Los 40 principales pintores

Los 40 Principales Carlos Zafra Borrero

Pintores • Leonardo Da Vinci • VicentWillem Van Gogh • El Greco • RaffaelloSanzio • Pablo Picasso • Joaquin Sorolla • Joan Miró •Giotto Di Bondone • El Bosco • Rembrandt •Sandro Botticelli • Velazquez • Murillo • Zurbarán • Auguste Renoir • Dalí • Goya • Rubens • Monet • Boucher

Leonardo Da Vinci - Nació en 1452 en una villa toscana fue hijo natural de una campesina. Italia era entonces un mosaico de ciudades-estados como Florencia, pequeñas repúblicas como Venecia y feudos bajo el poder de los príncipes o el papa. Era una época violenta en la que, sin embargo, el esplendor de las cortes no tenía límites. - Y a pesar de que su padre se casó cuatro veces, sólo tuvo hijos (once en total, con los que Leonardo acabó teniendo pleitos por la herencia paterna) en sus dos últimos matrimonios, por lo que Leonardo se crió como hijo único. Su enorme curiosidad se manifestó tempranamente, dibujando animales mitológicos de su propia invención, inspirados en una profunda observación del entorno natural en el que creció. ,[object Object]

Su padre lo autorizó a los catorce años para ingresar como aprendiz en el taller de Andrea del Verrocchio, donde, a lo largo de los seis años que el gremio de pintores prescribía como instrucción antes de ser reconocido como artista libre, aprendió pintura, escultura, técnicas y mecánicas de la creación artística. El primer trabajo suyo del que se tiene certera noticia fue la construcción de la esfera de cobre proyectada por Brunelleschi para coronar la iglesia de Santa MariadeiFiori.

LA SONRISA DE LA MONA LISA Una florentina cuyo nombre de soltera era Lisa. Sobre un paisaje de atmósfera vaporosa, silueta una figura que luego difumina, otorgándole una expresión enigmática. Sus ojos tenían el brillo y el líquido resplandeciente que se ven siempre en los ojos vivos, y a su alrededor los finos tonos de color rosáceo y azulado. Las cejas no podían ser más naturales. La nariz sonrosadas y tierna, parecía cosa viva. La boca, con sus comisuras unidas por el rojo de los labios.

LA ÚLTIMA CENA Leonardo expresó, aquella sospecha que había entrado a los apóstoles, al querer saber quién traicionaría a su maestro. encuentran dos grandes temas desarrollados por Leonardo en esta obra. Estos son la alusión a la Pasión por el anuncio de la traición, y la institucionalización del sacrificio de la Nueva Alianza, unidas, como nos lo transmiten los textos de los Evangelios, en una visión global. En los cuadros de refectorio la traición es subrayada por aquel sensible grupo de tres que muestra a Juan apoyado en el pecho del Señor.

VINCENT WILLEM VAN GOGH El pintor holandés Vincent Van Gogh es uno de los artistas más famosos y reconocidos de todos los tiempos. Nació en la ciudad de GrootZunder el día 30 de marzo de 1853, proveniente de una familia de clase media donde sus tíos se dedicaban a la venta de obras de arte, siendo este su primer contacto con la pintura. En el año 1873 se radica en la ciudad de Londres y en su regreso a Paris en 1886 crea junto a su hermano el grupo “impresionistas del sur”, con la intención de reunir a los artistas de la época. A lo largo de su vida sufrió una serie de desequilibrios emocionales que lo llevaron entre otras cosas a cortarse la oreja en 1880 y a vivir con una serie de trastornos, lo que se refleja maravillosamente en las pinturas de Van Gogh. Sus obras de arte más famosas e impactantes las comenzó a desarrollar luego de descubrir el estilo impresionista de los pintores franceses, donde incluso llegó a considerar que sus trabajos estaban pasados de moda y que ya no tenían ningún valor. En este momento de su vida deja de lado sus paletas oscuras y comienza a pintar sobre el óleo con tonalidades más vivas e intensas, incursionando desde allí en los retratos y paisajes abstractos donde las flores siempre están presentes. Las pinturas de Van Gogh se consideran un estilo post-impresionista, convirtiéndose en uno de los pintores referentes de la historia moderna junto a Dalí, Goya y Picasso. A lo largo de su vida llegó a pintar más de 900 cuadros, donde 27 de ellos se tratan de autorretratos de diferentes momentos y sentimientos.

Los Comedores de Patatas Los comedores de patatas, refleja su obsesión para la época que era pintar campesinos, en este cuadro se puede apreciar los claroscuros que se observan en muchas pinturas de Van Gogh: el detalle de la luz tenue que alumbra la mesa y los rostros, y la oscuridad del fondo que tampoco llega a ser absoluta son signos de la pintura impresionista.

Habitación de Vincent en Arlés Este cuadro inundado de colores, donde llamativamente el color blanco no aparece y el negro sólo se encuentra en el marco de la ventana, parece romper con el estilo impresionista clásico que se demarca en sus demás pinturas. Describe su habitación, y ese mundo de encierro, encierro de colores al que su mente lo llevaba, trasmite una asfixia sin salida.

Autorretrato Este cuadro pintado por Van Gogh, mientras estaba internado en el manicomio de Saint-Rémy, describe el estado emocional, por el que atravesaba el artista. La locura parece estar resaltada en la mirada de sus ojos, la palidez de su rostro así como los colores apagados de su vestimenta, se enmarcan en un fondo oscuro, resaltando aún más lo desviado de su expresión. Sólo la paleta y alguno de sus pinceles que acompañan el retrato, parecerían conectar al artista con alguna posible vivencia. La luminosidad de su rostro contrasta con la oscuridad de su ropa oficiando de fondo, y señala una de las características principales del movimiento impresionista.

El Greco Pintor manierista español considerado el primer gran genio de la pintura española. Nació en 1541 en Candía, Creta y pintó en un estilo bizantino tardío. El Greco era un hombre de gran erudición, aficionado a la literatura clásica. Alrededor del año 1566, se trasladó a Venecia, donde permaneció hasta 1570. Recibió una gran influencia de dos de los grandes maestros del renacimiento. Asimilando el colorido de Tiziano, y la composición de las figuras y la utilización de espacios amplios y de gran profundidad, de Tintoretto. La influencia de la obra de MichelangeloBuonarroties evidente en su Piedad (1572). El estudio de la arquitectura romana reforzó el equilibrio de sus composiciones, que con frecuencia incluyen vistas de edificios renacentistas. En Roma conoció a varios españoles que le persuadieron para que viajara a España. En 1577 llegó a Toledo y pronto recibió el primer encargo de la iglesia de Santo Domingo el Antiguo y se puso a trabajar en La Trinidad (1579). La labor de El Greco como retratista fue muy significativa. Su visión personal se asentaba en su profunda espiritualidad, de hecho, sus lienzos evidencian una atmósfera mística. El Greco gozó de una excelente posición en Toledo, donde recibió a miembros de la nobleza y de la elite intelectual, como los poetas Luis de Góngora y Fray Hortensio Félix de Paravicino, cuyos retratos pintó. Pintó también algunos cuadros de la ciudad de Toledo, temas de la mitología clásica y del Viejo Testamento, como el de la obra inacabada que muestra la escena apocalíptica de El quinto sello del Apocalipsis (1608), atestiguan la erudición humanista de El Greco y cuán brillante e innovador era el enfoque que daba a los temas tradicionales. Murió en Toledo el 7 de abril de 1614.

Vista de Toledo Elige como tema el momento previo a la crucifixión, en el que Cristo es despojado de su túnica roja; un Cristo en el centro de la escena ofreciéndose sereno al Padre en acto de sacrificio total; los sayones se disponen a quitarle su túnica y tiran de su muñeca, cuya mano se apoya sobre el pecho; el tumulto de la gente empuja a la figura de Cristo hasta nosotros, obligándonos así a participar del momento; en primer término las tres Marías extasiadas contemplan el madero donde se está preparando el clavo que va a taladrar los pies; en el ángulo inferior, sobre papel blanco, la firma del cretense en griego.

RaffaelloSanzio RaffaelloSanzio, también conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael(Urbino, actual Italia, 6 de abril de 1483 – Roma, 6 de abril de 1520 ), fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Realizó importantes aportaciones en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

PABLO PICASSO Nació de octubre el 25 de 1881 en Málaga, España. Fue un estudiante brillante. Picasso aprobó con distinción los exámenes de incorporación a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Según cuenta la historia, su padre fue uno de los pilares en el desarrollo de la obra incipiente de Picasso, incitándolo a pintar a temprana edad, debido al reconocimiento que su padre hacía a las virtudes artísticas de su hijo. Famoso desde la juventud, admirado y solicitado por los célebres y poderosos, fue esencialmente un español sencillo, saludable y generoso, dotado de una formidable capacidad de trabajo, enamorado de los barrios bohemios de París, del sol del Mediterráneo, de los toros, de la gente sencilla y de las mujeres hermosas, afición que cultivó sin desmayo Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX. En la obra de Picasso son observables diversos períodos de desarrollo. "El período azul" comprendió desde 1900 a 1904. Es caracterizado por el uso de diversas cortinas del azul que subrayan el estilo melancólico de sus temas ; gente sufriente enmarcadas en cuerpos finos, medio hambrientas, etc. Durante el período rosa de Picasso, desde 1905 hasta mediados de 1906, su obra se movió hacia tonalidades rosas , con temáticas cercanas al mundo del circo.En 1937 el artista crea la pintura Guernica, una protesta contra el ataque aéreo, contra una aldea de Basque durante la Guerra Civil Española. El Guernica es un mural enorme en colores blanco y negro. Guernica fue exhibido en el museo del arte moderno en York nueva hasta 1981. Fue trasladado al museo de Prado en Madrid, España hacia 1981 y cambiado más adelante al Museo de Arte de la Reina Sofía en 1992. Picasso condicionó la "repatriación" del Guernica a España, al término del gobierno fascista de Franco.

