Maletas

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Teatro Solís / Departamento de Cultura/ IM
Programa de Formación de Públicos
GUIA DE ACTIVIDADES DIDÁCTICAS
Temporada de Ópera 2011
Estimado docente:
El siguiente material apunta a contribuir con la tarea docente en torno a una expresión artística relevante
dentro del mundo de las artes escénicas: la ópera.
Dada la interdisciplinariedad propia del género, la ficha propone una serie de actividades que pueden ser realizadas en
un trabajo coordinado con docentes de varias asignaturas: Música, Literatura, Comunicación Visual, Teatro e Historia,
quedando abierta también la posibilidad que se integran otras asignaturas. Porque valoramos y compartimos esta
forma de trabajo educativo, el contenido está presentado en esta línea; sin embargo, si la coordinación no fuera
posible, se especifica en cada caso la disciplina correspondiente para que pueda ser realizada en forma independiente
por el docente.
Estamos entusiasmados con transitar este camino; sabemos que sólo con una evaluación constante y en conjunto del
proceso podremos ver si lo estamos haciendo correctamente y así ajustar las modificaciones que ustedes crean
necesarias.
Por ello queremos convocar a quienes usaron esta herramienta durante el 2010 a que se comuniquen con nosotros
para tener un encuentro con la Dirección del Teatro para evaluar y pensar estrategias futuras.
Con quienes vayan a utilizarla en el 2011 esperamos poder hacer similar encuentro.
INDICE
I) Guía docente
Origen y características de la ópera………………………………………………… 2
La ópera en el Solís …………………………………………………………………. 3
La ópera italiana verista …………………………………………………………….. 4
Un histórico matrimonio musical: Cavalleria rusticana / Pagliacci……………….. 6
Cavallería Rusticana de Piestro Mascagni ………………………………………… 6
Generalidades………………………………………………………… ……………. 6
El Autor: Pietro Mascagni …………………………………………………………… . 7
Personajes……………………………………………………………………………… 7
Resumen argumental de Cavallería Rusticana …………………………………… 8
I Pagliacci de Ruggiero Leoncavallo ………………………………………………... 9
Generalidades ……………………………………………………………………… 9
El Autor: Ruggiero Leoncavallo ………………………………………………… …10
Personajes ………………………………………………………………………… 10
Resumen argumental de I Pagliacci ……………………….………………………. 11
Descripción de las actividades de los alumnos ………….……………………… 14
Glosario………………………………………………………….…………………… 15
I I) Ficha didáctica del estudiante
Presentación
Actividad 1 / Música ………………………………………...…………………… 17
Actividad 2 / Com. Visual / Historia …………………….……………………… 18
Actividad 3 / Música …………………..…………...…….………………………… 19
Actividad 4 / Música /Com. Visual/ Literatura /Historia …………………….. 19
Actividad 5 / Literatura/ Teatro/ Com. Visual .………………………………… 20
Actividad 6 / Música …………………….………………… ………………… 20
Actividad 7 / Com. Visual … ……………....………………………… ………… 21
Actividad 8 / Literatura/ Com. Visual/ Música …………………..…………… 21

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Teatro Solís / Departamento de Cultura/ IM
Programa de Formación de Públicos
GUIA DE ACTIVIDADES DIDÁCTICAS
Temporada de Ópera 2011
I) Guía docente
Origen y características de la ópera
La ópera surge en Italia a finales del siglo XVI, suele situarse a partir de la intención de
un grupo de nobles intelectuales y artistas conocido como “Camerata Florentina”, que deseaba
recuperar la tradición musical y dramática de la antigua Grecia. Dado que entendían que la
polifonía dificultaba la claridad del texto incidiendo así en la comprensión del drama,
propusieron un nuevo estilo basado en una única línea melódica que expresara las palabras de
forma clara y emotiva.
El origen también tiene precedente en las características musicales del Madrigal. En general,
las temáticas procedían de la mitología griega y buscaban una interpretación emocional del
texto a través de la melodía acompañada de un clave o laúd dando paso al estilo recitativo,
vehículo fundamental para el desarrollo de la acción.
Los primeros compositores que crearon de acuerdo a estos principios fueron Jacopo Peri.
Giulio Caccini y Claudio Monteverdi hacia fines del 1500.
Dafne de Jacopo Peri, fue la primera composición en ser considerada ópera tal como la
conocemos hoy en día. Escrita alrededor de 1597, fue un intento de revivir la tragedia griega
como parte del resurgimiento de la antigüedad en el Renacimiento: el coro del drama griego
clásico era originalmente cantado al igual que los textos de los actores. Desafortunadamente,
los escritos de Dafne están perdidos.
Posteriormente en el 1600 Peri estrena Eurídice en el Palazzo Pitti, primera y única obra
maestra de la Camerata y la primera partitura operística que ha sobrevivido hasta nuestros
días. Sin embargo, el honor de ser la primera ópera le cabe a Orfeo de Claudio Monteverdi
compuesta en el año 1607 para la corte de Mantua.
Como los temas abordados requerían efectos escénicos que despertaban la atención del
público, en poco tiempo la ópera se convirtió en el primer y más completo espectáculo
difundiéndose enseguida por toda Italia y Europa.
Asociada habitualmente con la tradicional música clásica occidental, la ópera es sin
embargo una forma teatral donde el drama se transmite completamente o en su mayor parte, a
través de la música y el canto.
El término ópera proviene del italiano y significa “obra” (del plural latino opus que significa
“trabajo” o “labor”).
Este género utiliza muchos elementos del teatro hablado: el escenario, el vestuario y la
interpretación; sin embargo se diferencia de otras formas dramáticas por jerarquizar el canto.
Los cantantes son acompañados por un conjunto musical que puede ser un conjunto
instrumental pequeño o una orquesta sinfónica completa. En la gran ópera francesa también es
habitual la incorporación de la danza.
Considerada hoy la máxima expresión de las artes escénicas - por nuclear en un
mismo espectáculo la acción dramática, el canto, la danza, la música sinfónica, la escenografía
y el montaje teatral -, el creciente interés por el género impulsó la construcción de teatros que
permitieran albergar imponentes espectáculos frente a un público numeroso. En forma
paralela, se gestó la creación de una nueva planta de teatro diseñada especialmente

