisada, é possível perceber que sua pose é rígida e estranha. 3. Incensário: Talvez o artista estivesse interessado em exagerar nas curvas de sua modelo para reforçar o apelo visual, mas também investiu na ilusão simples para aguçar outros sentidos do espectador. Isso fica evidente com os rastros finos de fumaça que saem do incensário, retratados com precisão. Isso evoca uma atmosfera perfumada e inebriante, enquanto as texturas dos tecidos exibem uma aparência palpável. 4. Curvatura das costas: A posição em que a modelo está, com suas costas estranhamente curvadas, passa a impressão de que a moça possui três vértebras a mais. Ingres sabia bem disso, mas não sentiu remorsos ao distorcer sua imagem para criar um contorno mais agradável e sensual.
  14. 14. PINTORES ROMÂNTICOS Liberdade Guiando Povo / Eugène Delacroix A obra “A Liberdade Guiando o Povo” foi pintada por Eugène Delacroix em 1830, em homenagem ao levante popular ocorrido neste mesmo ano. Delacroix é um dos pintores mais característicos do romantismo francês. Destaques da obra “A Liberdade Guiando o Povo”: 1- A liberdade: representada como uma deusa clássica, sinônimo de virtude e eternidade. No entanto, seus traços robustos são comuns ao povo francês. Empunha uma arma moderna – um mosquete.
  15. 15. 2- Os cadáveres: os mortos são membros da guarda de elite do rei. O realismo dos cadáveres é inspirado em obras de Antoine-Jean Gros, pintor que Delacroix admirava. 3- O homem sem calças: outro fator que torna a obra complexa e ambígua é a presença deste cadáver desnudado, um homem desprovido de sua dignidade. Suas roupas foram furtadas, e provavelmente pelos revoltosos. Outros personagens do quadro apresentam-se com objetos roubados dos cadáveres. Assim, mesmo entre aqueles que lutam pela liberdade, há atitudes censuráveis. Delacroix não se esforça para “higienizar” o conflito ou torna-lo mais nobre. A guerra, em si, parece-lhe indigna. 4- 5- As bandeiras: duas bandeiras são retratadas no quadro, uma empunhada pela liberdade, e outra sobre a Catedral de Notre Dame. A bandeira tricolor foi utilizada na Revolução Francesa de 1789 e nas guerras de Napoleão. Após a derrota deste em Waterloo, a bandeira não foi mais utilizada. O regresso deste símbolo é carregado de emoção, como se o povo reconquistasse o seu orgulho. 6- O campo de batalha: o centro da revolução de 1830 foi a Ponte d ‘Arcole, e provavelmente este é o cenário da pintura. Porém, nenhum posto de observação permite esta vista de Notre Dame. Como outros pintores românticos, Delacroix abdica de uma fidelidade literal aos fatos em prol de um maior efeito dramático. Converte acontecimentos contemporâneos em imagens míticas.
  16. 16. 7- A composição: é uma composição clássica, piramidal, em que a liberdade ocupa o vértice da pirâmide. O mosquete com baioneta que a liberdade empunha cria uma linha paralela com a arma segurada pela criança. No restante do quadro, várias linhas diagonais trazem dinamismo à composição. 8- As cores: as cores vivas da bandeira auxiliam o destaque para a mulher que simboliza a liberdade. Nota-se que o vermelho da bandeira está sobre o céu azul, o que o salienta ainda mais. As cores se repetem nas roupas do trabalhador aos pés da liberdade. As vestes da liberdade são pintadas em um tom mais claro do que aqueles encontrados no restante da pintura, facilitando o sentido de leitura. 9- A luz: Delacroix dominava a técnica do chiaroscuro/ claro-escuro. Estes fortes contrastes de luz e sombra conferem maior dramaticidade à cena. Na paisagem, a luz do entardecer se mistura a fumaça dos canhões, dissolvendo-se em um brilho marcante. 10- A pincelada: as pinceladas de Delacroix são visíveis na tela, o que contraria as regras acadêmicas que determinam que a pincelada deve ser “invisível”.