GUERNICA El Guernica es, más que una escena concreta, un símbolo, en el que se renuncia al color y se reduce la gama cromática a una especie de grisalla. Las llamas, el guerrero muerto con la flor en la mano, el caballo herido, son símbolos del dolor de la guerra .

Mujer con sombrero y cuello de piel Su compañera sentimental entre 1927 y 1935, aproximadamente, y madre de su hija Maya. En este retrato, Picasso realiza un ejercicio analítico exhaustivo en que la juventud y la personalidad de Marie-Thérèse se someten a mil figuraciones metamórficas. El artista convierte a la modelo en un icono de la sensualidad a través de un rico lenguaje pictórico en el que la distorsión de las formas supone la consolidación del llamado “estilo Picasso”. El retrato constituye al mismo tiempo el epílogo de la confrontación entre las dos modelos esenciales de aquel momento, Marie-Thérèse Walter y Dora Maar. Picasso muestra aquí a Marie-Thérèse mucho más convencional y exenta de dramatismo.

El Sueño Hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y es de estilo cubista. El cuadro representa a una mujer que yace dormida, con los brazos doblados, la cabeza ladeada y los senos al descubierto. La modelo del cuadro es Marie-Thérèse Walter. A la hora de pintar el cuadro, Picasso optó por simplificar, reduciendo las formas a volúmenes esféricos.

JOAQUÍN SOROLLA Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia, 27 de febrero de 1863 - Cercedilla, 10 de agosto de 1923 a los 60 años de edad), fue un pintor y artista gráfico español impresionista. Fue uno de los pintores españoles más prolíficos, con más de 2.200 obras catalogadas. Cuando apenas contaba con 2 años de edad, fallecieron sus padres de una epidemia. Al quedar huérfanos, su hermana Eugenia y él, su tía Isabel, hermana de su madre, y su marido, de profesión cerrajero, los acogieron. Pasados los años intentaron enseñarle, en vano, el oficio de la cerrajería, advirtiendo pronto que su verdadera vocación era la pintura. En 1874 empezó a estudiar en la Escuela Normal Superior donde le aconsejaron que también se matricularse en las clases nocturnas de dibujo en las Escuelas de Artesanos, en Valencia. En ésta última recibió, en 1879, una caja de pinturas y un diploma como premio «por su constante aplicación en el dibujo de figura». Ese mismo año, a la par que trabajaba en el taller de su tío, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en la que estudió junto a pintores como Manuel Matoses, Benlliure o Guadalajara.En 1920, mientras pintaba el retrato de la señora Pérez de Ayala en el jardín de su casa en Madrid, padeció un ataque de hemiplejía que mermó drásticamente sus facultades físicas y mentales. Murió en su casa de Cercedilla el 10 de agosto de 1923.

Ayamonte Pesca del Atún (1919)

El Pescador El Pescador es un cuadro realizado por el pintor español Joaquín Sorolla en el año 1904. La obra fue pintada en la playa valenciana de Cabañal y muestra en primer plano la figura de un muchacho que transporta en una cesta la pesca realizada a lo largo del día. Se trata de una composición en la que destaca la luminosidad del conjunto en el que predominan los tonos azul y rosa. La figura principal se muestra en diagonal por encima de las rodillas, lleva el torso desnudo y un sombrero le protege la cara del implacable sol. Sostiene con el brazo izquierdo un cesto de mimbre cubierto por un lienzo de tela que mueve el viento caprichosamente, dejando al descubierto la pesca. En el fondo está el mar y unos niños que juegan con las olas.

Niña entrando en el baño Niña entrando en el baño es un lienzo en la playa de Valencia durante el verano de 1915, en un periodo de descanso de los trabajos que estaba realizando para la HispanicSociety of America. En el se representa a una niña, posiblemente su hija Elena, en el momento de entrar al agua, al fondo pueden verse dos barcas y unos niños jugando. La composición que posee unos magníficos efectos cromáticos formados por la luz al incidir sobre la arena y el mar, está centrada en la playa y en el movimiento de los pequeños, no siendo visible el horizonte. Se trata de una obra de madurez del pintor.

JOAN MIRO Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp. De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos. Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristán Tzaras. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior. Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho. La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo.

El carnaval del arlequín De Estilo Surrealista. Escalera: Simboliza la huída. Es un elemento que empieza a usar aquí pero que empleará en muchas de sus obras. Insectos: Otros elementos que se repiten en su obra son los insectos, que le interesaban mucho. Globo: Es la representación del globo terráqueo, idea que le obsesionaba en ese momento a Miró. Triángulo: El triángulo negro representa la Torre Eiffel. Metamorfosis: Miró observa elementos de la naturaleza pero no los plasma en sus cuadros tal y como son, ni tan siquiera como los ve él. Lo que hace es un proceso de metamorfosis para crear formas diferentes. Por eso sus obras tienen siempre parecidos elementos, que se han convertido en el referente de su arte. Arlequín: Aunque no encontramos una jerarquía establecida en el cuadro, por el título sabemos que Arlequín es el protagonista. Porta sombrero, bigote,... Carnaval: La escena es un carnaval, donde las apariencias pueden transformarse para ver otras que hay debajo. Por eso, las formas tan extrañas tienen un simbolismo concreto. Este cuadro, según el propio Miró, fue realizado cuando sufría alucinaciones por el hambre.

La Sonrisa de una Lágrima Existe una incompatibilidad aparente en el título La sonrisa de una lágrima. Los dos conceptos principales expresan sentimientos contrapuestos que el enlace gramatical dulcifica. También en el cuadro se observa un contraste entre la mitad superior, que muestra la textura original de la tela, y la mitad inferior, dominada por un fuerte cromatismo. O entre el tratamiento más libre arriba, que presenta un entresijo de líneas y salpicaduras de color blanco, y la distribución organizada de los colores abajo, como evocando las divisiones artificiales de los cultivos.

Giotto diBondone Nació en la actual Italia en 1267 Fue un arquitecto y pintor italiano y el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de su tiempo explorando unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento. Existen discrepancias en cuanto a sus orígenes y su formación, pero parece seguro que se formó con Cimabue, en cuya tradición iconográfica se inscriben algunas de sus creaciones, como ; el Crucifijo de Santa MariaNovella, donde la figura de Cristo está dotada de un sentido humano más profundo que en su maestro. La obra más antigua que se le atribuye son los frescos de la iglesia superior de Asís, en concreto la Historia de san Francisco, esto constituyó uno de los problemas más debatidos de la historia del arte. Está documentada con seguridad la presencia de Giotto en Asís hacia 1290, pero existen demasiadas diferencias estilísticas entre esta obra y otras asignadas con seguridad al maestro En 1304 Giotto se trasladó a Padua para pintar los frescos que la familia Scrovegni le encargó en una capilla de su propiedad. Los frescos de esta capilla, denominada de los Scrovegni o de la Arena, son los únicos que se asignan con certeza al maestro. Incluyen un Juicio Final (muro oeste), una Anunciación(arco del presbiterio) y escenas de la Vida de la Virgen y de la Pasión de Cristo (muros restantes), bajo los cuales figuran personificaciones de virtudes y vicios pintadas en grisalla con objeto de crear efectos de relieve. Realza la solemnidad y el dramatismo que impregnan estas escenas el empleo de colores puros y matizados.

SAN FRANCISCO A LOS PÁJAROS En 1229, fray Tomás de Celano redacto la vida primera del santo, en la que escribe con precisión de testigo que el éxito de Francisco se debió a que trajo al mundo una nueva primavera. El Santo de Asís toma por muestra una insensibilidad con la expresión seria y castigada que Giotto le pintó en su rostro en los muros de su Basílica de Asís.

El Bosco Nació en el actual Países Bajos en 1450 Un pintor holandés que debe su nombre a su ciudad natal, en la que al parecer permaneció durante toda su vida. Fue hijo y nieto de pintores, por lo que su educación tuvo lugar probablemente en el taller familiar, tuvo un gran matrimonio que le permitió vivir desahogadamente entregádose así a su vocación por la pintura, que le llevaría al éxito.En el centro de su carrera se sitúan sus realizaciones más famosas, una serie de creaciones abarrotadas de figuras, completamente al margen de la iconografía de la época, ambientadas en paisajes imaginarios y repletas de elementos fantásticos y monstruosos, tales como demonios o figuras medio humanas y medio animales, que conviven con figuras diáfanas y paisajes tranquilos y encantadores.En esta línea se sitúan los trípticos de Las tentaciones de san Antonio, El carro del heno y El jardín de las delicias, en los que más allá de la fantasía turbulenta y de la dificultosa interpretación de la simbología, triunfan una técnica excelente, fluida y pictórica, y un color brillante, en los que reside buena parte de su belleza.

Los Primitivos Flamencos Surgen en los Países Bajos en el siglo XV y se trata de una escuela muy importante porque van a utilizar la pintura al óleo y la van a perfeccionar. Gracias a esto se consigue una amplia gama de colores y todos ellos muy luminosos. Sus obras reflejan el realismo que reclamaba la burguesía afincada en las florecientes ciudades comerciales de Brujas, Gante y Lovaina. Todo ello captado con la técnica revolucionaria del óleo secante y plasmado en tablas ensambladas de roble. El uso de la perspectiva y el sombreado terminó por da a los cuadros un efecto tridimensional.

El Jardín de las Delicias En el panel central del jardín de las delicias representa el falso paraíso en la tierra, en el que la humanidad se ha entregado al pecado en especial a la lujuria, vemos hombres y mujeres desnudos en diversos actos sexuales

Rembrandt Nació Rembrandt en Leiden en los Países Bajos, 1606. Pintor holandés que nació en una acomodada familia de molineros. Rembrandt recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. En 1625, abrió un taller en Leiden junto con JanLievens. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos.