3. denominada "a la italiana": la sala tiene forma de herradura e incluye foso para la orquesta,
platea y un anfiteatro con un sistema de palcos en diferentes niveles. Este es el estilo de la
sala principal del Teatro Solís.
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La ópera en el Solís
Los espectáculos de ópera han contribuido a la construcción de expresiones culturales
consideradas hoy propias de nuestra identidad. Según expresan las musicólogas Fornaro –
Salom”Las colonias y luego los países nacientes en América, muestran en sus artes del
espectáculo el interés en sentirse cosmopolitas, en participar, desde la periferia, de las artes
que ofrecen los centros generadores de novedades. En este sentido, Uruguay se muestra
decididamente romántico e italiano, insertándose con lucidez, durante la segunda mitad del
siglo XIX y las primeras del siglo XX, en el mercado internacional y en las redes de consumo
operático que vinculan las presencias estelares de solistas y compañías con ese mercado.” 1
Así fue cómo los montevideanos comenzaron a disfrutar de éste género, al principio en la vieja
Casa de Comedias y luego continuaron en el Teatro Solís desde su inauguración en 1856.
Si presenciar un espectáculo es una experiencia transformadora, presenciar uno que
conjuga en la misma puesta todas las manifestaciones artísticas integradas, atrapa y seduce al
espectador de una forma particular. Porque más allá del argumento, son muchos los aspectos
que pueden atrapar su atención: el canto, la música, la danza, el vestuario, la escenografía, la
iluminación, la interpretación particular de un artista, etc.
Por tanto, concebir en el Teatro Solís espectáculos de gran magnitud que acerquen a la
ciudadanía con el género, es un desafío arraigado en una tradición histórica. Para lograrlo, es
clave el trabajo en red con otras instituciones artísticas nacionales e internacionales, buscar
profesionales idóneos dentro y fuera de fronteras, promover la capacitación permanente de los
involucrados en la producción y por supuesto generar los recursos materiales necesarios para
cubrir los costos de una producción que supera los 200 mil dólares.
Las presentaciones de la Temporada de Ópera en el Teatro Solís son fruto de un largo,
intenso y costoso trabajo de co - producción que comprende al equipo del Solís en pleno, la
Orquesta Filarmónica de Montevideo (ambos dependientes del Departamento de Cultura de la
IM), artistas profesionales nacionales y extranjeros en los rubros artísticos y técnicos (dirección
musical y escénica, canto, danza, escenografía, vestuario, iluminación, utilería, maquillaje,
peluquería, etc), docentes y estudiantes de instituciones de formación artística de nuestro
medio.
La Boheme (2005)/ Fototeca Sur /CIDDAE/ Teatro Solís
1 M. Fornaro – M. Salom, “El género ópera en Uruguay: una mirada múltiple”, Opus –ópera, catálogo de la exposición realizada en el
Teatro Solís durante la Temporada de ópera 2007.

4. Del presupuesto general de una de estas producciones, sólo estos rubros superan los 150 mil
dólares; en caso de contar con artistas extranjeros hay que tener en cuenta además de las
funciones, los traslados y el alojamiento durante el período de ensayos que dura
aproximadamente un mes.
En la actualidad, todos los escenarios líricos del mundo, incluido el Solís, cuentan con el apoyo
de empresas privadas que, en calidad de auspiciantes, realizan un aporte económico
fundamental para cubrir los costos.
Las propuestas de los montajes contemporáneos creados por los directores escénicos
de ópera (también llamados registas o regisseurs), requieren de un gran despliegue de
recursos técnicos de escenografía, iluminación, proyecciones, etc. Afortunadamente, el
equipamiento de la caja escénica del Solís, es un espacio acorde para presentarlos.
Una acción clave en nuestros espectáculos es el trabajo coordinado con los escenarios líricos
de la región como el Teatro Colón de Buenos Aires, el Teatro Argentino de La Plata
(Argentina), o el Teatro Municipal de Santiago (Chile) entre otros; con ellos se realiza un
intercambio de recursos para las presentaciones en las respectivas salas. Esta circulación e
intercambio de escenografías, vestuarios y utilería de puestas programadas en aquellos
escenarios y las realizadas en el Solís, es posible a partir de acuerdos firmados en el
Encuentro Regional de Primeros Escenarios (ERPE) - organizado en Montevideo a iniciativa
del Teatro Solís en el año 2006 - que luego derivó en la creación de Opera Latinoamérica
(OLA), organización que nuclea a los escenarios líricos del continente.
Esta compleja realidad, es la razón del alto costo de las localidades de una ópera.
Afortunadamente para el amante del género el Teatro Solís ofrece muchas y diversas
posibilidades para acercarse a ella: asistir a ensayos generales que el Departamento de
Cultura de la IM promueve para estudiantes de formación artística, presenciar versiones en
DVD de montajes realizados aquí y en otros escenarios, préstamos de DVD de ópera,
proyección en alta definición de la Temporada del Metropolitan Opera House de New York,
conferencias y cursos.
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La ópera italiana verista
En el panorama de la ópera italiana de principios del 1800, el amor es el tema
primordial en el melodrama romántico. A diferencia de la ópera romántica alemana donde lo
sobrenatural, las referencias metafísicas y lo fantástico predominan, lo único verdadero y real
para los compositores italianos de este período es el amor al que suelen oponerse el odio, la
mentira y la incomprensión. En la obra de compositores como Vincenzo Bellini (1801- 1835) y
Gaetano Donizetti (1797- 1848) desfilan intensos y desdichados amantes que sólo encuentran
solución a sus dramas en la renuncia y la muerte.
Musicalmente, Bellini expresa este sentir en un canto melancólico y dramático - Capulettos y
Montescos (1830), La sonámbula (1831), Norma (1831) - en cambio Donizetti lo refleja de una
manera desgarradora y pasional – Lucia de Lammermoor (1835), Lucrecia Borgia (1833)- a la
vez que incursiona en el género bufo – L`elisir d` amore (1832) y Don Pasquale (1843).
Con la irrupción de Giuseppe Verdi surge un cambio en el panorama musical italiano y la
situación política tiñe de virilidad y heroísmo juvenil la temática de la ópera. Una Italia
resquebrajada y sometida al absolutismo monárquico austríaco, con patriotas presos, exiliados
y muertos inicia un lento y duro camino hacia la unificación y la libertad; a partir de 1840 la
ópera tendrá como protagonistas al pueblo y sus héroes y a Nabucco (1842) con su mensaje
de libertad y unidad como su máximo ejemplo. Desde el punto de vista estrictamente musical,
en Nabucco Verdi innovó en la estructura al sustituir la sucesión de arias y recitativos por una
trama organizada por escenas y no números cerrados, vinculados por vigorosos cantabili,
bravos recitativos, fragmentos corales magnéticos y una orquestación enérgica.
Al aplacarse el furor patriótico, cambia en Italia el clima de la nación y Verdi comienza a
incursionar en la psicología de los seres humanos; Rigoletto (1851), Il Trovatoore (1853) y La
Traviata (1853) son argumentos que muestran esta nueva búsqueda de la intimidad de la
conducta humana, que desde el punto de vista estructural mantiene la división en arias, dúos,

