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Hermanos Van Eyck La fecha de nacimiento de los Van Eyck es desconocida, aunque suele situarse en el último decenio del siglo XIV. Nacieron y se educaron en la época de apogeo del gótico internacional, estilo pictórico muy elegante y refinado, lleno de colorido, con predominio de la línea curva y sinuosa; se trata de un arte de Corte, en el que predomina el arte de los miniaturistas y la difusión del libro iluminado, el Libro de Horas. El centro artístico estaba en París. Todas las obras catalogadas eran encargos de comerciantes, altos funcionarios y clérigos a título particular. Más tarde implantaron un nuevo arte, la pintura flamenca de los Van Eyck, caracterizado por el fuerte realismo. Las características de su arte están ya establecidas: realismo simbólico, es decir, objetos captados de un modo casi retratístico, cotidianos pero llenos de significados religiosos en su mayor parte. Tienen la costumbre de inscribir largos versículos en sus obras religiosas. Escriben en latín, griego y neerlandés. Sus retratos eran demandados por la extraordinaria fidelidad a sus modelos. Otra característica de sus obras es la presencia de la luz, que casi siempre proviene de la izquierda.

Estas obras representan, ambas, retratos, ya sea de una familia o del canciller junto a la Virgen Matrimonio Arnolfini La obra es un fiel reflejo de las características estilísticas de los primitivos flamencos. Sobresalen: la minuciosidad, el deleite en la reproducción de objetos, el naturalismo, la preocupación por la luz y la perspectiva, además de las demás características ya expuestas La virgen del canciller Rolin Es un cuadro religioso pintado al óleo sobre tabla, transparente y luminoso, por ello permite un mejor tratamiento de la perspectiva, del aire y de la luz; al ser más consistente, los objetos se pueden representar con mayor exactitud; y seca más despacio por lo que se puede trabajar con mucho sosiego.

Políptico del cordero místicoÉsta es la obra más importante de Van Eyck y una pintura muy representativa del arte religioso flamenco, intelectual y lleno de símbolos. Es un auténtico tratado de la historia de Adán y Eva y de la Anunciación, También el cordero expuesto en todo el centro. Dominio de la perspectiva aérea y el detallismo y la textura, encaminado a descubrir su carácter transcendente.

Giotto Fue un notable pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se lo considera el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano. Se limitó fundamentalmente a pintar temas religiosos, fue capaz de dotarlos de una apariencia terrenal. El arte de Giotto fue extremadamente innovador y es considerado precursor de la evolución. Las figuras planas y simbólicas del Bizantino dieron lugar a las modeladas e individuales en perspectiva. Consideraban sus pinturas como "milagros del naturalismo”. Carecía de los conocimientos técnicos de anatomía y teoría de la perspectiva de los pintores posteriores, pero si es cierto que, aun así, era superior a sus predecesores. Con sus composiciones de profunda emotividad, es el gran iniciador del espacio tridimensional en Europa. Su estilo se caracteriza por una frescura y una vida inesperadas. Fue capaz de crear impresionantes imágenes de gente bajo presión, personas en crisis y hombres en los que se percibe claramente que están tomando gravísimas decisiones espirituales

Éstas dos obras, dedicadas totalmente a la religión, nombran escenas bíblicas muy importantes. Tanto en una, como en otra, destacan la claridad, el numero de personajes y la importancia de lo terrenal y lo sagrado. En el caso de la Virgen, es una obra que plasma otra obra anterior de su maestro, Cimabue. Son dos obras muy conocidas e importantes, que representan la vida de Jesús. Predomina la línea y las figuras, que llenan los cuadros de espiritualidad. Llanto sobre el Cristo muerto La Madonna de Giotto

Simone Martini Fue uno de los grandes pintores del Trecento en Italia, una figura principal en el desarrollo de la primitiva pintura italiana e influyó fuertemente en el desarrollo del estilo gótico internacional. Se enmarca en la escuela de siena. Fue el más reputado maestro entre los pintores del Trecentoen el dominio del color. Elementos esenciales de su estética son su gusto por la línea y la caligrafía admirable de los miniaturistas. Su estilo se manifestó en el amaneramiento y la estilización de las figuras así como en el uso de los fondos ornamentales dorados y de una gama de color subjetiva que proporcionan una notable expresividad líricaa las composiciones

Su arte es refinado, elegante y rico en arabescos; al mismo tiempo, este pintor muestra también interés por el volumen y la representación del espacio, e intenta reflejar en sus obras los sentimientos humanos con verosimilitud El retablo de la anunciación pintura al temple sobre tabla. Destacan las formas delicadas, el aire lírico, la magnificencia de los vestidos y la belleza de los cuerpos delgadosque aproximan este retablo a la orfebrería gótica o al arte de las miniaturas. Historias de San Martin Conjunto de frescos en la Capilla de San Martín, de la Iglesia inferior de San Francisco en Asís, que muestran la vida de San Martin. Intenta procurar el detalle y los elementos arquitectónicos, además del color.

Fra Angélico Pintor cuatrocentista italiano que supo combinar la vida de fraile dominico con la de pintor consumado. Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. Era poseedor de un raro y perfecto talento y se dice que nunca levantó el pincel sin decir una oración ni pintó el crucifijo sin que las lágrimas resbalaran por sus mejillas. Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento, en Florencia; y aplicó también las teorías sobre la perspectiva. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra

Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento La Virgen de la humildad Localizada en el Museo Thyssen-Bornemisza. Representa a la virgen al cuidado del niño, el cual se sostiene en su regazo de pie. La anunciación Se localiza en el Museo del Prado en Madrid. Caracterizado por la dulzura q transmite, la belleza y las actitudes que sostiene. Recuerda el dorado del gótico en figuras sagradas y minuciosidad en el paisaje. La arquitectura complementa la perspectiva

Botticelli Fue un pintor cuatrocento. Su reputación disminuyó, siendo recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha considerado representativa de la gracia lineal de la pintura del primer Renacimiento, y El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de las obras maestras florentinas más conocidas. Botticelli realizó más de 150 obras. Pintó numerosas obras religiosas, así como grandes composiciones profanas, mitológicas. También ha pintado varios retratos de sus mecenas, que no cuentan con la belleza, la mística, la luminosidad y el espíritu de sus otras composiciones. Influenciado por el estilo neoplatónico. Sus composiciones son dinámicas y con gran dominio del dibujo, además trata temas mitológicos, con una suave sensualidad.

Aquí hallamos dos obras importantes en la vida del autor, pintadas como diferentes etapas del año, las cuales se representan tanto mítica como religiosamente. Podemos observar que utiliza mucho el color vivo, además de simbolizar el cielo y la tierra. Es muy importante en ellos el paisaje, los cuales trata de manera muy detallada. Mística Navidad Única obra firmada y fechada por Botticelli, de devoción privada, o para alguien cercano a él. Poco convencional, y no representa simplemente los acontecimientos tradicionales del nacimiento de Jesucristo, más bien es una visión de estos acontecimientos inspirados por las profecías del Apocalipsis. La primavera realizado al temple sobre tabla. Es una obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una atmósfera de fábula mitológicaen la que se celebra una especie de rito pagano. Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito pagano de primavera.

El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.

Leonardo da Vinci Pintor florentino y artista variado, no solo se dedico a la pintura. Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva. Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existido. Consigue dominar la profundidad de un modo natural, sin ejercicios forzados. Busca equilibrio por medio de la composición triangular. También es capaz de captar el ambiente, a través del “sfumato”, técnica que envuelve todo el espacio en una neblina y abandona la definición de los contornos.

A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó como científico e inventor en los últimos años, su fama ha descansado sobre sus creaciones como pintor de varias obras, autentificadas o que se le atribuyen, y que han sido consideradas como grandes obras maestras del patrimonio universal. La Gioconda También conocido como La Mona Lisa, Es un óleo sobre tabla de álamo, retocado varias veces por el autor. La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada (el sfumato) o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean. La virgen de las Rocas Nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vincipintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre tabla. es el primer documento relativo a La Virgen de las Rocas. La obra debía celebrar la Inmaculada Concepción

Sus pinturas son célebres. Por un lado, han sido copiadas e imitadas por los estudiantes, y por otro han sido el centro de debate y controversia entre los especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas pictóricas innovadoras que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de colores, el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la geología, la utilización que hacía de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales. Dominaba sobre todo la técnica del «sfumato» y la combinación de sombras y lucesEsta obra, titulada “La ultima cena” es una pintura mural original de Leonardo da Vinci, se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en Milán (Italia).La pintura fue elaborada, para su patrón, el duquede Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Para muchos expertos e historiadoresdel arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo.

