Personajes Relevantes de la música

1. LA MÚSICA
PERSONAJES RELEVANTES DE LA MÚSICA

2. WOLFGANG AMADEUS MOZART
• Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus
Mozart,[1] (Salzburgo, Austria; 27 de enero de 1756 – Viena, Austria; 5 de diciembre de 1791), fue un
compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes
y destacados de la historia.
La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en
su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano,
operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de
instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus
interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como
músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre
componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte,
decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por
situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más
conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas
especulaciones y elevada a la categoría de mito.
•
En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y
desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la
pasión —todo bien fundado por una visión de humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con
la naturaleza y lo absoluto»—.[2] Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van
Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la
posteridad no verá tal talento otra vez en cien años

3. LUDWIG VAN BEETHOVEN
• Ludwig van Beethoven (Bonn, Alemania, 16 de diciembre de 1770[1] – Viena, Austria, 26 de
marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical se
extendió, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical.
Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald
Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender a la
música del romanticismo, motivando a la influencia de la misma en una diversidad de obras
musicales a lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las
sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser
mayormente significativo en sus obras para piano y música de cámara.
Su producción incluye los géneros pianísticos (32 sonatas para piano), de cámara (16 cuartetos
de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante
(5 conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y orquestal (9 sinfonías,
oberturas, etc.), así como el ciclo de las Nueve Sinfonías, entre ellas la Tercera Sinfonía, también
llamada Eroica,[2] en mi♭ mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena Sinfonía, en re
menor (cuya música del cuarto movimiento, está basada en la Oda a la Alegría).

4. ANTONIO VIVALDI
• Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor y músico del
Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de la música occidental y de la música universal, su maestría se
refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.
• Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las
cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie
de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento
dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli,
establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista
llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento
según las reglas de la armonía.
• Sin embargo, Las cuatro estaciones son un concierto para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de
acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra.
Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que Bach estudiaría asiduamente
los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto
de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo
que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre
solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se
establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian
entre un pequeño grupo de intrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de
solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto sin embargo fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y
Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar
por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con
soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un
maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones
representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y
ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Mozart y Beethoven,
extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

5. JOHANN SEBASTIAN BACH
•
Johann Sebastian Bach (IPA /joˈhan/ o /ˈjoːhan zeˈbastjan ˈbax/ en alemán) (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de
1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco,
miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores
famosos y muchos intérpretes destacados).
Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del
clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de
renombre.[1]
Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y
del pensamiento musical occidental,[2] epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura
universal,[3] no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la
síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el
último gran maestro del arte del contrapunto,[4] y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración e
influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.[1]
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música
universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor,
la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re
menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo
solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales

6. NICCOLÒ PAGANINI
• Niccolò Paganini, (Génova, 27 de octubre de 1782 – Niza, 27 de mayo de 1840) fue un violinista, violista,
guitarrista y compositor italiano, considerado entre los más famosos virtuosos de su tiempo, reconocido como
uno de los mejores violinistas que hayan existido, con oído absoluto y entonación perfecta, técnicas de arco
expresivas y nuevos usos de técnicas de staccato y pizzicato.[cita requerida]
• Nació en Génova, donde estudió con músicos locales. Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo.
Empezó a estudiar la mandolina con su padre a los cinco años. A los siete años comenzó a tocar el violín. Hizo su
primera aparición pública a los nueve años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece. No
obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín. Tuvo como maestros a Giovanni Servetto y
Alessandro Rolla. Con dieciséis años era ya conocido, pero no digirió bien el éxito y se convirtió en un jugador
que continuamente se emborrachaba. Una dama desconocida lo salvó de esa vida licenciosa para llevarlo a su
villa donde aprendió a tocar la guitarra y el piano.
• En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a 1813
fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En
1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de
quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y
compositor húngaro Franz Liszt, quien fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo
que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto
para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a
las giras en 1834.
• Su salud se fue deteriorando por un cáncer de laringe que le hacía perder la voz a pasos agigantados y el
tratamiento con mercurio que realizaba por recomendación de su médico para tratar la sífilis; murió en Niza el 27
de mayo de 1840.Su imaginativa técnica influyó notablemente en compositores posteriores como Franz Liszt,
Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff, Boris Blacher, Andrew Lloyd Webber, George Rochberg, Witold
Lutosławski