5. concertantes y recitativos. Si Aída (1871) es reflejo de la madurez de su dramaturgia, con
Otello (1887) y Falstaff (1893) llegará a la consolidación de un moderno estilo de realización.
Con el momento de esplendor creativo de Verdi, coincide el surgimiento de un
movimiento que significaría para la ópera italiana el reencuentro de los creadores con los
grandes públicos: el verismo.
Proveniente del italiano, el término verismo deriva de “vero” que significa verdadero y se aplica
principalmente a la música operística italiana surgida a finales del siglo XIX. Sus argumentos,
basados en temas cotidianos de la clase baja de la Italia meridional, tienen inspiración en
temas y argumentos procedentes del naturalismo y del verismo literario.
El verismo literario está inspirado en el realismo y naturalismo francés del SXIX; en Italia, esta
tendencia surgió entre 1875 y 1896 impulsada por un grupo de escritores, principalmente
narradores y comediógrafos que constituyeron una verdadera y propia escuela fundada sobre
principios precisos: promover fundamentalmente personajes, situaciones y emociones reales.
De las precisas y minuciosas descripciones de ambientes naturales o humanos desarrolladas
en ámbitos muy restringidos, fundamentalmente de un entorno arcaico y rural, se toman los
rasgos característicos y determinantes del comportamiento de los personajes. Los principales
exponentes del movimiento son Émile Zola (Francia, 1840-1902) y Giovanni Verga (Italia, 1840-
1922).
En la ópera, es un estilo que realza la veracidad y el dramatismo de la acción. Se caracteriza
por un canto de carácter silábico que busca la comprensión del texto, la emisión melodramática
y el brillante final de los números principales.
Al tomar Pietro Mascagni una de las novelas cortas de Verga para su Cavalleria Rusticana,
inicia en 1890 el movimiento verista en la ópera italiana que culminará en los primeros años del
Siglo XX.
Descontando a Giacomo Puccini, considerado el más grande compositor verista - aunque
algunos críticos italianos discutan esta afirmación- , los más famosos compositores de la ópera
verista, fueron Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo (cuyo I Pagliacci es con frecuencia
presentada a la par de Cavalleria), Umberto Giordano (1867-1948) autor de Andrea Chénier,
Francesco Cilea (1866- 1950) quien compuso la refinada Adriana Lecouvreur y Alberto
Franchetti (1860- 1942).
Los autores ligados a esta estética son históricamente unificados bajo el rótulo de “Joven
Escuela” (Giovane Scuola), denominación usada por primera vez en la prensa y que
rápidamente se instaló. La intención de este grupo era romper con la tradición de la ópera del
siglo XIX, sobre todo a partir del modelo dominante hasta entonces: el de la música de Verdi.
El verismo en la ópera residió en la elección de los libretos con la intención de cumplir con una
función social ya que las últimas óperas de Verdi habían dejado de ser populares para un
público masivo. Por ello el lenguaje verista es el de la vida cotidiana, cruel, frívolo, impertinente,
inhumano. Esto permite a los compositores desarrollar una mayor libertad métrica y a la
adaptación de la melodía al discurso para que resultase claro. La crudeza y elementalidad de
las palabras, son compensadas con la orquestación que cumple la función de caracterizar
ambientes y situaciones. Los momentos de distensión están representados por formas
cerradas instrumentales (como los interludios) funcionales a una razón dramática: se canta un
aria o una canción, una serenata, una plegaria, un brindis y se danza cuando el argumento lo
requiere. En general, salvo en un aria o una canción, el canto es silábico y sin adornos y se
asciende al agudo cuando la tensión lo demanda.
Los diálogos, son dúos que se unen en la culminación de la tensión emotiva, como forma de
jerarquizar el sentir de los personajes. O sea que ninguna melodía, fragmento o leitmotiv
verista ha sido compuesto simplemente por su sonoridad; el propósito de cada compás está en
reflejar el contexto, la acción, o las sensaciones de un personaje dejando también en evidencia
la clara influencia que Richard Wagner ha ejercido en los compositores veristas.
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Un histórico matrimonio musical: Cavalleria rusticana / Pagliacci
La consagración de Pietro Mascagni se dio a partir del estreno de Cavalleria rusticana
el 17 de mayo de 1890 en el Teatro Costanzi de Roma; dos años después, el 21 de mayo de
1892 se estrenó también con gran éxito I Pagliacci de Ruggiero Leoncavallo en el Teatro Dal
Verme de Milano bajo la dirección de Arturo Toscanini.
Desde entonces, se ha instalado la tradición en el mundo de la ópera de programar juntos
ambos títulos. Es que además de haber sido compuestas como piezas cortas para un concurso
que luego ganaron, son ejemplos del verismo, comparten un mismo estilo, una misma forma y
un mismo tema: la muerte provocada por los celos amorosos. Asimismo comparten la
perspectiva sobre la Italia del Sur, rural, pobre y desconocida a pocos años de lograda la
unidad en 1861.
Cavalleria rusticana es la primera ópera plenamente verista y I Pagliacci puede ser
considerada todo un manifiesto sobre el verismo musical que aspiraba convertir la ópera en
reflejo de la realidad social más dura, en oposición al Romanticismo y sus temáticas de gestas
de caballeros y damas. Aporta también un nuevo concepto de la orquestación y una utilización
distinta de la voz humana.
La fuerza e intensidad musical de estas óperas ha llevado a varios reconocidos directores
cinematográficos a incluirlas en la banda sonora de sus películas: Martin Scorsese eligió
Cavalleria rusticana en los momentos más trágicos de Toro Salvaje y Francis Ford Coppola en
El padrino III. Brian De Palma escogió I Pagliacci para el clímax dramático de Los intocables.
Entre 1911 y 1991, esta popular e irresistible dupla para el aficionado a la ópera ha
estado presente en la programación del Teatro Solís en trece oportunidades; asimismo, por
separado, I Pagliacci se presentó dos veces y Cavalleria Rustiicana sólo una vez.
Cavalleria Rustiicana de Pietro Mascagni
Música de Pietro Mascagni.
Libreto de Giovanni Tagioni- Tozzetti y Guido Menasci sobre el relato homónimo de Giovanni
Verga.
Generalidades
Dentro de la literatura verista que buscaba divulgar entre los lectores del norte de Italia
la idiosincrasia especial de los pueblos del sur, Cavallería Rusticana de Giovanni Verga ocupó
un lugar relevante. Fue el propio autor quien lo convirtió en drama, antesala de la ópera que
Mascagni envió a un concurso de la editorial Sonzogno; el triunfo permitió que la obra pasara a
la historia como símbolo del nuevo estilo verista con éxito rotundo de público en Italia y el resto
de Europa.
La estructura es la de una ópera en un solo acto con intermezzo donde los fragmentos
instrumentales tienen gran valor. El preludio del comienzo provee la atmósfera sonora y
psicológica que prepara al espectador; la novedad musical es la incorporación a telón cerrado
de la voz de Turiddu jugando así con el espacio sonoro. El ritmo de una siciliana – danza de
índole elegíaca y pastoril- cumple la función de prólogo.
La acción transcurre en la primera hora de la mañana del día de Pascua de Resurrección en un
pueblo de Sicilia.
El espectador ingresa en un ambiente festivo popular religioso que impregna de religiosidad a
los personajes y al pueblo. La escena y dúo de Santuzza y Turiddu al promediar la obra
conforma el eje de esta concisa tragedia, en torno al cual giran las situaciones que preceden el
sinceramiento de los amantes que provocará el trágico desenlace.

7. El Autor: Pietro Mascagni (Livorno, 7 de diciembre 1863- Roma 2 de agosto 1945)
Compositor y director de orquesta italiano, reconocido como uno de los mejores
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exponentes de la ópera verista.
Hijo de un panadero, comenzó muy joven a estudiar música en su pueblo y a los 13 años
compuso su primera ópera. En 1882 fue admitido en el conservatorio de Milán donde estudió
con Amilcare Ponchinelli donde compartió con Puccini habitación y la vida estudiantil de
estrechez económica. Cuando resuelve abandonar sus estudios trabajó como contrabajista en
el Teatro Dal Verme y luego se unió a una compañía ambulante de ópera como director.
Instalado en Villa Cerignosa de Abulia como director de orquesta municipal leyó en el periódico
que la editorial Sonzogno llamaba a concurso de óperas breves. En muy poco tiempo compuso
Cavallería rusticana, la envió al concurso y entre 70 participantes ganó el primer premio; a
partir del estreno en Roma en 1890, el impacto mundial fue inmediato convirtiéndose Mascagni
en uno de los principales adalides de la corriente verista que dominó la escena lírica italiana
entre la última década del siglo XIX y las dos primeras del XX.
El éxito inicial le allanó el camino en su intensa actividad profesional como director, la cual
ejerció toda su vida; sin embargo después de un arranque exitoso como compositor, de las 12
óperas que compuso luego (L`amico Fritz (1891), Iris (1898), Le maschere (1901), Isabeau
(1911), etc), ninguna alcanzó la originalidad y popularidad de la primera.
Procurando alcanzar un lugar relevante en el panorama musical italiano, aceptó ser el músico
oficial del régimen fascista de Benito Mussolini, razón por la cual muchos compañeros y viejos
amigos como Arturo Toscanini se alejaron de él. Al caer el régimen quedó aislado de todos y
murió en el hotel Plaza de Roma desilusionado, desprestigiado y en la indigencia.
Personajes
Santuzza: Es una campesina, ex amante de Turiddu. El papel es interpretado por una soprano
dramática o mezzosoprano.
Turiddu: Es el hijo de Mamma Lucia. El joven ha abandonado a Santuzza y tiene relaciones
ocultas con Lola. El papel requiere fuerza, por tanto es interpretado por un tenor spinto.
Alfio: Es el arriero marido de Lola. Este breve papel es interpretado por un barítono.