Rafael Sanzio Durante la etapa del cuatrocento. Hijo de un pintor y criado entre artistas, a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Llegó a tener un taller con cincuenta pupilos y ayudantes. A lo largo de su vida realizó varios retratos donde mostró una gran medida de gracia y armonía. Las Madonne y los Bambini llenos de belleza tanto en sus retratos como en sus pinturas. En la "Última elegancia fueron un tema recurrente Cena" dio un gran protagonismo a la figura de los apóstoles. De igual manera realizó retratos de grandes personajes. Muchos de ellos se encuentran hoy dispersos en los museos y galerías de Europa. Con la muerte de Rafael, el arte clásico (el Alto Renacimiento) se hundió. Sin embargo, pronto fue considerado como modelo ideal para aquellos que detestaban los excesos del manierismo. Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se han convertido “joya”. Se le considera uno de los dibujantes más usó ampliamente el dibujo para planear finos en la historia del arte occidental y uno de los que sus composiciones. Cuando estaba satisfecho con una composición a menudo la trasladaba a cartón a escala real, que posteriormente perforaba con un punzón, dejando agujeros por donde dejaba pasar un poco de hollín, de modo que quedaban líneas en la superficie final como guía. También hizo un uso exhaustivo y poco habitual, tanto en papel como en yeso, de una «aguja ciega», marcando líneas que dejaban sólo una hendidura, pero ninguna marca. La mayor parte de sus dibujos son bastante detallados.

Cuidadosamente hechos, tienen un alto nivel de acabado, con sombreados y, a veces, zonas iluminadas en blanco. Carecían de la libertad y energía, pero siempre muy satisfactorios desde el punto de vista estético. Fue uno de los últimos artistas en utilizar de manera habitual un dispositivo metálico, aunque también supo hacer un soberbio uso de la técnica más libre del carbón rojo o negro.Fue uno de los primeros artistas en usar modelos femeninos para dibujos preparatorios, aunque cabe mencionar que habitualmente se usaban hombres para estudio de ambos sexos Escuela de Atenas Es una de las pinturas más famosas del artista Rafael Sanzio. Fue pintada como parte de una comisión para decorar con frescoslas habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Vaticano. La escuela de Atenas fue la segunda pintura en ser finalizada, tras La disputa del Sacramento. La virgen de la pradera Otra de las obras mas destacadas de Rafael, con la presencia de la virgen, acompañada de dos niños con simbología religiosa, los cuales están a su cuidado

Miguel Ángel Escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Se le considera la figura mas genial del periodo. Evoluciona desde el sentido de la medida y la claridad clásica renacentista hacia el dramatismo de una intercepción particular, con movimiento en sus figuras. El movimiento se hizo cada vez mas complejo y alcanzo su culmen en las pinturas de la Capilla Sixtina, con un inmenso repertorio de actitudes. El desnudo y la exageración anatómica se incrementaron en su pintura con el paso del tiempo

Santo entierro Una de las primeras pinturas atribuidas a Miguel Ángel. El Santo Entierro se trata de una tabla al temple inacabada, se encuentra en la National Gallery de Londres. Esta tabla, que durante muchos años se ha dudado si pertenecía a Miguel Ángel, finalmente se ha reconocido como obra suya.Las figuras de Cristo y san Juan son las que muestran más fuerza, y su composición es soberbia; la figura de José de Arimatea, situada detrás de Jesucristo se puede observar un curioso parecido con la de san José del Tondo Doni El Tondo Doni Conocido también como La Sagrada Familia, se encuentra hoy en la Galería Uffizi, Florencia. Esta pintura al temple, la pintó para AgnoloDoni, como regalo de bodas a su esposa Maddalena Strozzi. En primer plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado; llaman la atención las imágenes tratadas como esculturas dentro de una disposición circular y con una composición en forma piramidal de las figuras principales

Entre marzo y abril el artista recibió de Julio II, el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en Mayo aceptó y concluyó los frescos. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblicogeneral de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos, junto con doce profetasy las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del Renacimiento. Empezó el trabajo rechazando la colaboración de pintores expertos en frescos; también hizo quitar los andamios que había colocado Bramante y puso unos nuevos diseñados por él. Mientras trabajaba en su primer fresco, tuvo problemas con la pintura, la humedad alteró los colores y el dibujo, tuvo que recurrir a Giuliano da Sangallo para su solución y volver a empezar; Miguel Ángel aprendió a fuerza de sufrimiento la técnica del fresco. La superficie pintada en un día; la escena de La Creación de Adán, una de las más espectaculares de la bóveda, se realizó en dieciséis días. El artista también estuvo bajo la tensión de las continuas discusiones con el papa, las prisas por acabar la pintura y los pagos que no recibía. Finalmente, la gran obra de la pintura de la bóveda se presentó públicamente.

Tiziano Fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la Escuela veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos, paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Si hubiese fallecido a los cuarenta años, seguiría considerándosele el artista más influyente de su época. Sin embargo, tuvo una larga y dilatada carrera, y su obra atravesó muchas y diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de las posteriores hayan salido de la misma mano. En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.

Su conjunto de pintura de temática religiosa sería suficiente por sí misma para extender la fama de buen pintor. La Asunción de los Frari, por ejemplo, terminada sobre los treinta años del autor, supone una auténtica obra maestra en la que aporta la novedad de unir sus tres diferentes planos compositivos mediante una luz muy viva, con la que además dota de mayor dramatismo a la escena

Venecia como ciudad surge después de la caída del Imperio romano, por lo que carece de ruinas y pasado "clásico". Así que las fuentes de los pintores venecianos siempre fueron los textos literarios y en ellos se inspiró Tiziano para sus escenas mitológicas. La pintura de corte clásico con escenas mitológicas o bucólicas son parte importante del conjunto de su obra y se encuentran presentes desde el inicio de su carrera. Fue, entonces, el momento de sus grandes obras mitológicas por encargo de Alfonso I de Este para la decoración de la llamada Cámara de alabastro de su castillo de Ferrara

Como retratista, Tiziano alcanzó fama ya en su juventud. Este género pictórico, al que dedicó la mayor parte de su producción, fue el que le abrió las puertas de la aristocracia europea. Según un crítico muy severo, son mas de cien los retratos de Tiziano que han llegado a nuestros días. Otros tantos le han sido atribuidos por los historiadores, a los que hay que añadir los treinta y cinco de que nos hablan los testimonios documentales y que se han perdido. Vasari, que no era demasiado adepto al arte veneciano, le consideraba un "excelentísimo pintor en esta parte (del arte)"

El Greco Pintor del final del Renacimiento español que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores (él siempre se consideró parte de la escuela veneciana); por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma. Su obra la componen grandes lienzos para retablosde iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas, en los que a menudo participó su taller; y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

Parte de la pintura tradicional griega, que toma la profundidad religiosa y simbólica. De Venecia coge el gusto por el color, la pincelada pastosa, los fondos escenográficos y la anécdota. De Roma, el desnudo y las formas helicoidales, nerviosas y hasta deformes del manierismo. Cada vez lo hacia todo mas abstracto, interpretando el color y las formas con libertad. El Expolio Es un cuadro pintado para la Sacristía de la Catedral de Toledo. Es un Óleo sobre lienzo, que aun se conserva. Se considera el cuadro más poético y de expresión más elevada del artista, suponiendo un momento cumbre de su producción. La muerte del Laocoonte y sus hijos De carácter religioso y muy demandada, con retratos, paisajes y composiciones mitológicas. Cuenta la historia de un sacerdote llamado Laooconte.

El entierro del conde OrdazPintura sobre lienzo, que representa la muerte de un conde. Se tiene en cuenta su interpretación personal de los temas. Fue un encargo privado. Tiene una composición clasica, con proporción y simetría. Se distinguen dos partes: la terrenal y la celestial; donde se desarrolla el suceso y donde se hallan los personajes sagrados. San Agustín y San Esteban sostienen el cadáver del conde. Expresa la perfección pictórica, además de la ropa y armadura de la época. El color y las luces son intensas, con sentimiento y fantásticas.

Rubens Fue el pintor barroco más popular de la escuela flamenca. Su destacado estilo enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Trató toda clase de temas pictóricos, religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, retratos, así como ilustraciones para libros y diseños para tapicerías. Rubens dominaba diversas lenguas y llegó a ejercer como diplomático entre distintas cortes europeas. Las pinturas del taller de Rubens se han clasificado en tres categorías: las pintadas por el mismo Rubens, aquellas en las que sólo algunas partes (principalmente, manos y rostros) se deben al maestro y, por último, aquellas que simplemente supervisó.

Las tres gracias El análisis del grupo de las tres mujeres es totalmente simétrico y adaptado al modelo clásico, en cuanto a la composición. La escena ocurre en el exterior, el tratado es el desnudo, con movimiento y dinamismo El juicio de Paris Recoge un tema mitológico. El joven Paris debe valorar quien es la mas hermosa de las Diosas, provocando una guerra entre distintas regiones.

Rembrandt Pintor y grabador holandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda. Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa, el considerado momento álgido de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política. Habiendo alcanzado el éxito en la juventud, sus últimos años estuvieron marcados por la tragedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas, y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores holandeses. Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorretratos, especialmente, encontramos siempre la mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía. Rembrandt tenía un profundo conocimiento de la iconografía clásica, y en sus pinturas y grabados solía interpretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia

A lo largo de su carrera, Rembrandt haría suyos los géneros del retrato, el paisaje y la pintura narrativa. Por esta última sería especialmente ensalzado por sus contemporáneos, que le consideraban un maestro en la interpretación de pasajes bíblicos por su profundidad emocional y su cuidado de los detalles. Estilísticamente, su pintura evolucionó de la suavidad de sus principios (caracterizada por una excelente técnica de representación ilusionistade formas) a un tratamiento posterior, más "áspero", que invocaba las cualidades del objeto mediante la calidad táctil con que figuraba en la pintura. En cuanto al grabado, podría hablarse de un desarrollo similar. En las obras ejecutadas en su madurez, especialmente a partir de finales de la década de 1640, la libertad y el aliento de sus dibujos encontrarían expresión también en los medios impresos. En estas obras se combinan tema y técnica de tal modo que en ocasiones, una gran superficie vacía puede sugerir un espacio, mientras que en otras una compleja trama de líneas articula el volumen de formas en penumbra. Normalmente de carácter colectivo.