  17. 17. John Constable Obra: A Carroça de Feno A Carroça de Feno, do pintor inglês é a obra homenageada hoje pelo projeto Um Pouco de Arte para sua Vida. O quadro parece cheio de atmosfera e evoca a impressão de um dia de verão no campo inglês. A p Ficha Técnica - A Carroça de Feno: Autor: John Constable Onde ver: National Gallery, Londres, Reino Unido Ano: 1821 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 130,2cm x 185,4cm Movimento: Romantismo Paisagem com duas figuras atravessando um rio raso numa carroça parece incontroversa, as quando a obra foi exposta pela primeira vez, em Londres, no ano de 1821, representou uma ruptura radical com as convenções temáticas e técnicas. Por esse motivo a pintura acabou não sendo levada a sério. Para o artista, o mundo natural era inspirador e afetava profundamente a sua produção. Constable buscava expressar sua reação pessoal à natureza por meio de seus quadros inovadores, que representavam a paisagem cotidiana inglesa em escala grandiosa. Em A Carroça de Feno o pintor buscava transmitir o movimento, a vitalidade e a luz refletida que via no trecho de rio. O céu possui uma profundidade realista e os aspectos cambiantes se refletem na superficie dos campos e do rio. As nuvens ondulantes dão ritmo e movimento à cena. Detalhes de A Carroça de Feno se destacam: 1. A carroça de feno: O foco da pintura de Constable é uma tradicional carroça de madeira usada para carregar feno que parece ter servido por muitas temporadas. Os dois trabalhadores rurais sentados na carroça acrescentam interesse humano à cena e sugerem um modo de vida em sintonia com a natureza.
  18. 18. 2. Lavadeira: Uma mulher aparece ajoelhada em um estrado que se prolonga a partir da casa. Não fica claro que ela esteja lavando roupas no rio ou se está apenas recolhendo água, já que um jarro de banho encontra-se posicionado logo atrás dela. Sua inclusão na paisagem ilustra um dos aspectos da vida doméstica na comunidade de trabalho rural. 3. Cão: Logo à beira da água, de pé, encontra-se um cachorro, elemento importante da pintura que dirige o olhar do espectador para o foco desejado pelo artista. Um dos homens na carroça gesticula para o animal, sugerindo uma história. Catedral de Salisbury (1776-1837) a partir da Catedral de Salisbury Meadows
  19. 19. A Última Viagem do Temeraire, de William Turner Ficha Técnica - A Última Viagem do Temeraire: Autor: William Turner Onde ver: National Gallery, Londres, Reino Unido Ano: 1839 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 90,7cm x 112,6cm Movimento: Romantismo Como uma aparição, o espetáculo luminoso de um navio de guerra de altos mastros desliza na direção do espectador pelas águas calmas do rio Tâmisa. O barco desempenhou um papel fundamental na batalha de Trafalgar, auxiliando o barco Victory, de lorde Nelson, que era atacado pelos inimigos. Apesar da aura de esplendor retratada na pintura, o barco está em um estado lamentável, despojado de qualquer utilidade e sendo rebocado para estaleiro de Rotherline, onde será desmontado. A bandeira branca no rebocador simboliza a rendição do Temeraire a seu destino. O pintor combinou muitos fatores para dar à obra o ar memorável e comovente que ela possui: o cenário sublime, assim como o equilíbrio harmonioso da composição são uma metáfora da vida e da morte do velho barco. Até mesmo a boia preta do barco representa o fim de uma era. Detalhes de A Última Viagem do Temeraire se destacam: 1. Navio fantasma: Com três deques e 98 armas de fogo, o navio ficou atracado no porto por diversos anos. Os três mastros e o cordame do navio foram removidos e a pintura estava descascando. No entanto, a versão apresentada por Turner o barco está elegante e romântico, com tons de branco e dourado.
  20. 20. 2. Rebocador industrial: No dia da viagem final, outro barco seguiu o Temeraire, mas Turner preferiu excluí-lo da pintura, para enfatizar o contraste entre o rebocador a vapor feio e escurecido e o majestoso barco a velas branco. 3. Pôr do sol flamejante: O sol poente representa o fim da era das velas, assim como do Temeraire. O céu vermelho-sangue, refletido na superfície da água, serve para relembrar os sacrifícios feitos pela marinha britânica na Batalha de Trafalgar. 4. Velas enfunadas: No horizonte, bem à direita do rebocador, é possível distinguir a forma de outro barco a vela fantasma. Provavelmente o barco foi incluído para reforçar a mensagem do quadro: o fim dos barcos a vela e a inevitável transição para a era dos barcos a vapor.