8. Lola: La esposa de Alfio, está enamorada de Turiddu y es su amante. Es un papel muy fácil y
breve para una mezzosoprano.
Mamma Lucia; La madre de Turiddu. Este papel sin grandes dificultades es para una
mezzosoprano o contralto.
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CORO
Resumen Argumental de Cavallería rusticana
ACTO I
Tras un preludio breve, la ópera empieza a telón bajo y con la interpretación de una
serenata que Turiddu canta a una joven llamada Lola. El fragmento es parecido al estilo de las
célebres "napolitanas" ("O Lola, c'hai di latti la cammisa"... Oh Lola,!! cuya camisa es blanca
como la leche").
Al levantarse el telón, observamos la plaza del pueblo vacía con una iglesia en la cual
repiquetean las campanas y una taberna donde está Mamma Lucia arreglando sillas y mesas.
La gente va llegando a la plaza ("Gli aranci olezzano"/"In mezzo al campo") para entrar en la
iglesia. Una de las personas es Santuzza, novia de Turiddu, que acude a la taberna para poder
hablar con Mamma Lucia, madre de su enamorado, ya que lo está buscando. Desde un
principio, observamos reticencia de la madre para responder a Santuzza sobre el paradero de
su hijo. Finalmente le dice que ha ido a buscar vino a Francofonte, pero Santuzza no lo cree y
lo niega.
La llegada de Alfio, el arriero marido de Lola, contento por el viaje que ha hecho por Sicilia,
propone un tono más jovial ("Il cavallo scalpita" El caballo trota) que rompe un poco con la
tensión, pero sólo es un espejismo. Su entrada en la taberna con un látigo y la conversación
siguiente, confirman que Turiddu no ha marchado a comprar vino, sino que estaba cerca de la
casa de Alfio.
En la iglesia suena un canto ponderando la resurrección de Jesús, el "Innegiamo" al que se
suman Santuzza, que ha acudido a la iglesia y Mamma Lucia. Fuera de la iglesia, Mamma
Lucia le pide a Santuzza que le diga porqué hizo un gesto para que no hablara cuando ella
estaba con Alfio. Santuzza le explica que Turiddu era novio de Lola antes de irse al servicio
militar; al volver encontró que ella se había casado con Alfio, entonces comenzó una relación
con Santuzza ("Voi lo sapete ,o Mamma"). Al enterarse, Lola por celos vuelve con Turiddu
engañando a su marido Alfio. Turiddo le ha robado el honor a Santuzza pero ahora él no quiere
casarse, lo cual para ella, en Sicilia, supone la ruina absoluta de su vida.
La llegada de Turiddu ("Tu qui,Santuzza") alcanza grandes momentos de tensión a lo largo de
todo el dúo. Finge haber ido a Francofonte pero ella le cuenta que lo vio rondar la casa de Lola.
Se observa que él, cada vez, se siente más indignado y ella oscila entre los celos y un amor
que siente apagado. En plena disputa Lola aparece ("Fior di giaggiolo"...Flor de gadiolo) y la
situación no mejora, Santuzza le insinúa "que los que no han pecado deben ir (a la iglesia)" en
referencia al romance de ambos y Lola entra en la iglesia. La ruptura entre Santuzza y Turiddu
es clara; se observa cómo los ruegos de ella quedan en nada y a él ofendido y sin intención de
perdonarla por sus arrebatos de celos. Cuando Turiddu entra en la iglesia, Santuzza lo maldice
deseándole “la mala Pascua” justo cuando Alfio llega nuevamente a la plaza vestido para la
fiesta. Santuzza no contiene su ira y le revela la verdad entre Lola y Turiddu al cantar que
ella “le adorna el techo de mala manera”. Alfio comprende el mensaje el cual despierta la cólera
de un marido mancillado y con ansias de venganza.
Tras el expresivo intermezzo orquestal la gente sale de la iglesia y Turiddu junto a
Mamma Lucia y Lola se dirigen a la taberna donde invita a beber a los presentes cantando de
manera festiva en honor al vino ("Viva el vino spumeggiante"...Viva el vino espumeante); los
aldeanos acompañan con sus "viva”, pero la alegría desaparece con la llegada de Alfio
desafiante, que provoca la marcha de todos, incluida Lola, preocupada por el tono de voz de su
marido. Los dos hombres se miran en un clima tenso y Turiddu muerde la oreja a Alfio (rústica
costumbre del sur que fascinaba a los milaneses y turineses cuando la veían en el teatro) como
señal de aceptar el desafío y confiesa ser culpable. Alfio le insta a que aparezca "detrás del

9. huerto". El último gran momento de esta ópera es cuando Turiddu llama a su madre y le pide
su bendición - como lo hiciera el día en que partió para cumplir sus obligaciones militares - y
que ayude a Santuzza en el caso que no volviese. Turiddu insiste con gran aflicción, como se
percibe en "Un bacio, un bacio, mamma, un'altro bacio" y marcha hacia el duelo; Lucia y
Santuzza quedan juntas y el grito desgarrador de una vecina revela el fatal desenlace: "Hanno
ammazzato compare Turiddu"... Han matado al compadre Turiddu, mientras que la orquesta
culmina la ópera.
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I Pagliacci de Ruggiero Leoncavallo
Drama en un Prólogo y dos actos
Música y libreto de Ruggiero Leoncavallo
Generalidades
La historia de I Pagliacci y Leoncavallo es muy similar a la de Cavalleria rusticana y
Mascagni: ópera compuesta para un concurso, deviene rápidamente en éxito popular y su
compositor fracasa con intentos posteriores al igual que otros compositores de final de siglo
XIX tales como Giordano (Andrea Chénier y en menor grado, Fedora).
Hay varias anécdotas en relación a la composición de I Pagliacci. Se sabe que está basada
en hechos reales conocidos por el padre de Leoncavallo quién era policía en Cosenza,
ocurridos en Montalvo Uffugo, Calabria, el 15 de agosto de 1865.
Por otro lado, está el desliz del concurso: el llamado pedía presentar la composición de una
ópera en un acto y Leoncavallo presentó su obra con dos actos. Su editor Ricordi, incumplió la
palabra de estrenarla y Leoncavallo acabó por entregarla a su rival Sonzogno, que la estrenó
con éxito total de público el 21 de mayo de 1892 en el Teatro dal Verme de Milán con dirección
de Arturo Toscanini.
Generalmente los compositores escribían y escriben un prólogo cuando quieren proclamar una
nueva estética con sus óperas, como fue el caso de Lully y Gluck, o redactan tratados
explicativos como Wagner y otros. Leoncavallo incorporó su idea estética a I Pagliacci en forma
de prólogo construido en base a tres de los cuatro leitmotive de la ópera: la risa dolorosa del
payaso Canio es el primero, le sigue el del amor de Neyda y Silvio - el más usado a lo largo de
la obra - y el tercero que simboliza los celos de Canio. Luego Tonio confía al público “la
intensión del poeta” de presentar en el ambiente de la “commedia dell´arte” a seres humanos
reales, con sus auténticos sentimientos. Con la hermosa melodía del prólogo, un andante triste,

