Historia del cine: Orígenes y primeras innovaciones

HISTORIA DEL CINE

MIGUEL ANGEL SERRATO LOPEZ
GUSTAVO ADOLFO DIAZ REYES
JUAN CAMILO DIONICIO PETRO

UNIVERSIDAD DE CORDOBA
2012

ORIGENES
Como todo invento complejo, el cine, arte e industria, surgió tras
una acumulación de hallazgos y experiencias diversas. Una base
fundamental está en la fotografía, arte que había iniciado su
andadura a comienzos del siglo XIX

ORIGENES
El cine se desarrolló desde el punto de vista científico antes de
que sus posibilidades artísticas o comerciales fueran conocidas y
exploradas.
Uno de los primeros avances científicos que llevó directamente
al desarrollo del cine fueron las observaciones de Peter Mark
Roget, secretario de la Real Sociedad de Londres.

ORIGENES
En 1824 publicó un importante trabajo científico con el título de
Persistencia de la visión en lo que afecta a los objetos en
movimiento.

En el que establecía que el ojo humano retiene las imágenes
durante una fracción de segundo después de que el sujeto deja
de tenerlas delante. Este descubrimiento estimuló a varios
científicos a investigar para demostrar el principio.

Eadweard Muybridge
Fotógrafo inglés, emigrado a EE.UU. en 1851 y radicado en San Francisco. El primero
en registrar la imagen en movimiento, (1804-1930) Sus fotografías de seres humanos y
animales en movimiento no sólo constituyeron una revelación en el mundo de la
fotografía del siglo XIX, sino que tuvieron también una importancia directa en el cine
primitivo.

Étienne Jules Marey
Médico, fisiólogo, profesor de Ciencias Naturales, fotógrafo e investigador
francés, (1830-1904). Interesado por los trabajos de Muybridge ideó un
medio de disparar fotos en movimiento con lo que llamó pistola fotográfica.

Esta ‘escopeta fotográfica’ se inspiraba en el “revolver fotográfico” inventado
en 1874 por el astrónomo Jules Janssen (quien en 1874 registró
fotográficamente las fases del movimiento de Venus al pasar frente al Sol), y
era capaz de capturar doce exposiciones por un segundo.

A Marey se debe el “invento” de la cronofotografía, técnica fotográfica que
básicamente consiste en registrar en una placa única las diferentes fases del
movimiento. Se trata de hacer fotografías instantáneas, sucesivas y a
intervalos regulares, de un objeto en movimiento. Cada fotografía representa
una fase de éste y el conjunto de ellas su análisis.

La primera imagen en movimiento, en 1891. Se trata, pues, de una cronofotografía.

Tanto en Estados Unidos como en Europa, se animaban imágenes dibujadas a
mano como forma de diversión, empleando dispositivos que se hicieron
populares en los salones de la clase media. Concretamente, se descubrió que
si 16 imágenes de un movimiento que transcurre en un segundo se hacen
pasar sucesivamente también en un segundo, la persistencia de la visión las
une y hace que se vean como una sola imagen en movimiento.

El zoótropo

Thomas Alva Edison

Hasta 1890, los científicos estaban interesados
principalmente en el desarrollo de la fotografía más
que en el de la cinematografía. Esto cambió cuando el
antiguo inventor, y entonces ya industrial, Thomas Alva
Edison construyó el Black María, un laboratorio cerca
de West Orange (Nueva Jersey), que se convirtió en el
lugar donde realizaba sus experimentos sobre
imágenes en movimiento y el primer estudio de cine
del mundo.

Edison está considerado por algunos como el
diseñador de la primera máquina de cine, el
kinetoscopio, pero en realidad ni fue él el
inventor ni el invento era propiamente una
cámara de cine.

Su ayudante, William K. L. Dickson fue quien diseño el sistema de
engranajes, todavía empleado en las cámaras actuales, que
permite que la película corra dentro de la cámara, e incluso fue
él quien por vez primera logró en 1889 una rudimentaria imagen
con sonido.

El kinetoscopio, patentado por Edison en 1891,
tenía unos 15 metros de película en un bucle
interminable que el espectador —individual—
tenía que ver a través de una pantalla de
aumento. El artefacto, que funcionaba
depositando una moneda.

LOS HERMANOS LUMIÈRE
Los experimentos sobre la proyección de imágenes en movimiento visibles
para más de un espectador se estaban desarrollando simultáneamente en
Estados Unidos y en Europa; en Francia, a pesar de no contar con la gran
infraestructura industrial de Edison, los hermanos Louis y Auguste Lumière
llegaron al cinematógrafo, invento que era al tiempo cámara, copiadora y
proyector, y que es el primer aparato que se puede calificar auténticamente
de cine.

Los hermanos Lumière produjeron además una
serie de cortometrajes con gran éxito, de género
documental, en los que se mostraban diversos
elementos en movimiento: obreros saliendo de
una fábrica, olas rompiendo en la orilla del mar
y un jardinero regando el césped.

Uno de sus cortometrajes más efectistas para demostrar las posibilidades del
nuevo invento fue el que mostraba a un tren correo avanzando hacia el
espectador, lo que causaba gran impresión en el público asistente.

PELÍCULAS DE UNA BOBINA
En 1896 el ilusionista francés Georges Méliès
demostró que el cine no sólo servía para grabar
la realidad, sino que también podía recrearla o
falsearla.
Con estas imaginativas premisas, hizo una serie
de películas que exploraban el potencial
narrativo del nuevo medio, dando inicio al cine
de una sola bobina.

En un estudio en las
afueras de París, Méliès
rodó el primer gran filme
puesto en escena cuya
proyección duró cerca de
quince minutos: L’Affaire
Dreyfus (El caso
Dreyfus, 1899) y filmó
Cendrillas
(Cenicienta, 1900) en 20
escenas.

Pero sobre todo a Méliès se le recuerda por sus
ingeniosas fantasías como Viaje a la luna (1902) y
Alucinaciones del barón de Münchhausen, en las que
experimentaba las posibilidades de los trucajes con la
cámara de cine.

Méliès descubrió que deteniendo la cámara en mitad
de una toma y recolocando entonces los elementos de
la escena antes de continuar podía, por ejemplo, hacer
desaparecer objetos. Del mismo modo, retrocediendo
la película unos cuantos centímetros y comenzando la
siguiente toma encima de lo ya filmado, lograba
superposiciones, exposiciones dobles y disoluciones
(fundidos y encadenados, como elemento de transición
entre distintas escenas).