  21. 21. PINTORES REALISTAS Gustave Courbet Jean-Desiré Gustave Courbet nasceu em Ornans, França, no dia 10 de junho de 1819. De uma abastada família de proprietários rurais, interessa- se desde cedo pelo desenho e pela política. Em 1840, muda-se para Paris, onde opta por não frequentar a tradicional Academia de Arte, preferindo cursos livres como os da Académie Suisse. A partir de 1844, Gustave Courbet passa a utilizar em suas obras uma espátula de aço, com a qual empasta generosamente a tinta sobre a tela. Gustave Courbet pinta de modo instintivo, com grande destreza. Gradativamente, vai abandonando o romantismo de suas primeira telas, e passa a se interessar pelo mundo concreto e visível. Pinta personagens de sua própria época, bem como motivos políticos e sociais. Gustave Courbet torna-se um dos principais nomes do movimento realista. Em 1855, na Exposição Universal de Paris, diversos quadros de Gustave Courbet são recusados pela organização do evento, dentre eles “Enterro em Ornans” e “O Atelier”. Gustave Courbet então manda construir uma pequena casa próxima à Exposição, onde inaugura o “Pavilhão do Realismo“. Com 41 quadros, a mostra é financiada pelo próprio artista. Nos anos seguintes, graças a amigos influentes, como o marchand Bruyas, Gustave Courbet desfruta de uma vida tranquila e financeiramente estável. Pinta principalmente paisagens e nus femininos. Em 1871, no entanto, Gustave Courbet envolve-se nos episódios da Comuna de Paris (governo revolucionário operário e socialista que comandou Paris por cerca de 40 dias). Com a derrota da Comuna, o pintor, que durante o episódio atuou como presidente da Comissão dos Artistas, é responsabilizado pela destruição de um monumento histórico, a coluna napoleônica da Praça Vendôme. Condenado a pagar as despesas astronômicas de restauração do monumento, Gustave Courbet busca asilo político na Suíça. Morre neste país, em La Tour de Pailz, de cirrose hepática, no dia 31 de dezembro de 1877. Durante a vida, Gustave Courbet foi estigmatizado como um pintor grosseiro e vulgar. Suas obras eram tão polêmicas que, na segunda metade do século XIX, alguns cafés aristocráticos de Paris exibiam cartazes pedindo aos clientes que não discutissem Gustave Courbet. Conta-se que, em um Salão de Outono, Napoleão III chicoteou um dos quadros do artista, irritado com a vulgaridade da pintura. O que indignava o público e os críticos da época era a adesão de Gustave Courbet a uma nova tendência artística, o realismo. Ao invés de pintar graciosas mulheres nuas, bailarinas árabes, escravas romanas ou ninfas gregas, em poses lânguidas e passivas, Gustave Courbet retratava mulheres de seu próprio tempo, figuras popularescas recendendo a suor. A beleza, para Gustave Courbet, estava no mundo visível. Apesar de provocar repulsa em um público acostumado às pinturas neoclássicas e românticas, Gustave Courbet vendia bem. Possuía amigos influentes, dentre eles o marchand Bruyas, seu principal mecenas. As críticas inflamadas a sua obra, ao invés de incomodar ou ofender, lisonjeavam o artista. Gustave Courbet via-se como o arauto de uma nova estética. Woman with white stockings, 1861
  22. 22. Embora não possuísse uma boa oratória e seus argumentos muitas vezes soassem confusos, Gustave Courbet jamais se negou a discutir o realismo de suas obras, seja nos bares, cafés ou nos Salões de Paris. Era um homem apaixonado pelo seu ofício, e politicamente envolvido com as transformações de sua época. A Origem do Mundo / Courbet L’ORIGIN DU MONDE Autor: Gustave Courbet Ano: 1866 Técnica: óleo sobre tela Tamanho: 46cmx55cm Museu: Museu d’Orsay, Paris, França Movimento Artístico: Realismo A obra “A Origem do Mundo” foi pintada por Gustave Courbet em 1866, encomendada pelo diplomata turco otomano Khalil-Bey, colecionador de imagens de nus femininos. Destaques da