1. UNIVERSIDAD DE COSTA RICA
SEDE RODRIGO FACIO
FACULTAD DE BELLAS ARTES
ESCUELA DE ARTES PLÁSTICAS
CURSO DISEÑO I
MUJERES DE PAPEL
Trabajo de investigación acerca de Audrey Kawasaki
Estudiante:
NATHALIA RETANA ROJAS.
B25504.
Profesora:
RAQUEL VALVERDE RODRÍGUEZ
San Pedro, San José, 2012

2. Tabla de contenido
INTRODUCCIÓN......................................................................................................3
Objetivos.................................................................................................................3
Objetivo General.................................................................................................3
Objetivos específicos..........................................................................................3
Tema .......................................................................................................................3
Enfoque...................................................................................................................3
Justificación ............................................................................................................4
Antecedentes...........................................................................................................6
DESARROLLO........................................................................................................10
Biografía de Audrey Kawasaki.............................................................................10
Análisis formal de la obra de Audrey Kawasaki, enfoque en las exposiciones
“Restlessly Still”, “Hajimari” y “The Drawing Room” ...................................................11
Materiales .........................................................................................................12
Corriente y estilo...............................................................................................13
Elementos de diseño .........................................................................................16
Análisis de contendido de la obra de Audrey Kawasaki, enfoque en las
exposiciones “Restlessly Still”, “Hajimari” y “The Drawing Room”..............................18
Simbología y semántica....................................................................................18
Conclusiones............................................................. Error! Bookmark not defined.

3. INTRODUCCIÓN
Objetivos
Objetivo General
Crear una obra artística bidimensional basada en el estudio de la técnica, temas y
estilo de composición de la artista Audrey Kawasaki.
Objetivos específicos
Describir brevemente la biografía de la artista Audrey Kawasaki.
Identificar las principales características de la corriente Art Nouveau como
movimiento artístico de renovación.
Identificar las principales características del dibujo estilo Manga como influencia
del arte contemporáneo.
Utilizar las técnicas de lápiz de color, marcador y grafito como métodos de
coloración en las obras bidimensionales.
Interpretar el contenido simbólico y compositivo presente en la obra de Audrey
Kawasaki en las exposiciones Restlessly Still (Merrry Karnowski Gallery),
Hajimari (Jonathan Levine Gallery) y The drawing room (Thinkspace Gallery).
Tema
Análisis, estudio y composición con base en la obra de Audrey Kawasaki en las
exhibiciones Restlessly Still (Merrry Karnowski Gallery), Hajimari (Jonathan Levine
Gallery) y The drawing room (Thinkspace Gallery).
Enfoque
Para el trabajo a realizar, se ha escogido un enfoque cualitativo, ya que este permite
la descripción de la trayectoria artística escogida, así como el estilo de técnica y corriente
de la que se autodenomina parte la artista. La investigación, al no abarcar la medición de
datos, no se considera ni mixta ni cuantitativa.

4. Con el propósito de la creación de una pieza de diseño bidimensional inspirada en la
obra de Audrey Kawasaki, se necesita una aproximación descriptiva, precisa y detallada
que permita la absorción del estilo y técnica. Ramírez (2011) describe que la investigación
cualitativa debe ser flexible, ya que esto facilita la adaptación de la investigación a los
descubrimientos realizados en el proceso. Además agrega que una de las características de
este tipo de investigación es que favorece la producción comprensiva con base en lo
estudiado.
Lo expuesto anteriormente se ajusta de forma adecuada a las necesidades
investigativas de este documento, ya que al trabajar de forma directa con la apreciación
visual de las obras de la artista, es necesaria una aproximación flexible y rica en aspectos
que permitan la asimilación del estilo y la inspiración. Lo compilado a través del relato
cualitativo permitirá la concatenación de conocimientos en una pieza de creación propia,
inspirada en el estudio de las exhibiciones Restlessly Still (Merrry Karnowski Gallery),
Hajimari (Jonathan Levine Gallery) y The drawing room (Thinkspace Gallery)
Los aspectos a analizar son en el ámbito formal como de contenido, lo cual será
explicado en posterior en el documento.
Justificación
La sociedad actual se encuentra inmersa en un proceso de globalización que viene
gestándose desde el inicio de las relaciones de poder en el planeta. Esto ha generado un
devenir de las facultadas humanas, ya que la mayor preocupación es la producción de
bienes que generen divisas, tanto a nivel de países como a nivel individual. Con este
motivo, la educación formal ha cambiado mucho su objetivo, dejando de ser las primeras
enseñanzas en cultura y vida general (como en la antigua Grecia con la formación en las
Artes Liberales) para transformarse en un conocimiento lleno únicamente de techné
(técnica).
Esta tecnificación del conocimiento conlleva también a una visión del mundo más
cerrada, preocupada únicamente en la obtención de medio económicos. La vida se acelera
cada vez más y el proceso de materialización y cosificación del hombre (es decir, medir el
ser del hombre en tanto tiene) es inminente. El hombre ha olvidado el antiguo ocio griego,