La Sonrisa de una Lágrima Aparece representada una lección pública de anatomía, costumbre habitual en aquellas fechas para demostrar la sabiduría de Dios al crear al hombre. Vemos al doctor Tulp con su sombrero, reflejo de su cargo, con unas pinzas en la mano derecha, mostrando a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado; detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección

Tormenta en el mar de Galilea En esta obra Rembrandt a Jesucristo en medio de un Tormenta en el mar de Galilea

Sandro Botticelli Nació en Florencia en 1445 , fue un pintor italiano muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se encuentra entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó del realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. Uno de los pintores que rehuyó de esa perspectiva fue Filipo Lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli. Éste comenzó su vida artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes que, como la Virgen del Rosal. En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas.Pier Francesco de Médicis le encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro.

La Primavera Existe una incompatibilidad aparente en el título La sonrisa de una lágrima. Los dos conceptos principales expresan sentimientos contrapuestos que el enlace gramatical dulcifica. También en el cuadro se observa un contraste entre la mitad superior, que muestra la textura original de la tela, y la mitad inferior, dominada por un fuerte cromatismo. O entre el tratamiento más libre arriba, que presenta un entresijo de líneas y salpicaduras de color blanco, y la distribución organizada de los colores abajo, como evocando las divisiones artificiales de los cultivos.

NACIMIENTO DE VENUS Esta obra transmite como sería el nacimiento de la belleza en la mente del hombre a través de la fertilización de la divinidad. El nacimiento de Venus saliendo de las aguas, que impelida por las brisas y los vientos, llega a tierra rodeada de amorcillos”. A la derecha, Céfiro, el viento de primavera, ha abrazado a la inocente ninfa-tierra Cloris. Tas la unión, surgen flores de su aliento y queda transformada en Flora, que a la derecha ofrece una túnica a Venus. Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

PALAS DOMANDO AL CENTAURO Se desconoce el nombre hombre que, vestido o desnudo, utiliza Botticelli en esta composición mitológicas. Palas (Atenea) representa la sabiduría al haber nacido de la cabeza de Júpiter (Zeus)

VELAZQUEZ El pintor más sobresaliente de la pintura española. Nace en Sevilla en 1599 y aprendiz del pintor Pacheco. En 1617 ya era maestro pintor y pinta con maestría técnica y gran personalidad. En sus primeras obras su estilo es naturalista, las figuras religiosas son retratos más que tipos ideales y la luz tiene ya una cualidad misteriosa. Su pincelada es densa pero ágil. En 1623 fue llamado a Madrid por el conde-duque de Olivares, sevillano como él. Felipe IV quedó prendado del artista y le nombró pintor de corte a la edad de veinticuatro años convirtiéndose en el más prestigioso pintor del país. Nunca perdió la admiración del rey. A partir de entonces abandonó el tema del bodegón y aunque pintó temas religiosos y mitológicos e históricos, se convirtió esencialmente en retratista en cuya tarea humanizó la tradición del retrato de corte tradicional, dotando a sus modelos de vida y caracterización psicológica. En 1628 conoció a Rubens y al año siguiente viajó a Roma, hasta 1631. Su pincelada es ahora más suelta, por influencia de los grandes maestros que conoce en este viaje y se nota maduración en la composición de sus cuadros. Está dentro de la tradición barroca pero sin ampulosidad ni embellecimientos alegóricos. En sus últimos años en Madrid siguió siendo objeto de honores y alcanzó nuevas metas como pintor. Su pincel es brillante y libre, es un hábil colorista. Subordina el detalle al efecto de conjunto. Pinta la atmósfera con una viveza sin precedentes. Todo esto culmina en su obra más famosa, Las Meninas, el mejor cuadro del mundo en opinión de muchos artistas y críticos.

La rendición de Breda El cuadro se pintó (junto con otros doce) para la decoración del denominado Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, una especie de villa suburbana erigida por orden de Felipe IV de España al estilo de las existentes en Roma. Este gran palacio, formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo el Real, cuya iglesia aún subsiste a espaldas del Museo del Prado. El actual Parque del Retiro es una parte de aquellos terrenos. Felipe IV nombró como jefe supremo de la expedición a Breda al mejor estratega a su servicio conocido en aquella época. La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar. La ciudad de Breda estaba defendida por Justino de Nassau, de la casa de Orange. El cerco y sitio a la ciudad fue una lección de estrategia militar.

Las meninas Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte. El tema central es la infanta Margarita de Austria, aunque la pintura representa también otros personajes, incluido el propio Velázquez. El artista resolvió con gran habilidad todos los problemas de composición del espacio, la perspectiva y la luz, gracias al dominio que tenía del color y a la gran facilidad para caracterizar a los personajes.Un espejo representado al fondo de la pintura refleja las imágenes del Rey Felipe IV de España y su esposa Mariana de Austria, según unos historiadores, entrando a la sesión de pintura, y según otros, posando para ser retratados por Velázquez; en este caso serían la infanta Margarita y sus acompañantes los que venían de visita para ver la pintura de los reyes.

El aguador de Sevilla La obra es una de las mejores realizadas por Velázquez antes de su traslado a Madrid en el año 1623. Todavía mantiene la técnica del claroscuro, iluminando una zona del cuadro con un foco de luz desde la parte izquierda y oscureciendo el resto del lienzo. El cuadro puede representar una alegoría de las tres edades del hombre; el aguador, un anciano, ofrece una copa con agua a un chico joven. Esa copa representa el conocimiento. Mientras tanto, al fondo de la escena, un mozo aparece bebiendo, como si estuviera adquiriendo los conocimientos. Posiblemente sea la obra maestra de la etapa sevillana por lo que se realizó entre 1619-1622. Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un niño, y al fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre.

En esa época de máxima actividad recibió los importantísimos encargos del retablo del monasterio de San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el Hospital de la Caridad (cuadros sobre las obras de misericordia). destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles. - Murillo falleció en Cádiz en 1682.

La Virgen de Sevilla Tal como le dijo a su madre cuando tenía doce años, Murillo pintó a la Virgen como nunca se había hecho antes. Gracias a sus pinturas se propagó el amor y la devoción a La Inmaculada. Aquella temprana consagración en que su madre de la tierra lo ofreció a la del cielo dio abundante fruto. La belleza de María Santísima, que siendo tan sublime ningún pintor puede plenamente captar, encontró en Murillo uno de sus mas dignos interpretes.

La Inmaculada Concepción del Escorial Los franciscanos de Sevilla encargan a Murillo una Inmaculada para situarla en el arco triunfal de su iglesia. Su enorme tamaño -de ahí que sea conocida como "La Grande"- la salvó de ser trasladada a Francia por lo que en 1812 fue devuelta al convento donde permaneció hasta la Desamortización de 1836.Murillo muestra en esta obra uno de sus primeros intentos por renovar la iconografía de la Inmaculada, incluyendo el dinamismo y el movimiento característico del Barroco. Posiblemente el sevillano contempló algún grabado de la Inmaculada realizada por Ribera en 1635 para las Agustinas de Salamanca en la que aparecen elementos claramente innovadores.

El Nacimiento de la Virgen Murillo se basó en modelos de la vida cotidiana de Andalucía para realizar el cuadro. Salvo por la presencia de los ángeles, no existe ninguna otra clave de que se trata de un cuadro de tema religioso. La figura de la Virgen María centra toda la composición, sostenida en los brazos de varias mujeres, al mismo tiempo que emana un foco de luz que ilumina toda la escena aunque deja en penumbra al grupo de Santa Ana, incorporada en el lecho. El juego de luces que Murillo emplea recuerda a las obras de Rembrandt, que el pintor pudo haber admirado en las colecciones privadas. También es clara la influencia de Herrera el Mozo, Tiziano y Diego Velázquez.

FRANCISCO DE ZURBARAN Francisco de Zurbarán nace en el año de 1598 en el pueblo pacense de Fuente de Cantos, hijo de un mercero que le enviará antes de cumplir veinte años a Sevilla, a estudiar con el pintor Pedro Díaz de Villanueva. Una vez completado su aprendizaje, que no durará mucho, Zurbarán regresará a su Extremadura natal, a la localidad de Llerena, donde contraerá matrimonio por dos veces y se establecerá, hasta la fecha de 1626 en que es reclamado a Sevilla para llevar a cabo la ejecución de un importante encargo. Se instaló en Sevilla definitivamente por deseo del Ayuntamiento. Zurbarán gozó de fama en su época, algo que propició que nunca le faltaran los encargos, en mayor o menor medida, los cuales se sucedieron a lo largo de los años en forma de peticiones de grandes series pictóricas por parte de diversas órdenes religiosas (Jerónimos, Cartujos…) también llegará a enfrentarse al tema mitológico durante la breve estancia que pase en Madrid participando en la decoración del Palacio del Buen Retiro, no saliendo demasiado airoso de esta prueba, y al género del bodegón, del que se revelará maestro.

San Hugo en el Refectorio Nos sitúa Zurbarán frente a una vasta naturaleza muerta. Las verticales de los cuerpos de los cartujos, de San Hugo y del paje están cortados por una mesa en forma de L, cubierta con un mantel que casi llega hasta al suelo. El paje está en el centro. El cuerpo encorvado del obispo, situado detrás de la mesa, a la derecha, y el ángulo que forma la L de la misma, evitan ese sentimiento de rigidez que podría derivarse de la propia austeridad de la composición. Los siete primeros cartujos, entre los que se encuentra San Bruno, (el fundador), fueron alimentados por San Hugo, por aquel entonces obispo de Grenoble.

PIERRE-AUGUSTE RENOIR Nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17 años. En 1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño", y una naturaleza con manzanas. Dibuja las formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por primera vez deja la pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más importante obra de este período Grandes baigneuses, cuadro que tardó tres años en completar. Pierre-Auguste Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus pinturas, recién pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto a su esposa. Como casi todos los restantes impresionistas, fue un autor ausente de los museos españoles hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza. La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, expuesta en una ampliación del mismo museo, cuenta también con ejemplos suyos. La Casa de Alba cuenta con un "Busto de mujer con sombrero de cerezas" (Palacio de Liria, Madrid) que fue adquirido por la actual duquesa en su juventud.