10. Leoncavallo insinuó que es él quien se oculta tras la máscara del payaso. Desde el estreno,
este prólogo se constituyó en un triunfo para el barítono.
Entre los mejores momentos del primer acto se encuentran el coro de apertura y el cantabile de
Canio donde se afirma el tema de los celos, refleja la fiera personalidad del payaso y sugiere la
ambigüedad de un contexto donde luego realidad y ficción se fundirán.
Con la recurrencia de los leitmotive del prólogo, el intermezzo prepara al oyente para el
desenlace de la tragedia y en el segundo acto, al evocar la “commedia dell`arte”, el compositor
acude al procedimiento del teatro dentro del teatro pasando a través del juego de los
comediantes de la ficción escenificada a la realidad. En lo musical exagera el elemento rítmico,
el melódico y el tímbrico con recursos estereotipados como en el caso de la serenata de
Arlecchino. El ingreso a la realidad está dado por el abrupto cambio de estilo verista de canto y
por las alusiones psicológicas de la orquesta. El final llega de manera abrupta y la clásica
expresión “la commedia è finita”! oficia de conclusión.
El Autor: Ruggero Leoncavallo (Nápoles, 23 abril 1857- Montecatini, 9 agosto 1919)
Compositor italiano, uno de los principales exponentes del verismo en la ópera que
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surgió como reacción frente al Romanticismo dominante.
Nació en Nápoles, hijo de un oficial de policía y estudió simultáneamente música en el
Conservatorio de música de la ciudad donde entró a los 9 años y literatura en la Universidad
de Bolonia.
Trabajó un tiempo como director de la banda militar de El Cairo pero al estallar la guerra contra
los ingleses huyó hacia París. Allí pasó algún tiempo trabajando como pianista de cafés y
cabarets hasta que se instaló finalmente en Milán. Aquí comenzó a soñar con la composición
de una trilogía sobre el Renacimiento italiano pero sólo finalizó la primera parte I Medici; luego
llegó la ópera sobre el joven poeta inglés Chaterton, pero tampoco prosperó.
Cuando la editorial de música Sonzogno lanza un concurso, Leoncavallo compone en cinco
meses, una ópera para presentar que llamó I Pagliacci; como no se percató que el llamado
pedía óperas en un solo acto la dividió. A pesar de esto, la editorial reconoció el valor artístico
de la misma y resuelve estrenarla, hecho que se concreta el 21 de mayo de 1892 en el Teatro
Dal Verme de Milán, momento en el que comienza su reconocimiento mundial.
Otras dos óperas suyas, La Bohème homónima de la obra de Giacomo Puccini (1897), y Zaza
(1900) consiguieron un éxito relativo, sin embargo nunca más logró repetir el éxito alcanzado
por sus payasos.
Otro acierto destacado de Leoncavallo fue su interés visionario por las grabaciones
fonográficas; compuso la canción Mattiinata con el propósito de llevarla al disco de gramófono
lo cual se concretó en abril de 1904 interpretada por la voz de Enrico Caruso y el propio autor
al piano. En el año 1907 también bajo su dirección musical I Pagliacci se convierte en la
primera ópera italiana en ser registrada en su totalidad en una grabación.
A pesar de continuar componiendo, probando también incursionar en la opereta, Leoncavallo
murió el 9 de agosto de 1919 cuando tenía 61 años y decepcionado y contrariado por no haber
podido repetir el éxito de I Pagliacci.
Personajes
Canio: Es un payaso maduro, jefe de una pobre compañía de cómicos, casado con Nedda. El
papel requiere de un tenor spinto para su interpretación.
Nedda: Es la joven esposa de Canio que está enamorada de Silvio. Quien lo interpreta debe
ser una soprano lírica que debe alcanzar momentos muy dramáticos.

11. Tonio: “el idiota”: Es un payaso deforme y levemente retrasado que está enamorado de
Nedda. El papel lo interpreta un barítono dramático.
Silvio: Es el joven de Montalvo que está enamorado de Nedda y suele interpretarlo un barítono
lírico.
11
Beppe: Es el joven payaso de la compañía, papel para un tenor ligero.
Resumen argumental I Pagliacci
El autor recurre a la tradición de la antigua “commedia dell`arte”. Los comediantes
han montado su escenario en la plaza de un pueblo. El cómico Tonio confía al público su
filosofía de la vida y del arte: la contradicción entre el ser y la apariencia, la vida y el teatro, el
hombre y la máscara, se resuelve en la verdad de la representación y de la indivisibilidad de las
emociones.
Con el telón aún bajo aparece un personaje llamado Prólogo que suele cantar Tonio,
clown de la compañía (aunque a veces lo hace el barítono que interpreta Silvio); canta una
especie de aria en la que proclama el propósito de la escuela verista: pintar un fragmento de
vida, con el hombre como protagonista. Anuncia que en el segundo acto hay un teatro en
escena con público emocionado y conmocionado porque ve un drama verdadero que finaliza
con dos muertes violentas. El prólogo finaliza con un grandilocuente «Andiam! Incominciate!».
Lo que indica el Prólogo es “un retazo de vida”, escrito por el compositor con lágrimas de
verdad y marcando el compás con los sollozos que produce la evocación de aquella tragedia.
La perfección de la construcción dramática se encuentra en el uso moderado y eficaz del
leitmotiv wagneriano y las arias de los personajes. La tensión dramática del segundo acto
juega con una gavota por leitmotiv que se rompe cuando Canio, celoso y furioso, deja de
interpretar la comedia, reclama sus derechos matando a Neddia y Silvio y así “la commedia é
finita”.
Acto I
La acción transcurre en la plaza de Montalvo, un pequeño pueblo calabrés, donde se
instala la compañía ambulante de cómicos; como es la única diversión al alcance los
labradores acuden a recibirla con alegría y engalanados para celebrar las fiestas en un
ambiente popular.
El director, el payaso Canio, dueño del carro, anuncia el espectáculo. Los pueblerinos los
invitan a la taberna y bromean acerca de las intenciones de Tonio para con Nedda, la mujer de
Canio. Cuando Nedda, que será la protagonista de Colombina en la próxima función, baja del
carro, se le acerca Tonio para ayudarla, provocando una furiosa reacción de celos de Canio,
que lo aparta con un empujón y le da una bofetada.
Los labradores han invitado a Canio a beber un vaso de vino y al bromear sobre su compañero,
obtienen una respuesta contundente, profética: lo que puede provocar risas en el mundo del
teatro no lo tolerará en absoluto en la vida real.
Llegan los músicos, suenan las campanas y hombres y mujeres entonan una alegre canción
popular. Nedda queda sola en escena; primero se muestra angustiada y temerosa por la
reacción del marido, pero luego se muestra sensible a la belleza de la tarde de verano mientras
sueña con su libertad. Se presenta Tonio, que la observa con deseo y una libidinosa expresión
en el rostro lo cual genera que Nedda lo reciba con desconfianza y desprecio. En una escena
de gran tensión dramática, Tonio le declara su amor y Nedda adopta una actitud de burla que
desespera al enamorado, quien la amenaza e intenta besarla. Recibe como respuesta un
latigazo en la cara. La vuelve a amenazar con más contundencia mientras ella lo insulta
ferozmente. Tonio se va murmurando venganza.