Velázquez Pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea. En su madurez, pintó grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas. Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente

A lo largo de su vida a cambiado mucho su estilo como pintor, por lo que no se puede decir exactamente sus características personales. Estos son varios ejemplos: Las lanzas Gran acontecimiento histórico que representa la victoria del ejercito español, las cuales decoraban los salones mas representativos de los palacios. En el se plasma la entrega de las llaves de la ciudad de Breda Vieja friendo huevos Destaca por sus cualidades tenebristas, altos contrastes de luces y sombras; a la par que hace uso de tonalidades clásicas y tenues mostrando un claro predominio de tonalidades ocres y pardas. Patente del virtuosismo del autor, es el detalle con que plasma las naturalezas muertas, las manos de la vieja, incluso los objetos en escorzo. La escena de organización oval, en la que aparecen medias figuras en planos muy próximos, introduce al espectador en la acción congelada

Este cuadro, bastante famoso de Velázquez, representa varias escenas: la primera, visto en primer plano, momento en la historia de unas mujeres trabajando con los hilos; la segunda, a fondo, un plano mitológico, la historia o fabula de Aracne. Destaca la iluminación, el colorido, la penumbra, el retrato, la línea, etc.

Goya Pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo. Su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX. Además fue un estupendo retratista y compuso muchas obras religiosas.

La familia de Carlos IVObra colectica encargada por el rey, de toda su familia reunida en una misma sala. Aparecen en traje de corte, con lujosos vestidos, como en una ceremonia. Este lujo contrasta con la sencillez de la presentación y del escenario. Las figuras se disponen alineadas, en una composición clasicista, ante una pared al fondo, evitando una perspectiva profunda. La luz crea el espacio, resaltando los personajes principales y dejando algunas áreas del cuadro en penumbra. Se observa al propio pintor en el cuadro, como en un autorretrato. La técnica con la que trabajo fue, principalmente, con la luz y el color, resaltando sus pinceladas las texturas y transparencias de los materiales, y destacando los brillos

El tres de Mayo de 1808Obra propuesta por Luis de Borbón, que representa los fusilamientos de la Moncloa. Trabaja con pinceladas largas y fluidas una escena de dramatismo, que fue un hecho real: el fusilamiento de los protagonistas del levantamiento del ejercito francés. La composición y la luz concentran la atención del espectador sobre las figuras de los que van a ser fusilados, y especialmente sobre el hombre de la camisa blanca. Los condenados están individualizados por la acción y presentan distintas actitudes ante la muerte (desesperación, tristeza, etc.) El farol situado en el suelo ilumina la escena y esta oculto por la masa de soldados. Tras la escena un paisaje sumario, simplificado, característico de Goya. La superficie del cuadro es el cielo negro, que crea con espacio iluminado un nuevo contraste. Las contraposiciones de luz y oscuridad, y de individuo y masa anónima, refuerzan el dramatismo visual de la representación, con rasgos cercanos al romanticismo.

Delacroix Pintor francés, recordado por ser uno de quienes dieron paso del neoclasicismo al realismo. Realizo una obra extensa, con temas característicos del romanticismo: asuntos de la libertad y escenas orientales. Elige los momentos de máxima tensión y refuerza la expresión con un gran dominio del color. En su obra destaca su interés por los aspectos puramente plásticos y formales de la pintura, aunque nunca abandono el carácter narrativo.

El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de París levantó barricadas. representa a la Libertad como guía que conduce al pueblo. El espectador sólo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por ella. Hay una estructura en forma de pirámide con los muertos por la libertad en la base y la libertad en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la mano izquierda un rifle. El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensión y el movimiento añadió contrastes complementarios junto a la oposición de los claroscuros. El color para Delacroix no solo tenía un valor de representación, sino sobre todo un significado emocional propio, con el que el pintor intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la disposición de ánimo de las personas. De fondo se ve el cielo de París tormentoso (otra característica romántica). Se utilizan colores pálidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco de la bandera. La composición del cuadro es claramente piramidal.

No es esta Muerte de Sardanápalo un lienzo perfilado. La pintura yuxtapuesta de los rayos de color que representan una forma únicamente cuando retrocedemos. El color domina, la luminosidad es brillante. Delacroix utiliza preferentemente colores cálidos, en particular pigmentos castaños y rojos; de ellos surgen, poco a poco, colores más claros como el blanco de las telas, de la túnica o de la piel del caballo, y los amarillos y anaranjados de los cuerpos de las mujeres.Sobre un gran lecho está dispuesto Sardanápalo, impasible. A su alrededor, se arremolinan personas, animales y objetos, en una composición abigarrada en torno a distintos ejes que se entrecruzan.Era su primera composición en diagonal. La luz marca una diagonal que va desde el monarca asirio, arriba en lo alto, hasta el hombre que está dando muerte a una mujer, abajo a la derecha, que pasa por la figura de una joven muerta y un hombre agonizante, ambos cuerpos blancos sobre el lecho de intenso color rojo. A los pies del lecho y delante de la figura de la mujer que va a ser asesinada, aparece una esclava circasiana, cuya piel es más oscura que el resto de los personajes.Rechaza los clásico: estas no son más que las formas y los sujetos que el artista pone en valor, además de la intensidad de los colores, de los contrastes y de la luz

Manet Manet se inicia en la pintura con uno de los pintores academicistas más notables de la cultura, que le inculca el amor por los clásicos y sobre todo por la pintura veneciana. Pese a ello no trabajará siguiendo las normas más estrictas y en su obra inicial se aprecia que siente la misma necesidad que Courbet y los pintores realistas de la contemporaneidad en su obra. Ya antes de su visita a España en 1865 estaba seducido por el "exotismo tópico" de tema español ("españoladas"), como podemos ver en Lola de Valencia o el Torero muerto. Mucha mayora atracción sentirá por España cuando conozca en el museo del Prado de primera mano la pintura de Velázquez y de Goya. Manet es un pintor difícil de clasificar porque es capaz de evolucionar a fórmulas artísticas muy distintas, como lo demuestra el cambio tan radical que sufre su paleta, su pincel y sus temas al conocer a los jóvenes pintores impresionistas a partir de los años 70. Aunque en su obra siempre se aprecia un eclecticismo capaz de unir todo un universo de influencias: por un lado, Tiziano, Giorgione, Velázquez, Goya y Courbet ; y, por otro, las técnicas de los jóvenes pintores. El escándalo que protagoniza en 1863 al presentar al Salón El almuerzo sobre la hierba, donde aparece un desnudo femenino con hombres vestidos a la manera coetánea, va a resultar vital para el cambio en su carrera pictórica. Las críticas serán mayores en 1865 cuando presente Olimpia, desnudo de una prostituta parisina. Su rebeldía le convierte en ídolo de todos los pintores no academicistas, pese a que él mantenga la esperanza de ser admitido oficialmente en la Academia. Esta es la razón por la que nunca llegó a exponer junto a los demás impresionistas, ni siquiera cuando su obra ya se había impregnado del nuevo estilo.

El almuerzo sobre la hierba es un cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1863. Es un cuadro al óleo. Se exhibe en el Museo de Orsay de París, Francia. Al principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La Partie carrée. En español, también se ha traducido como La merienda campestre o, también, Almuerzo campestre.La yuxtaposición de un desnudo femenino con caballeros completamente vestidos suscitó controversia cuando la obra se mostró por vez primera en el Salón des Refusés en 1863, después de ser rechazado por el Salón oficial. Fue el lienzo «más irritante y controvertido» de esa exposición de obras rechazadas. Aparte de considerar vulgar el que una mujer estuviera desnuda junto a jóvenes vestidos, numerosos críticos rechazaron la modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo. Almuerzo

Olympia, cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1863. Esta célebre obra fue realizada por Manet para presentarla en el Salón des Refusés (Salón de los Rechazados). En 1865, se expuso en el Salón de París, en donde causó un gran escándalo, ya que aunque el público y la crítica aceptaban los desnudos en obras mitológicas, no era así cuando se trataba de un desnudo realista.Explícitamente inspirada en las Venus de Urbino del Tiziano, sin embargo el personaje central resulta ser evidentemente una prostituta parisina. En lugar de las doncellas que acompañaban a los desnudos del Cinquecento, entra en escena llevando un ramo de flores una mujer negra, cuyo rostro, casi imperceptible sobre el fondo oscuro, contrasta con los tonos claros de su vestimenta oriental. Por otra parte las carnaduras de la mujer desnuda que mira directa y provocadoramente a los espectadores con contrastadas junto a las sábanas y las almohadas por el fondo oscuro, resaltando la atmósfera de íntima sensualidad. En lugar del cándido perrito arrollado que se encuentra en la Venus de Urbino, a los pies de Olympia encontramos un despierto gato negro que simboliza a menudo la ambigüedad y la inquietud, estando implicado en relaciones o situaciones promiscuas o veladamente eróticas. Este felino negro impresionó tanto al público que durante años Manet sería recordado aún como «El pintor de los gatos». Otros elementos simbólicos notorios: el brazalete que lleva la mujer desnuda pertenecía a la madre de Manet, el ramo de flores era un típico regalo que los clientes ofrecían a las meretrices de clase alta. La orquídea entre los cabellos es también una referencia al sexo ya que se creía que tal flor poseía poderes afrodisíacos (de hecho el nombre de la orquídea tiene etimología sexual). Por otra parte Olympia calza una sola pantufla, esto en las pinturas alegóricas ha sido usado como símbolo de la inocencia perdida, además cabe notar que la orquídea, el brazalete y la pantufla con taco (por lo cual parece casi un zueco) cumplen la función sexual de fetiche.