5. aquel que se encargaba del estudio de los pensamientos y el disfrute de las artes; es decir,
de apreciar y conservar las manifestaciones de humanidad.
Es necesario un regresar a estas tradiciones de cultura, con el motivo de no vivir la
vida únicamente por trabajar sino también para disfrutar de esos pequeños placeres que se
nos ofrecen, y una manera de ello es por medio del estudio del arte. El arte permite la
expresión de los pensamientos, del contexto y de las ideas de forma libre. Se convierte en
un agente liberador de aquello que sofoca al ahombre, de sus preocupaciones, inquietudes
así como de sus alegrías, triunfos y actitudes lúdicas. Las múltiples expresiones del arte
permiten llegar a cada persona de manera distinta, concediéndoles una salida y
enseñándoles un mensaje que se ha considerado valedero para transmitir.
La instrucción en las artes (plásticas, en este caso) es un proceso difícil, ya que es
mucho más de liberación y comprensión de la teoría a diferencia del conocimiento técnico
(entiéndase conocimiento estandarizado y estructurado de las ciencias, por ejemplo). Un
método muy efectivo para su estudio es por medio de la apreciación de obras de artistas, lo
cual permite la exploración tanto histórica como conceptual de las técnicas, los diseños, el
dibujo, entre otros.
El repaso a través de la historia del arte, la apreciación de los grandes maestros y su
obra, la lectura de sus biografías, son formas muy prácticas de inspirar al estudiante a
continuar con su instrucción, a buscar nuevas teorías, investigar acerca de los movimientos.
Tener como meta la recreación de una pintura famosa, o plantear la propuesta de un
proyecto basado en una escultura generan una muy fuerte atracción del estudiante hacia el
tema, y genera además la necesidad de realizar un trabajo exhaustivo, detallado y preciso
con el fin de hacer honra de aquel artista electo como modelo.
Este ejercicio de estudio y representación de la técnica de un artista se vuelve muy
enriquecedora en la actualidad, ya que existen una gran variedad de corrientes, formas de
dibujo, soportes, técnicas y artistas que pueden llamar la atención del estudiante. Es por
medio del estudio de la historia del arte, y el arte misma y su evolución que se puede seguir
tratando de mantener esa característica del ser humano que le permite expresarse
sinceramente de forma libre y natural.

6. Se escoge a la artista Audrey Kawasaki por su manejo en técnica tanto oleosa como
seca, además de sus métodos particulares de trabajo en cada uno de sus trabajos. Cada una
de sus obras tiene un toque y estilo particular, la cual la vuelve única, y sin embargo, el
tema logra mantenerse, reflejándola como artista. Al pertenecer a la actualidad, Kawasaki
tiene un desafío muy grande: buscar formas de innovar en el campo de las artes y tratar de
forjar su camino como los grandes maestros. Es por esta lucha constante contra la cada vez
más cerrada mente de la sociedad que se escoge a esta artista.
Antecedentes
Con el motivo de la realización tanto de la parte escrita de la investigación como la
eventual elaboración de una pieza inspirada en la técnica y estética de Audrey Kawasaki, se
ha realizado una búsqueda de material bibliográfico que permita sostener la creación de un
análisis tanto de forma como de contendido de la obra de la artista. En este apartado se hará
un breve repaso acerca de los textos por consultar, con el motivo de explicar su relación
con el trabajo realizado.
1. Biografía de Audrey Kawasaki
Audrey Kawasaki es una artista estadounidense-japonesa que es reconocida por sus
pinturas y dibujos con temas de mujeres de rostros expresivos y sombríos. Nace en 1982, y
por ahora no ha publicado su biografía en ningún libro (no obstante, figura en libros que
compilan expositores de galerías y entre sus planes está publicar un libro acerca de su
obra). Sin embargo, los medios de comunicación (principalmente revistas) le han dado
seguimiento a esta joven artista. Josh Herman en su artículo Interview with Audrey
Kawasaki en Artillery magazine (Vol.3, Enero/Febrero 2009) logra compilar aspectos
importantes de la vida de Kawasaki.
En su entrevista, explica sus orígenes como joven nacida en Estados Unidos de
ascendencia directa japonesa y como esto ha influido en su gráfica y técnica. Además
comenta su evolución desde sus primero trazos hasta su actividad actual como frecuente
expositora. Por otra parte, relata un poco acerca de su tema principal, al cual la describe
como La chica Kawasaki y como este ha dado el origen a su apego a la corriente de Art
Nouveau en fusión con el manga japonés.