12. Llega Silvio, un lugareño amante de Nedda; ella le cuenta el incidente, le explica que la actitud
de Tonio la espanta, y él le aconseja que abandone su vida de artista ambulante y huya con él.
Ella se deja convencer y decide huir por la noche después de la función. Tonio presencia sin
ser visto el final del encuentro entre los dos amantes y se va para avisar a Canio. Éste llega y
se abalanza con un grito salvaje pero Silvio consigue huir con habilidad. La risa cínica de Tonio
provoca el desprecio de Nedda; Canio quiere saber el nombre del fugitivo a cualquier precio,
pero la joven se niega con firmeza. Cuando Canio se abalanza sobre Nedda, alienado, llega
Beppe, el payaso joven, que le recuerda que pronto ha de comenzar el espectáculo.
Canio toma conciencia de la realidad y Tonio lo convence para que disimule y posponga el
castigo tras la representación. Canio nos hace partícipes de su drama: hacer reír al público
cuando solamente tiene ganas de llorar; confesión que tiene su momento culminante en la
frase «Ridi, Pagliaccio».
12
Acto II
En el mismo escenario del primer acto, ya de noche, el público va llegando y ocupando
ruidosamente los asientos. Nedda, que cobra la entrada, intercambia unas palabras con Silvio,
le pide prudencia y la función comienza.
Nedda es ahora Colombina quien espera a su amado, Arlecchino, aprovechando que su
marido, Pagliaccio (que interpreta Canio), no ha de volver hasta la noche.
Arlecchino (que interpreta Beppe) le canta una serenata desde fuera.
Cuando Colombina hace el signo convenido para que entre el amante, aparece Taddeo
(personaje interpretado por Tonio) con el canasto de la compra, que afirma estar enamorado de
ella y pretende, en una escena cómica, exagerando el tono, aprovechar también la ausencia
del marido.
Entra Arlecchino cantando una serenata a su dama, agarra a Taddeo por la oreja, le da una
patada y lo manda fuera provocando risas en la gente. Taddeo se va a vigilar la posible llegada
del marido y los amantes preparan una cena, proponiendo él que le dé un narcótico al marido
para poder huir juntos por la noche.

13. Taddeo advierte la presencia de Pagliaccio enfurecido, que busca un arma para vengarse.
Arlecchino intenta huir por la ventana y ella lo despide con las mismas palabras que le dijo a
Silvio por la tarde: “hasta esta noche y entonces seré tuya”.
Canio entra con el disfraz de Pagliaccio e increpa a su mujer con furia. Entonces siente renacer
unos celos locos que intenta disimular y seguir con su papel interrogando a Colombina sobre la
presencia de otro hombre. Colombina le dice que se trataba de Taddeo, éste interviene con
aire burlón y afirma que Colombina es pura y detesta la mentira.
Las risas de la gente descontrolan finalmente a Canio, que las recibe como una afrenta
personal.
En la escena final, ya fuera de la comedia que hasta ahora habían intentado representar, Canio
se dirige al público para decirle que tiene derecho a actuar como un hombre cualquiera y exige
con ira a su mujer el nombre del amante, como había hecho antes, y cuando ella intenta seguir
con su papel, la interrumpe brutalmente y canta su última aria, «No! Pagliaccio non son», en la
que nos revela que había recogido a Nedda, huérfana y muerta de hambre, y le había dado su
nombre y su amor, además de evocar la confianza en ella y la ingratitud con la que ha
respondido. El final se precipita. El público, encuentra la función mejor que de costumbre y
comienza a dudar sobre si lo que está viendo es realidad o teatro; Sivio se da cuenta que lo
que ocurre es en serio, Beppe intenta inútilmente evitar el desastre, Canio insiste en conocer el
nombre del amante, Nedda se niega con decisión.
Pagliaccio toma el cuchillo de encima de la mesa, lo clava con fuerza en el pecho de la mujer
que cae al suelo y agonizante llama a Silvio. Éste corre hacia ella, Canio le clava el puñal en el
corazón y cuando Silvio cae muerto lo suelta de inmediato.
Canio se dirige al público y cierra la ópera con la reconocida frase de la Commedia dell’arte:
«La commedia è finita».
13

14. 14
Descripción de las actividades para los alumnos.
Proponemos una serie de actividades para trabajar en clase, tanto en forma individual
como grupal, luego que el grupo ha visto en vivo (un ensayo o una función) o en versión
audiovisual las óperas Cavalleria Rusticana de Pietro Mascagni e I Pagliacci de Ruggiero
Leoncavallo.
Las actividades, diseñadas para trabajar en Música, Literatura, Comunicación Visual,
Teatro e Historia, apuntan a reflexionar por medio de la expresión oral y escrita, valorando la
opinión personal y el respeto de las opiniones ajenas de los estudiantes.
Asimismo, se busca generar el trabajo creativo interdisciplinario, siempre que fuera posible
coordinarlo, a la vez que queda abierta la puerta a que el docente incluya en su tarea la
iniciativa personal. Se especifica, además de la (s) asignatura(s) en la cual hace énfasis, la
duración estimada de cada una.
Es imprescindible que durante el proceso de trabajo se pueda contar con la versión grabada de
las óperas en audio y/o en DVD, para ser utilizada tanto como disparador o reforzador.
Actividad 1 Asignatura: Música
Luego de trabajar las características de la ópera en general y del estilo verista en particular, a
partir del análisis y la lectura de los argumentos de ambas óperas, reconocer los rasgos
veristas de cada una. Seleccionar un pasaje musical característico e identificar los recursos
musicales propios del verismo que los autores han incluido en las respectivas obras.
Tiempo estimado: 40`
Actividad 2 Asignatura: Comunicación Visual / Historia
El disparador de la reflexión es en esta oportunidad el análisis de los recursos artísticos que
involucren la caracterización de los personajes, la ambientación del lugar en el que transcurre
cada historia y su relación al contexto histórico en que acontece. Es una instancia valiosa para
deliberar también en torno a los vínculos familiares, las relaciones entre los seres humanos y
los valores.
Tiempo estimado: 50`
Actividad 3 Asignatura: Música
Tomando como base contenidos programáticos, se propone analizar las parejas conformadas
por los personajes en conflicto de cada historia: Alfio y Turiddu / Canio y Silvio tomando como
referencia los números musicales que ofician de presentación de cada uno.
Tiempo estimado: 40`
Actividad 4 Asignatura: Música/ Comunicación Visual / Literatura/ Historia
Luego de un abordaje de investigación en las diferentes disciplinas, la intensión aquí es poner
a los estudiantes en situación de crear una historia que tome como eje los principios de la
corriente verista. Se sugiere, a partir de la búsqueda en prensa de acontecimientos reales de
nuestro tiempo, la recreación de la misma con los recursos dramáticos y artísticos que surjan
del proceso creativo grupal.
Tiempo estimado: 120`
Actividad 5 Asignatura: Literatura / Teatro/ Comunicación Visual
Trabajando en coordinación con los contenidos programáticos de varias asignaturas,
proponemos investigar las características de la “commedia dell`arte”, reconocer sus
personajes, crear las máscaras con la técnica más propicia y utilizarlas en un trabajo de