LAS PELÍCULAS MUDAS
Entre 1909 y 1912 todos los aspectos de la naciente industria estuvieron bajo
el control de un trust estadounidense, la MPPC (Motion Pictures Patents
Company), formado por los principales productores. Este grupo limitó la
duración de las películas a una o dos bobinas y rechazó la petición de los
actores de aparecer en los títulos de crédito.

El trust fue desmontado con éxito en 1912 por la ley
antitrust del gobierno, que permitió a los productores
independientes formar sus propias compañías de
distribución y exhibición, por lo que pudieron llegar
hasta el público estadounidense obras europeas de
calidad, como Quo vadis? (1912, de Enrico Guazzoni),
de Italia, o La reina Isabel (1912), de Francia,
protagonizada por la actriz Sarah Bernhardt.

CINE MUDO ESTADOUNIDENSE
El ejemplo, sobre todo de Italia, que en 1912 con 717
producciones era el cine más potente del mundo, llevó a los
productores estadounidenses a la acción, viéndose obligados a
hacer películas más largas, en las que los directores tuvieran
también una mayor libertad artística, y los actores figuraran en
los títulos de crédito, lo que hizo indefectiblemente que algunos
de éstos se convirtieran en los favoritos del público. Como
resultado, siguió un periodo de expansión económica y artística
en el cine de este país.

EL TRASLADO A HOLLYWOOD
Entre 1915 y 1920 las grandes salas de cine proliferaron por todo
el territorio de Estados Unidos, mientras la industria se
trasladaba de los alrededores de Nueva York a
Hollywood, pequeña localidad californiana junto a Los Ángeles
donde los productores independientes, como Thomas Harper
Ince, Cecil B. De Mille y Mack Sennett, construyeron sus propios
estudios.

BÚSTER KEATON
Joseph Francis Keaton nació en 1895, en Pickway
(Kansas), falleciendo en Hollywood en 1966. Hijo de dos cómicos
ambulantes, Joseph y Myra Keaton, "Los dos Keaton", el
pequeño apareció en escena cuando sólo contaba un año de
edad.Es considerado una de las más importantes figuras de la
historia del cine por haber entendido mejor que cualquiera de
sus contemporáneos el significado y las posibilidades del cine.

Buster Keaton es uno de los tres grandes maestros del
slapstick, junto a Charlie Chaplin y a Harold Lloyd.
Algunas de sus películas son verdaderas obras
maestras, como El maquinista de la General (The
General, 1927), que consiguió entrar en la lista de las
diez mejores comedias, elaborada por una serie de
especialistas en el séptimo arte. Además, la prestigiosa
revista Sight and Sound la escogió en 1972 como la
octava mejor película de la historia del cine.

CHARLES CHAPLIN
Actor director, guionista y músico de origen británico
(Londres, 1889-Corsier-sur-Vevey, Suiza, 1977). Autor
completo, puede que el primero en la cronología
cinematográfica, en todo el sentido de la palabra (él
mismo escribió la música de sus películas sonoras),
Charles Spencer Chaplin encarnó el cine para millones
de personas durante varias generaciones, Chaplin era
un cómico genial cuyos trabajos darían brillo a la
pantalla.

Su sola presencia era suficiente para asegurar el éxito
comercial de una película. Fue la primera estrella
internacional y una leyenda viva desde su juventud,
rompiendo con cada nueva producción los récords de
taquilla anteriores.
Este personaje fue creciendo
a lo largo de sus películas
El vagabundo (1915),
Vida de perros (1918),
El chico (1921) y
La quimera del oro (1925).

Con la llegada del sonoro, los productores se
niegan a estrenar Luces de la ciudad (1931),
pero él lo hace por su propia cuenta y vuelve a
romper todos los récords de taquilla, éxito que
repite con Tiempos modernos (1936), sátira
contra la automatización del trabajo, y El gran
dictador (1940), primer filme hablado de
Chaplin.

DOUGLAS FAIRBANKS
Douglas Fairbanks (1883-1939),
actor y productor estadounidense,
celebre por sus habilidades
acrobáticas y como espadachín,
que constituían la principal
atracción de sus películas. Su
verdadero nombre era Douglas
Elton Ulman, nació en Denver,
Colorado; después de trabajar una
breve temporada para una
compañía de operaciones
bursátiles en Wall Street, se
decidió por los escenarios en
1901.

En 1915 comenzó en el cine, formando poco tiempo después —en 1919— su
propia productora, la United Artists, junto con el genial director D.W. Griffith y
los no menos geniales Mary Pickford, su segunda mujer y Charles Chaplin por
aquel entonces los artistas más populares entre el público.

Entre las películas más famosas de Fairbanks están La
marca del zorro (1920, Fred Niblo), Robín de los
bosques (1922, Allan Dwan), El ladrón de Bagdad
(1924, Naoul Walsh), Don Q, hijo del zorro (1925,
Donald Crisp), El pirata negro (1926, A. Parker), El
gaucho (1927, F. Richard Joles), La máscara de hierro
(1929, Allan Dwan) y La fierecilla domada (1929, Sam
Taylor), junto a Mary Pickford. Su última película fue La
vida privada de Don Juan, en 1934, dirigida por
Alexander Korda.

CINE MUDO LATINOAMERICANO
El cinematógrafo fue conocido en la mayoría de las capitales de los países
latinoamericanos inmediatamente después de la primera proyección realizada en París
por los hermanos Lumière. Sin embargo, en ninguno de ellos surgió una industria
propiamente dicha hasta la década de 1940. Desde principios del siglo XX, a través de
la distribución y la exhibición, las compañías estadounidenses de cine detentan el
control de las pantallas de todo el continente, salvo en el corto periodo de la II Guerra
Mundial.

Como aliado, México se benefició de este
importante mercado cedido por Estados Unidos
en detrimento de Argentina y España, el primero
neutral y el segundo bajo una dictadura fascista,
que vieron decaer sus respectivas industrias
cinematográficas. En ese periodo México vio
crecer su industria gracias a un mercado seguro
de habla castellana.