7. Su historia se sigue escribiendo, por lo que a este punto de la investigación se le
dará seguimiento posterior a su fecha de entrega, debido al gran interés que despierta esta
artista.
2. Análisis formal de la obra de Audrey Kawasaki, enfocado en las exposiciones de
las exhibiciones Restlessly Still (Merrry Karnowski Gallery), Hajimari
(Jonathan Levine Gallery) y The drawing room (Thinkspace Gallery).
El análisis formal implica la descripción de los elementos que están presentes en la
construcción de la obra. Felicia Puerta en su obra Análisis de la Forma y Sistemas de
Reproducción (2005) establece que para el análisis formal de las piezas artísticas, hay que
alejarse del significado de la misma y enfocarse en los aspectos objetivos que esta presenta.
Partir de ello, se propone el estudio de la obra de Kawasaki basado en los materiales
(técnica y soporte), corrientes y estilos presentes y elementos de diseño presentes en las
obras.
2.1.Materiales
Kawasaki (2011) en su sitio oficial en internet Audrey Kawasaki© publica
fotografías de sus obras en donde establece la técnica y soportes utilizadas en sus
producciones de los años 2004 al 2011. De las exposiciones escogidas, hay dos tendencias
en materiales: por un lado el óleo y grafito trabajado sobre láminas de madera y por el otro,
grafito, tinta (rapidógrafo) y lápiz de color sobre papel. Para efectos del trabajo a realizar,
se escoge la segunda tendencia de acción.
En las obras de Kawasaki electas, se da la utilización de tres técnicas de color:
grafito, tinta y lápiz de color. Stan Smith describe en su obra Como dibujar y pintar (1996)
de manera breve pero acertada cada una de las técnicas de utilizadas por la artista, junto con
la comparación de obras selectas de las exposiciones mencionada permitirá explorar el
trazado, trama y forma de aplicación del color.
Por su parte, acerca del papel Smith lo propone como el soporte básico para las
composiciones. Describe su estructura básica y su clasificación según la disposición de sus
cerdas. Establece cuales son aquellos papeles que son adecuados según el tipo de acabado

8. deseado y explica porqué hay diferenciación entre el grosor del papel, su fabricación y
textura. Esto se utilizará como base para la escogencia de materiales con el fin de llevar a
cabo el objetivo general de la investigación.
2.2.Corrientes y estilos
Para contextualizar el estilo de gráfica utilizada por el artista, se desea explicar cuál
es la corriente artística que influencia a Kawasaki, así como el estilo de dibujo que emplea.
De lo expuesto anteriormente se procederá a dar explicación en los siguientes apartados.
2.2.1. Art Nouveau
Klaus-Jürgen Sembach (1991) en su libro Art Nouveau hace un recorrido histórico y
artístico por el movimiento. Describe su origen como uno de los sucesos más importantes
de la década de 1890 junto con el nacimiento del cine. Luego repasa la historia y
características del movimiento a lo largo de su paso por países europeos hasta su eventual
llegada a los Estados Unidos, con lo cual el movimiento comienza a expandirse a todas
partes del mundo.
2.2.2. Manga
El manga es un estilo de dibujo japonés, es la firma del arte nipón. Carlos Alberto
Scolary escribe en Historietas para supervivientes: Comic y cultura de masas en los años
80 (1999) como la evolución del primer manga (xilografía hecha por Hokusai) en donde se
relataban las aventuras de los héroes samurái durante las guerras a la actualidad ha marcado
de forma definitiva a la sociedad oriental y occidental. Con ello esplica parte del fenómeno
del japonismo (expansión de la cultura nipona por el mundo) y su impacto en las corrientes
artísticas occidentales.
2.3.Elementos de diseño
Para el estudio de la parte de diseño presente en la obra de Kawasaki, se pretende
trabajar un análisis a partir de las obras selectas a partir del libro Fundamentos de Diseño
(1995) de Wucius Wong. En este libro, el describe los aspectos básicos de composición en
formato bidimensional y tridimensional, como lo son el tipo de utilización del formato, el