15. 15
improvisación.
Tiempo estimado: 120
Actividad 6 Asignatura: Música
El aria “Vesti la giubba” de I Pagliacci es un momento que desde su creación y estreno ha
popularizado esta ópera gracias a que reconocidos tenores la han interpretado en todo el
mundo. Sugerimos trabajar los registros vocales, haciendo énfasis en las características del
registro del tenor; asimismo aprovechar Internet para investigar en equipo acerca de los
grandes exponentes del mundo de la lírica que han interpretado el personaje de Canio.
Tiempo estimado: 40`
Actividad 7 Asignatura: Comunicación Visual
Tomando en cuenta los contenidos programáticos de cada año, proponemos trabajar los
aspectos de comunicación que corresponda desarrollar para que el espectáculo pueda ser
difundido a través de diferentes medios hacia diferentes públicos, haciendo énfasis en el
público adolescente. Dado el carácter de la actividad, sugerimos abordar el trabajo en equipo.
Tiempo estimado: 120`
Actividad 8 Asignatura: Literatura/ Comunicación Visual /Música
Continuando con la idea del trabajo interdisciplinario que permitió realizar un análisis de los
aspectos formales de la ópera, - argumento, personajes, música, etc - sugerimos realizar una
relectura de la misma. La idea surgida de un trabajo colectivo, será plasmada en un nuevo
planteo artístico que, utilizando los recursos que se consideren pertinentes para realizarla,
reflejen además de la visión actualizada de la ópera, el manejo de los lenguajes y recursos
estudiados en el curso.
Tiempo estimado: 120`
Glosario
Aria: Pieza musical para ser cantada por una voz solista, habitualmente con acompañamiento
orquestal y como parte de una ópera.
Bajo: (del latín bassus, grave, bajo) es el cantante con la voz masculina más grave, con un
timbre más oscuro.
Barítono: Se llama al cantante cuya tesitura se encuentra ubicada entre la de un bajo y el de
un tenor.
Canto lírico: El término deriva del instrumento lira (gr: λύρα), arpa de siete cuerdas que
acompañaba al cantante en concursos de canto en Grecia antigua. Se caracteriza por una
técnica que permite emitir sonidos y melodías a un volumen muy alto utilizando resonadores
naturales situados entre el pecho y la cabeza del ser humano.
Caja escénica: En los teatros convencionales (teatros a la italiana), es el espacio situado entre
el telón de boca y el de fondo que está destinado a albergar los elementos de escenografía,
iluminación, telones, etc.
Commedia dell´arte: Representación teatral nacida en el siglo XVI y desarrollada en los siglos
XVII –XVIII, que estaba basada en el humorismo, en la improvisación y en las máscaras. Era
interpretada por compañías itinerantes que iban desde una ciudad a otra, montando sus
comedias en calles y plazas. El elemento más característico era la falta de un guión, los
actores utilizaban apuntes y podían improvisar.
Otro elemento fundamental era la presencia fija de las máscaras. Cada actor tenía que
interpretar un personaje que se distinguía de los otros a través de los movimientos del cuerpo,
haciendo chistes o saltando.
Cantabile: Indicación de que un pasaje debe ser ejecutado subrayando la melodía principal.
Concierto: Composición escrita para uno o mas instrumentos solistas en diálogo con un grupo
instrumental u orquesta.
Histrionismo: Exageración en la gesticulación y expresión de una persona al hablar o actuar.
Instrumentación: Uso de los diferentes instrumentas en un conjunto instrumental u orquesta.
Intermezzo: Pieza breve, generalmente cómica, insertada entre los actos de una ópera.

16. Leitmotiv o motivo conductor: Motivo musical de la ópera, de esencia melódica, rítmica o
armónica que se relaciona con algún personaje o aspecto del drama musical, reapareciendo y
transformándose a lo largo de la ópera.
Madrigal: Forma poética y musical desarrollada en Italia entre 1320 y 1400. Se basa en una
temática pastoral.
Mezzo Soprano: Voz de mujer con una tesitura aproximada de sol a la que posee una
sonoridad más rotunda que la soprano aún siendo capaz de acometer agilidades.
Orquesta sinfónica: Agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias
familias de instrumentos: viento madera, viento metal, percusión y cuerda.
Prólogo: Especie de preámbulo añadido a las óperas francesas del SXVII y XVIII. en general
extraño al tema de la obra. En el SXIX una prefiguración musical que precede la acción
dramática.
Recitativo: Fragmento de la ópera donde predomina el recitado del texto sobre la melodía y el
canto.
Regisseur: En la ópera es el director de escena y por tanto el responsable de la puesta en
escena; su tarea es unir la música con el teatro, la plástica y la literatura
Sinfonía: Composición musical para orquesta que comprende tres o cuatro movimientos de
los que uno o más tienen forma de sonata.
Singspiel: Obra escénica en alemán en la que se alternan fragmentos cantados y hablados
sobre un argumento generalmente cómico.
Solo: Pieza o sección de ella, que ejecuta un instrumentista o cantante en solitario, o en primer
plano de la pieza.
Soprano: Voz más aguda del registro vocal humano. Denomina tanto a la voz de timbre claro
y brillante como a la persona que canta con esa voz.
Tema musical: Idea musical formada por uno o más motivos.
Tenor: Dentro de las cuatro voces básicas, se denomina al cantante cuya tesitura está situada,
entre la del alto y la del bajo. Es la voz masculina más aguda.
Textura: Sonoridad resultante del entramado de líneas o partes presentes en una obra.
Timbre: Cualidad sonora que permite distinguir a una fuente sonora de otra.
Jacopo Peri (1561-1633). Compositor y cantante italiano considerado el inventor de la ópera.
Compuso la primera ópera que se conserva: Euridice (1600).
Claudio Monteverdi (1567- 1643). Figura más importante entre la música del Renacimiento y
el Barroco. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el
nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. En 1607 estrenó Orfeo, favola in
música, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia. Su siguiente
ópera Arianna (1608), cuya música se ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su
fama.
Enrico Caruso (1873- 1921): Tenor italiano, nació en una familia pobre y comenzó cantando
en las iglesias. Hizo su debut el 16 de noviembre de 1894 en L’Amico Francesco de Morelli en
el Teatro Nuovo de Nápoles. Debido a una preparación incompleta e irregular, Caruso
comenzó su carrera con ciertas deficiencias técnicas. No obtuvo seguridad en sus notas altas
hasta alrededor de 1902 y al comienzo era considerado casi como un barítono. Esto, sin
embargo, se convirtió en uno de sus recursos una vez que logró manejarlo. La excepcional
atracción de su voz estuvo basada en una fusión de características de barítono y de tenor que
le permitían pasar fácilmente de tonos suaves y cuidadosos a otros impetuosos y apasionados.
Las cualidades de la voz de Caruso le permitieron abordar el repertorio lírico italiano y francés
(Fausto, Los Pescadores de Perlas, Manon, Manon Lescaut, La Boheme y Tosca) tan bien
como las óperas más livianas del siglo XIX como El Elixir de Amor o Martha. Fue un notable
intérprete de Verdi y de grand-opera (Rigoletto, Un Baile de Máscaras, La Fuerza del Destino,
Aída, La Judía, La Africana, Sansón y Dalila). Pero la leyenda de Caruso, considerado el más
grande tenor del siglo XX, se debió también a un temperamento tan fogoso y vehemente como
su voz.
Realizó numerosas grabaciones fonográficas que contribuyeron a su fama mundial.
16

