COMPOSITORES BARROCOS

1. LOS COMPOSITORES BARROCOS
1. Claudio Monteverdi
Compositor italiano, la figura más importante de la transición entre la música
renacentista y la barroca. Nació en Cremona en el seno de una familia humilde, hijo de
un barbero que ejercía la medicina de manera ilegal. Estudió música con el famoso
teórico veronés Marco Antonio Ingegneri, entonces maestro de capilla de la catedral,
que accedió a mostrar al niño y a un hermano, Giulio Cesare las claves de la polifonía
renacentista. Claudio reveló pronto un inmenso talento. A los 15 años, en 1582,
Monteverdi compuso su primera obra, un conjunto de motetes tripartitos y en 1605 ya
había compuesto 5 libros de madrigales, donde se aprecia una evolución desde texturas
suaves en los primeros dos libros (1587 y 1590) con influencias de Luca Marenzio, a un
planteamiento más disonante e irregular que potencia el significado de cada palabra en
los libros tercero y cuarto (1592 y 1603) con influencias de Giaches de Wert, fallecido
en 1596, al que conoció cuando trabajaba para el duque de Mantua Vincenzo Gonzaga
en 1592. Monteverdi comenzó a interesarse por los dramas musicales experimentales de
Jacopo Peri, director musical en la corte de la familia de los Médicis, y por obras
similares de otros compositores de la época. En 1599 se casó con Claudia de Cataneis,
hija de un intérprete de viola. En 1607 se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer
drama musical surgido de la colaboración del músico con Alessandro Stringgio, autor
del texto y funcionario de la corte del duque de Mantua. Esta ópera, superior en estilo a
las escritas hasta el momento, representa tal vez la evolución mas importante de la
historia del género, imponiéndose como una forma culta de expresión musical y
dramática. A través del hábil uso de las inflexiones vocales, Monteverdi intentó
expresar toda la emoción contenida en el discurso del actor, alcanzando un lenguaje
cromático de gran libertad armónica. La orquesta, muy ampliada, era utilizada no sólo
para acompañar a los cantantes, sino también para establecer los diferentes ambientes de
las escenas.
En 1613 Monteverdi fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San
Marcos de Venecia, uno de los puestos mas importantes de aquella época en Italia.
También se le nombró maestro de música de la Serenísima República. Desde ese
momento compuso numerosas óperas (muchas de ellas se han perdido), motetes,
madrigales y misas. Para componer música religiosa Monteverdi utilizaba gran variedad
de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de
gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales (derivadas de los predecesores
de Monteverdi en Venecia Andrea y Giovanni Gabrieli) de sus Vísperas, también de
1610, tal vez su obra hoy más famosa. La obra Selva morale e spirituale, publicada en
1640, es un enorme compendio de música sacra donde vuelve a apreciarse toda la gama
de estilos que utilizaba Monteverdi. En 1637 fue inaugurado el primer teatro de la ópera
y Monteverdi, estimulado por la entusiasta acogida del público, compuso una nueva
serie de óperas, de las cuales sólo conocemos Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) y La
coronación de Poppea (1642). Estas obras, compuestas al final de su vida, contienen
escenas de gran intensidad dramática donde la música refleja los pensamientos y las
emociones de los personajes. Estas partituras han influido en muchos compositores
posteriores y todavía se mantienen en el repertorio actual. Monteverdi falleció el 29 de
noviembre de 1643 en Venecia. Tras celebrarse simultáneamente solemnes exequias en
la catedral de San Marcos y en Santa Maria dei Frari, sus restos fueron enterrados en
esta última iglesia. Destaca su obra: Opera Arianna y La coronación de Poppea.

2. 2. Georg Friedrich Haendel.
Compositor inglés, nació en la ciudad de Halle, ubicada en el centro este de la actual
Alemania. Su padre era barbero y cirujano y había decidido que su hijo sería un
abogado, pero cuando observó el interés de Händel por la música, la cual estudiaba y
practicaba en secreto, cambió de idea y se mostró dispuesto a pagarle los estudios de
música. De esta forma, Händel se convirtió en alumno del principal organista de Halle,
Friedrich Wilhelm Zachau. A la edad de 17 años fue nombrado organista de la catedral
calvinista de Halle.
Al cabo de un año, Händel viajó a Hamburgo, donde fue admitido como intérprete del
violín y del clavecín en la orquesta de la ópera. Al poco tiempo, en 1705, se estrenó en
ese mismo lugar su obra Almira, y poco después Nero. Al año siguiente, aceptó una
invitación para viajar a Italia, donde pasó más de tres años. En Italia, se representaron
obras suyas en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia, y al mismo tiempo Händel escribió
música nueva, inspirado por la música de aquel país. Sobre todo, estudió y perfeccionó
la forma de combinar su música con textos en italiano. Gracias a la alta calidad de sus
interpretaciones, conoció a importantes músicos y compositores italianos de la época,
como Scarlatti, Corelli y Marcello.
En 1710, Händel regresa de Italia y se convierte en el director de orquesta de la corte de
Hanóver. Un año más tarde se estrena su obra Rinaldo en Londres con un considerable
éxito. En vista de ello, en 1712 Händel decide establecerse en Inglaterra. Allí recibe el
encargo de crear un teatro real de la ópera, que sería conocido también como Royal
Academy of Music. Händel escribió 14 óperas para esa institución entre 1720 y 1728,
que lo hicieron famoso en toda Europa.
En 1727, Handel se convirtió en ciudadano británico, cambiando la forma como escribía
su nombre a quot;George Frideric Handelquot;.
A partir de 1740, Händel se dedicó a la composición de oratorios, entre ellos El Mesías,
que en el siglo XIX se convertiría en la obra coral por excelencia. En 1751, Händel
perdió la vista mientras componía el oratorio Jefta. Murió en Londres a los 74 años.
Händel compuso 32 oratorios, 40 óperas, numerosas piezas musicales para misas, 110
cantatas, 20 conciertos, 39 sonatas, fugas y suites, y otras obras orquestales.
Destacan además sus óperas Rinaldo y Almira.

