2. O impressionismo nasceu em abril de 1874, quando um
grupo de jovens artistas de Paris - Claude Monet, Pierre-
Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Alfred Sisley,
Berthe Morrissot e Paul Cezanne entre eles - frustrados
com a contínua exclusão de suas obras dos salões oficiais,
reuniu-se com o objetivo de realizar as próprias exposições
no estúdio do fotografo Félix Nadar.
Essa exposição foi recebida com curiosidade e confusão
por parte do público. A chacota, manifestado pela imprensa
popular, e o título da tela de Monet, Impressão, sol
nascente (c. 1872), levaram Louis Leroy, um crítico
desdenhoso, a dar ao grupo o nome de “impressionistas”.

3. Claude Monet, “Impressões do Sol Nascente”, 1872 D.C.

4. O caráter de esboço e a aparente falta de acabamento do
trabalho desses artistas, que provocaram objeções por
parte dos primeiros críticos, eram exatamente aquelas
qualidades que críticos mais receptivos identificariam mais
tarde como constituindo seu vigor. O que unia esse grupo
de artistas diversos era sua rejeição ao convencional da
arte e seu monopólio sobre o que podia ser exposto. Mais
para o fim do século XIX a academia ainda promovia os
ideais da Renascença, opinando que o tema da arte
deveria ser nobre ou instrutivo e que o valor de uma obra
de arte poderia ser julgado por sua “parecença” descritiva
com os objetos naturais. A ação contestatória dos
impressionistas – que se rebelavam contra as convenções
e o poder dos tradicionais guardiões da cultura, ao
promoverem uma exposição independente – foi um modelo
para os inovadores do século seguinte. Do mesmo modo,
haveria de se tornar procedimento corriqueiro o fato de
críticos sarcásticos ou escandalizados criarem “ismos”
para descrever uma nova e radical forma de arte.

5. Desde meados do século XIX Paris havia se tornado a
primeira metrópole verdadeiramente moderna, física e
socialmente, e muitas obras dos impressionistas captavam
a nova paisagem urbana parisiense. O papel da arte em
uma sociedade modificada era objeto dos debates
artísticos, literários e sociais do momento e os
impressionistas tinham consciência da própria
modernidade ao incorporar novas técnicas, teorias,
práticas e variedades nos temas tratados. Seu interesse
em captar a impressão visual de uma cena, em captar
aquilo que o olho via, no lugar daquilo que o artista sabia,
foi tão revolucionário quanto sua prática de trabalhar ao ar
livre (e não unicamente no ateliê) com o intuito de observar
o jogo da luz e das cores. Evitar temas históricos ou
alegóricos e insistir nos momentos fugazes da vida
moderna – a fim de criar aquilo que Monet denominava
“um trabalho espontâneo, no lugar de um trabalho
calculado” – marcou uma ruptura definitiva com os temas e
procedimentos até então aceitos.

6. Pierre-Auguste Renoir “O Baile no Moulin de La Gallete”, 1876.

7. Não é exagero afirmar que em toda a década de 1870, a
maior parte das obras dos impressionistas denotava
preocupação com os efeitos de luz sobre as paisagens,
mas no início da década seguinte ocorreu uma mudança
que se costuma designar como a “crise impressionista”.
Muitos artistas começaram a sentir que, ao tentar captar a
luz e a qualidade efêmera da atmosfera, eles haviam
levado longe demais a erosão da figura e, a partir desse
momento, o movimento se diversificou. O grupo começou a
retratar uma gama mais ampla de temas. A crise, que
também afetou a geração mais nova que expunha com os
impressionistas, resultaria mais tarde em divergências
radicais com as ideias originais desses mesmos artistas.
Paul Gauguin, Paul Cezanne, Georges Seurat e Paul Signac,
por exemplo, acabaram criando seus próprios estilos.

8. Edgar Degas, “A Aula de Dança”, 1875.

9. No final da década de 1880 e na década de 1890
o impressionismo foi aceito como um estilo
artístico válido, disseminando-se pela Europa e
Estados Unidos. Na virada do século a Alemanha
se mostrou particularmente receptiva a influencias
externas, e as novas técnicas francesas foram
transplantadas para o naturalismo local, que então
prevalecia. Nos Estados Unidos o impressionismo
foi acolhido com entusiasmo pela imprensa, o
público, os artistas e os colecionadores e algumas
das mais importantes coleções impressionistas se
encontram hoje naquele país.