17. 17
II) Ficha didáctica del Estudiante
Dado que es usual programar juntos en una misma jornada las óperas Cavallería Rusticana e I
Pagliacci, les proponemos una serie de actividades abordadas desde la perspectiva de diferentes
asignaturas (Música, Literatura, Teatro, Comunicación Visual, Historia) para trabajar en equipo o en forma
individual a partir de la lectura del argumento, el visionado o la audición de ambos títulos, con el objetivo
de contribuir a disfrutarlas y comprenderlas.
Actividad I / Reconociendo escenarios
a) Ambas operas comienzan con un preludio; escucharlos con atención y anotar las
impresiones y sensaciones que cada uno genera.
Caballería rusticana:…………………………………………………………………….……………................
………………………………………………………………………………………………….………………………
………………………………………………………………………….………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………….
I Pagliacci: ………………………………………………………………………………..…………………………..
………………………………………………………………………………………................................................
.......................................................................................................................................................................
…………………………………………………………………………………………………………………………..
b) Reconoce el lugar y momento en que acontece cada historia
Cavalleria Rusticana I Pagliacci
Lugar
Tiempo
c) ¿Cuál es la temática desencadenante de la tragedia que abordan ambas óperas?
……………………………………………………………………………………………………
d) ¿Cómo se soluciona cada conflicto?
Cavalleria rusticana: ………………………………………………………………………..
……………………………………………………………………………………………………
I Pagliacci: …………………………………………………………………………………....
……………………………………………………………………………………………………
¿Qué opinas de la solución empleada en cada caso?
……………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………..….
Tiempo estimado: 40`

18. Actividad 2 / Tiempo estimado: 50`
Los compositores de estas obras, pertenecen al movimiento de la ópera verista italiana,
caracterizada por difundir personajes, situaciones y emociones reales propias de los pueblos del
sur de Italia.
18
1) Investigar en qué consiste esa idiosincrasia del Sur que los autores deseaban difundir.
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
2) Observar atentamente la escena inicial de cada ópera.
a) Analizar los elementos plásticos y musicales empaedos en la ambientación de la misma.
Cavallería Rusticana
Escenografía
Iluminación
Música
I Pagliacci
Escenografía
Iluminación
Música
b) Analizar los elementos que contribuyen a definir los aspectos característicos de los diferentes personajes.
Cavallería Rusticana
Santuzza Turiddu Alfio Mamma Lucia Lola
Vestuario
Maquillaje
Voz
Otros
I Pagliacci
Canio Nedda Tonio Silvio Beppe
Vestuario
Maquillaje
Voz
Otros
3) Reflexionar en equipo: ¿Las puestas visionadas respetan la consigna que proclama el
movimiento verista? Argumentar la respuesta.
…………………………………………………………………………………………
…………………………………………………………………………………………
…………………………………………………………………………………………
…………………………………………………………………………………………

19. 19
Actividad 3 / Conflicto de amor
En ambas historias se presentan dos personajes enfrentados en un conflicto: Alfio y Turiddu
en Cavallería Rusticana y Canio y Silvio en I Pagliacci.
a) El autor presenta los personajes cuando aparecen en escena por primera vez, ¿qué
sensaciones e impresiones busca transmitir el autor acerca de cada uno a través de la
música y el canto que los identifica?
Alfio: …………………………………………………………………………………………….
Turiddu:………………………………………………………………………………………….
Canio:……………………………………………………………………………………………
Silvio: ……………………………………………………………………………………………
b) Investigar el registro vocal de cada intérprete.
c) Indagar la relación que pueda existir entre el registro y la personalidad de cada personaje.
Registro Personalidad
Alfio
Turiddu
Canio
Silvio
d) Indagar cual es la denominación de los otros registros vocales masculinos y femeninos
del canto lírico. Anotar las características de cada uno.
…………………………………………………………………………………………
…………………………………………………………………………………………
…………………………………………………………………………………………
…………………………………………………………………………………………
Tiempo estimado: 40`
Actividad 4 / El verismo hoy
a) Reflexionar en equipo acerca de la interrogante: ¿Es posible crear hoy una historia verista?
Argumentar y anotar las conclusiones.
……………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………..….
En caso que la conclusión sea afirmativa:
c) Buscar una noticia de prensa que les llame la atención.
d) A partir de la misma, crear una historia para ser representada en equipo.
e) Diseñar la escenografía y el vestuario
f) Componer la ambientación musical.
g) Mostrar a los compañeros el resultado.
Tiempo estimado: 120`

20. 20
Actividad 5 / El juego del teatro en el teatro.
Los comediantes que llegan al pueblo en I Pagliacci, representan un espectáculo de la “commedia
dell´arte”.
1. Averiguar el origen y las características salientes de este estilo dramático.
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
……………………………………….
2. Cuáles son los personajes de la “commedia dellàrte”, el rol que cumplen y cómo están
caracterizados?
Personaje Rol/ características Vestuario Otros
3- Investigar acerca de las máscaras empeladas en la “commedia dell`arte”.
a) ¿Quiénes las usan?
………………………………………………………………………………………………………………………
……….......................................................................................................................................................
b) ¿Cómo son?
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………….………….
4) Conformar un equipo para realizar las siguientes tareas:
a) Diseñar y realizar las máscaras de la commedia dell´arte con la técnica y los materiales que deseen
b) Distribuir los personajes entre los integrantes del equipo
c) Improvisar la misma historia que representan los comediantes de I PAgliacci en la plaza.
d) Improvisar una nueva historia original respetando las consignas propias del estilo.
Tiempo estimado: 120`
Actividad 6 / Un famoso payaso
En el mundo de la lírica hay obras, personajes y canciones considerados emblemáticos y por tanto
codiciados por muchos intérpretes líricos. El aria “Vesti la giubba” de I Pagliacci es uno de ellos.
1) Visionar la escena con atención y responder:
a) ¿Qué personaje la canta? _____________________________________________
b) ¿Qué registro tiene?__________________________________________________
c) ¿Cómo se siente? ¿Comprendes lo que dice? ¿Cómo puedes saberlo?
_________________________________________________________________________________
_________________________________________________________________________________
_________________________________________________________________________________
_________________________________________________________________________________
_______________________________________________________________________________

21. 2) Averigua el nombre de algunos de los artistas que con su voz, han dado vida a este
21
personaje.
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………………………………………………………………………………
………………………………………………................................................................................................
Tiempo estimado: 40`
Actividad 7 / La difusión
Toda puesta en escena que se considere exitosa requiere de un público que asista a verla.
Para ello es necesario comunicar y difundir el espectáculo, lo cual requiere diseñar una estrategia
pensada y cuidada.
1) Al igual que trabajan en las agencias de publicidad, conformar un equipo para elaborar la
campaña de comunicación de Cavallería Rusticana / I Pagliacci.
Es imprescindible tener en cuenta los siguientes aspectos:
· Que ambos títulos se presentan en un mismo espectáculo
· El público al que desee llegar.
· El medio en que será divulgada la campaña.
· El lenguaje a emplear.
· Los recursos necesarios.
3) Una vez finalizado el proceso, realizar la presentación de la propuesta al resto de los
compañeros.
Tiempo estimado: 120`
Actividad 8 / Revisión
Luego de trabajar analizando argumento, personajes, música, puesta en escena, escenografía,
vestuario, etc, de Cavallería Rusticana /I Pagliacci te proponemos dejar volar tu imaginación.
a) Elegir un personaje de cada una de las óperas analizadas.
b) Relacionarlos en una nueva historia
c) Emplear los recursos plásticos o audiovisuales deseados para contarla.
Tiempo estimado: 120`