Le BalauMoulin de la Galette Renoir era maestro en representar los eventos comunes cotidianos. En esta obra maestra del impresionismo fija un momento de la vida parisina en una atmósfera de feliz abandono. Presenta a la gente sencilla y popular que se divierte un soleado día de verano en el moulin de la Galette. Este establecimiento era un antiguo molino, reconvertido en café, al que se acudía los domingos, porque allí se celebraba un baile muy concurrido. La composición se desarrolla en torno a un esquema curvilíneo, del primer plano hacia el fondo, siguiendo las diagonales del cuadro. La pincelada es borrosa. Consigue un gran colorido y efectos de luz, como filtrada a través de las hojas. En el primer plano aparece Georges Rivière, amigo de Renoir. Era un escritor y crítico que defendía a los impresionistas.

Au concertdans une loge à l'Opéra El almuerzo de los romeros

SALVADOR DALÍ (Figueres, Gerona, 1904 - Púbol, 1989) Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en el seno de una familia burguesa, hijo de un notario biempensante y de una sensible dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí". ,[object Object]

Su longeva existencia, tercamente consagrada a torturar la materia y los lienzos con los frutos más perversos de su feraz imaginación, se mantuvo igualmente fiel a un paisaje deslumbrante de su infancia: Port-Lligat, una bahía abrazada de rocas donde el espíritu se remansa, ora para elevarse hacia los misterios más sublimes, ora para corromperse como las aguas quietas. Místico y narciso, Salvador Dalí, convirtió la irresponsabilidad provocativa no en una ética, pero sí en una estética, una lúgubre estética donde lo bello ya no se concibe sin que contenga el inquietante fulgor de lo siniestro. Dalí exhibió de forma provocativa todas las circunstancias íntimas de su vida y su pensamiento.,[object Object]

Figura asomada a la ventana Paisajes, reflexiones en el vidrio y una persona. La luz en la parte posterior de la muchacha (Ana María, su hermana) resalta una de las formas preferidas por Dalí. El paisaje visto por la ventana es la bahía de Cadaqués, donde Dalí solía pasar temporadas durante el verano. García Lorca conservó particulares recuerdos de la vista desde esa ventana al despertarse, describió su estancia en Cadaqués, como maravillosa, como un hermoso sueño. Salvador y Ana María eran muy unidos, particularmente a raíz de la muerte de su madre. Ana María fue su única modelo hasta que Gala la sustituyese en 1929. Luego que Ana María en un libro describiera a su hermano de una manera que a éste no le agradó, Dalí creó otra versión de este cuadro con el título “Joven virgen sodomizada por su propia castidad”(1954).

Cenicitas Fue pintado durante su servicio militar, es una colección de recuerdos. En relación con las moscas, dijo, “...la dosis de acción que los Dioses emplean para indicar a los hombres, la vía hacia uno de las leyes más intrincadas del universo”

GOYA Pintor y dibujante innovador, uno del triunvirato de los grandes pintores españoles, con El Greco y Velázquez. Una gran parte del arte de Goya se deriva de Velázquez, como una gran parte del arte del francés Manet o del español Picasso se deriva de Goya. Nació en Fuendetodos, cerca de Zaragoza en 1746. Su formación artística empezó a los 14 años como aprendiz de José Luzán. En 1763 fue a Madrid, y conoció a Francisco Bayéu, quien tuvo una gran influencia en la formación de Goya, y consiguió que se le asignara las pinturas al fresco de la Basílica del Pilar de Zaragoza (1771, 1780-82). En 1771 Goya fue a Italia por un año, a su regreso participó en varios proyectos al fresco, como la Cartuja de Aula Dei, en Zaragoza, en 1774. En 1786 Goya trabajaba en calidad de pintor oficial de Carlos III, el más ilustrado de los monarcas españoles del siglo XVIII. En el invierno de 1792, viajando por el sur de España, Goya contrajo una enfermedad que le dejó totalmente sordo, y marcó un pronunciado cambio en su estilo, haciéndole muy pesimista. Los horrores de la guerra se originaron en su observación personal de las matanzas de ciudadanos españoles por las tropas napoleónicas. Los cuadros de humor negro, como las escenas de brujas y otras actividades bizarras, figuran entre las más extraordinarias de sus últimos años. Goya murió en 1828, y aunque no dejó inmediatos discípulos de importancia, su influencia fue enorme en la pintura de mediados del siglo XIX y en el arte en general del siglo XX.

La Maja Desnuda La maja desnuda es una de las más célebres obras de Francisco de Goya y Lucientes. El cuadro es una obra de encargo pintada antes de 1800, en un periodo que estaría entre 1790 y 1800, fecha de la primera referencia documentada de esta obra. Luego formó pareja con La maja vestida, datada entre 1802 y 1805, probablemente a requerimiento de Manuel Godoy, pues consta que formaron parte de un gabinete de su casa.

La carga de los Mamelucos El dos de mayo de 1808 en Madrid, también llamado La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol es, junto con El tres de mayo, uno de los cuadros más célebres de Francisco de Goya y Lucientes, pintor español. El cuadro, pintado en 1814 en óleo sobre tela, se encuentra en el Museo del Prado, en Madrid

Los fusilamientos del 3 de Mayo El lienzo Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid es uno de los más altos logros de la pintura española y, probablemente, uno de los hitos también de la pintura universal. Sin duda, además de sus excelencias artísticas, puede ser considerado uno de los cuadros de temática histórica más dramáticos de toda la historia del arte.

RUBENS Peter Paul Rubens (Siegen, actual Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, actual Bélgica, 30 de mayo de 1640), Su padre, Jan Rubens, era un abogado calvinista de Amberes (Brabant). Sin embargo, en 1570 tuvo que huir por motivos religiosos y se refugió en Colonia, en Renania del Norte-Westfalia (Alemania). En esta ciudad, el exconcejalJanRubens, casado con María Pypelynckx, fué nombrado consejero jurídico de la segunda esposa de Guillermo de Orange, Ana de Sajonia, donde, a lo que parece, Jan Rubens aprovechaba para convertirse en amante de la segunda esposa del Príncipe Guillermo .fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca tratando toda clase de temas, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Unos 3.000 cuadros de sus talleres donde al parecer, trabajaban en cadena. - Fueron pintados por él y discípulos suyos como Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Theodor van Thulden, Cornelis de Vos, y Antoon van Dyck, que trabajaron en y para la Corte Española en Madrid . Buen lingüista, fué diplomático entre distintas cortes europeas.

Adam y Eva El momento en que Adán y Eva son conscientes de su desnudez aunque, curiosamente, aún no han cometido el pecado original y comido el fruto del árbol prohibido donde reina la serpiente origen de todo mal. En esta obra se dice que ambos protagonistas exhiben la belleza clásica que le inspiraron a Rubens las obras italianas que conocía a través de su maestro Otto Venius. El paisaje, en cambio, tiene otra inspiración: la de las obras de TobiasVeraecht, su segundo maestro y especialista en paisajes. Rubens también hace gala de su maestría en el dominio del dibujo pues la línea es de considerable calidad, así como el empleo de la luz, el color y la perspectiva.

Apolo y la Pitón Posiblemente el encargo más importante que realizó Rubens fue la decoración de la Torre de la Parada, pabellón de caza de Felipe IV que se amplió en 1635 y para lo que se contó con el maestro. Se le encargaron unos 120 lienzos con asuntos mitológicos y de cacería, pero la amplitud del trabajo motivó que cediera los asuntos de caza a los especialistas de su taller, Paul de Vos y Frans Snyders. Los lienzos de mitología no los realizó en su totalidad, pero sí concluyó todos los bocetos para que sus colaboradores siguieran sus dictados. Este es el caso de Apolo y la serpiente Pitón, pasado a lienzo por Cornelis de Vos. Apolo dispara su arco contra la serpiente, "terror de aquellos nuevos poblados" según Ovidio. Estos bocetos son muestra del estilo de Rubens en sus últimos años. Su rapidez de ejecución, la fuerza de su trazo, los escorzos de la serpiente-monstruo y su espontaneidad caracterizan el arte del maestro.

Archiduquesa Isabel Clara Eugenia Rubens colaboró estrechamente con Jan Brueghel, especializándose el primero en las figuras y el segundo en los paisajes y las flores. Fruto de esta colaboración tenemos los retratos de los gobernadores de los Países Bajos, encargados por el propio archiduque Alberto de Austria y enviados a don Rodrigo Calderón, marqués de Siete Iglesias, el hombre fuerte de Lerma y uno de los más profundos admiradores de la pintura de Rubens en la corte madrileña. Isabel Clara Eugenia era la hija primogénita de Isabel de Valois y Felipe II. Nació el 12 de agosto de 1566 y siempre fue la favorita de su padre, acompañando al monarca en su cotidiano trabajo en los asuntos de Estado, por los que se preocupó especialmente. Rubens la presenta en la zona derecha de la composición, destacando su figura ante un cortinaje rojo, de espaldas al castillo de Mariemont que se levanta al fondo, castillo que fue destruido durante la ocupación napoleónica, en 1794. La gobernadora viste elegantemente, a la moda española, y lleva sobre el pecho la medalla de Nuestra Señora del Buen Socorro. A la hora de elaborar el retrato, el maestro flamenco ha seguido fiel a la tradición de Frans Pourbus o Sánchez Coello. El paisaje y el castillo saldrían de los pinceles de Jan Brueghel. Ambos pintores recibieron de su cliente 300 florines.