7. VINCENZO SALVATORE CARMELO
FRANCESCO BELLINI
• Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (n. Catania, Reino de las Dos Sicilias, 3 de noviembre de 1801 - †
Puteaux, Francia, 23 de septiembre de 1835). Compositor italiano.Hijo del organista Rosario Bellini, recibió las
primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo, Vincenzo Tobia. Bellini fue un niño prodigio y cuenta
la leyenda que a los dieciocho meses era capaz de cantar un aria de Valentino Fioravanti, que comenzó a
estudiar teoría musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de tocarlo con
soltura. Su primera composición data de cuando tenía seis años.
• Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio de San Sebastián de Nápoles,
donde estudió armonía con Giovanni Furno, contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre
Nicola Zingarelli.
• Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara, un famoso concierto para oboe y sinfónica, pero es la
ópera el género musical que le dio fama. Compuso para virtuosos del bel canto, expresión lírica que exige una
gran precisión y agilidad vocal. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las partes cantadas y recitadas
—arias y recitativos—, manteniendo la tensión dramática.
• El estreno de su primera ópera, Adelson e Salvini, se produjo en 1825. Domenico Barbaja, director del Teatro
de San Carlos de Nápoles y de La Scala de Milán, se interesó por ella, encargándole varias obras
posteriormente.
• Su obra más difundida es Norma, en la que destaca la muy célebre aria Casta Diva, donde se conjuntan la
gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles
para soprano dentro del repertorio. Duranteel siglo XX destacaron en este papel María Callas, que fue la más
famosa Norma del siglo; y Joan Sutherland quien recuperó el carácter puramente belcantista del papel,
enterrado por los excesos veristas de las generaciones de cantantes anteriores.

8. BEDŘICH SMETANA
• Bedřich Smetana (pronunciado [ˈbɛdr̝ɪx ˈsmɛtana]?/i; 2 de marzo de 1824 – 12 de mayo de 1884) fue un compositor checo
pionero en el desarrollo de un estilo musical que quedó íntimamente ligado a las aspiraciones independentistas de su
país. Por ello, se lo reconoce en su país como el padre de la música checa. Internacionalmente es conocido por su ópera
La novia vendida y por el ciclo de poemas sinfónicos Má vlast (‘Mi patria’) que representan la historia, leyendas y paisajes
de la patria natal del compositor.
Smetana poseía un talento natural para el piano y dio su primer recital a los seis años. Tras recibir una educación
convencional en la escuela, estudió música con Josef Proksch en Praga. Escribió su primera composición nacionalista
durante el levantamiento de Praga de 1848, en el que participó por poco tiempo. Ante la imposibilidad de iniciar su
carrera en Praga, se dirigió a Suecia, donde se estableció como profesor y director de coro en Gotemburgo y empezó a
escribir obras orquestales de gran escala. Durante este periodo de su vida, Smetana se casó dos veces y tuvo seis hijos, de
los cuales tres fallecieron durante su infancia.
A principios de la década de 1860 un clima político más liberal en Bohemia alentó a Smetana a regresar
permanentemente a Praga. Se entregó a la vida musical de la ciudad, principalmente como defensor del nuevo género de
la ópera checa. En 1866 sus dos primeras óperas, Los brandenburgueses en Bohemia y La novia vendida, fueron
estrenadas en el nuevo Teatro Provisional de Praga, alcanzando esta última gran popularidad. Ese mismo año, Smetana
llegó a ser el director principal del teatro, pero los años de su dirección estuvieron marcados por la polémica. Las
facciones encargadas de la creación musical de la ciudad consideraban que su identificación con las ideas progresistas de
Franz Liszt y Richard Wagner eran hostiles al desarrollo de un estilo de ópera checa distintivo. Esta oposición interfirió con
su trabajo creativo y pudo haber acelerado la degradación de su salud, precipitando su dimisión del teatro en 1874.
A finales de 1874, a los 50 años de edad, Smetana se volvió completamente sordo, pero, liberado de sus funciones de
teatro y la polémica que causaba, comenzó un período de composición constante que se prolongó durante casi todo el
resto de su vida. Sus contribuciones a la música checa iban siendo cada vez más reconocidas y respetadas, pero un
colapso mental a principios de 1884 condujo a su internamiento en un asilo y su posterior fallecimiento. La reputación de
Smetana como el padre fundador de la música checa se ha fortalecido en su país natal, donde los defensores lo han
convertido en icono por encima de sus contemporáneos y sucesores. Sin embargo, relativamente pocas de las obras de
Smetana se encuentran en el repertorio internacional y la mayoría de los expertos extranjeros tienden a considerar a
Antonín Dvořák como el compositor checo más importante.

9. FRYDERYK FRANCISZEK CHOPIN
• Fryderyk Franciszek Chopin (Szopen)nota 1 (en francés, Frédéric François Chopin,nota 2 Żelazowa Wola, Gran Ducado de
Varsovia, 1 de marzo1 2 o 22 de febreronota 3 de 1810 — París, 17 de octubre de 1849) fue un compository virtuoso
pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del
Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónicahan sido comparadas
históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las deJohann Sebastian Bach,
Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
• Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский) (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 –Nueva York, 6
de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del
siglo XX.
• Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes
musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo.
No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas
abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre
todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu,
1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets
clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos
de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras
para grupos de jazz.
• Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también
escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética
musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma».1 Robert Craft tuvo
varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky2 (Conversaciones
con Stravinski).
• Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del
siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades
más influyentes del siglo XX.