9. tipo de disposición de los elementos, definiciones de peso, tensión, entre otros. Con ellos se
podrá realizar un argumento que permita explicar la generalidad de los aspectos
compositivos.
3. Análisis de contenido
Zully Tocavén en su libro Expresión Plástica (1992) explica como una obra debe
ser analizada tanto en forma como en contenido para su total entendimiento. Da una
definición de contenido de obra y enumera cuales aspectos se incluyen dentro de esta
categoría. Explica la diferencia entre lo denotativo y lo connotativo y como este recurso
puede incrementar el valor de una obra.
Josh Herman (2009) en su artículo anteriormente comentado, indaga un poco acerca
de la expresión de mensaje por parte de la artista. Se comenta un poco de su tema del
cuerpo femenino mezclado con elementos como flores, esqueletos, criaturas fantásticas,
insectos, entre otros. Además pregunta por la inspiración (musa) de la artista, así como de
qué forma a afectado su vida en su evolución y desarrollo artístico.
Por otra parte, con el libro Psicología del color de Eve Heller (2008) se pretende un
breve análisis de la paleta de color utilizada por la artista.

10. DESARROLLO
En el siguiente apartado se desea dar una pincelada acerca de la artista Audrey
Kawasaki. Se hará una pequeña revisión bibliográfica de temas que permitan la
comprensión de su estilo, de manera que permitan posterior la creación de una obra bajo la
tendencia Kawasaki.
Biografía de Audrey Kawasaki
Audrey Kawasaki nace en 1982 en Los Ángeles, Estados Unidos. De ascendencia
japonesa, recibe gran influencia por parte de esta cultura desde pequeña, Herman (2009) al
respecto comenta que “ellos [sus padres] junto con su abuela, inculcaron en ella una gran
apreciación por la cultura japonesa. Incluso Kawasaki menciona que se siente más cómoda
expresándose en japonés…” (Artículo de revista en línea).
Desde pequeña siente una gran pasión por el arte japonés, principalmente por el
manga y animé que disfrutaba de niña. Sus primero bocetos son intentos de recrear sus
personajes favoritos. En la secundaria comienza a recibir clases privadas de arte. Al salir
del colegio, decide estudiar en el Instutito Pratt de Brooklyn en el 2001, una de las
academias de artes más reconocidas del mundo. Se enfoca en las Bellas Artes, con énfasis
en dibujo y pintura.
Abandona el instituto después de dos años de estudio. Kawasaki (2008) en una
entrevista realizada por Hemerly para una revista digital expone al respecto
[…] una vez llevé mis pinturas de Ella en madera, y mis profesores me dijeron que debía
dejar de pintarla […] yo les hubiera dado la razón, si hubiera querido adaptarme a los
estándares de arte en Nueva York: muy conceptual e inaccesible.
Tras abandonar su educación en artes en el 2003, tiene un año de sequía creativa, lo
cual la hace reflexionar acerca de su futuro en esta rama así como de su estilo y estética.
Finalmente, pasada la época de decaimiento emocional, abre un Blog de Arte en internet
por medio del cual se da a conocer. Su primera exposición fue en enero del 2004, en la
Galería Rooms Café, en California, con la colección Midori. Desde ese entonces, ha sido
cotizada por galerías como Thinkspace en Los Ángeles, Mondo Bizarro en Roma, Space
Yui en Japón, Jonathan Levine y Merry Karnowski en Los Ángeles.