CLAUDE-OSCAR MONET (París, Francia, 14 de noviembre de 1840 - Giverny, 5 de diciembre de 1926) fue un pintor impresionista francés. Monet recibió sus primeras lecciones artísticas en la escuela de la mano de François-Charles Ochard, alumno del pintor neoclásico Jacques-Louis David. - A los 17 años falleció su madre, la única persona con cierto talento artístico de la familia. La pérdida supuso un duro golpe para el joven, quien establecerá una estrecha relación con su tía, Marie-Jeanne Lecadre, interesada por la pintura. Para que la formación del joven en París no significara un peso para la economía familiar solicitó, en dos ocasiones, una beca al ayuntamiento de Le Havre, aunque Monet empleó sus ahorros para irse a la capital, a pesar de la negativa paterna. Los problemas económicos serán una constante durante buena parte de la vida de Monet. En 1868 intenta suicidarse sin éxito por esta razón pero en verano las cosas parecen ir mejor y se traslada a la costa normanda con Camille y Jean, tomando parte en una exposición en Le Havre. Muere el 5 de diciembre de 1926 a los 86 años en Giverny, 80 kilómetros al oeste de París.

Los Nenúfares La serie de los nenúfares realizada por Monet ha sido descrita como "La Capilla Sixtina del Impresionismo". La disposición de los nenúfares en el agua y los reflejos de los sauces son los únicos motivos interesantes para el artista, en un proceso de desaparición de la forma que es eliminada casi por completo. Las pinceladas son cada vez más sueltas, trabajando con manchas de tonalidades oscuras que se animan con los colores de las ninfeas.

Almuerzo sobre la hierva La luz es protagonista de la composición, crea una sorprendente sensación de realidad, en especial el foco aplicado al mantel. Las figuras se insertan con maestría en el paisaje, renunciando al dibujo detallado para crear sensación de inmediatez. Así, emplea una pincelada rápida, con cortos toques de pincel para aplicar unas tonalidades generalmente oscuras que se animan con el blanco del mantel y del vestido de la dama. A pesar de los deseos del artista de trabajar al aire libre, las dimensiones del lienzo motivaron que tuviera que acabarlo en el taller, siguiendo la tradición académica.

El Paseo Visto desde una perspectiva baja, situados sobre una loma donde el viento es mayor. La luz provoca una sombra malva que domina toda la figura mientras que la sombra que ella proyecta es más oscura. Las zonas iluminadas por el sol tienen, obviamente, un colorido más vivo. Jean queda más difuminado en el fondo, apreciándose apenas el color sonrosado de sus mofletes. Una vez más la pincelada rápida, a base de pequeñas comas, se convierte en la configuradora del conjunto, eliminándose las formas lo que provocará la reacción de Cézanne o Renoir.

FRANCOIS BOUCHER Nació en París el 25 de septiembre de 1703, hijo de Nicolas Boucher. Fue quizás el pintor decorador más famoso del siglo XVIII, con su estilo enmarcado en el arte rococó. Tuvo un aprendizaje más bien accidentado, con varios maestros, y superó diversos obstáculos para triunfar. A los 17 años, fue aprendiz del pintor François Lemoyne, con quien sólo duró tres meses, antes de empezar a trabajar con el grabador Jean-François Cars; con él aprendió la técnica del aguafuerte. En 1723, Boucher ganó el prestigioso Premio de Roma, pero por falta de plazas tuvo que esperar cuatro años para disfrutar de dicho premio, que consistía en un viaje de estudios en Italia, alojado por la Academia Francesa en Roma. Mientras esperaba poder efectuar el viaje, siguió trabajando en el taller de Cars, y así colaboró en una serie de grabados sobre dibujos del difunto Watteau, promovida por Jean de Julienne (1726-28). Finalmente, Boucher emprendió el viaje a Italia acompañando a los Van Loo, y el director de la Academia de Roma, Charles-Joseph Natoire, le recomendó representar paisajes tomados del natural. Tras su regreso a Francia, en 1731, fue admitido en la Real Academia de Pintura y Escultura. Llegó a ser rector de tal academia y director de la Real Fábrica de tapices de los Gobelinos. El apoyo de la Marquesa de Pompadour fue esencial en su éxito. En 1765 fue nombrado Primer pintor del rey.

Diana saliendo del baño - Boucher aprovecha las divinidades y ninfas de la mitología para deleitarse con el desnudo femenino. Utiliza un modelo de mujer refinado, de cuerpo menudo y gracioso y carne nacarada, ante un paisaje que hasta en las sombras es luminoso. En general se trataba de cuadros de pequeñas dimensiones destinados a residencias privadas y junto a las boiseries y demás elementos decorativos formaban todo el conjuntado ambiente.

Odalisca morena Las suaves y sensuales formas de la joven representan lo que son, sin necesidad de recurrir el artista a temas mitológicos o asuntos bíblicos. Los Goncourt apuntan que más que tratarse de mujeres desnudas son mujeres desnudadas. La luz y los colores claros y tiernos se ponen al servicio de la exuberancia decorativa a la moda. Hay dos modelos que suelen repetirse en su pintura, uno estilizado, fino, elegante y otro más grueso y más vulgar, pero siempre dentro de lo que los Goncourt llamaban vulgaridad elegante. Parece ser que esta segunda mujer era la famosa LuiseO'Murphy, incluida en las "Memorias" de Casanova.

Escultores • Michel Angeló • Gian Lorenzo Bernini• Antonio Canoa• Auguste Rodin• Constantin Brancusi • Henry Spencer Moore• Alexander Calder• Alberto Giacometti• Fernando Botero Angulo• Juan Muñoz

MICHELANGELO Michel Angeló di LodovicoBuonarrotiSimoni (Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renancentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por s sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida:Le Vite de' piùeccellentipittori, scultori, edarchitettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido. Vita de Michel Angeló Buonarroti, escrita en 1553 por AscanioCondivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti.Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos diciéndole: ...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de lejos...

La Piedad del Vaticano Realizada en mármol por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.

Crucifijo del Santo Spirito Para el prior Niccolò di Giovanni di Lapo Bichiellini ejecutó un Crucifijo de madera policromada, donde resolvió el cuerpo desnudo de Cristo, como el de un adolescente, sin resaltar la musculatura, a pesar de que el rostro parece el de un adulto, con una medida desproporcionada respecto al cuerpo; la policromía está pintada con unos colores tenues y con unas suavísimas líneas de sangre, que consiguen una unión perfecta con la talla de la escultura.

Ángel de San Domenico Escultura exenta, de mármol. Creada en 1495. Se localización en la Basílica de San Domenico en Bolonia. Datos Técnicos: 2,048×1,536 Recibió el encargo de parte de Francesco Aldovrandi, de realizar tres esculturas para completar la sepultura del fundador del convento de San DomenicoMaggiore, llamada Arca de Santo Domingo, para la que esculpió un Ángel porta candelabro, arrodillado que forma pareja con otro realizado por Niccolòdell'Arca, además un San Próculo y un San Petronio. Ángel de San Domenico de Bolonia (1495).

GIAN LORENZO BERNINI Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 7 de diciembre de 1598 - Roma, 28 de noviembre de 1680) fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, uno de los artistas más destacados del Barroco. Berniniera ya un artista de fama internacional, y en 1664 el ministro Colbert durante el reinado de Luis XIV, convence al papa para que le ceda a su artista predilecto. Así, en 1665 Bernini parte para Francia, con el encargo de reestructurar el palacio del Louvre. Fue recibido como un príncipe, sin embargo la experiencia francesa duró tan solo seis meses. Su estilo no gustaba a los comisionados franceses, que prefirieron encargar el trabajo a Claude Perrault. Sí que realizó, a pesar de todo, un Retrato ecuestre de Luis XIV.

Éxtasis de Santa Teresa Las figuras están realizadas en mármol blanco principalmente, y los rayos del sol de bronce. Tiene una altura de 3,5 metros. La fuerte expresividad de la obra, el desorden de las figuras y en especial del pliegue del manto de la santa, denotan que es de claro estilo barroco. Bernini además pintó la capilla donde fue colocado el conjunto, para darle mayor realismo y sensación de misticismo.

Éxtasis de la beata El cardenal PaluzzoAlbertoniAltieriencargó al genial escultor Gian Lorenzo Bernini (1589-1680). Éste, tras el éxito de su "Éxtasis de Santa Teresa", y en plena madurez artística, representó a la beata LudovicaAlbertonimoribunda, recostada y en éxtasis, expresando al mismo tiempo en su rostro el sufrimiento humano y el gozo espiritual. El mismo Bernini dispuso la capilla de manera que un chorro e luz cayera desde una claraboya invisible sobre el rostro de la beata.

Busto del cardenal Richelieu El trabajo en mármol blanco está tallado en 1641 y forma parte de una larga tradición de bustos que representan a personajes famosos como los de Francesco I de Este, Alejandro VII, Luis XIV, Paulo V, Urbano VIII, Carlos I de Inglaterra. La escultura está bien tallada con mucho detalle en el vestido y la expresión de la cara, que se caracteriza por un aire noble.

ANTONIO CANOVA Antonio Canoa (1757- 1822). Nació en Possagno, Italia. Escultor precoz considerado como el más importante del período Neoclásico. Sus obras más conocidas representan personajes mitológicos y religiosos, sin embargo su calidad artística, le permitió abordar todo tipo de temas. Aun niño (11 años), va a vivir a Venecia y a los 24 a Roma. Para ese entonces Canoa ya deslumbraba con sus obras talladas en mármol, tanto así, que aun a su corta edad fue contratado para esculpir la tumba del papa Clemente XIV. En adelante, Canoa fue requerido en toda Europa y trabajó para un sin número de notables de la época como Napoleón y la emperatriz Catalina de Rusia. El prestigio de Canoa era inmenso. Ingleses y franceses lo recibieron con honores cuando visitó Londres y París. Al observar sus esculturas es fácil concluir que han sido creadas por un superdotado de las artes. Su estilo y técnica incomparables lo sitúan entre los más grandes maestros de la escultura clásica italiana.