3. 3. Johann Sebastián Bach
Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales
de todos los tiempos. Por más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos
ejecutantes y compositores (durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia)
en que la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban un significativo
aporte para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados
orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius
Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de
6000 residentes en Turingia. El puesto involucraba la organización de música secular y
la participación en la música eclesial. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos
profesionales, desde organistas y músicos de la corte hasta compositores. Documentos
de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo
de quot;músicoquot;. La familia Bach era consciente de sus logros musicales, y alrededor de
1735 Bach esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie,
buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos Bach.
En 1723 Bach fue nombrado Cantor y director musical de la Thomaskirche (Iglesia
Luterana de Santo Tomás) en Leipzig, un puesto prestigioso en la ciudad mercantil líder
de Sajonia, un electorado vecino de Turingia. Aparte de sus breves ocupaciones en
Arnstadt y Mulhouse, éste fue el primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que
estuvo estrechamente ligada al servicio a la aristocracia. Este puesto final, que mantuvo
por 27 años hasta su muerte, lo puso en contacto con las maquinaciones políticas de su
empleador: El Ayuntamiento de Leipzig. En el Ayuntamiento habían dos facciones: los
absolutistas, leales al monarca sajón en Dresde, Augusto el fuerte, y la facción de la
ciudad-estado, que representaba los intereses de la clase mercantil, los gremios y los
aristócratas menores. Bach fue contratado por los monárquicos, en particular por el
alcalde de aquella época, Gottlieb Lange, un abogado joven que sirvió en la corte de
Dresde. Coincidiendo con el nombramiento de Bach, a la facción de la ciudad-estado se
le otorgó el control de la Escuela, y Bach fue requerido para varios compromisos con
respecto a sus condiciones de trabajo. Si bien está claro que nadie en el Ayuntamiento
dudaba del genio de Bach, hubo una constante tensión entre el Cantor, que se
consideraba el líder de la música eclesial de la ciudad, y la facción de la ciudad-estado,
que lo veía como un maestro de escuela y quería reducir el énfasis en la composición de
música tanto para la Iglesia como para la Escuela. El Ayuntamiento nunca cumplió la
promesa de Lange en la entrevista, de ofrecer un salario de 1.000 táleros anuales, si bien
ofreció a Bach y a su familia una reducción de impuestos y un buen apartamento en una
de las alas de la escuela, el que fue renovado con gran gasto en 1732.
El trabajo de Bach le requería enseñar canto y latín a los estudiantes de la Escuela de
Santo Tomás, y proveer de música semanalmente en las dos iglesias de Leipzig, Santo
Tomás y San Nicolás. En una sorprendente arranque de creatividad, escribió más de
cinco ciclos de cantatas anuales durante sus primeros seis años en Leipzig (dos de los
que aparentemente se han perdido). Muchas de estas obras concertadas se ejecutaban
durante las lecturas de la Biblia de cada domingo y días festivos en el año luterano;
muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, tales

4. como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland, como
inspiración.
Bach seleccionaba los coristas sopranos y contraltos de la Escuela, y los tenores y bajos
de la Escuela y de cualquier parte de Leipzig. Las presentaciones en bodas y funerales
daban un ingreso extra a estos grupos; es probable que para este propósito, y para el
entrenamiento escolar, escribiese al menos seis motetes, la mayoría para doble coro.
Como parte de su trabajo regular en la Iglesia, dirigía motetes de la Escuela Veneciana y
de alemanes como Heinrich Schütz, que servirían como modelos formales para sus
propios motetes. El fragmento de audio es del inicio de Singet dem Herrn (Cantad al
Señor), mostrando las texturas ricas y enérgicas que Bach produjo con dos coros, cada
uno a cuatro voces. En esta grabación, hay tres cantantes para cada parte.
En 1747 llegó a ser invitado a la corte de Federico II el Grande (1712-1786) en
Sanssouci, donde uno de de sus hijos, Carl Philipp Emanuel, estaba al servicio del
monarca como clavecinista de la corte.
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, conociéndose con el
sobrenombre quot;príncipe del tecladoquot;, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del
clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, y en Leipzig era cantor y director
de una orquesta y un coro.
Tenía un profundo conocimiento técnico del órgano y solía inspeccionar órganos y
repararlos, además de probarlos con una obra suya después.
Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una
intervención fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado
Taylor, que años después operaría a Haendel, con resultados iguales. Bach fue
quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la
recuperó, pero luego murió de apoplejía. Actualmente se cree que su ceguera fue
originada por una diabetes sin tratar; según ciertos médicos, Bach padecía de blefaritis,
enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.
Entre sus numerosas obras destacamos “El clave bien temperado”, Los Conciertos de
Brandenburgo y la Pasión según San Mateo.