11. Después de un viaje de un mes a Japón en el 2009, retoma su influencia japonesa y
agrega a sus cuadros nuevos elementos nipones, como toris y kimonos. Dentro de sus
extensiones comerciales, diseñó la portada del álbum debut de la cantante Alice Smith (For
lovers, dreamers & me). Realizó una serie de diseños para GelaSkins, compañía creadora
de estuches para tabletas, celulares e iPhones.
Este año salió en la portada de la revista de arte Juxtapóz en enero. Tiene dos
exposiciones programadas para julio y setiembre, de las cuales la segunda es una
exposición sola en el Jonathan Levine de Nueva York.
Análisis formal de la obra de Audrey Kawasaki, enfoque en las exposiciones
“Restlessly Still”, “Hajimari” y “The Drawing Room”1
Puerta (2005) describe el análisis formal de una obra como se cita a continuación
[…] es un análisis donde hay que guiarse por la respuesta perceptual organizada; el análisis
formal, es el único que da un significado plástico, concreto y desconectado de otros
componente de la imagen, para ello necesita un método de análisis específico, el que tiene
en cuenta principalmente las variables formales. (p. 57).
A partir de esta definición, es que se plantea el análisis de los elementos
comprendidos por un estudiante de primer año de Bellas Artes acerca de la forma
estructural en estudio de nueve obras escogidas del artista.
Audrey Kawasaki comienza a estudiar pintura y dibujo en el Instituto Pratt, no
obstante no termina sus estudios. Su procedimiento técnico es una compilación entre una
técnica propia y bases aprendidas de du época de estudio. Su trabajo en óleo (en el cual no
se profundizará en este trabajo) lo realiza sobre superficies de madera, lijadas por ella
mismas, sobre las cuales aplica capas de pigmento muy diluido y por medio de veladuras y
transparencias obtiene ese efecto pastel tana agradable en sus obras. Suele combinar esta
técnica con tina o grafito, y el acabado lo da con un sellador acrílico.
Por otra parte, sus cuadros en técnicas secas y tintas son los estudiados en este
trabajo, y descritos a continuación.
1
Sección descrita a partir de nueve cuadros seleccionados de las mencionadas exposiciones (tres por
exposición). Dichas figuras se adjuntan en la sección de anexos.

12. Materiales
Kawasaki trabaja las técnicas secas y tintas sobre papel. Este varía de tamaño según
el diseño y en las colecciones mantienen la proporción. Smith (1996) define al papel como
el soporte básico que todo artista debe manejar, debido a las muchas variedades que este
ofrece en cuanto a colores, texturas, grosores… Este describe además que esta variabilidad
del papel depende del tipo de fibra con el que fue realizado y la forma. Por ejemplo, los
papeles fabricados a nivel industrial suelen ser mucho más lisos que los que se producen a
mano. La absorbencia del mismo también depende de la fibra, una fibra gruesa y no muy
estirada genera mucha más absorbencia que uno de fibra estirada.
Kawasaki en su entrevista con Herman (2009) comenta que el papel blanco la
intimida un poco. Prefiere trabajar superficies de color sombrío y opaco, lo cual le genera
una mayor comodidad. Ella describe en su respuesta que la blancura del papel le genera
temor por el sentimiento de manchar la superficie que se ve tan pura. Prefiere los papeles
con un poco de textura. Algunos los interviene cortando secciones de la parte interior de la
composición –Colección Restlessly Still-.
Con respecto a las técnicas de dibujo y color, el dibujo es de estilo manga fusionado
con elementos del Art Nouveau–se explicará en posterior-. Su técnica base es el grafito, el
cual utiliza para dar una gran gama tonal a toda la composición, cuidando los detalles
volumétricos con la aplicación de sombras estratégicas. El sombreado suave y ahumado,
por medio de líneas delgadas en degradación constante da una expresión tranquila o a veces
triste o sensual a los rostros, y llena los ojos de una expresividad cautivante. Smith (1996)
aporta a esto que “el grafito [como técnica de color] es especialmente útil para describir
tonos, no para crear un dibujo detallado y preciso.” (p.236).
Por su parte, la tinta juega un papel importante en algunas de sus obras. Con ellas
marca los contornos de sectores específicos de los diseños, lo cual trae la atención a estas
áreas de línea tan oscura, en contraste con su línea sutil de lápiz. “A diferencia de otros
medios de pintura y dibujo, la tinta [rapidógrafo] está limitada al uso de líneas para elaborar
contornos y tonos” (Smith, 1996, p.238). Dichos contornos son empleados
mayoritariamente en los detalles de los fondos y elementos que acompañan a la figura