Renoir Pierre Auguste Renoir, es uno de los más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes. El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él. El impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, en pinturas creadas directamente "in situ", no elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces. En parte por la necesidad de abreviar la ejecución, se recurre a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los formatos monumentales típicos de la pintura académica. Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del rococó. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial.

Baile en el Moulin de la GaletteObra muy conocida del pintor Renoir, en la muestra sus características habituales: paisajes al aire libre, pincelada suelta y vigorosa, principales efectos lumínicos y mayor atracción en figuras, orientándose en un impresionismo costumbrista. Gran variedad de personajes en el cuadro, ya sean tomando algo, bailando o tocando música. Conmemora un baile en una fiesta. El centro del cuadro se halla en la mujer asomada a los hombros de la sentada justo al centro de cuadro, se logra saber gracias a dos líneas entrelazadas que van de esquina a esquina del cuadro. Es una obra muy compuesta y equilibrada que no pudo pintarse directamente al aire libre.

Monet Fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se le adjudica el estilo impresionista. Tenía barba como de cabra. Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el mercader de arte Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la "serie" en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Impresión: sol naciente Representa de buena manera los ideales estéticos del grupo en el momento de su presentación publica. El disco rojo del amanecer proyecta sobre el agua unas intensas pinceladas de color naranja. Apenas se intuye el lugar del horizonte: el cielo y el agua se han fundido en una tonalidad única, violácea, interrumpida por las pinceladas que se trazan siluetas oscuras en las barcas. Parece un simple recuerdo visual, por ello da la impresión Ninfeas Se desarrollo en un momento en que causaban furor las vanguardias artísticas radicales, incluyendo la abstracción. Grandes lienzos de serie formando un circulo dentro del cual estaría el espectador, como un panorama pictórico. Seguía sin conseguir el abstracto, pues se ve flotando en el agua de su jardín, pero la disolución de formas era casi idéntica. Una iluminación y vibración impregna todo. Parece deslumbrar.

Cézanne Pintor francés pos impresionista, considerado el padre del arte moderno, cuya obra estableció las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación. Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Son muy características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada. Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente.La obra de madurez de Cézanne muestra el desarrollo de un nuevo estilo de pintura casi arquitectónica. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal. Tuvo varias etapas en su vida que le caracterizan

El periodo oscuro, París, 1861-1870Se trata de un periodo caracterizado por colores oscuros y un intenso uso del negro, con pigmentos espesos, muy empastado. Su obra difiere grandemente de sus anteriores acuarelas y esbozos de la École Spéciale de dessin de Aix-en-Provence en 1859, o de sus obras posteriores. A menudo se usan para estas obras los términos antisocial o violento, o también eróticas o macabras. Su temática es la figura en el paisaje y comprende muchas pinturas de grupos de figuras grandes y pesadas en el paisaje, pintadas imaginativamente

Periodo impresionista, Provenza y París, 1870-1878Cuando Cézanne marchó a L'Estaque en 1870, cambió sus temas para dedicarse principalmente al paisaje. Al instalarse en 1872, en Auvers (Val-d'Oise), comenzó su estrecha relación de trabajo con Pissarro, quien vivía en la cercana Pontoise. Junto con Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre (en plein air) de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. Sus lienzos se hicieron mucho más brillantes, con colores claros, eligiendo los colores primarios y sus complementarios, además de forzarle a observar atentamente la realidad. Su tema favorito son paisajes. Trabajó a partir de la observación directa y gradualmente desarrolló un estilo de pintura aéreo y ligero.

Periodo de madurez, Provenza, 1878-1890Cuando Cézanne fijó su residencia definitivamente en Provenza, a principios de los años 1880, se independizó de los impresionistas, centrados en París, y demostró su preferencia por el sur, su país natal y su paisaje. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las décadas de 1880 y 1890. El hermano de Hortense tenía una casa desde la que se veía la montaña Sainte-Victoire en Estaque. Una serie de pinturas de esta montaña de 1880-1883 y otras de Gardanne de 1885-1888, a veces son conocidas como el «Periodo constructivo». De 1888 a 1890 se interesó por la figura humana, pintando una serie de cuadros con personajes de la Comedia del arte, pasando, a partir de 1890, a otra serie sobre Jugadores de cartas, posiblemente inspirado por la obra sobre el mismo tema de Louis Le Nain

Periodo final, Provenza, 1890-1905En 1895 hizo una visita germinal a las canteras de Bibémus y ascendió la montaña Sainte-Victoire. El paisaje laberíntico de las canteras debieron impresionarle particularmente, pues alquiló una cabaña allí en 1897. Se cree que estas formas inspiraron el estilo cubista en embrión. Cézanne se concentró en unos pocos géneros, en los que era hábil por igual: bodegones, retratos (y autorretratos), paisajes y estudios de bañistas (desnudos en el paisaje). Respecto al último, Cézanne se vio obligado a dibujar a partir de su imaginación, debido a la falta de modelos desnudos disponibles. Como sus paisajes, sus retratos se pintaban a partir de lo que era familiar, de manera que no sólo su esposa e hijo, sino también campesinos locales, niños, y su marchante, sirvieron de modelos.Cézanne continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, pero fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de modelar el claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo (modular) que se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista, "paralelo a la naturaleza". Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas.

Van Gogh Pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fovistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen. Por medio de numerosas reproducciones muchas de sus obras son muy conocidas y se encuentran profundamente enraizadas en la consciencia artística general y mantienen su actualidad en todo el mundo.

En el autorretrato de Van Gogh, el artista estaba recuperándose de una crisis mental que pose, aunque aparezca de manera equilibrada y con buen atuendo, cosa que sugiere su recuperación. Lo armonizo con un fondo empleado en tono uniforme de azules y malvas. Pero las pinceladas son espesas y forman remolinos injustificados, inconscientemente tormentos del creador. Mas o menos podemos apreciar el mismo rasgo inquietante en “La noche estrellada”. Parece haber una alegoría de la muerte y del destino del alma hacia los astros. La luna y las estrellas son presas de la agitación. Los cipreses parecen alzarse como si fueran llamas desprendiéndose de la tierra. Parece que auto expresa el pensamiento del autor.

Mirón Griego clásico que no recurre a lo sobrenatural. Cree en el mundo armonioso y en el hombre con orden y felicidad. Es un escultor beocio, estudia el movimiento, algo que los griegos temen porque cambia las cosas y las desordena, pero éste busca su orden y halla una postura en la que la figura, parada, resume su trayectoria de su movimiento. Así refleja algo real del mundo sin sacrificar un ideal

Discóbolo de MirónLa actual solo es una copia romana en mármol de la original en bronce. Se sitúa en el museo de las Termas de Roma, Es una de las obras mas reproducidas de la Antigüedad y descrita en muchos textos literarios. La forma un atleta justo en el momento de lanzar el disco. La postura no es forzada sino armoniosa. Mirón encuentra un momento de orden en medio del movimiento, cuando el atleta ha terminado de girar y ha concluido su movimiento y gana gran impulso y se dispone a lanzar el disco. Nos muestra al discóbolo parado en equilibrio, perfectamente colocado

Policleto Fue un teórico que en su obra, el Canon (hoy perdida), busca la armonía en la proporción y la simetría. Cree que en todas las cosas grandes y pequeñas y, sobre todo, en el cuerpo humano hay un orden que consiste en una relación adecuada ente las partes y el conjunto. En sus esculturas del hombre adulto establece que la longitud total del cuerpo debe ser siete veces la de la cabeza. Así, trata de hallar la naturaleza ideal del ser humano

El doríforoTambién conocido como el portador de la lanza o el Canon, por su plasmación teórica de la belleza. La altura total de la figura equivale a siete veces la longitud de la cabeza. El peso cae en una pierna, y el sentido de la marcha se contrapone a la dirección de la mirada, así rompe con el frontalismo, pero conserva cierto estatismo. No se interesa por la expresión de sentimiento ni por virtuosismo. Está en la línea de los kouroi arcaicos. Mantenía la austeridad de los valores dóricos. Estos demuestran que en la representación del cuerpo humano se pueden encarnar lo mas elevados ideales, en este caso matemáticamente

