TEMA 27. Evolución de la pintura renacentista italiana, Siglo XVI. Leonardo, Miguel Ángel y Rafael.

1. DEPARTAMENTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA
MATERIA: HISTORIA DEL ARTE
PROFESORA: TERESA FERNÁNDEZ DIEZ
I.E.S. ALDONZA LORENZO (LA PUEBLA DE ALMORADIEL)
TEMA 27. EVOLUCIÓN DE LA PINTURA RENACENTISTA ITALIANA, SIGLO
XVI. LEONARDO, MIGUEL ÁNGEL Y RAFAEL. LA ESCUELA VENECIANA.
LA GIOCONDA
El famoso cuadro de Leonardo Da Vinci ha encerrado
algunos misterios que no pocos quieren resolver.
La Gioconda fue una obra maestra del arte italiano; su
existencia data del año 1503 a 1606. Esta inmortal obra fue
realizada por el pintor Leonardo da Vinci usando una técnica
especial para darle la apariencia de tener cierto grado de
borrosidad, el “sfumato”.
En la actualidad se encuentra exhibido en una sala especial
del museo parisino del Louvre, donde es visitado por
muchos turistas y artistas que la observan minuciosamente
para pintarla y recrear la obra del famoso pintor.
La Gioconda tiene algunos misterios que, a la fecha de hoy,
siguen haciendo pensar a más de uno; la primera cuestión
es la identidad de la mujer que pintó Da Vinci. ¿Qué
representa la sonrisa de “Mona lisa”? ¿Quién se esconde
detrás de ella?
“La Gioconda”. Leonardo da Vinci
ÍNDICE
1- INTRODUCCIÓN.
2- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA DEL CINQUECENTO ITALIANO
3- GRANDES MAESTROS DEL CINQUECENTO ITALIANO: LEONARDO DA VINCI, RAFAEL Y
MIGUEL ÁNGEL
4- LA PINTURA VENECIANA
5- BIBLIOGRAFÍA
1- INTRODUCCIÓN.
El Cinquecento supone la culminación del proceso renacentista y al mismo tiempo su crisis. La suprema perfección
obtenida en los últimos años del siglo XV encuentra su forma perfecta en el equilibrio de Rafael y del joven Miguel
Ángel. Es un mundo de belleza, equilibrio, grandiosidad y orden. Frente al sentido menudo y múltiple del
Quattrocento se buscan las formas severas y monumentales y una sensación de rigor, plenitud, y unidad lo llena
todo. Pero el mundo no era en modo alguno perfecto y pronto el panorama europeo comienza a presentar
aspectos confusos y dramáticos. El arte, especialmente la pintura, se repliega sobre sí mismo en fecha temprana.
Rafael muere en 1520, y en 1527 tiene lugar el saqueo de Roma que dispersa el grupo de sus discípulos que
continuaban trabajando en la ciudad. En las ciudades ya no son los gremios y la alta burguesía quienes realizan los
encargos, sino, núcleos mucho más cerrados de la aristocracia. El arte se vuelve sobre sí mismo y se hace
caprichoso, imaginativo y extraño. Pierde la claridad renacentista y se hace tortuoso y difícil de entender por su
carga intelectualizada, que traduce muchas veces un evidente pesimismo. Es el fenómeno llamado Manierismo.
Sólo Venecia, que mantiene su predominio económico y tarda tiempo en ver las consecuencias de la crisis,
mantiene un arte apoyado en la realidad visible y en el gozo de los sentidos, que por su carga de inmediata
sensualidad y confianza en el mundo, será de enorme trascendencia cuando, con el naturalismo barroco, se
pretenda volver a la conformidad con la realidad.
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2- CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA DEL CINQUECENTO ITALIANO
El S. XVI supone en el ámbito de la pintura la conquista plena del clasicismo. El carácter humanista y neoplatónico
continuó favoreciendo la representación del desnudo, buscándose en él la monumentalidad y la belleza ideal. Las
figuras pasan a ocupar el primer plano, dejando los paisajes en un segundo plano. En el escenario se prescinde de
lo meramente accesorio. La pintura alcanza un nivel de plenitud incomparable, gracias a la coincidencia
generacional de algunos talentos universales, entre los que destacarían con luz propia, Leonardo Da Vinci, Rafael y
Miguel Ángel.
Una de las principales aportaciones del Cinquecento fueron los avances en el tratamiento de la luz, así como la
introducción de la perspectiva aérea, en la que se simula el efecto atmosférico que la luz ejerce sobre los objetos,
dependiendo de donde se encuentren situados, representándose los más alejados de forma menos nítida que los
cercanos.
Pero una vez más una vez más debemos restringirnos al momento clásico de este siglo, y ello prácticamente reduce
la cronología de este período apenas al comienzo del S. XVI, tanto en Roma, capital artística del momento, como en
Venecia, donde surge una peculiar escuela pictórica iniciada por Giorgione y proseguida por Tiziano. A partir de los
años treinta de la centuria se busca mayor movimiento y fuerza expresiva, dando lugar al manierismo en la
segunda mitad del siglo.