CINE MUDO EUROPEO
La producción cinematográfica en el Reino Unido, Italia y los países nórdicos
decayó de forma drástica tras el fin de la I Guerra Mundial debido al aumento
de los costes de producción y a una incapacidad comercial para competir en
un mercado mundial creciente. Sin embargo, en Alemania, en la recién creada
Unión Soviética y en Francia, las películas alcanzaron una nueva significación
artística, marcando el inicio de un periodo que sería muy influyente en el
desarrollo del medio.

ALEMANIA Y AUSTRIA
El impactante e innovador cine mudo alemán tomó del
expresionismo y las técnicas del teatro clásico de la
época sus principales fuentes de inspiración, como
muestra el ejemplo más conocido de película
expresionista de la época, El gabinete del doctor
Caligari (1919), de Robert Wiene, en la que los
estilizados vestuarios y decorados se utilizaban para
contar una terrorífica historia que identifica la
autoridad con la demencia y la criminalidad.

A mediados de la década de 1920, la capacidad técnica
del cine alemán sobrepasaba la de cualquier otro en el
mundo. Los actores y los directores recibían un apoyo
casi ilimitado por parte del Estado, que financió los
mayores y mejor equipados estudios del mundo, los de
la UFA (Universum Film Aktiengesellschaft), de Berlín.

LA UNIÓN SOVIÉTICA
Entre 1925 y 1930 apareció una serie de grandes películas
soviéticas, revolucionarias tanto en su temática como en su
fuerza visual y los métodos de realización empleados. La
industria del cine soviética fue nacionalizada en 1919 y puesta
bajo el control del Comisariado del Pueblo para la Propaganda y
la Educación.

FRANCIA
Solamente en Francia la industria cinematográfica tenía el vigor
necesario como para sobrevivir durante la etapa que siguió a la I
Guerra Mundial sin el apoyo del gobierno. Trabajando en
pequeños estudios, alquilados para cada película, un grupo de
diferentes artistas desarrolló un cine tanto de vanguardia como
tradicional con un mínimo de interferencias por parte de los
productores ejecutivos.

El escritor, director y editor de
revistas de cine Louis Delluc
fue un defensor ardiente del
cine francés, que se rodeó de
creadores como Abel Gance,
René Clair, Jean Epstein o
Germaine Dulac. Fue un grupo
del que dependería mucho la
supervivencia del cine francés.

Una de las producciones francesas más destacadas de la década de 1920 es
La pasión de Juana de Arco (1928), del danés Carl Theodor Dreyer, que,
trabajando con un reparto y un equipo técnico internacionales, mezcló lo
mejor del cine escandinavo, alemán y soviético para hacer un cine con un
estilo propio, fluido y lleno de encanto, en el que forma y contenido se
fundían para conseguir una reverencia operística por el resultado final.

GEORGES MELIÈ
Georges Méliès (1861-1938),
pionero cinematográfico y
director de cine francés, nacido
en el seno de una rica familia de
fabricantes de zapatos. Estudió
en París y en Londres, donde
aprendió más juegos de magia
que comercio, antes de
incorporarse a la empresa
familiar. Poco después compró
el teatro Robert Houdin de París
para presentar espectáculos de
magia e ilusionismo.

En 1895 Méliès asistió a una de las primeras exhibiciones de Antoine Lumière.
Percibió de inmediato las posibilidades de la nueva técnica, y así, mientras los
operadores de Lumière recorrían el mundo en busca de nuevas imágenes
documentales, Méliès concebía el cine como una fábrica de ilusiones.
Adquirió un proyector en Londres y creó su propia productora, la Star Film,
nombre fortuito sin conexión alguna con los significados universales que
ambas palabras llegarían a adquirir.

LA MADUREZ DEL CINE MUDO
En los años posteriores a la I Guerra Mundial, la
industria cinematográfica se convirtió en uno de los
sectores principales de la industria estadounidense,
generando millones de dólares de beneficios a los
productores que tenían éxito. Las películas de este país
se internacionalizaron y dominaron el mercado
mundial. Los autores europeos más destacados fueron
contratados por los estudios y sus técnicas se
asimilaron en Hollywood, que las adaptó a sus fines
comerciales.

El star system floreció, y las películas utilizaron a las grandes
estrellas, entre otras a Rodolfo Valentino, John Barrymore, Greta
Garbo, Clara Bow y Norma Shearer, como principal atractivo para
el público. El periodo se caracterizó también por el intento de
regular los valores morales del cine a través de un código de
censura interna, creado por la propia industria de Hollywood en
1930 (el código Hays, bautizado así por dirigirlo el político y
moralista Will Hays). Este tipo de instrumentos de control
político moral persistieron hasta 1968 en Estados Unidos.

EL CINE SONORO
En 1926 la productora Warner Brothers introdujo el primer
sistema sonoro eficaz, conocido como Vitaphone, consistente en
la grabación de las bandas sonoras musicales y los textos
hablados en grandes discos que se sincronizaban con la acción
de la pantalla.

En 1927, la Warner lanzó El cantor de jazz, de Alan
Crosland, la primera película sonora, protagonizada por
el showman de origen ruso Al Jolson, que alcanzó un
éxito inmediato e inesperado entre el público.

Hacia 1931 el sistema Vitaphone había sido superado por el
Movietone, que grababa el sonido directamente en la película,
en un banda lateral. Este proceso, inventado por Lee de Forest,
se convirtió en el estándar. El cine sonoro pasó a ser un
fenómeno internacional de la noche a la mañana.

Las primeras películas habladas
La transición del cine mudo al sonoro fue tan
rápida que muchas películas distribuidas entre
1928 y 1929, que habían comenzado su proceso
de producción como mudas, fueron sonorizadas
después para adecuarse a una demanda
apremiante.

Los dueños de las salas se apresuraron también
a convertirlas en salas aptas para el sonoro,
mientras se rodaban películas en las que el
sonoro se exhibía como novedad, adaptando
obras literarias e introduciendo extraños efectos
sonoros a la primera oportunidad. El público
pronto se cansó de los diálogos monótonos y de
las situaciones estáticas de estas películas, en las
que un grupo de actores se situaba cerca de un
micrófono fijo.

Tales problemas se solucionaron en los inicios de
la década de 1930, cuando en varios países un
grupo de directores de cine tuvieron la
imaginación necesaria para usar el nuevo medio
de forma más creativa, liberando el micrófono
de su estatismo para restablecer un sentido
fluido del cine y descubrir las ventajas de la
postsincronización, que permitía la
manipulación del sonido y de la música una vez
rodada y montada la película.