Teseo y el Minotauro Canoa en esta obra nos presenta al joven Teseo tras el momento inmediato de la muerte del Minotauro, sumido en el apaciguamiento que triunfa tras la furia de la batalla, más de acuerdo con la nobleza encarnada en el héroe antiguo, ajeno a la violencia de la lucha de la misma forma que siglos antes Donatello realizara su David, mostrándonos a un héroe tranquilo, casi melancólico. El hecho se puede interpretar como el triunfo de las virtudes humanas frente a las fuerzas de la naturaleza.

Cupido y Psique La historia de amor de Cupido (Eros en griego) y Psique no aparece mencionada en la literatura griega, pero sabemos que era conocida, porque aparece representada en el arte de la época. Este mito aparece narrado, en su forma más completa, en la novela latina "El asno de oro" o "Las Metamorfosis" de Apuleyo (s. II d.C.).

Teseo y el Minotauro La retratada tenía 25 años cuando el escultor empezó su trabajo en un único bloque de mármol de Carrara. Paolina aparece indolente, tumbada en un diván, extendiendo la pierna derecha sobre la que reposa la izquierda. En su mano izquierda sujeta una manzana -aludiendo a su triunfo en el juicio de Paris- mientras el brazo derecho sostiene su atractiva cabeza, dirigiendo su altiva mirada hacia el espectador.

AUGUSTE RODIN Auguste Rodin (París, 12 de noviembre de 1840 - Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo a la corriente Impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, es el escultor encargado no sólo de poner fin a más de dos siglos en busca de la mimesis en las artes tridimensionales, sino de dar además un nuevo rumbo a la ya obsoleta concepción del monumento y la escultura pública. Es por esto que Rodin ha sido denominado en la historia del arte: “El primer moderno”. - El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.

Las Puertas del Infierno Las Puertas del Infierno son, en definitiva, una reflexión sobre la condición humana, con sus luces y sombras. Distinguimos toques de romanticismo y simbolismo en la temática de la obra y un enfoque más realista si tenemos en cuenta los efectos de la luz (y por la afinidad artística y personal del autor). Algunas de las numerosas figuras fueron más tarde reproducidas por Rodin de forma independiente, como es el caso de su famosa escultura El pensador (ubicado en el dintel de la puerta), así como Las tres sombras (que aparecen en la parte más superior). La figura El beso y los laterales son partes de estas puertas que también hay que destacar.

La Catedral Recibe este nombre un par de manos que figuran la creación, la herramienta con las que crea el hombre. Esta obra será muy importante. Es relevante observarla con diferentes puntos de vista para apreciar todos los detalles que esconde este par de manos. Gran nivel de detalle, con la piel, las venas, todo muy real (contraste también entre la superficie pulida que corresponde a la piel de las manos y la superficie rugosa de la base donde éstas se encuentran apoyadas).

Los Burgueses de Calais Los Burgueses de Calais: se trata de un encargo que representa una hazaña heroica de un conjunto de personas de la ciudad de Calais, que se opone a la ocupación de ésta. Rodin hará una escultura en un podio bajo, a ras del suelo (para que la gente pueda contemplarla mejor). Son un conjunto de seis personas, prácticamente individualizadas debido a la vestimenta, el rostro, su expresión, el gesto de las manos, etc.

CONSTANTIN BRANCUSI (Constantin Brancusi en la grafía francesa) fue el más famoso escultor rumano, nacido en Hobiţa (distrito 9 Gorj, cerca de la ciudad de TârguJiu) en 1876 y fallecido en París en 1957. Sus obras se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Rumanía y Australia.Brancusi estudió en Craiova (ciudad del distrito 9 Dolj, Rumania) desde 1894 a 1898. Luego continuó sus estudios en la Escuela Nacional militar de Bellas Artes en Bucarest desde 1894 hasta 1981. Llegó a Paris en 1904 para perfeccionar sus estudios. Como estudiante de arte fue influido por Auguste Rodin y fue uno de los primeros artistas del arte moderno. Entabló amistad con AmedeoModigliani, Erik Satie y Marcel Duchamp. Su obra evolucionó hacia una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción. Brâncuşi, Roché & Satie. Golf playa, Fontainebleau (1923)Realizó una serie de esculturas en metal llamadas "Pájaro en el inframundo".

La Puerta del Beso La puerta del beso es una escultura de travertino realizada por el escultor Constantin Brâncuşi, que forma parte del tríptico del Ansamblul Monumental TârguJiu .Se encuentra en el callejón de la entrada del parque de la ciudad de TârguJiu, está hecha de piedra porosa, extraída de las minas que se encuentran por los alrededores. La escultura está formada por columnas anchas, paralelas, que apoyan una especie de techo de unas dimensiones mayores que las de las columnas, teniendo este la anchura de 6.45m, la altura de 5.13 y el grosor de 1.69m. En las caras de cada una de las columnas se encuentra el símbolo del beso.

Columna sin fin La columna fue concebida como un tributo a los jóvenes rumanos fallecidos en la Primera Guerra Mundial y es una estilización de los pilares funerarios usados en el sur de Rumanía. Mide 29,33 metros. Forma parte del Conjunto Escultural Constantin Brâncuşi de Târgu-Jiu, dispuesto en línea recta a lo largo de 1275 m, al que también pertenecen las obras Mesa del Silencio (Masa tăcerii) y Puerta del Beso (Poarta sărutului). En la década de 1950, el gobierno comunista rumano consideró el arte de Brâncuşi un ejemplo de escultura burguesa y planeó su demolición, pero el plan nunca fue ejecutado.

La Mesa del Silencio La Mesa del Silencio esta realizada en tiza y representa la mesa de antes de ir a luchar. El tiempo esta simbolizado por las sillas de forma de relojes de arena. Todo surge en silencio. Conjunto Escultural Constantin Brâncuşi es un homenaje a los héroes caídos en la primera guerra mundial diseñado y construido por Constantin Brâncuşi. Las tres piezas del conjunto están dispuestas en una línea desde el oeste hacia el este con una longitud de 1.275 metros.

HENRY SPENCER MOORE Henry Spencer Moore (Castleford, 30 de julio de 1898 – MuchHadham, 31 de agosto de 1986) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público.Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.

Estatua de Piedra Una estatua de piedra de ChacMool en Chichén Itzá. Este tipo de escultura influyó en el estilo de Moore.

La escultura de bronce de Moore Die Liegende La escultura de bronce de Moore Die Liegende (localizada en Stuttgart) es una de sus primeras figuras reclinadas.

La estatua de bronce FamilyGroup La estatua de bronce FamilyGroup (1950), localizada en la entrada de The Barclay School en Stevenage (Hertfordshire), fue la primera comisión de gran escala de Moore después de la Segunda Guerra Mundial.

ALEXANDER CALDER Alexander Calder (22 de julio de 1898, Lawnton, Pensilvania - 11 de noviembre de 1976, Nueva York) fue un escultor estadounidense. Hijo y abuelo de escultores, siendo su madre pintora. Estudió ingeniería mecánica y en 1872, asistió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Angeles, donde fue influenciado por artistas de la escuela Harry P..En 1885, contribuyó con ilustraciones para la National Police Gazette. En 1926, se trasladó a París y comenzó a crear figurillas de animales de madera y alambre; de aquí fue que desarrolló sus famosas miniaturas circenses. En los años 1930, se hizo célebre en París y los Estados Unidos por sus esculturas de alambre, al igual que por sus retratos, sus bosquejos de línea continua y sus abstractas construcciones motorizadas. Es mejor conocido como el inventor del móvil o chupin (juguete móvil colgante), un precursor de la escultura cinética. También elaboró obras esculturales inmóviles, conocidas como stabiles. Aunque los primeros chupines y stabiles de Calder fueron relativamente pequeños, poco a poco fue dirigiéndose hacia la monumentalidad en sus trabajos posteriores. Su arte fue reconocido con muchas exhibiciones de gran envergadura.

La Estatua de bronce Family Group La estatua de bronce FamilyGroup (1950), localizada en la entrada de The Barclay School en Stevenage (Hertfordshire), fue la primera comisión de gran escala de Moore después de la Segunda Guerra Mundial.

Seis Puntos sobre una montaña Hecha de acero pintado y barras de metal. Sus Medidas son 397x539x202 cm Se encuentra en el Museo Hirshhorn Museum en Washington.

Flamengo La escultura de vivos colores y el contraste de forma curvilínea dramáticamente con el acero angular y alrededores de vidrio. El flamenco está construido acero, logrando así una integración exitosa dentro de la plaza. A pesar de sus proporciones monumentales, el diseño abierto permite al espectador a caminar por debajo ya través de la escultura, lo que lleva de uno a percibir en relación con la escala humana.

ALBERTO GIACOMETTI Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901 - Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo. Tras terminar la enseñanza secundaria, se trasladó a Ginebra para cursar estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes. Perfeccionista, Giacometti estaba obsesionado con crear sus esculturas exactamente como las veía a través de su exclusivo punto de vista de la realidad.En 1954 recibió el encargo de diseñar un medallón con la imagen de Henri Matisse, por lo que creó numerosos dibujos durante los últimos meses de vida del pintor. En 1962 recibió el gran premio de escultura en la Bienal de Venecia, lo que le llevó a convertirse en una celebridad internacional.

Flamengo La Bola suspendida (1931) es una escultura construida como una jaula abierta de barras de hierro en cuyo interior se encuentra una esfera con una hendidura y colgada de una cuerda que roza, con un vaivén, la arista afilada de una pieza semirrecostada en forma de media luna o de gajo de naranja.

El hombre que camina El hombre que camina.