3- GRANDES MAESTROS DEL CINQUECENTO ITALIANO: LEONARDO DA VINCI, RAFAEL Y
MIGUEL ÁNGEL
Leonardo Da Vinci (1452-1519)
El tránsito del Quattrocento al Cinquecento lo encarna de modo excepcional Leonardo Da Vinci que ha sido
considerado como uno de los más altos espíritus que ha producido la humanidad. Hombre de una enorme
curiosidad, desea desentrañar la realidad, su apariencia y su sentido, por eso arte, ciencia y filosofía van en él
estrechamente unidas, posee un gran sentido de la observación. Discípulo de Verrochio, duda entre la escultura y
la pintura, pero aunque cultiva las dos, se siente especialmente pintor e ingeniero. Como pintor, su gran creación
es el “esfumato”, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento y
envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina, los perfiles y produce una impresión de
inmersión total en la atmósfera. El paisaje adquiere así una misteriosa dimensión y los personajes un encanto
distante y enigmático, caracterizándose por una fantástica representación de la naturaleza, caracterizándose por
una enorme seguridad en el dibujo. Preocupado por la solución de problemas técnicos, pintó poco en realidad.
Estuvo al servicio de la ciudad de Florencia y en Milán, al servicio de Ludovico Sforza, pasando por último a Francia,
donde murió. Obras famosas son, Virgen de las Rocas, la Santa Cena, la Gioconda, Dama con armiño, Santa Ana con
la Virgen.
Tuvo muchos imitadores que divulgaron y vulgarizaron su estilo, a veces con evidente calidad. Su influencia fue
definitiva también para la formación de artistas de primer orden como Rafael o Coreggio.
Rafael de Sanzio (1483-1520)
Hijo de pintor, se inició muy pronto en el mismo oficio. A pesar de su corta existencia es quizá el artista que
representa mejor que nadie la perfección del clasicismo. Dotado de una maravillosa capacidad de síntesis, su estilo
se va formando al contacto con el de sus contemporáneos que sabe asimilar y convertir en algo nuevo y personal.
Rafael, expresión máxima del ideal humanista, se le ha considerado también el mejor ejemplo del equilibrio clásico
del Cinquecento, de la medida, de la belleza ideal, de la simetría axial, de la claridad compositiva, el encanto
colorista y la luminosidad diáfana. Asimila en sus obras el mundo cristiano y el pagano. Excelente dibujante,
refinado y perfeccionista en sus obras.
En su primera juventud, la influencia de Perugino es decisiva, con modelos humanos de delicadeza extrema y
ordenación compositiva simétrica, y en planos paralelos, como en “Los desposorios de la Virgen”. Después, una
estancia en Florencia le pone en contacto con Leonardo de Vinci, y asimila inmediatamente su composición
triangular y equilibrada, y el delicado “esfumato” que incorpora a sus más famosas Madonnas, y a sus retratos
femeninos, en los que se nota la influencia de la Gioconda. En 1508 se instala en Roma y entra en contacto con
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Miguel Ángel, transformando aún su estilo, dotándolo de una grandiosidad monumental nueva. Las obras
realizadas en estos años, constituyen una de las más maravillosas realizaciones de toda la historia del arte, tanto
los cuadros aislados, como “Entierro de Cristo, “Madonna de Foligno”, como en las decoraciones al fresco que
realiza en el palacio Vaticano, en la serie de las “Estancias de la Segnatura” de Heliodoro, del “Incendio del Borgo”,
y de “Constantino”. En esta sucesión de salas realizadas con la colaboración de un enorme taller, pero, bajo su
dirección, consigue crear un mundo de maravillosa armonía donde motivos de la tradición clásica, como la escuela
de Atenas, se armonizan con episodios de la historia de la Cristiandad. También en esta etapa adquiere renombre y
prestigio como magnífico retratista. Pero es significativo que simultáneamente a la realización de estos frescos,
surja el fenómeno de la Reforma, que había de demostrar lo ilusorio de ese maridaje. A Rafael y a sus discípulos se
debe también la difusión de la decoración de grutas directamente inspirada en lo romano. Las últimas obras de
Rafael, los cartones para la serie de tapices de los Hechos de los Apóstoles y la gran Transfiguración que dejó
inacabada, muestra, junto a una grandiosidad miguelangelesca, rasgos del nerviosismo y crispación del
Manierismo.
En resumen, en su obra se pueden diferenciar las siguientes etapas:
- Etapa florentina: Influencia de Leonardo y Miguel Ángel (composiciones equilibradas, sfumato y anatomías
plenas). Ej. Madonas, Sagrada Familia y retratos.
- Etapa romana: Influencia de M. A. mayor monumentalidad, aunque predomina su estética clasicista, de
gran expresividad y fuerza interior. Estancias vaticanas: La Signatura (la Escuela de Atenas), la de
Constantino (Batalla de Constantino contra Majencio), la sala de Heliodoro (Incendio del Borgo).