Los guionistas Ben Hecht, Dudley Nichols y Robert
Riskin comenzaron a inventarse diálogos especialmente
elaborados para la pantalla, a los que se despojaba de
todo lo que no fuera esencial para que sirvieran a la
acción en vez de estorbarla.

PELÍCULAS FANTÁSTICAS
La tendencia a evadirse de una realidad no
demasiado halagüeña se acentuó en aquellos
años. Un ciclo de películas de terror clásico,
entre las que se incluyen Drácula (1931), de Tod
Browning, El doctor Frankenstein (1931), de
James Whale, y La momia (1932), de Karl
Freund,

Salió de los estudios de la Universal, y generó
una serie de secuelas e imitaciones a lo largo de
toda la década. Una película que cosechó un
éxito rotundo de taquilla fue King Kong (1933),
de Merian C. Cooper. En el género fantástico
también destacó El mago de Oz (1939), de Victor
Fleming, musical infantil basado en el libro de L.
Frank Baum, protagonizado por Judy Garland,
que se convertiría en la primera artista musical
de la década de 1940.

EL CINE ARTÍSTICO
La producción de películas fantásticas
de Hollywood se intentó compensar
durante los años treinta con películas
más serias y realistas

Josef von Sternberg
Viena (Austria); 29 de
mayo de 1894 Hollywood,
California (EE. UU.); 22 de
diciembre de 1969 fue un
director norteamericano
de origen austriaco. Von
Sternberg fue el
descubridor de Marlene
Dietrich.

El ángel azul
Der blaue Engel es una película de 1930 producida y dirigida
por Josef von Sternberg, basada en la novela de Heinrich
Mann Professor Unrat. El filme está considerado como uno de
los mejores filmes sonoros alemanes de todos los tiempos. Esta
película supuso el debut de Marlene Dietrich como protagonista
en el mundo de cine, filme que la catapultó hasta el estrellato.

Marie Magdalene Dietrich
Marlene Dietrich , 27 de diciembre de 1901 – París, 6
de mayo de 1992, fue una actriz y cantante
alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense.
Es considerada como uno de los
principales Mitos del Séptimo Arte y también como la
novena mejor estrella femenina de todos los tiempos
por el American Film Institute

La gran ilusión
La grande illusion, es una película francesa dirigida
en 1937 por Jean Renoir. Se rodó entre febrero y mayo
de 1937. es considerada la primera de las obras
maestras del director Jean Renoir. Estuvo censurada
por Italia antes de la guerra; en Bélgica ni siquiera se
llegó a estrenar y fue nombrada enemiga
cinematográfica nº1 por el Ministro de propaganda
alemán, Goebbels

George Orson Welles
Kenosha, Wisconsin, Estados
Unidos, 6 de mayo de 1915
Hollywood, Los
Ángeles, Estados Unidos, 10
de octubre de1985, Es
considerado uno de los
artistas más versátiles
del siglo XX en el campo
del teatro, la radio y
el cine, en los que tuvo
excelentes resultados.

Citizen Kane
Ciudadano Kane, es una película
estadounidense de 1941 dirigida, escrita, produc
ida y protagonizada por Orson Welles. Está
considerada como una de las obras maestras de
la historia del cine, siendo particularmente
alabada por su innovación en la música, la
fotografía y la estructura narrativa. Fue
estrenada por RKO Pictures.

Citizen Kane
Personajes principales Personajes secundarios
Charles Foster Kane (Orson Welles) Bertha Anderson (Georgia
Bernstein (Everett Sloane) Backus)
Jim W. Gettys (Ray Collins)
Charles Foster Kane III (Sonny Bupp) Herbert Carter (Erskine
Jim Kane (Harry Shannon) Sanford)
Mary Kane (Agnes Moorehead) El maître (Gus Schilling)
Susan Alexander Kane (Dorothy
Comingore)
Signor Matiste (Fortunio
Jedediah Leland (Joseph Cotten) Bonanova)
Emily Monroe Norton Kane (Ruth Rawlston (Philip Van Zandt)
Warrick)
Raymond (Paul Stewart)
Walter Parks Thatcher (George Coulouris)
Jerry Thompson (William Alland)

Leni Riefenstahl
Helene Bertha Amalie,
Berlín, 22 de agosto de 1902 –
Pöcking, Baviera; 8 de
septiembre de 2003, fue
una actriz, fotógrafa
y cineasta alemana, célebre por
sus talentosas
producciones propagandísticas
del régimen de la Alemania nazi

Marcel Carné
París, 18 de
agosto de 1906 -
Clamart, 31 de
octubre de 1996, fue un
destacado director de
cine francés realizador
de Les Enfants du
paradis,El muelle de las
brumas y Hôtel du Nord

Jean Renoir
París, 15 de
septiembre de 1894 - Beverly
Hills, 12 de febrero de 1979,
fue un director de
cine, guionista y actor francés.
Era el segundo hijo del
famoso
pintor impresionista Pierre-
Auguste Renoir

DESARROLLO DEL CINE EN COLOR
Los experimentos con película de color habían comenzado ya en
1906, pero sólo se había usado como curiosidad.
Los sistemas ensayados, como el Technicolor de
dos colores, fueron decepcionantes y fracasaban en el intento de
entusiasmar al público

El Technicolor
Fue el primer intento efectivo de la industria cinematográfica para dejar atrás
el blanco y negro y reproducir en pantalla los colores filmados en la realidad.
Su nombre proviene de las palabras en inglés Technic (Técnica)
y Color (Color). Sus primeros grandes exponentes son las super producciones
clásicas Lo que el viento se llevó (1939) y El Mago de Oz (1939), ambas
dirigidas por Víctor Fleming

Se conseguía por la filmación simultánea de
tres películas dentro de la misma cámara, cada
una contaba con filtros para que
fuera impresionada sólo por un color. Después,
tras un proceso de tintura, que más tenía que
ver con la imprenta que con la fotografía se
sacaba una sola copia que al ser proyectada
mantenía los colores de la realidad

Technicolor de dos colores
El primero de ellos se estrenó en 1917, se
conoce como proceso 1 y sólo se produjo una
única película en este formato, The Gulf
Between, de la cual sólo se conservan algunos
fotogramas. En 1922 se estrenó el proceso 2,
bautizado por los académicos como Technicolor
de dos tiras. En ese mismo 1928, sólo un día
después de The Cavalier, se estrenó la primera
película que usaba el proceso 3, titulada The
Viking

Síntesis sustractiva de colores

Technicolor de tres colores

El proceso de Technicolor de tres colores fue
introducido en 1932, y fue el llamado proceso 4. Se
basaba en un doble prisma. El primero de ellos
descomponía la luz en magenta y verde, imprimiéndose
una primera película para el verde

Decadencia de Technicolor

El Padrino II se convirtió en la última película
americana en usar el proceso tradicional. En
1983, Eastman corrigió el defecto de
conservación de su proceso, y ya sólo
quedaron China y Hong Kong, que habían
comprado la planta británica de Technicolor en
1978, usándola hasta su cierre definitivo en
1993.