Representa algo intemporal: un atleta que se ata una cinta en la cabeza, apenas una excusa para hacer un estudio de proporciones, interés primordial del autor. Es perfectamente medida, con longitud total de siete cabezas, que rompe la rigidez de postura arcaica, con forma de equis (dobla la pierna izquierda y se inclina hacia la derecha) y abandona la geometrización en la anatomía y el modelo del cuerpo. Define una figura solida, perfecta herencia del tipo kouros y del ideal de atleta argivo; pero las innovaciones en la postura aportan a su escultura una flexibilidad nueva, en la que naturalidad y norma se equilibran

Pratxiteles Intenta captar la capacidad de sentir, percibir la belleza a través de los sentidos. Trabajaba con el mármol para que pareciera carne viva y para que el espectador se recrease en su verismo y su belleza; con el cuerpo inclinado y la expresión ensoñada y melancólica, da una visión completamente humana de los dioses, que enternecen o conmueven mas que impresionan. Representa a dioses sin solemnidad, casi con simpatía, de modo que el significado violento que dan sus temas queden en segundo lugar

Afrodita de CnidoObra bastante famosa que tubo una enorme influencia en el arte griego y romano posterior. La diosa del amor sale de las aguas del mar, de cuya espuma nació según el mito más conocido. Estuvo al aire libre dentro de un templo o patio circular para ser contemplada desde todos los puntos de vista. La admiración y el deseo, no siempre honestos, hacer ver un gran atractivo claramente erótico, pero no vulgar. Aparece ensimismada, algo ausente, con postura lánguida con sensualidad. No eran frecuentes los desnudos femeninos por esta época

Hermes con DionisoLa escultura recoge el momento en el que Hermes y Dioniso descansan en su viaje a Nisa. Las ninfas cuidaran de ambos. El pequeño se inclina formando una curva bastante acusada (curva pratxiteliana) en un gesto de cierto abandono. Para mantener equilibrio, se introduce un elemento de paisaje, cubierto por un manto. Las figuras forman un espacio en que se establece cierta complicidad. Los rasgos resultan difuminados, con suavidad y cierto andrógino. Dan una visión encantadora. Expresa la sensualidad y la humanidad que solicitan las divinidades

Lisipo Era, sobre todo, técnico y no se interesaba por los sentimientos, sino que intentaba mejorar la proporción de Policleto, para que las figuras proporcionadas parecieran alargadas a siente cabezas y media de altura total. Le importaba mas el punto de vista del espectador que la forma abstracta de la imagen; precisamente para implicar al espectador que la forma abstracta de la imagen; precisamente para implicar al espectador introdujo una segunda novedad: hizo que las figuras invadieran su espacio, no posando para el, sino avanzando brazos y piernas, girando el cuerpo, para que se viera obligado a buscar un punto de vista y a moverse alrededor de la imagen

ApoxiomenosAtleta que se retira la grasa del cuerpo después del ejercicio con ayuda de un utensilio curvado. No se conserva el original de bronce, esta copia es de mármol. Esta de pie pero no firmemente plantada, con ligera inclinación y un pie despegado del suelo, ágil y en movimiento. Tiene un canon largo, media cabeza mas de longitud total en el cuerpo, para parecer mayor. Crea varios puntos de vista diferentes y desarrolla las tres dimensiones. Esta obra completo la perdida de frontalidad, ya que invade el espacio del espectador y llama su atención sin necesidad de mirar fijamente. Composición en espiral del helenismo

Donatello fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con León Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado». insistió en que su trabajo era más similar a los artistas romanos que a cualquier otro maestro inmediatamente precedente. Donatello desarrolló innovaciones que revolucionaron la técnica del relieve. Se trata del relieve en stiacciato, que se basa en el aplanado y el espesor en una variación infinitesimal, que recuerda la obra gráfica. A través de sutiles juegos de luz y sombra las figuras podían estar organizadas en una ilusión de profundidad, donde los grupos de figuras, el paisaje y los elementos arquitectónicos se superponen una detrás de otra en innumerables superposiciones, imposible con las técnicas tradicionales.

Donatello interpretó este tema bíblico (tomado del Primer libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, fue el primer desnudo integral, de bulto redondo, que apareció en la escultura renacentista. Se trata de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza de las líneas compositivas generales. Se relata la victoria de David sobre Goliat, un gigante filisteo. Donatello muestra un David adolescente, desnudo, con el pie sobre la cabeza de Goliat, que acaba de cortar con la propia espada de su enemigo y que David aún la sujeta en su mano derecha. Con la otra mano sostiene la piedra con la que hirió a Goliat. Tiene la expresión serena y cubre su cabeza con sombrero de paja típico de la Toscana del que caen las guedejas del pelo; lleva también una corona de hojas de amaranto, en clara alusión al heroísmo griego, y sus pies están calzados con unas botas. En la cabeza de Goliat se encuentra un yelmo trabajado al detalle con relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados «in candelieri»), y donde está representado un bajorrelieve de una carroza halada por Putti

Cellini Nació en Florencia, Italia. Gran escultor y orfebre de estilo manierista. Junto al destacado Giambologna, fueron herederos artísticos de Miguel Ángel, a fines del Renacimiento. Cellini ocupa un sitial destacado en la historia de la escultura por la excelencia y perfeccionismo de sus obras, las que han servido de ejemplo para los escultores clásicos posteriores a él. Trabajó en Roma, durante el pontificado de Clemente VII y de Pablo III. Posteriormente, el rey Francisco I de Francia lo reclutó para el desarrollo de las artes en su país. Cellini residió en Paris durante tres años y allí creó sus obras más destacadas. En esa época se pensaba que después de Miguel Ángel no existiría nadie que lo superara. Sin embargo, aunque no alcanzó la misma fama, Cellini demuestra en sus esculpidos que gozaba de tanta habilidad como su célebre maestro.

Expuesta en la Loggia dei Lanzi, la escultura representa a Perseo de pie sobre el cuerpo de Medusa; apenas la acaba de decapitar con la espada que empuña con la mano derecha, mientras que con la mano izquierda sostiene triunfante la cabeza del monstruo tomada por su cabellera.Erigida sobre un alto pedestal decorado con estatuas de bronce de fina hechura (copias de originales conservados en Bargello) fue concebida de manera de mirar hacia abajo al espectador. Junto con el grupo del Rapto de las Sabinas, de Giambologna, es la única estatua conservada en la Logge dell'Orcagna que fue concebida especialmente para dicho sitio. En la nuca de la estatua, en posición extremadamente rara, se puede observar un autorretrato doloroso de Cellini. El pedestal, reemplazado en el siglo XX por una copia, es en sí mismo una gran obra: en el refinamiento de los pequeños bronces de las divinidades relacionadas con el mito de Perseo se manifiesta a pequeña escala toda la habilidad que Cellini posee como orfebre.

Bernini Nació en Nápoles, Italia. Escultor, arquitecto y diseñador, artista célebre creador de la escultura estilo Barroco en el siglo 17. Hijo de un escultor florentino, Bernini consiguió acceso privilegiado al mundo de las artes y tuvo como patrocinadores a los papas Pablo V, Urbano VIII y a otros 4 prelados. Emigró a Roma junto a su padre. Estudios iníciales de la escultura grecorromana ya existente en el Vaticano y las obras de Miguel Ángel fueron su fuente de inspiración. Los trabajos que realizó durante su vida son cuantiosos. Entre ellos se incluyen fuentes públicas, decoración de iglesias y obras arquitectónicas.Bernini fue famoso en vida y todas las cortes europeas deseaban sus servicios. Entre ellos estuvo el rey de Francia Luis XVI que lo llevó a trabajar a París cuando el artista ya contaba con 69 años de edad. La técnica de Bernini, cuando trabaja en mármol, es de un realismo exuberante, sobre todo cuando se trata de expresiones del rostro. Y en lo relativo a la textura de la piel y las sombras fue un innovador en su época, apartándose de la manera de Miguel Ángel e influenciando para siempre lo que conocemos como estilo clásico de escultura

Apolo y Dafne es una estatua realizada por el italiano Bernini entre los años 1621 y 1624. Pertenece al estilo barroco.Se trata de una escultura a tamaño real de mármol, expuesta en la Galería Borghese en Roma.Cuenta el mito que Apolo quiso competir con Eros en el arte de lanzar flechas. Eros, molesto por la arrogancia de Apolo, ideó vengarse de él. Para ello lanzó al hermoso dios una flecha de oro, que causa un amor inmediato a quien hiere; por el contrario, hirió a la ninfa Dafne con una flecha de plomo, que causa el rechazo amoroso. Así que cuando Apolo vio un día a Dafne se sintió herido de amor y se lanzó en su persecución. Pero Dafne, que sufría el efecto contrario, huyó de él. Y la ninfa corrió y corrió hasta que agotada pidió ayuda a su madre, la cual determino convertir a Dafne en laurel. Cuando Apolo alcanzó a Dafne, ésta iniciaba la transformación: su cuerpo se cubrió de dura corteza, sus pues fueron raíces que se hincaban en el suelo y su cabello se llenó de hojas. Apolo se abrazó al árbol y se echó a llorar. Y dijo: "Puesto que no puedes ser mi mujer, serás mi árbol predilecto y tus hojas, siempre verdes, coronarán las cabezas de las gentes en señal de victoria"La transformación la relata Ovidio en sus Metamorfosis. Este mito ilustra el origen de uno de los símbolos típicos del dios, la corona de laurel.Bernini captura la transformación de Dafne con intensa emoción, retratando las diferentes etapas de sus cambios. Al igual que sucede en otra de sus obras, la obra nos pide que interactuemos con ella: vista desde la espalda de Apolo, la figura de Dafne queda oculta, mostrándonos sólo el árbol en que se transforma, de modo que girando alrededor de la estatua tenemos una visión en el tiempo de la metamorfosis de la ninfa. La contraposición de los elementos y el uso del claroscuro reflejan la fuente de la escultura helenística de la que bebe Bernini