Miguel Ángel (1475-1564)
Arquitecto y escultor, Miguel Ángel cultivó también la pintura y ejerció en ella una influencia capital. Sintiéndose
fundamentalmente escultor, en su pintura concede primordialmente importancia al dibujo anatómico y al
volumen, desdeñando el paisaje y el colorido y atendiendo ante todo a construir figuras poderosas en actitudes
con frecuencia difíciles, que le permiten alardes de escorzos y de movimientos. Une lo grandioso y colosal con una
fuerte expresividad llena de movimiento (escorzos).
Su primera obra importante fue la “Batalla de Cascina”, mural en el palacio de la Signoría, donde se enfrentó a
Leonardo; se trató de un gran cartón preparatorio, hoy destruido, que durante mucho tiempo sirvió de modelo
para jóvenes artistas. En Roma, por orden del Papa Julio II, hubo de realizar su obra maestra: la decoración de los
frescos de la Capilla Sixtina, verdadero y deslumbrante canto al cuerpo humano desnudo, obra cumbre de la
creación. Todo el techo está dividido en compartimentos por unas arquitecturas fingidas, pilastras, cornisas y
pedestales, donde se sienta, en las más variadas actitudes, bellos jóvenes desnudos. En los recuadros se presentan
escenas del Génesis, y figuras monumentales de Profetas y Sibilas completan el deslumbrante conjunto.
En su madurez recibe el encargo de completar la Capilla con el enorme Juicio Final del testero. La perfección clásica
y el equilibrio, aún en lo sobrehumano, que mostraba el techo, cede el paso aquí a un desbordamiento dramático y
a una violencia pesimista que puede considerarse ya manierista, en su desdén por la claridad y su complacencia en
lo caprichoso,. Las figuras se enroscan sobre sí mismas, los músculos se hinchan y hay un sentimiento general de
retorcimiento en un espacio que, voluntariamente, no queda definido. Sus últimas obras pictóricas llegan por este
camino al manierismo más extremado, utilizando en el mismo conjunto dos ángulos de visión distintos,
suprimiendo casi por entero las alusiones al espacio envolvente y forzando las musculaturas hasta lo inverosímil.
Su influencia fue decisiva en todo el manierismo de la segunda mitad del siglo, pero su propio Juicio Final fue
víctima del cambio de sensibilidad que trajo el Concilio de Trento, ya que se ordenó a su discípulo Daniel Volterra
que cubriese las excesivas desnudeces del fresco, considerándolo impúdico.
4- LA PINTURA VENECIANA
CONTEXTO GEOGRÁFICO Y ECONÓMICO: Venecia, ciudad mercantil y opulenta, se convierte en un importante
centro artístico del Renacimiento. Una de las características de definen la pintura veneciana es la influencia que el
ejerce en los artistas venecianos.
Los pintores venecianos se caracterizaron por el colorismo y la riqueza de sus representaciones.
- CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA VENECIANA:
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 Devoción por el color, que prevalece sobre el dibujo.
 Se perfecciona la técnica del óleo.
 Gran dominio de recursos pictóricos como la luz.
 Se profundiza en la perspectiva aérea.
 Se empieza a sustituir la tabla como soporte, por el lienzo de tela.
 Gusto por los objetos y animales exóticos.
 Gran sensualidad especialmente en los cuerpos femeninos desnudos.
 Se presta especial atención a los objetos secundarios y anecdóticos.
 Gran influencia en la pintura barroca.
PRINCIPALES MAESTROS:
- GIORGIONE: La tempestad, Venus dormida.
- TIZIANO: La Bacanal, Retrato de Carlos V a caballo en Mühlberg, Autorretrato, Venus de Urbino
- VERONÉS: Cristo entre los doctores.
- TINTORETTO: El lavatorio.
BIBLIOGRAFÍA
Antonio Fernández y otros. ARTIS Historia del Arte. Ed. Vicens Vives (Bachillerato Segundo Curso)
VVAA. Historia del Arte. Edit. ECIR. 2008
VVAA. Historia del Arte. Edit. SM. 2009
Argan, G.C.Renacimiento y Barroco. I. De Giotto a Leonardo da Vinci. Madrid. Akal. 1987
GALERÍA DE IMÁGENES
GIOCONDA. Leonardo da Vinci LA VIRGEN DE LAS ROCAS. Leonardo da Vici LA ÚLTIMA CENA. Leonardo da Vinci
LOS DESPOSORIOS DE LA LA ESCUELA DE ATENAS (fresco de las estancias EL INCENDIO DEL BORGO(fresco de las
VIRGEN. Rafael de Sanzio vaticanas). Rafael de Sanzio estancias vaticanas). Rafael de Sanzio
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LA CAPILLA SIXTINA. Miguel Ángel
LA CAPILLA SIXTINA. EL JUICIO FINAL (testero de la Capilla
Miguel Ángel Sixtina). Miguel Ángel
LA TEMPESTAD. Giorgione LA VENUS DORMIDA. Giorgione CARLOS V A CABALLO. Tiziano
DANAE RECIBIENDO LA LLUVIA DE ORO. Tiziano CRISTO ENTRE LOS DOCTORES. Veronés
EL LAVATORIO. Tintoretto
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