Decadencia de Technicolor

A mediados de los noventa y principios
del siglo XXI, el proceso tradicional de
Technicolor vivió un breve
resurgimiento, reutilizándose en
películas como Pearl Harbor y Toy
Story entre otras.

Rouben Mamoulian
Tiflis, Georgia 8 de
octubre de 1897 – Los
Ángeles 4 de
diciembre de 1987 fue
un director de cine
armenio-
estadounidense y
director de teatro.

Metro-Goldwyn-Mayer Inc
Es una gran compañía, involucrada principalmente en la
producción y distribución de películas de cine y programas
de televisión. Sus principales subsidiarios fueron MGM Studios
Inc., United Artists Corporation y Orion Pictures
Corporation(adquirida en 1997)

Metro-Goldwyn-Mayer Inc
Todo esto comenzó
con Metro Pictures
Corporation, fundada
en 1915 por Richard A.
Rowland (1880-
1947). Louis B. Mayer,
trabajó para Metro
Pictures, pero
en 1918 abandonó y creó
su propia compañía, Louis
B. Mayer Pictures

Delbert Martin Mann, Jr
Lawrence, Kansas, Estados
Unidos, 30 de enero de 1920 - Los
Ángeles, California, EE. UU., 11 de
noviembre de2007, fue un
destacado director estadounidense
de cine y televisión, ganador de
un premio Óscar al mejor
director en 1955

Otto Ludwig Preminger
Wiznitz, 5 de
diciembre de 1905 -
Nueva York, 23 de
abril de 1986, fue
un director de
cine estadounidense de
origen judeo-austríaco

EL CINE COMERCIAL DESPUÉS DE
LA II GUERRA MUNDIAL
En la posguerra, la llegada de la televisión supuso un desafío a la
industria del cine que aún hoy perdura, cayendo la audiencia de unos 85
millones de espectadores anuales en Estados Unidos durante la guerra a
apenas 45 millones a finales de la década de 1950.

CINE LATINOAMERICANO
Los dos países latinoamericanos que
poseen una industria cinematográfica más
sólida y con mayor tradición son México y
Argentina.

MÉXICO.
En 1920, se crean en México los estudios Camus y, ocho años
más tarde, Cándida Beltrán, pionera de las realizadoras
mexicanas, dirige El secreto de la abuela. Más fuerte que el
deber (1930), de Rafael J. Sevilla, inaugura formalmente el
cine sonoro mexicano, con técnicos que se habían formado en
Hollywood.

MARIO FORTINO ALFONSO
MORENO REYES.
Nació en (Ciudad de
México, México, 12 de
agosto de 1911 –
Murió, 20 de
abril de 1993), mejor
conocido como Cantinflas,
fue un actor y
comediante mexicano,
ganador del Globo de
Oro en 1957.

PELÍCULAS CONSAGRADAS EN MÉXICO.

En 1940 se consagra Mario Moreno, Cantinflas, con la película Ahí está el detalle, de Juan
Bustillo Oro. En esta década se producen películas cuya calidad sería reconocida en todo
el mundo, como María Candelaria (1943), de Emilio Fernández; Doña Bárbara (1943), de
Fernando de Fuentes, o Distinto amanecer (1943), de Julio Bracho. Es también la década
de los grandes actores mexicanos, como Dolores del Río, María Félix, Pedro Armendáriz y
Jorge Negrete.

ARGENTINA.
Su industria se remonta a 1915, año en que se realizó Nobleza gaucha,
de Humberto Cairo, el mayor éxito del cine mudo argentino. En 1917
debuta en el cine Carlos Gardel con Flor de durazno. En la década de
1930 se construyen los estudios Liminton y Argentina Sono Film.

En 1955 fue invitado Emilio Fernández, el
gran director mexicano, para realizar en
Argentina, La Tierra del Fuego se apaga. En
los años sesenta apareció lo que se llamó
nuevo cine argentino, con películas como
Alias Gardelito (1961), de Lautaro Murúa. El
gran cineasta argentino Torre Nilsson
realiza una nueva versión de Martín
Fierro en 1968.

EMILIO FERNÁNDEZ ROMO.
Nació en (Mineral del
Hondo, Coahuila, México, 26 de
marzo de 1904. Murió en Ciudad
de México, 6 de
agosto de 1986), fue un
destacado director, actor y
productor de cine mexicano muy
conocido por el mote de El
Indio, gran artífice y genial
protagonista de la Época de
Oro del cine mexicano.

VENEZUELA.
El 11 de Julio de 1896 se presenta por
primera vez en Maracaibo el Vitascopio
de Edison, posteriormente en
Caracas, Valencia y Barquisimeto.

El 28 de Enero en el Teatro Baralt de
Maracaibo se estrenan los cuadros. Un
célebre especialista sacando muelas en el
Gran Hotel Europa y muchachas
bañándose en la laguna de Maracaibo,
primeros registros cinematográficos
realizados en suelo venezolano.

1916 – Primera película de larga ficción.
Se realiza en Caracas La Dama de las
Cayenas de Enrique Zimmermann.

1925 – Primera Gran sala de Cine. Se
inaugura el Cine Ayacucho, diseñado por
Alejandro Chataing, con capacidad para
más de 1.300 localidades.

Primera proyección sonora (1930).
El 3 de Julio, en Maracaibo, se proyecta con un equipo Western
Eletric El Cuerpo del Delito, una de las primeras producciones
sonoras en doble versión español – inglés de la Paramount.

Primer filme con sonido incorporado (1932) : La Venus de Nácar,
ficción musicalizada, realizada en los Laboratorios Nacionales.