obra : A Origem do Mundo O close: o enquadramento de “A Origem do Mundo” é bastante incomum, e possui uma clara intenção de escandalizar o público, especialmente devido ao seu realismo gráfico. A pintura é realizada com tantos detalhes que lembra uma fotografia; A mulher: especula-se que uma moça de nome Joanna Hiffernan tenha servido de modelo para a obra “A Origem do Mundo”. Joanna, conhecida como Jo, era amante do pintor James Whistler, amigo de Gustave Courbet. O quadro: em fevereiro de 2013, a revista Paris Match publicou uma matéria sobre a descoberta de outro suposto quadro de Gustave Courbet, a cabeça de uma mulher, que seria uma parte cortada da tela “A Origem do Mundo”. Segundo a revista, esta conclusão é fruto de dois anos de pesquisa e análise. Assim, “A Origem do Mundo” faria parte de um trabalho maior. Apesar de endossada por alguns especialistas, a hipótese foi descartada pelo Museu d’Orsay, atual proprietário da tela de Gustave Courbet. Estudos sobre o quadro “A Origem do Mundo”
  23. 23. Apesar de ser uma obra de encomenda, “A Origem do Mundo” é um manifesto de Gustave Courbet contra as instituições acadêmicas. Até então, a tradição neoclássica ditava a pintura do nu feminino com base no estatuário grego e romano. Eram corpos idealizados, estereotipados e claramente irreais. Um símbolo da Beleza. Mais: a temática do nu só era aceita se deslocada no tempo no espaço. Assim, o tema era constante em pinturas mitológicas e históricas. Durante o século XIX, a exibição do corpo feminino passou por uma revolução encabeçada por Gustave Courbet e Édouard Manet. As mulheres representadas passaram a ser personagens de seu próprio tempo, mundanas e prosaicas. Em “A Origem do Mundo, portanto, Gustave Courbet pinta o que vê, em uma obra genuinamente realista. E se o quadro é capaz de chocar até mesmo o público atual, é porque a obra testa os limites de nossa própria moralidade e liberdade de expressão. O Ateliê do Pintor, de Gustave Courbet O quadro é considerado uma das autopropagandas mais elaboradas. Ficha Técnica - O Ateliê do Pintor: Autor: Gustave Courbet Onde ver: Musée D'Orsay, Paris, França Ano: 1854-1855 Técnica: Óleo sobre tela Tamanho: 3,61m x 5,98m Movimento: Realismo Courbet se apresentava trabalhando em um ateliê que lembrava uma caverna, em meio a uma multidão diversificada e enigmática. A cena é pintada com grandeza e segurança, mas, embora as figuras sejam vividamente retratadas individualmente, de maneira coletiva elas não possuem um sentido óbvio.
  24. 24. A pintura é considerada uma das obras-primas centrais do século XIX. O quadro foi criado para a grande Exposição Universal realizada em Paris no ano de 1855, mas foi rejeitada pela comisão de seleção. Depois de ter sido rejeitado, Courbet montou uma exposição individual sua no "Pavilhão do Realismo", erguido às próprias custas Detalhes de O Ateliê do Pintor se destacam: 1. Budelaire: Sentado entre os amigos de Courbet encontra-se Charles Budelaire, um dos principais poetas franceses da época. Os dois se conheceram em 1848, em um refúgio de artistas e intelectuais. 2. Courbet: A figura do pintor encontra- se no centro do grupo bastante diversificado. O artista faz um largo gesto com o pincel. Na verdade ele não trabalhava assim em suas pinturas, mas por ser absolutamente vaidoso, quis exibir seu perfil. A modelo ao seu lado, nua, tem sido interpretada como uma encarnação da verdade. 3. Amantes da arte: O casal em pé, em destaque à direita, exemplificam os amantes da arte ou colecionadores e foram descritos, pelo próprio Courbet, como "uma mulher da moda, de roupas elegantes, e o marido". 4. Champfleury: Jules Husson, que escrevia sob o pseudônimo de Champfleury era um amigo muito próximo de Courbet e o principal porta-voz literário do Realismo.

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