El David es una estatua realizada por Bernini. Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Pasó a formar parte de la colección de su principal mecenas, el Cardenal Scipione Borghese, y actualmente se expone en la Galleria Borghese.Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda.A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos, los kuroí. En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo.Al contrario que en obras más tempranas del artista, esta obra no presenta el mismo énfasis vertical. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. Tras la figura, yacen varias armas descartadas, recordándonos que esta no es una batalla ganada a través de un armamento superior, sino de un esfuerzo físico. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta.

Berruguete Nació en Paredes de Nava, España. Pintor y escultor manierista durante el renacimiento europeo. Recibió educación artística en Italia, donde adoptó el estilo de su contemporáneo Miguel Ángel. Vivió en Florencia y al regresar a su tierra natal, trajo consigo el estilo manierista, el que transmitió a sus pares, época en que el Renacimiento se introducía poco a poco en España. La escultura de Berruguete es ecléctica y mezcla estilos de varios otros artistas italianos célebres, entre ellos Rafael y Leonardo. Su especialidad fueron las obras decorativas para iglesia que superan largamente a trabajos de otros escultores ibéricos de la época.

El monasterio de San Benito el Real, cabeza de la congregación benedictina desde época de los Reyes Católicos, era uno de los más pujantes de Valladolid. Para la elaboración de su retablo mayor se eligió al mejor escultor del momento en la ciudad: Alonso Berruguete. La desamortización eclesiástica del siglo XIX motivó la fragmentación del conjunto, algunos de cuyos relieves se pueden contemplar en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, destacando el San Cristóbal, el Sacrificio de Isaac y la adoración de los Magos. La gran expresividad de sus figuras, sus formas y proporciones estilizadas, y la variedad de recursos emocionales enfatizados por el uso de la policromía configuran una opción radical donde se combinan, de forma dramática, las más refinadas licencias del Manierismo con unas actitudes patéticas en consonancia con los valores más expresivos de la tradición gótica.

Rodín Nació en Francia. Escultor sobresaliente en mármol y bronce, artífice de la edad moderna de la escultura. Impulsó su evolución desde un estilo idealista romántico a uno crudo y realista llamado naturalismo, que persigue la expresión más libre e individual. Este cambio, aunque rechazado por muchos especialistas de la época, igualmente terminó siendo ejemplo para los artistas de la escultura moderna que vinieron.Rodín fue contemporáneo de los célebres impresionistas Pissarro y Monet que disentían como él, de los cánones establecidos para el arte, aun influenciado en esa época por la formas idealistas a manera de Miguel Ángel.

El pensador (francés: Le Penseur) es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodin.La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia de Dante. Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema alegórico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel para representar tanto el pensar como la poesía.Rodin hizo un primer modelo de la escultura en yeso en 1880. La primera escultura a gran escala se culminó en 1902, aunque no fue presentada en público hasta 1904.Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880.

Gregorio Fernández Gregorio Fernández (1576 - 22 de enero de 1636), escultor español, máximo exponente de la Escuela de Valladolid, heredero, pues, de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, pero también recoge el refinamiento de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe. La mayor parte de su obra se encuentra en Valladolid y puede verse profesionar en Semana Santa

El Cristo yacente de El Pardo o Cristo de El Pardo es una escultura barroca de principios del siglo XVII, tallada en madera policromada por Gregorio Fernández (1576-1636). Está considerado como una de las obras maestras del citado escultor.Desde el año 1615, se exhibe en la iglesia del Convento de los Padres Capuchinos, edificio del siglo XVII situado en el barrio madrileño de El Pardo (España), topónimo del que toma su nombre.

Aurelio Escobar Castellanos Aurelio Escobar Castellanos (Zacoalco de Torres, Jalisco; 8 de noviembre de 1888- ciudad de México; 11 de febrero de 1964). Fotógrafo y sindicalista mexicano. Incursionó en el retrato fotográfico, la fotografía academicista, la fotografía artística el periodismo fotográfico, la fotografía de guerra, la fotografía documental, la fotografía publicitaria; y de la lucha sindical de su gremio. Estrechamente relacionado con el empresario y fotógrafo mexicano Heliodoro Juan Gutiérrez .

Gran parte del trabajo de Aurelio Escobar Castellanos como corresponsal de guerra se desarrolla durante la Revolución Mexicana, bajo la firma H. J. Gutiérrez en el periodo comprendido entre 1911-1915. El segundo periodo de corresponsal de guerra será el conflicto Cristero. Como fotógrafo de formato panorámico cubrirá una amplia variedad de eventos políticos y sociales durante 40 años. Su archivo en este formato es uno de los más grandes a nivel mundial concerniente a un solo fotógrafo, conservado en el Archivo General de la Nación, fondo Aurelio Escobar Castellanos, México. Es uno de los muchos fotógrafos que aportaron material al Archivo Casasola

Alicia D’Amico Alicia D'Amico (Buenos Aires, 6 de octubre de 1933 - 30 de agosto de 2001) fue una fotógrafa argentina. Nació en Buenos Aires el 6 de octubre de 1933. En 1953 comenzó a trabajar como profesora de dibujo en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en 1955 recibió una beca del gobierno para perfeccionar sus conocimientos en París. A partir de 1957 se formó como fotógrafa en el estudio de su padre Luis D'Amico y después con Annemarie Heinrich. Entre 1960 y 1983 dispuso de su propio estudio compartido con Sara Facio. En 1973 fundó con ella y Cristina Orive la primera editora fotográfica en América del Sur con el nombre de «La Azotea». Cuando se crea el Consejo Argentino de Fotografía en 1979 participa como una de las fundadoras y colabora en él hasta 1987. También se encuentra entre las fundadoras de Lugar de Mujer que es una de las primeras instituciones feministas de Argentina, creada en 1982

Su trabajo fotográfico se centró en la docencia y la colaboración en libros, especialmente de artistas e intelectuales de Sudamérica; Jorge Luis Borges, Gabriel García Márquez, Adolfo Bioy Casares, Julio Cortázar, Óscar Pintor, Alejo Carpentier, Miguel Ángel Asturias, Pablo Neruda, Astor Piazzolla, fueron motivo de sus retratos en blanco y negro, ya que prefería esta forma de expresión fotográfica. Su trabajo ha sido expuesto en numerosos países tanto de modo individual como colectivo

Joaquín del Palacios Joaquín del Palacio (Kindel) es un fotógrafo español nacido en Madrid en 1905 y fallecido, así mismo, en la capital española en 1989. El apodo fue, en cierto modo, una concesión para americanizar y modernizar su nombre como consecuencia de la llegada a España de fotógrafos extranjeros (Kin por el final del nombre y del por la preposición). Kindel consideraba la fotografía como el resultado de la mirada del fotógrafo que disparaba su máquina cuando veía algo que le gustaba, le interesaba mas la luz de la imagen que la propia técnica

Kindel desarrollo la mayor parte de su labor fotográfica en el periodo comprendido entre 1940 y 1970. Antes de estos años cabe mencionar su obra recogiendo las regiones desbastadas como consecuencia de la guerra civil española. Estas fotografías tienen un marcado carácter social e, incluso, dramático acorde con la realidad de la época.En las décadas siguientes Kindel va a ser uno de los fotógrafos participantes en el recorrido geográfico por las tierras de España por encargo de la Dirección General de Turismo. Esta Dirección General era heredera del Patronato Nacional de Turismo creado en 1928 por el rey Alfonso XIII. Las fotografías de la Dirección General de Turismo recogen los monumentos y lugares más importantes de España, así como los trabajos realizados por sus habitantes. En esta labor fue acompañado por numerosos fotógrafos de la época, algunos tan conocidos hoy como Catalá Roca y Ortiz Echagüe. Se pueden mencionar otros nombres como Ksado, Garrabella, Lladó, Nuño o Ciganovic.El Archivo General de la Administración del Estado sito en Alcalá de Henares conserva, entre otros, los fondos fotográficos del Patronato nacional de turismo y de la Dirección General de Turismo. Estos fondos conservan un gran número de fotografías de las gentes, paisajes y monumentos de España correspondientes al periodo 1928-1970.Posteriormente emprende una amplia labor de recogida de trabajos de arquitectura bajo el encargo del Colegio de Arquitectos de Madrid. En esta labor recoge tanto los edificios como sus interiores. Así destaca sus fotografías sobre trabajos de L.M. Feduchi, A. de la Sota y J.A. Cordech.Sus archivos fotográficos se encuentran conservados en la Fundación Joaquín Díaz en Urueña (Valladolid). Cabe destacar el homenaje que recibió en el certamen de PhotoEspaña 2000 así como la exposición realizada en 2007 por el Colegio de Arquitectos de Madrid.