Primer filme con sonido sincrónico(1938): Taboga, un
cortometraje con diálogos y musicalización.

LOS NUEVOS CINEASTAS
ESTADOUNIDENSES.
Algunos de ellos, como Stanley Kubrick,
Woody Allen, Arthur Penn, Francis Ford
Coppola o Martin Scorsese.
Otros directores, como Robert Altman, John
Cassavetes o John Sayles.

John Cassavetes o John Sayles.

Stanley Kubrick produjo durante unos
años una serie de obras interesantes,
desde la sátira política de
¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú
(1963), hasta el desafío técnico de 2001:
una odisea del espacio (1968), la
meticulosa adaptación del siglo XVIII de
Barry Lyndon (1975) o el horror gótico
de El resplandor (1980).

Sus mejores películas siguen siendo las
primeras: Atraco perfecto (1956),
hermosa síntesis del género policiaco ,
de un fatalismo poético; Senderos de
gloria (1957), una de las mejores
películas antibélicas de la historia;
Espartaco (1960), sobre la revuelta de
los esclavos romanos, y Lolita (1962),
todas ellas además magistralmente
interpretadas.

El padrino (1972), un éxito comercial de tal
magnitud que le permite hacer la personal La
conversación (1973), a la que sigue la
producción de American Graffiti (1973), de
George Lucas.

El padrino II (1974) y Apocalypse now (1979),
adaptación del relato corto de Joseph
Conrad "El corazón de las tinieblas". Ésta resulta
una gran obra aclamada por la crítica pero con
un irregular resultado de público.

Vuelve a conseguir el éxito con Tucker: un
hombre y su sueño (1988), otra obra
maestra. Cierra el ciclo de la familia
Corleone con El padrino III (1990). De
nuevo obtuvo gran éxito de público en
todo el mundo con su particular Drácula
(1992).

Martin Scorsese, autor de Malas
calles (1973), Taxi Driver (1976), Toro
salvaje (1980), Uno de los nuestros
(1990), La edad de la inocencia (1993)
o Casino (1995).
Robert Altman, tras un enorme éxito
comercial con M*A*S*H* (1970), que
se convirtió posteriormente en una
larga y popular serie de televisión.

En sus obras más recientes vuelve a
recuperar el contacto con el
espectador, como en El juego de
Hollywood (1991), una comedia negra
sobre las intrigas de la producción
cinematográfica hollywoodiense, Vidas
cruzadas (1993) y Prêt-à-porter (1994)
y Kansas City (1996).

Cassavetes, actor-director cuyo
primer largometraje fue el
documental experimental Sombras
(1960), se sumó a la producción
convencional tras su éxito comercial
con Faces (1968), que repetiría con
Una mujer bajo la influencia (1974),
protagonizada por su mujer, Gena
Rowlands.

John Sayles, escritor-director-actor
independiente, consiguió el aplauso de
la crítica por películas como Return of
the Secaucus Seven (1980), Matewan
(1987) y Passion Fish (Peces de
pasión, 1992). Spike Lee, que
escribió, dirigió, produjo y protagonizó
películas tan alabadas por la crítica y por
el público como Nola Darling
(1986), Haz lo que debas (1989) o
Malcolm X (1992).

FANTASÍAS DE GRAN PRESUPUESTO

La industria de Hollywood continúan
haciendo otras líneas de producción
para
el consumo masivo, especialmente de
niños y adolescentes.

Se basan principalmente, en el
efectismo que las nuevas tecnologías
y los grandes presupuestos permiten.

Dentro de esta categoría figuran las películas de
catástrofes, como La aventura del Poseidón (1972), de Ronald
Neame, El coloso en llamas (1974), de John Guillermin e Irvin
Allen, o Titanic (1997), de James Cameron, galardonada con 11
oscars de la Academia; las recreaciones de personajes del
cómic, como Superman (1978), de Richard Donner, y Batman
(1989), de Tim Burton, y sus interminables secuelas.

En estos géneros comerciales ha
destacado Steven Spielberg, desde Tiburón
(1975).

Las películas bélicas de ciencia ficción
como La guerra de las galaxias (1977), de
George Lucas.

Ciencia ficción Encuentros en la tercera
fase (1977) y E.T. el extraterrestre (1982).

En la serie de Indiana Jones recrea el cine
clásico de aventuras: En busca del arca
perdida (1981), Indiana Jones y el templo
maldito (1984) e Indiana Jones y la última
cruzada (1989).

Los disparatados costos de estas
megalómanas películas han llevado
a varios estudios a la bancarrota y
han forzado a otros a producir sólo 2
o 3 películas al año, con lo que
la oferta de películas disponibles se
reduce, fenómeno que tiende a
intensificarse con las políticas de
marketing aplicadas desde
comienzos de los noventa.

En Estados Unidos, aunque se siguen produciendo
películas intimistas, más basadas en el guión, la
interpretación y la habilidad de los realizadores, como
Kramer contra Kramer (1979), Gente corriente (1980) o
Paseando a Miss Daisy (1989), son a menudo (por no ser
fantásticas ni efectistas y por tratar de analizar o recrear la
realidad cotidiana) consideradas una empresa azarosa por
los distribuidores, lo que facilita aún menos su pervivencia.

COLOMBIA

La historia del cine en Colombia inicia en
1897 cuando se registra la llegada del
cinematógrafo al país. Solo dos años
antes, el aparato de los Hermanos
Lumière habría hecho su legendaria
aparición pública en París y con la
reciente euforia ocasionada alrededor
del mundo por la aparición del invento.

Muchos camarógrafos extranjeros
se volcaron con sus cámaras en
busca de nuevos paisajes por
descubrir, de esta forma se conoce
que algunos incursionaron en
territorio colombiano aquel año
donde se realizaron exhibiciones
inicialmente en la ciudad de
Colón, por entonces todavía ciudad
colombiana.

De allí pasó a Barranquilla, luego
a Bucaramanga para llegar más
tarde a la capital; Bogotá donde
en agosto de ese mismo año fue
presentado en sociedad en el
Teatro Municipal, que estaba
localizado en la Carrera 8 y fue
posteriormente demolido.

Los Hermanos Di Doménico propietarios del Salón
Olympia de Bogotá, quienes también producirían
la primera película documental "El drama del
quince de Octubre" que narra el asesinato del
general Rafael Uribe Uribe desatando una gran
polémica.