10. Auguste Rodin, “O Beijo”, 1889.

11. Apesar da existência das obras escultóricas de
Degas e Renoir, não houve escultores diretamente
filiados o movimento. No entanto, como o termo
passou a se referir a um estilo geral, e não às
pinturas do grupo original, a obra do escultor
francês Auguste Rodin e do italiano Medardo Rosso
foram denominadas impressionistas. Suas
esculturas transportam para a terceira dimensão o
interesse por luz, espontaneidade, movimento,
fragmentação e desintegração da forma operados
pelo jogo de luz e sombra. Da mesma forma, obras
de outras áreas que procuram captar impressões
transitórias são denominadas com freqüência
“impressionistas”, a exemplo das músicas de Ravel
e Debussy e até mesmo dos romances de Virgínia
Wolf. (DEMPSEY, 2008, p 14-18)

12. O termo pós-impressionismo foi cunhado pelo crítico e pintor inglês
Roger Fry, que organizou a exposição Manet e os Pós-Impressionistas
nas Grafton Galleries em Londres, de novembro de 1910 a janeiro de
1911, marcando a primeira tentativa de se apresentar ao público inglês
as obras de uma geração que se seguiu aos impressionistas. A
exposição continha cerca de 150 obras, incluindo telas de Gauguin,
Van Gogh, Cezanne, Denis, Derain, Manet, Matisse, Picasso, Redon,
Rouault, Serusier, Seurat, Signac, Vallotton e Valminck, artistas também
denominados neo-impressionistas, sintetistas, nabis, simbolistas e
fauves. Na verdade, o pós-impressionismo jamais foi um movimento
coerente, mas um termo amplo, aplicado retrospectivamente para
abarcar uma arte que Roger Fry via como algo que brotava do
impressionismo ou que a ele reagia. Seguindo seus conceitos, os
críticos empregaram subseqüentemente o termo para cobrir a
diversidade de estilos entre 1880 (fase final do impressionismo) e
1905 (a emergência dos fauves), e para descrever com imprecisão
artistas que não se poderiam caracterizar com facilidade, tais como
Paul Cezanne, Vincent Van Gogh e Henry de Tolouse Lautrec. Algumas
das características fundamentais da arte pós-impressionista são mais
bem percebidas nas obras desses três pintores.

13. Paul Gauguin, “Mulheres do Taiti” ou “Na Praia”, 1891.

14. Georges Seurat, “Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte”, 1884-86.

15. Cezanne, ao contrário dos impressionistas não
tinha seu interesse nas qualidades efêmeras da
luz e nos momentos fugazes, mas na estrutura da
natureza. Ele se deu conta de que o olhar
apreende uma cena de modo simultâneo e
consecutivo e, em sua obra, a perspectiva única dá
lugar a uma visão cambiante, admitindo o fato de
que a perspectiva muda à medida que os olhos e a
cabeça se movimentam e que os objetos, vistos
em conjunto, participam mutuamente de sua
existência. Cezanne via as formas geométricas não
como um fim em si, mas como um meio de
arquitetar a natureza no mundo paralelo da arte. É
sua a famosa frase: “Trate a natureza em termos
de suas formas geométricas da esfera, do cilindro
e do cone”.

16. Paul Cezanne, “A Montanha Sta Victoria”, 1902-04 e “Maçãs, Pêssegos, Peras e Uvas”, 1879-80.

17. Vincent Van Gogh também foi influenciado pelos
impressionistas quando jovem. Após mudar-se para Paris em
fevereiro de 1886, conheceu Pissarro, Degas, Gauguin, Seurat
e Lautrec e começou a estudar as gravuras japonesas. Os
temas do realismo social desapareceram do seu trabalho e
sua paleta tornou-se mais brilhante, produzindo um estilo
maduro, caracterizado por cores vibrantes, saboreadas devido
a suas possibilidades simbólicas e expressivas. “Em vez de
tentar reproduzir exatamente o que tenho diante dos meus
olhos”, ele escreveu, “emprego a cor mais arbitrariamente de
modo a expressar-me com maior eficácia.” Após breve
experiência, quando trabalhou a maneira do divisionismo de
Seurat, desenvolveu aquele estilo de pinceladas amplas,
vigorosas e espiraladas pelas quais é conhecido. Van Gogh
estudou intensamente a natureza, assim como fizera
Cezanne; após mudar-se para Arles em 1888 pintou mais de
duzentas telas em quinze meses. Durante a vida o pintor só
vendeu um quadro, mas após a sua morte sua obra
consagrou-se, influenciando de maneira profunda a arte do
início do século XX.

18. Vincent Van Gogh, “O Campo de Trigo Debaixo de Céus Ameaçadores”, 1890.

19. Já Tolouse Lautrec foi amplamente festejado em sua época.
Ele se interessava pelos impressionistas, sobretudo Degas,
conheceu Van Gogh e também entrou em contato com
Gauguin em 1888. As gravuras japonesas o influenciaram
fortemente e seu estilo logo começou a evidenciar seus
padrões ousados e sua linha caligráfica. Pierre Bonnard, o
pintor nabi, deu-lhe conselhos sobre as técnicas litográficas
que logo usaria com proveito. Por volta de 1888 Lautrec
começou a pintar os temas pelos quais é conhecido –
teatros, cabarés (sobretudo o Moulin Rouge), cafés, circos e
bordéis. Embora o tema e o interesse pelas figuras em
movimento sejam semelhantes ao do próprio Degas, as
figuras de Lautrec não são tipos representativos, mas
pessoas identificáveis, seus amigos sobretudo, pintados ou
desenhados a partir de observação direta. (DEMPSEY,
2008, p 45-48).

20. Henry de Tolouse-Lautrec, “No Moulin Rouge”, 1892-95.