FERNANDO BOTERO ANGULO Fernando Botero Angulo es un pintor, escultor y dibujante colombiano nacido el 19 de abril de 1932 en Medellín (Antioquia). Considerado el artista vivo originario de Latinoamérica más cotizado actualmente en el mundo. Icono universal del arte, su extensa obra es reconocida por niños y adultos de todas partes por igual.A partir de 1983, Botero comenzó una serie de exposiciones a través de todo el mundo que aún hoy no acaba. Es así como sus obras son expuestas y por supuesto conocidas en ciudades como: Londres, Roma, San Francisco, Filadelfia, Boston, Chicago, Basilea, entre muchas otras ciudades que no se alcanzaría a mencionar.Botero es uno de los pocos artistas (por no decir el único), que se ha dado el lujo de exponer sus obras en varias de las avenidas y plazas más famosas del mundo, como los Campos Elíseos en París, la Gran Avenida de Nueva York, el Paseo de Recoletos de Madrid, la Plaza del Comercio de Lisboa, la Plaza de la Señoría en Florencia y hasta en las Pirámides de Egipto.

El rapto de Europa El Romano

JUAN MUÑOZ Juan Muñoz (Madrid, 16 de junio de 1953 - Ibiza, 28 de agosto de 2001) fue un famoso escultor español. Nació en Madrid en 1953, el segundo de una familia de siete hermanos. En la década de los setenta viajó a Inglaterra para estudiar en el Croydon College y luego en el Central School of Art and Design. Allí conoció a su esposa, la escultora Cristina Iglesias, con quien tuvo dos hijos. En 1982 viajó a Estados Unidos para estudiar en el Prat Centre de Nueva York con una beca. Tuvo su primera exposición en 1984 en la galería Fernando Vijande de Madrid. Desde entonces expuso sus trabajos frecuentemente en Europa y otras partes del mundo. - A comienzos de los años noventa, Juan Muñoz comenzó a producir obras de carácter "narrativo" -rompiendo los límites de la escultura tradicional- las cuales constan de instalaciones de figuras de tamaño ligeramente inferior al natural en interacción mutua distribuidas en ambientes tanto cerrados como abiertos. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para discretamente formar parte de ellas. Sus figuras monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en discreción, en universalidad por su falta de particularización, pero esa ausencia de individualidad nos cuestiona y, tal vez, hasta incomoda. - Para sus esculturas, Juan Muñoz utilizó principalmente papel maché, resina y finalmente bronce.Juan Muñoz falleció súbitamente de un paro cardíaco provocado por un aneurisma de esófago y una hemorragia interna a los 48 años de edad veraneando en Santa Eulalia del Río, Ibiza, el 28 de agosto de 2001.

Sara Frente al espejo Sara frente al espejo (1996) -arriba- no se está probando únicamente un vestido azul. Por encima de todo, Sara bucea en su identidad y en "los equivalentes más directos de la otredad que anida en el fondo del yo moderno“.

Mirando fijamente al mar El reflejo ha sorprendido de camino a dos individuos pobremente enmascarados. Muñoz retrata dos personas, y dos procesos consecutivos: la curiosidad, y luego la conciencia. "¿Me reconozco? Si me quito la máscara, ¿debajo qué? ¿Cómo de profundos están mis ojos? ¿Me conozco?".

Many Times Escenas de conversación, forman un coro de personajes solitarios repetidos que parecen desternillados. La risa es la anestesia de la enfermedad sin nombre que tampoco tiene forma, sólo presencia. La repetición en distintos cuerpos es el consuelo, el freno a la cura. Por eso, el Ejército de Terracota inmoviliza.

Fotógrafos • Robert Capa • Henri Cartier-Bresson• Man Ray • Sara Janini• Tino Soriano

ROBERT CAPA ∙ Robert Capa, seudónimo de Ernö Friedmann, nació en la ciudad de Budapest, De ascendencia judía, a los 18 años abandona su país envuelto por aquel entonces en graves turbulencias políticas, trasladándose a Berlín. La llegada al poder Adolf Hitler en 1933, le obliga a abandonar Alemania y marcha a París donde conoce al fotógrafo David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular. Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España. Capa al lado de los republicanos sigue las contiendas desde el frente. Ahí capta su famosa fotografía “Miliciano Herido de Muerte”. Capa cubrió también diferentes episodios de la invasión japonesa de China, ya en los prolegómenos de la II Guerra Mundial. Está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África. Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944, el famoso día-D, son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa denominada Omaha en la terminología de la operación. Plasmó asimismo en imágenes la liberación de París. Con motivo de su trabajo durante este conflicto, fue galardonado por el general Eisenhower con la Medalla de la Libertad. En 1954, encontrándose en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, fue llamado por la revista LIFE para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnan, durante la Primera Guerra de Indochina. El 25 de mayo pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente.

Miliciano herido de muerte ∙ Tomada en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba, el 5 de septiembre de 1936. Reproducida en la mayoría de los libros sobre la Guerra civil, su autenticidad ha sido en ocasiones puesta en cuestión por algunos, alegando que fue un montaje, pero los últimos estudios han permitido, al parecer, determinar no ya la fecha y el lugar, sino incluso el nombre del miliciano, identificado como Federico Borrell García, miliciano anarquista de veinticuatro años.

Secuencias de R. Capa sobre el Desembarco de Normandía Tropas alemanas rindiéndose a los americanos. Las tropas norteamericanas suben a las lanchas para lanzarse sobre la playa Omaha a las seis de la mañana.

Secuencias de R. Capa sobre el Desembarco de Normandía Comienzo del desembarco Prisionero alemán en Saint-Malo.

Secuencias de R. Capa sobre el Desembarco de Normandía Ocultándose de las balas. Un general alemán se rinde a los americanos.

Henri Cartier-Bresson Nació en Chanteloup-les-Vignes, a las afueras de París, el 22 de agosto de 1908. Después de terminar sus estudios de pintura en 1927-1928 a cargo de André Lhote en Montparnasse y de frecuentar los círculos surrealistas parisinos, decide dedicarse a la fotografía. Es fotógrafo a sus 23 años en Costa de Marfil, cuando recogería sus primeras instantáneas con una Krauss de segunda mano. Publicaría su reportaje el año siguiente (1931). De regreso a Francia, en Marsella, adquirió una cámara Leica, la cual quedaría asociada con su persona. En 1947, él cofunda junto a Robert Capa, Bill Vandivert, David Seymour y George Rodger la agencia Magnum y a través de sus viajes por el mundo definiría la fotografía humanista: visitaría así pues África, México, y los Estados Unidos. En 1936 realizó un documental sobre los hospitales de la España republicana y se convertiría más tarde en el asistente del cineasta Jean Renoir. Formado en la Escuela nacional superior de Bellas Artes, abandona finalmente la fotografía en1970 para dedicarse al dibujo. Un año antes de su muerte 2003, la Biblioteca Nacional de Francia le dedicaría una exposición retrospectiva, con Robert Delpire como comisario. Estos fondos son los que más tarde servirían para la apertura en el barrio parisino de Montparnasse de la fundación HCB, que asegura la buena conservación de su obra.

MAN RAY Emmanuel Rudzitsky, (Filadelfia, Estados Unidos; 27 de agosto de 1890 - París; 18 de noviembre de 1976) Fue un artista total. Pintó, diseñó y creó con la cámara imágenes insólitas. Surrealista, vanguardista, revolucionó la moda, la publicidad y el retrato. Man Ray liberó a la fotografía de sus funciones documentales. La elevó a la categoría de arte. Man Ray fue ante todo un fotógrafo de estudio, de taller, para el que la manipulación en el laboratorio, el reencuadre, la ampliación o el retoque eran elementos esenciales. Su interés primordial se dirigió hacia la ampliación del mundo de lo visible, hacia la exploración de la visión interior, propiciando la aparición de lo irreal y lo extraño, de lo fantasmagórico; la modificación de la identidad de las cosas, la irrupción de lo real poetizado. Para él, “el fotógrafo es un explorador maravilloso de los aspectos que nuestra retina no registra nunca. Man Ray fue un personaje complejo que consiguió conciliar aspectos tan difíciles de equilibrar en su momento como la pintura y la fotografía, la experimentación y la actitud vanguardista con el uso comercial de la fotografía.

SARA JANINI Sara nació en Cádiz el 9 de noviembre de 1970. En cuanto a su método de trabajo ella actúa siempre con naturalidad. Simplemente se acerca a la gente y habla con ellos. Su objetivo consiste en tomar fotos clásicas, naturales y espontáneas, sin demasiado post-proceso.

Tradiciones chinas en blanco y negro La nueva exposición de la famosa fotógrafa nacida en Cádiz en 1970, Sara Janini, se inaugura el 12 de noviembre y estará abierta al público hasta el 9 de diciembre en la Real Sociedad Fotográfica (calle tres peces, 2 de Madrid).

Fotógrafa Española en China La fotógrafa española quiere hacer de altavoz de esta comunidad y de su falta de carreteras y accesos, lo que ha dificultado las comunicaciones a lo largo de su historia y por eso, su exposición "Territorio Don" es un grito sobre que "aún hoy en día la llegada del mundo exterior se hace con cuentagotas".

La China emergente Estas escaleras fotografiadas por la fotógrafa española Sara Janini representan la rampa en la que está montada la China emergente.

TINO SORIANO Tino Soriano, nacido en Barcelona en septiembre de 1955, es un distinguido fotógrafo con numerosos galardones nacionales e internacionales como el Humanity Photo Award de la Unesco en tres ocasiones o el Premio Canon-Europa de la OMS; posee cinco galardones Fotopres, el The Essence of Humanity (Nueva Zelanda) y el premio más prestigioso del mundo, el World Press Photo, concedido el año 1999. En abril de 2004 recibió el galardón “Lente de Plata”, al mejor reportaje sobre México publicado en todo el mundo. Es autor de numerosos libros como Fotografía de viajes. Siempre le acompaña una cámara, dos objetivos fijos, y un tercero en función de lo que pretenda retratar.