El cine mudo en Colombia.
Durante los primeros años los realizadores de cine se dedicaban a
hacer filmaciones de paisajes y reportajes noticiosos para su
exhibición pública y solo hasta 1922, aparece el primer
largometraje de ficción llamado "María" (de la cual hoy no existen
copias) dirigida por Máximo Calvo Olmedo un inmigrante español
que trabajaba como distribuidor de cine en Panamá y fue
contratado para viajar a Cali donde realizaría el filme basado en la
novela homónima de Jorge Isaac.

Arturo Acevedo Vallarino.
Director de teatro antioqueño que vivía de
hacer obras de teatro en Bogotá, por la
llegada del cine, Acevedo decidió fundar la
compañía Acevedo e Hijos, casa productora
de mayor duración y continuidad dentro de
la historia del cine colombiano con 23 años
de existencia (1923 a 1946)

El país que se recuperaba
de devastadoras guerras
civiles y de la pérdida del
Canal de Panamá; por lo
que por esta época, se
filma películas como Garras
de oro (1926) que
abordaba el polémico tema
de la separación de Panamá
de Colombia en 1914
criticando el papel de
Estados Unidos en la toma.

La crisis de la década de 1930.
Tras lo que parecía una floreciente
industria, en el año (1928), la empresa Cine
Colombia compró los estudios de los
Hermanos Di Domenico , cerrando los
únicos laboratorios existentes en Colombia
para dedicarse únicamente a la exhibición
de películas extranjeras que le
proporcionaban buenos dividendos, con lo
que se aniquiló de inmediato la producción
nacional.

Fue así como desde 1928 hasta 1940 en
Colombia no se produjo ni un solo
largometraje (a excepción de Al son de las
guitarras de Alberto Santana, que nunca fue
estrenado). De este período sobreviven, no
obstante, numerosos cortometrajes.

La transición del cine mudo al cine
sonoro, se inició en todo el mundo en
1927, agravó el atraso tecnológico que
afectaba a los productores colombianos.
El cine sonoro era mucho más costoso y
complicado de hacer, y las compañías
locales no estaban en condiciones de
competir con las películas de
Hollywood, que ofrecían a los
distribuidores gran perfección
técnica, taquilla confiable y precios muy

DUCRANE FILMS
Dirigida por Oswaldo Duperly,
un empresario bogotano que
había vivido en Estados Unidos.
Empezaron en 1939 realizando
cortos publicitarios y noticieros,
para luego producir Allá en el
Trapiche (1943), Golpe de
Gracia (1944), y Sendero de Luz
(1945).

CALVO FILM
COMPANY
Dirigida por el español
Máximo Calvo, quien había
llegado a Colombia en
tiempos del cine mudo, para
dirigir una adaptación de la
novela María (1922). Realizó
Flores del Valle (1941) y
Castigo del Fanfarrón (1945).

PATRIA FILMS
Formada por los actores
chilenos de la compañía de
variedades Álvarez-Sierra.
Participaron en Allá en
el Trapiche, y produjeron
Antonia Santos
(1944), Bambucos y Corazones
(1945), y El sereno de Bogotá
(1945).

COFILMA
Compañía antioqueña
formada por
inversionistas locales.
Produjeron Anarkos
(1944) y La canción de mi
tierra (1945).

La falta de oportunidades comerciales
y apoyo estatal no impidió que en los
años 1950 se ensayaran distintos
modelos de producción. Quizás el más
interesante fue el cortometraje
surrealista La langosta azul (1954),
producido por un grupo de artistas de
la costa Atlántica entre quienes se
contaban Gabriel García Márquez y
Enrique Grau.

Otro de los artistas que intentarían
lograr desarrollar una carrera
cinematográfica en el país fue Fernando
Vallejo, quien durante la década de
1980 intentó realizar producciones
cinematográficas que no solo no
lograron apoyo estatal sino que fueron
censuradas. A pesar de que Vallejo
intentaba retratar en sus películas la
problemática de la violencia nacional,
tuvo que realizarlas en México.

CINE DE LA PORNOMISERIA

Fue el término que se empleó por la crítica
en Colombia durante los años 1970 para
denominar a aquel cine que se valía de la
pobreza y la miseria humana para hacer
dinero y conseguir reconocimiento
internacional. La intención no era criticar el
cine que relataba la realidad sino señalar a
aquellos realizadores que, con afán
oportunista y escaso compromiso social.

Una de las películas más atacadas desde
esta perspectiva fue Gamin, (1978) de
Ciro Durán un documental sobre los
niños de la calle que además de hacer
tomas típicas de la pobreza en la calle,
se valía de
la puesta en escena para recrear
situaciones como la de niños robando
radios de automóviles.

Niño de la calle, una de las típicas escenas aprovechadas
por la Pornomiseria en los años 1970.

FOCINE.
El 28 de julio de (1978), nace la
Compañía de Fomento
Cinematográfico (FOCINE), para
administrar el Fondo de Fomento
Cinematográfico que había sido
creado un año antes.

Dentro de este periodo se destacaron
las producciones de Carlos Mayolo, por
su exploración de lenguajes no
convencionales así como las comedias
de Gustavo Nieto Roa que a pesar de
ser consideradas por la crítica como
películas de pocas pretensiones
artísticas lograban importantes
ingresos en taquilla al adaptar la
fórmula del cine mexicano que apelaba
a los elementos populares.

Paralelamente a la creación de
FOCINE, el cineasta y Luis Ospina
crearía SINCINCO, Sindicato de
Cineastas Colombianos.

Los cineastas Carlos Mayolo y Luis
Ospina realizaron el documental
Agarrando pueblo donde hacían una
sátira de la pornomiseria.

EL CINE DE HOY
La última década del siglo XX. Los realizadores
del país volcaban sus esperanzas en las
coproducciones con países europeos y el capital
privado que muy pocas veces invertía en dichos
proyectos, sin embargo se realizaron algunas
películas destacadas como lo fueron las
producciones del cineasta Sergio Cabrera cuya
película “La estrategia del caracol en (1994)”
provocó una gran interés del público del país
superando, el millón y medio de espectadores.