10. KARLHEINZ STOCKHAUSEN
• Karlheinz Stockhausen (Mödrath, 22 de agosto de
1928-Kürten-Kettenberg, 5 de diciembre de 2007)
fue un compositor alemán ampliamente
reconocido como uno de los compositores más
destacados de la música culta del siglo XX.
• Es conocido por sus trabajos de música
contemporánea y sus innovaciones en música
electroacústica, música aleatoria ycomposición
serial.

11. PHILIP MORRIS GLASS
• Philip Morris Glass (Baltimore, 31 de enero de 1937) es un
compositor estadounidense de música minimalista. Asistió
de joven a la escuela de música Juilliard. Es relativamente
conocido, pese a la complejidad de sus propuestas
musicales, desde la aparición de su ópera Einstein on the
Beach.
• Ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves; nueve
sinfonías; dos conciertos para piano y conciertos para violín,
piano, timpani, saxofón y orquesta; ha puesto música a un
viejo film como La bella y la bestia de Jean Cocteau. Trabaja
habitualmente con el Philip Glass Ensemble. Ha colaborado
con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma, Doris Lessing y
Robert Wilson.

12. EDWARD KENNEDY "DUKE"
ELLINGTON
• Edward Kennedy "Duke" Ellington (Washington D.C.,
29 de abril de 1899-Nueva York, 24 de mayo de 1974)
fue uncompositor, director de orquesta y pianista
estadounidense de jazz. Está considerado por la crítica
como uno de los más importantes e influyentes
compositores de jazz de la historia, junto a Louis
Armstrong, John Coltrane, Charlie Parker, y Miles
Davis. Su biógrafo, Derek Jewell, afirma que Ellington
pudo llegar a escribir unas 2000 piezas musicales
durante toda su vida, si bien las que creó en trozos de
papel luego perdidos son incontables, pudiéndose
elevar la estimación total de obras compuestas incluso
hasta 5000 piezas.

13. THE BEATLES
• The Beatles fue una banda de rock inglesa activa durante la década de 1960, y reconocida como la más exitosa comercialmente
y críticamente aclamada en la historia de la música Formada en Liverpool, estuvo constituida desde 1962 por John Lennon
(guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison(guitapopular.rra solista, vocalista) y Ringo Starr
(batería, vocalista). Enraizada en el skiffle y el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó más tarde con distintos
géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando a menudo elementos clásicos, entre
otros, de forma innovadora en sus canciones. La naturaleza de su enorme popularidad, que había emergido primeramente con
la moda de la «Beatlemanía», se transformó al tiempo que sus composiciones se volvieron más sofisticadas. Llegaron a ser
percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de
la década de 1960.
• Con una formación inicial de cinco componentes que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) yPete Best
(batería), la banda construyó su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo sobre un período de tres años a partir de
1960. Sutcliffe abandonó la formación en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos como grupo
profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su representante, y con su potencial musical mejorado por la
creatividad del productor George Martin, lograron éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo,
«Love Me Do». A partir de ahí, fueron adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales
hicieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente a la
grabación en el estudio hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras
independientes. Lennon sería asesinado a las afueras de su casa de Nueva York en 1980, y Harrison fallecería de cáncer en 2001.
McCartney y Starr aún permanecen activos.
• Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club
Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra. Cuatro décadas después de su separación, la música que crearon
continúa siendo popular. Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en
esta posición que cualquier otra agrupación musical.7 De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en
los Estados Unidos que cualquier otro artista.5 En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los artistas más exitosos de
todos los tiempos en el Hot 100 con motivo del 50º aniversario de la lista de éxitos,8 y The Beatles fueron colocados en el
número uno. Fueron galardonados con sietepremios Grammy,9 y recibieron un total de quince premios Ivor Novello de parte de
la British Academy of Songwriters, Composers and Authors.10 En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en
su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos».1 De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de
The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta.11 En 2010, el canal de televisión especializado en música
VH1 los clasificó en el número uno en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos».12También fueron
colocados en el puesto No. 1 por el sitio de Internet Acclaimed Music en su lista «The Top 1000 Artists of All Time»3 y por
Digital Dream Door en su lista «100 Greatest Rock Artists».2

14. Tomado de:
• http://tumelodiacsfj.blogspot.com/p/personajes-
importantes-de-la-musica.html
• http://es.wikipedia.org/wiki

15. INTEGRANTES
• Daisiris Cruz Osorio.
• Liseth Paola Hernández Suárez
• Miguel Angel Tapias.