Alfredo Fernando Testoni Alfredo Fernando Testoni Lauriti (Montevideo, 1º de junio de 1919 – 3 de octubre de 2003) fue un fotógrafo, grabador y editor uruguayo. Comenzó su actividad profesional como fotógrafo en 1935, desarrollando la misma en varios diarios nacionales y como corresponsal de importantes revistas internacionales. Formó su propio taller y, desde 1940, se vinculó al ambiente artístico como fotógrafo del Taller Torres García. En 1954 comenzó sus experiencias con formas y texturas en fotos de muros y bajo relieves de Italia, España, los países escandinavos, Alemania, Medio Oriente, México y Bolivia. En 1956 formó parte de la “Comisión Amigos del Arte” y, entre 1959 y 1962, integró con otros artistas el llamado “Grupo de los Ocho”, que intentó aglutinar artistas plásticos con cercanía a lo abstracto. Desde entonces continuó su actividad alternando en la fotografía, el grabado, la pintura y en emprendimientos editoriales como editor y diseñador gráfico. Realizó exposiciones individuales y colectivas en diversos países. También fue reportero gráfico en varios de los diarios más importantes del país. En tal carácter, capturó el gol de Juan Alberto Schiaffino en la Copa Mundial de Fútbol de 1950 que le diera el campeonato a Uruguay. También pertenecen a Testoni las imágenes más conocidas del hundimiento del acorazado de bolsillo Admiral Graf Spee. Fotografió a Juan Domingo Perón en mangas de camisa y cabizbajo cuando partía hacia Asunción, luego de ser derrocado por la Revolución Libertadora.

Son conocidas sus fotografías del pintor Joaquín Torres García y todos sus discípulos, de Luis Alberto de Herrera caminando con su sombrero en una mano (a partir de la cual se esculpiera posteriormente su monumento) y la serie dedicada a los muros de Berlín, Venecia, Teherán y Persépolis.Su estudio fotográfico y editorial, Testoni Studios, ha sido continuado por sus hijos Héctor y Julio

Irving Penn Irving Penn (Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 - Nueva York, Nueva York, 7 de octubre de 2009) fue un fotógrafo de modas y de retratos estadounidense. Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, de la cual egresó en 1938. Su profesor fue el fotógrafo Alexey Brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper’s Bazaar. Luego viajó a México, donde se dedicó a la pintura durante un año. Sus dibujos fueron publicados en Harper's Bazaar. Su primera labor en la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a trabajar como diseñador de portadas. Después de la Segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama por sus elegantes y glamorosos retratos femeninos publicados en Vogue. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época. En 1950, se casó con la modelo Lisa Fonssagrives, con quien tuvo un hijo llamado Tom. Tres años después, fundó su estudio fotográfico. Quedó viudo en 1992, cuando Fonssagrives tenía 80 años. Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía. Publicó diversos libros, incluyendo The astronomers plan a voyage to Earth (1999) y Photographs of Dahomey (2004), además de exhibiciones de su obra. Falleció el 7 de octubre de 2009 en su casa de Manhattan a los 92 años.

Alberti Leon Battista Alberti,fue sacerdote, secretario personal de tres Papas , humanista, arquitecto (proyectó edificios aunque nunca dirigió sus obras), matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es una de las figuras del humanismo y personalidad artísticas teórica más polifacéticas del Renacimiento. Alberti fue el primer teórico artístico del Renacimiento, una figura emblemática, por su dedicación a las más variadas disciplinas. Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones, como las proporciones del cuerpo humano, la primera definición de la perspectiva científica y relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar. El aspecto más innovador de sus propuestas consiste en mezclar lo antiguo y lo moderno propugnando de ese modo la praxis antigua y la moderna, que había iniciado Brunelleschi. Muestra una idea heredera del enciclopedismo medieval de los doctos, pero adaptada a la vanguardia humanista. La clase social con la que Alberti se relacionará es la alta burguesía culta florentina. Trabajó al servicio de los mecenas más importantes de su época

La fachada, construida colindando con un campanario preexistente se basa en el esquema del antiguo Arco de Tito. Es en gran medida una estructura de ladrillo con estuco endurecido usado como superficie. Se define por un gran arco central, flanqueado por pilastras corintias. Hay aberturas menores a la derecha y la izquierda del arco. Un aspecto novedoso del diseño era la integración de un orden inferior, comprendiendo las aflautadas columnas corintias, con un orden colosal, comprendiendo a las pilastras más altas, no aflautadas. Todo el conjunto estaba coronado por un frontón y por encima una estructura abovedada, cuyo propósito no se conoce exactamente, sino presumiblemente para ensombrecer la ventana abierta en la iglesia detrás de ella.Un aspecto importante del diseño de Alberti era la correspondencia entre la fachada y las elevaciones interiores, ambas elaboraciones del motivo del arco triunfal. La nave del interior está techado por una bóveda de cañón, una de las primeras veces que semejante forma se usó en una escala así de monumental desde la Antigüedad, y bastante probablemente modelada sobre Basílica de Majencio en Roma. Alberti muy probablemente había planeado que la bóveda fuera artesonada, muy parecida a la bóveda de cañón de la entrada, pero la carencia de fondos llevó a que la bóveda se construyera como una simple bóveda de cañón con los casetones meramente pintados. Originariamente, el edificio se planeó sin transepto, y posiblemente incluso sin una cúpula. Esta fase de construcción más o menos finalizó en 1494.

La fachada con mampostería de arenisca, uniforme y plana, está subdividida horizontalmente de modo progresivamente más complejo y está finamente decorada, los motivos decorativos formales de un correcto orden clásico están sustituidos por las armas de los Rucellai. En la planta baja lesenas de orden toscano dividen la superficie en espacios en los que se abren las dos portadas (originalmente sólo había uno, pero se duplicó simétricamente cuando se duplicó el palacio y la fachada). Los arcos de los vanos que se alinean en vertical con las puertas son ligeramente más amplios que los otros y están además rematados por los escudos elegantemente esculpidos sobre las ventanas del primer piso. Hay delante un banco de calle, un elemento que además de resultar útil para los viandantes, creaba una especie de base para el palacio, como si se tratara de un estilóbato. El respaldo del banco reproduce el motivo del opus reticulatum romano.En el primer piso lesenas de tipo jónico con rica decoración, y en el último piso, lesenas de tipo corintio más sencillas y más correctas, se alternan con ventanas de medio punto, modeladas por arcos y columnas biforas. Los tres órdenes hacen pensar de modo bastante claro en la estructura del Coliseo de Roma. También la mampostería con conchas se inspira de la arquitectura romana, como en el motivo de la basa imitando el opus reticulatum. Las lesenas decrecen progresivamente hacia los pisos más altos, proporcionando un efecto perspectívico más lanzado del palacio respecto a su altura real.La parte superior del palacio está rematada por una cornisa que sobresale poco, sostenida por ménsulas, detrás de las cuales se halla oculta una logetta adornada por pinturas monocromas del Siglo XV, según algunos obra de Paolo Uccello. El friso de la planta baja contiene las armas de la familia Rucellai: tres plumas en un anillo, las velas infladas por el viento y el escudo familiar, que aparece también sobre los blasones encima de las puertas.

Bramante Donato Bramante fue un arquitecto y pintor italiano, de Urbino concretamente, que se encargó de realizar en Roma entre los años 1499 y 1502 un pequeño templete, que fue una especie de “manifiesto” de la nueva etapa del Renacimiento que supuso el siglo XVI o Quinquecento, que a la postre significó el “traslado” del esplendor renacentista de Florencia a Roma. Bramante se había formado en la corte del Duque de Urbino, que actuaba como un auténtico mecenas. Cuando se traslada a Roma se empapa de la monumentalidad del arte romano, presente en gran medida en la ciudad. Concibe la arquitectura siempre como orden, unido a la proporción y a la sensación de masa, con lo que siempre es austera, prescindiendo de toda ornamentación que no sea arquitectónica, gustando de valorar los contrastes lumínicos producidos por la alternancia lleno-vacío.