Bellezas Opacas en Haití Esta fotografía fue expuesta en el Museo Nacional de Port-Au-Prince, en Haití. Ahora podrás verla en EFTI de Madrid.

China desde la cámara de Tino Soriano La particular visión de Tino Soriano queda constatada en esa imagen tomada en esta plaza china. Nacido en Barcelona en septiembre de 1955, es un distinguido fotógrafo español con numerosos galardones nacionales e internacionales como el Humanity Photo Award de la Unesco en tres ocasiones o el Premio Canon-Europa de la OMS, entre otros en EFTI de Madrid.

Observaciones desde México Esta es una de las instantáneas expuesta en EFTI (Madrid). Tino Soriano recibió en México “Lente de Plata” 2004, galardón que se otorga al mejor reportaje sobre México publicado en todo el mundo.

Libres • Santiago Calatrava - Arquitecto• Antoni Gaudí - Arquitecto• Eiffel - Arquitecto• Giuseppe Verdi - Compositor• Tom Hanks - Actor

SANTIAGO CALATRAVA Arquitecto nacido en 1951 en Benimamet (Valencia), profesionalmente ha llevado a cabo toda su actividad en sus estudios de Arquitectura e Ingeniería de París y Zurich. Considerado un especialista en el diseño de puentes -aunque ha realizado trabajos de diverso tipo- es autor de obras tan conocidas como el puente del Alamillo y el Pabellón de Kuwait en la Expo´92, ambas en Sevilla, o la torre de comunicaciones de Montjuic, en Barcelona, y fue uno de los nominados para realizar la reforma del histórico edificio del parlamento alemán (Reichstag). En 1993, el prestigioso Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) dedicó una gran exposición monográfica a su obra, como también se ha hecho en otras numerosas ciudades de varios países. Recientemente inauguró en Valencia un espectacular cine y planetario, L Hemisferic, primer edificio de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, y trabaja también en la estación de Oriente, de Lisboa, el nuevo aeropuerto de Bilbao o la estación de Lieja, que será el enlace para las líneas de alta velocidad del centro de Europa, entre otros. Miembro de la Europa Akademie y de la FazlurRhamanVihan International, ha recibido un gran número de distinciones, como el premio Augusto Perret, de la Unión Internacional de Arquitectos, el premio internacional VereinigunggfurBrückenhanundHochabn de Suiza, el Fritz Schumaher alemán o el premio FAD de 1988. Fue galargonado con el premio Principe de Asturias en 1999 y el premio Nacional de Arquitectura en 2005.

L'Hemisfèric Es el primer edificio temático de la Ciudad de las artes y las ciencias. La construcción data de 1990.

Turning Torso El edificio, construido en acero, vidrio y hormigón armado, se estructura en nueve cubos rotatorios cuyo principal elemento estructural es un núcleo de hormigón armado, de 10,6 metros de diámetro (a modo de columna vertebral). Su centro se corresponde exactamente con el eje de rotación de las plantas. El exterior del edificio está revestido por paneles de cristal y aluminio. Cada uno de los cubos tiene seis plantas.

Auditorio de Tenerife El edificio se levanta sobre una parcela de 23.000 m² de la que el auditorio ocupa 6.471 m², distribuidos en dos salas. La sala principal o Sinfónica, coronada por una cúpula, dispone de 1.616 butacas en anfiteatro, así como un escenario con una embocadura 16,5 metros y un fondo de catorce. Un juego de curvas imposible coronado por una majestuosa ala de hormigón perfila su silueta. Son 16.000 metros cuadrados abiertos al exterior, con la hermosa vista del océano Atlántico y la dinámica figura del Auditorio como decorado. La superficie es de 16.289 m². Foto propia tomada en Septiembre de 2010.

ANTONI GAUDÍ Antoni Gaudí i Cornet (1852-1926) es el arquitecto más popular de la historia. Su revolución de la arquitectura y de las artes plásticas sienta las bases del arte actual y futuro. La obra de Gaudí es una búsqueda de la perfección del arte,de la perfección personal y de la perfección de la sociedad humana. fue consciente desde muy joven de su papel de genio del arte, de que sus ideas no eran una repetición o una mera continuidad de lo que habían hecho los arquitectos hasta entonces. Lo único que le asustaba era que ningún otro arquitecto las hubiera puesto en práctica antes y él tuviese que ser el primero. Él había estudiado y descubierto las leyes geométricas y constructivas con que esta hecha la Naturaleza.

La Sagrada Familia La obra más conocida de Antoni Gaudí, ni fue iniciada por él, ni evidentemente pudo acabarla. A la edad de 31 años se hizo cargo de la dirección de las obras de este Templo, tras la dimisión del arquitecto inicial Francisco de Paula Villar, cuando ya se había construido una parte de la cripta subterránea. Gaudí cambió radicalmente el primer proyecto sustituyéndolo por uno propio, mucho más ambicioso, original y atrevido que el inicial. Esta fachada, la del Nacimiento, es la parte de la obra que Gaudí deseaba dejar terminada como muestra y ejemplo para sus continuadores, ya que él, muy a su pesar, tuvo que aceptar que era imposible llegar a realizar una obra de esta envergadura en el corto periodo de una vida. Casi en los inicios había sido tan optimista que soñó con que podría llegar a acabarla en poco más de diez años. Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Parque Güell Obra que EusebiGüellencargó a Gaudí. En principio Güell quería que su finca fuese una "ciudad-jardín" como las que se hacían en Inglaterra para la burguesía rica de Barcelona. Dividió el terreno en 60 parcelas de entre 1000 y 2000 m2 y de forma triangular para adaptarse a la topografía del terreno. Cuando alguien compraba una parcela tenía que signar un contrato aceptando condiciones como la prohibición total de la tala de árboles, una limitación de la planta del chalet a 1/6 de la superficie total.Fue declarada monumento de carácter universal por la UNESCO en 1984, junto a otras dos obras del genial arquitecto, con lo que nos podemos hacer una idea de la belleza de este trabajo. Imagen de la escalinata principal del Parque con el famoso lagarto de Gaudí.

La Pedrera La Pedrera fue la última gran obra civil que realizó Gaudí antes de dedicarse por completo a las obras de la Sagrada Familia. Gaudí proyectó una fantástica casa con formas onduladas y vivas. Su estructura se basa en forjados de viguetas metálicas y bovedillas a la catalana que se sustentan por jácenas metálicas sobre pilares de tocho (la mayoría), de sillería o hierro.

EIFFEL Alexandre Gustave Eiffel (15 de diciembre de 1832, Dijon - 27 de diciembre de 1923, París) fue un ingeniero francés, especialista en estructuras metálicas. El apellido Eiffel fue adoptado por uno de sus antepasados a principios del siglo XVIII, tomado de su lugar de nacimiento: Marmagen, en la región de Eiffel, ya que en francés no se podía pronunciar su verdadero nombre: AlessandreGustafBönickhausen.No pudo ingresar en la ÉcolePolytechniquey estudió en la ÉcoleCentralede París, en la que se graduó como Ingeniero en 1855. Poco después empezó a trabajar en una empresa de equipos para ferrocarriles. Su construcción más famosa es la Torre Eiffel. Construida entre los años 1887 y 1889 para la Exposición Universal de 1889 en París, Francia. Esta gran estructura de hierro, a parte de un símbolo parisino, llegaría a tener varios usos a lo largo de la historia. En sus últimos años empezó a estudiar aerodinámica. Eiffel murió el 27 de diciembre de 1923, a la edad de 91 años, en su mansión de la Rué Rabelaisde París y fue enterrado en el cementerio de Levallois-Perret, en la misma localidad.

Torre Eiffel Conmemora el centenario de la Revolución Francesa. Es sin duda una de las maravillas del mundo moderno, y el símbolo más representativo de Paris, la ciudad más visitada del mundo y una de las más bellas del planeta.

Catedral de San Marcos de Arica La construcción fue encargada por el presidente peruano José Balta en los talleres del francés Gustave Eiffel y originalmente destinada para el balneario de Ancón.

GIUSEPPE VERDI Giuseppe Verdi (1813-1901), el más popular de los compositores de ópera, nacido de una familia pobre en un pequeño pueblo italiano. Comenzó a estudiar música en un pueblo cercano. Busseto, donde fue llevado a la casa de un rico patrón quien más adelante costeó su educación en Milán. Al completar sus estudios se convirtió en director municipal de música clásica en Busseto y contrajo matrimonio con la hija de su patrón; tres años después regresó a Milán con la partitura de su primer ópera, Oberto. Oberto fue producida en La Scala(casa de ópera de Milán) en 1839, tuvo un éxito bastante modesto, y llevó a Verdi a ser contratado para más óperas. Luego sobrevino el desastre: su esposa y sus dos hijos fallecieron. Verdi se las arregló para completar su siguiente ópera, pero ésta fue un completo fracaso y, en su desesperación, él juró no componer óperas nunca más.

La Traviata Basada en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias. Fue estrenada, sin éxito, en el teatro La Fenice de Venecia en 1853. La representación que se realizó un año después obtuvo, sin embargo, mucho éxito, y desde entonces su popularidad ha sido constante hasta la actualidad.

TOM HANKS Thomas Jeffrey Hanks nacido en California el 9 de julio de 1956. Es un actor y productor cinematográfico estadounidense ganador del Óscar y del Globo de Oro. Único actor, junto a KatharineHepburn y Spencer Tracy, que ha conseguido dos Premios Óscar como mejor intérprete principal de manera consecutiva en la segunda mitad del siglo XX. Ganó el premio al mejor actor de teatro del instituto. Entre sus mejores interpretaciones se destacan: ,[object Object]

Los 40 principales pintores

Recomendados

Recomendados

Más contenido relacionado

La actualidad más candente

La actualidad más candente (18)

Destacado

Destacado (13)

Similar a Los 40 principales pintores

Similar a Los 40 principales pintores (20)

Último

Último (20)

Los 40 principales pintores