LEY DE CINE.
La Ley 814 de 2003, conocida como Ley del Cine fue aprobada en
segundo debate en la plenaria del senado, por lo cual: "se dictan
normas para el fomento de la actividad cinematográfica en
Colombia", por medio de cobro de impuestos a distribuidores,
exhibidores y productores de cine, cuyo recaudo estará
destinado a apoyar a realizadores de largometrajes,
cortometrajes y documentales, así como proyectos de formación
de públicos.

Dichos fondos son administrados por El
Fondo Mixto de Promoción
Cinematográfica PROIMAGENES en
Movimiento. Gracias a esta ley durante
la primera década del siglo XXI la
producción cinematográfica ha
“aumentado” significativamente.

PROYECCIÓN INTERNACIONAL.

El cine colombiano ha tenido una muy
escasa presencia en escenarios
internacionales, sin embargo algunos
documentales de los años 1970 lograron
cierto reconocimiento, tal es el caso de
Chircales (1972), de Marta Rodríguez y
Jorge Silva que logró varios premios
internacionales.

El cineasta Víctor Gaviria logró que sus
películas Rodrigo D: No futuro (1990), y
La vendedora de rosas (1998), ganaran
numerosos premios de prestigio
internacional y llegaran a ser nominadas
a la Palma de Oro en el Festival de Cine
de Cannes, el más importante en el
mundo.

Festivales.
El país cuenta con diferentes festivales, entre
ellos, el Festival internacional de cine de
Cartagena que se lleva a cabo desde de 1960
en la ciudad de Cartagena de Indias y cada año
se encarga de premiar lo mejor del cine
Iberoamericano entregando a los ganadores la
estatuilla denominada India Catalina y el
Festival de cine de Bogotá cuya primera edición
fue en 1984 y está especializado en premiar
con el "Círculo Precolombino" a nuevos
directores a nivel mundial.

ORIGENES
El primer sistema de cine en 3D que se
patentó fue en 1890 y lo realizó William
Friese-Greene.

considerado un pionero
del cine, patentó el
primer sistema
cinematográfico en
3D,pero no tuvo éxito
debido a lo complejo del
mecanismo.

En 1900, Frederick Eugene Ives patentó una cámara con
dos lentes pero tampoco tuvo ninguna repercusión
práctica. Lo mismo les sucedió a Edwin S.Porter y
William E. Waden que ni siquiera lograron pasar de la
fase de ensayo cuando, 15 años más tarde, presentaron
al público una separación de las imágenes basada en los
colores rojo y verde, donde cada color era “leído” por
sólo uno de los ojos, gracias a unas gafas con cristales
rojo y verde.

El 27 de septiembre de 1922, sale la primera
película en 3D en salas comerciales usando el
sistema de dos proyectores. Su título fue The
Power of Love. Posteriormente se sucedieron
grabaciones en las que se usaban cámaras
estereoscópicas.

La película “The Power of Love”. Para
lograr el efecto tridimensional, el
productor Harry K. Fairall y la cámara
Robert F. Elder utilizaron la doble
proyección a partir de 2 tiras de
película y, de nuevo, separando la
imagen mediante los colores rojo y
verde. La película no tuvo ningún éxito
pero fue el verdadero inicio del interés
real por la cinematografía en 3D.

Con la caída de Wall Street en 1929, el
desarrollo del cine tridimensional se detuvo,
de modo que hubo que esperar hasta que, en
1934, mientras la Metro Golden Mayer
obtenía algunos éxitos con cortos rodados en
3D, Louis Lumière presentó el remake
tridimensional de su famosa película “Llegada
del tren”, rodada con una cámara
estereoscópica.

Louis Lumière presentó el remake tridimensional de su famosa
película “Llegada del tren”

3D A COLOR
Aunque todas las películas en 3D se rodaban en
color, el paso a la separación en colores
(anáglifo) hacía que los espectadores sólo
obtuvieran una imagen en blanco y negro.

La llegada de los filtros polarizados
patentados por Polaroid supuso un
gran cambio, ya que no sólo era
posible revelar las películas en color
sino que se sustituía el uso de las gafas
con cristales de color rojo y verde por
otras con filtros polarizados de
Polaroid.

En 1937 se proyectó la primera película en 3D
en color: “Zum greifen nah”, producida en
Alemania, utilizando filtros Polaroid, aunque de
forma no oficial. La primera que oficialmente
utilizó filtros Polaroid se llamaba “In Tune with
Tomorrow” y fue presentada en la Exposición
Mundial celebrada en Nueva York en 1939 y,
aunque se proyectó inicialmente en blanco y
negro, alcanzó tal éxito que al año siguiente se
hizo un remake en color.

Fue Arch Oboler quien se encargaría de
su nuevo resurgimiento creando el
nuevo sistema Space-Vision 3D que
imprimía dos imágenes superpuestas en
una sola tira de película y que permitía
utilizar un único proyector equipado con
una lente especial.

La nueva cámara Pace Fusion 3D usada
en Avatar

En 1970, la marca Stereo-Vision desarrolló
otro sistema, en el que las imágenes eran
comprimidas una al lado de la otra sobre una
misma tira de película de 35 mm y
proyectadas mediante una lente anamórfica a
través de filtros Polaroid. Con este sistema se
eliminaba el peligro de la desincronización.

En los años ochenta, el formato IMAX
supuso un nuevo despegue del cine en
3D, pero no duró mucho tiempo. En los
inicios del nuevo milenio, el director
James Cameron dio nueva vida a este
formato con la película 'Ghosts of
theAbyss’, el primer largometraje en
editarse en formato 3D-IMAX en 2003.

Novedades en 3D
En la actualidad, el Cine 3D está teniendo
muchísima repercusión. Películas contemporáneas
como Toy Story 3, Cars 2, Kung Fu Panda 2,
Linterna verde, Transformers: The Dark of the
Moon , El Rey Leon , Los Pitufos, Harry Potter y las
Reliquias de la Muerte, The Amazing Spider-Man
(película), Madagascar 3 y Don Gato y su pandilla
tienen sus versiones tridimensionales que
atrajeron enormemente al público.

La conversión mas exitosa de una película
inicialmente grabada en 2d y convertida a las
3d es Titanic, de James Cameron. Debido a los
excelentes resultados que tuvo el cine 3D, la
televisión buscó la manera de hacer que la
tridimensionalidad entre en su área de una
forma alcanzable para los usuarios. Empresas
como Sony, Samsung y Panasonic ya están
vendiendo televisores con esta tecnología en
algunas partes del mundo.

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