La obra responde a un encargo de los Reyes Católicos españoles, Isabel y Fernando, que quieren edificar un monumento de agradecimiento tras la unificación religiosa de la península una vez conquistada la última taifa musulmana de Granada y realizada la expulsión de los judíos. Se levantó en el lugar en el que la tradición situaba el martirio de San Pedro, su crucifixión y posterior decapitación. Con ello nos evoca ya en primer lugar a los martiryae paleocristianos, ya que “envuelve” arquitectónicamente el agujero de la roca en la que al parecer se situó la cruz.Sobre la cámara subterránea, Bramante va a elevar un edificio realizado en piedra que consta de un cilindro coronado con una cúpula, que externamente va a estar envuelto por una columnata circular de orden toscano. Sobre la columnata una diminuta balaustrada ciñe el cuerpo superior. Así vemos que el edificio es de clara inspiración clásica, ya que el pórtico exterior nos remite al tholos griego, lo mismo que el basamento escalonado o el entablamento con un friso de triglifos y metopas, en las que por cierto las escenas aluden al martirio del santo, y la estructura cilíndrica rematada en cúpula lo hace al Panteón de Roma, al igual que el uso del orden toscano, la simplicidad, la robustez, la sobriedad, la monumentalidad y la delimitación de la fachada única (pese al escalonado basamento, solo se accede por un lugar, potenciando así la idea de fachada principal) muestran la influencia romana en esta arquitectura que constituye un prototipo de edificio que tendrá un gran predicamento posterior. Es el templo platónico ideal, soñado por los filósofos cristianos neoplatónicos florentinos de la corte de los Medicis, tal y como lo imaginó Perugino en sus pinturas o lo pintó Rafael en su obra “Los Desposorios de la Virgen”.Los elementos ornamentales son meramente arquitectónicos (pensemos que las esculturas de las metopas van totalmente ligadas a la idiosincrasia del orden), destacando en la parte superior del cilindro la alternancia de los nichos con el muro y del ornato de los mismos, ya que podemos contemplar unos rematados en veneras (otro elemento de raigambre clásica) con otros sin nada, de perfil rectangular

Palladio Palladio protagoniza una carrera brillante desde su adolescencia como cantero en Padua hasta convertirse en un intelectual y en el arquitecto preferido del rico patriciado de Vicenza y Venecia, de la instituciones eclesiásticas y del Estado veneciano. Gran conocedor de la arquitectura del mundo clásico, Palladio ideó un armonioso sistema de planos y alzados dando lugar a sorprendentes e ingeniosas construcciones donde se combinan la belleza con la funcionalidad. Unió teoría y práctica en publicaciones y edificios como ningún otro arquitecto del Renacimiento y democratizó la arquitectura al dar igual valor a las edificaciones domésticas (granjas, graneros, puentes) como a Iglesias y Palacios. Para Palladio cualquier edificio podía ser bello sin necesidad de utilizar materiales demasiado costosos. Cuando visitaba a un cliente para realizar una reforma se preguntaba "que parte de la granja le dejarían echar abajo para reconstruir enteramente y que parte debía permanecer sin reformar".

Fue construida en los años 1551-53, se encuentra en la ciudad de Vicenza y su estilo se encuadra en el siglo XVI en el manierismo. Los materiales utilizados fueron la piedra, el ladrillo estucado y el mármol.Utilizó elementos del templo romano para diseñar cuatro fachadas idénticas orientadas a los cuatro puntos cardinales, uno de esos elementos es el elevado basamento, que posee escalinatas pronunciadas que dan acceso a las cuatro entradas del edificio. Otro elemento clásico son los pórticos, en este caso hexástilos y de orden jónico, con sus entablamentos y frontones. Las estatuas son utilizadas como acabados que dan sensibilidad contemporánea a los elementos religiosos usados para ensalzar la vida en el campo. Tiene planta centralizada, organizada a partir de una gran sala circular central –de ahí el nombre de rotonda-cubierta por una cúpula, esta habitación resulta oscura ya que su única luz proviene del pequeño óculo del centro de la cúpula y de la luz de los cuatro corredores que convergen en ella, rodeada de habitaciones rectangulares que conforman un cuadrado. Destaca su concepción simétrica por lo que los cuatro pórticos salientes le confieren el aspecto de cruz griega. Debe su nombre a su propietario el poderoso clérigo Marius Capra Gabrielis, aunque construida entre 1551-53 no fue concluida hasta finales de siglo, se cambió la cúpula semiesférica, alterando así el proyecto de Palladio, la concepción de la villa es fruto de un afán geometrizador, basado en proporciones matemáticas. Toma del Renacimiento el cuadrado y el círculo integrados en un espacio de perfecta simetría. Del mundo clásico recuperó el templo romano y sus elementos, su manierismo se manifiesta en la combinación de elementos del lenguaje clásico para adaptarlo a las exigencias del emplazamiento o a sus necesidades funcionales, de su propia personalidad se desprende la íntima relación del edificio con el paisaje que lo rodea, esta es la razón del basamento elevado, permitir la contemplación del paisaje desde la planta noble.

De Herrera Juan de Herrera fue un arquitecto, matemático y geómetra español, considerado uno de los máximos exponentes de la arquitectura renacentista hispana. Nació en el año 1530 en el barrio de Movellán, en la localidad de Roiz, perteneciente al municipio cántabro de Valdáliga, y murió en Madrid el 15 de enero de 1597. Su sobrio y severo estilo arquitectónico, llamado herreriano en su honor, fue representativo del reinado de Felipe II (e influyó notablemente en la arquitectura española posterior, principalmente a lo largo del siglo XVII. Su obra arquitectónica más importante es el Monasterio de El Escorial, en el municipio madrileño de San Lorenzo de El Escorial, que Herrera acabó en 1584, tras reorganizar el proyecto original de Juan Bautista de Toledo. Como figura del Renacimiento, se interesó en diferentes ramas del saber y manifestó un espíritu aventurero y un afán de novedades. Su "Discurso sobre la figura cúbica" revela sus conocimientos de geometría y matemáticas y su participación en algunas de las campañas militares de Carlos I habla de su talante inquieto

Sirvió, no solo como iglesia y lugar de residencia de monjes, sino, como palacio donde gobernar. Además sería usado como panteón real y tendría una biblioteca donde se halla todo el saber. Fue supervisado por el mismo rey. Se inició en 1563 y terminó en 1583. La planta se inspira en los esquemas en forma de cruz., que abre los patios centrales. Se cubre con una enorme cúpula que recuerda los modelos italianos, el resto son vertientes muy inclinadas, fabricadas en pizarra, con chapiteles en las torres. La ornamentación se reduce al máximo y se basa en la sencillez. Esta pensado con un ajustado sistema de proporciones y estudios geométricos. Pretendía construirse para reunir todo el saber conocido y se defiende de la pureza de la religión. El edificio aúna influencias, con ellas gana austeridad, simplicidad o decoración arquitectónicos de los elementos.

Borromini Arquitecto italiano, uno de los más importantes del siglo XVII. Junto con otras grandes figuras de su época, como Gian Lorenzo Bernini y Pietro da Cortona, y principalmente gracias a sus iglesias, transformó la antigua Roma en una ciudad barroca. Al contrario que Bernini y Cortona, Borromini tan sólo se dedicó a la arquitectura, llegando hasta la obsesión su empeño heterodoxo de encontrar nuevas formas espaciales. En sus edificios, el vacío y el lleno se combinan en una culminación de la búsqueda barroca de espacios dramáticos. Francesco nació el 25 de septiembre de 1599 en Bissone, junto al lago Lugano, y su auténtico apellido era Castelli, pero lo cambió a los 28 años por el de su madre, Borromini. Su padre era un cantero y heredó este oficio, gracias al cual pudo participar en la construcción de la basílica de San Pedro, bajo la dirección de Carlo Maderno. El anciano maestro le nombró supervisor de sus obras en el Vaticano y en el Palacio Barberini. Su agria rivalidad con Bernini comenzó hacia el año 1627, cuando trabajó a las órdenes del escultor en la talla del baldaquino de San Pedro. Borromini consiguió una nueva forma de expresión arquitectónica con sus muros ondulantes, cóncavo-convexos, así como con sus originales volúmenes, desarrollados a partir de un motivo geométrico. Sin embargo, nunca rechazó el estudio de los modelos clásicos, incorporando a su obra rasgos de la arquitectura antigua y de la renacentista. La influencia de las ideas de Miguel Ángel fue importantísima

Entre 1640 y 1650 Borromini trabajó en el diseño de la iglesia de Sant'Ivo alla Sapienza y sus jardines, cerca del palacio de la Universidad de Roma La Sapienza . Inicialmente había sido la iglespia del gimnasio romano. Borromini fue recomendado para el trabajo en 1632, por el después supervisor de las obras del Palazzo Barberini, Gian Lorenzo Bernini. El edificio, como muchos en la estrecha Roma, es modificado por las perspectivas exteriores; fue construido al extremo del largo patio diseñado por Giacomo della Porta.La cúpula y la torre coclear son peculiares y reflejan la idiosincrasia de los motivos arquitectónicos que distinguieron a Borromoni de sus contemporáneos. El interior presenta una nave de inusual planta centralizada, en la que se alternan cornisas cóncavas y convexas, ascendiendo a una cúpula decorada con una matriz lineal de estrellas y puttis. La estructura muestra un esquema de estrella de seis puntas. Desde el centro del piso las cornisas asemejan dos triángulos equiláteros que forman un hexágono, aunque tres de las puntas tienen forma de trébol, mientras que las restantes terminan en concavidades.Las columnas interiores se distribuyen sobre puntos de un círculo. La fusión entre los excesos febriles y dinámicos del barroco y la geometría racionalista constituyen un logro excelente para una iglesia perteneciente a una institución papal de altos estudios

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