13. femenina del cuadro, resaltan una línea orgánica, rica de curvas y expresividad, propias del
Art Nouveau.
Con respecto a los lápices de color, Kawasaki utiliza una trama de pequeñas redes
que no necesariamente son rectas, sino más bien se adaptan al contorno de la figura, a su
volumetría orgánica. No pinta la obra concreta, los utiliza para dar acentos de luces o
detalles de color en la obra. Su aplicación o es particularmente fuerte, se queda en un tono
intermedio que degrada en los bordes de las áreas que pinta para su integración en la obra.
Smith (2009) acerca de lo lápices de color argumenta que “mediante la superposición de
líneas de diferentes colores, se genera un efecto final de una gama de sutiles tonalidades.
Cada capa se describe cruzando rayas […]” (p.170). El uso de colores de luz, como blancos
y amarillos en estas redes permite una iluminación general de las áreas.
Kawasaki varía sus materiales según la exposición. En los cuadros utilizados como
base para este apartado, en la exhibición Restlessly Still utiliza las tres técnicas de color
(grafito, tinta y lápiz de color) sobre soportes de papel de colores, los cuales están
intervenidos al tener partes del fondo recortadas. Su formato general es de 6”x7”. Hajimari
contó con piezas de tres tamaños: 7,5”x9”; 14,5”x14,5” y 13,5”x8”. Estos cuadros fueron
únicamente creados con grafito y lápiz de color sobre soporte de color hueso, marfil o
colores menos neutros como verdes. The Drawing Room constó de formatos de 8,5”x11” y
de 13,5”x8”. Utilizó de nueva cuenta lápiz de color y grafito únicamente, en fondos de
papel en la gama del café neutro.
Corriente y estilo
Una corriente artística puede definirse como un conjunto de características que se
establecen en un periodo de tiempo y lugar determinado que caracterizan la obra artística
producida en dichas condiciones. Por lo general, comprende además un grupo de artistas
signatura que son los ejemplares de dicha corriente. Por otra parte, el estilo en este
documento refiere a la tendencia utilizada en la graficación (dibujo). El estilo varía según la
región geográfica y ascendencia cultural de los países. La artista en estudio se
autodenomina influenciada por la corriente del Art Nouveau y el estilo de dibujo Manga.

14. Sembach (1991) ubica el surgimiento del Art Nouveau en Arthur H. Mackmurdo,
con la portada del libro Wren’s City Churches2
de 1883. En la portada se aprecia un diseño
de forma orgánica, rematado en estructuras que asemejan flores, o los estambres o pistilos
de las mismas. La imagen es a blanco y negro, lo cual genera un impacto visual fuerte.
Sería a partir de allí que esta corriente se daría a conocer. Como antecedentes, se puede
mencionar el mural del Catisllo de Roquetaillade restaurado por Eugéne Viollet-le-Duc y el
movimiento de Arts and Crafts de William Morris.
Tschudi (2002), describe algunas de las características las características del Art
Nouveau, las cuales se procederá a enumerar a continuación
1. Se da una fuerte inspiración de los elementos naturales o de origen natural, con
un enfoque primordial en las figuras curvas de tipo orgánico.
2. Presencia de las asimetrías y las curvas.
3. Marcada estilización de los motivos.
4. Presencia de la figura femenina, explotación del cuerpo redondeado femenino,
el movimiento del cabello. Ante la presencia de vestimentas, se explota el
recurso de modas del drapeado (pliegues intencionales, generalmente
superpuestos).
5. Sensualidad y erotismo como recurso de atracción y placer visual.
6. Motivos de tipo exótico, inspirados en la fantasía o en aspectos culturales. Una
tendencia marcada fue la incorporación de elementos japoneses a esta estética.
7. Busca la apreciación global de la obra, es decir, la integración de elementos.
8. Fondos planos en contraposición a figuras decorativas del fondo o de la imagen
llenas de movimiento y crecimiento. (p.54)
El Art Nouveau se extendió por Europa y viajó a los Estados Unidos, donde su
mayor referente fue Chicago.
Sembach (1991) refiere como ejemplos de artistas gráficos con influencias del Art
Nouveau a Audrey Beardsley, Alfons Mucha y Leonetto Capiello. Esta corriente se
extendió por las artes gráficas, la pintura, la escultura, la arquitectura y la joyería. En cada
2
Imagen incluida en la sección de anexos.

15. rama artística, adoptó sus características propias. En las artes gráficas, se trabajó en todo
tipo e formatos, y la figura femenina fue el tema principal de la mayoría.
Por su parte, el estilo de dibujo Manga es originario de Japón. Scoliary (1999) al
respecto comenta que “el término manga fue acuñado por Hokusai [Katsushika] entre el
1700 y el 1800 […] Hokusai dibujaba secuencias de caricaturas con una fuerte impronta
cómica acerca de las historias de su pueblo” (p. 97). En un principio, el manga era hecho
por medio de xilografías, las cuales retrataban aspectos culturales y cotidianos de los
nipones: historias de samuráis, geishas, los poblados, el feudo, entre otros.
Posteriormente este tipo de arte comenzó a fusionar su sentido de preservación de la
historia con el e de entretener y educar a las personas. Con esto el maga dejó de ser una
serie de cuadros desarticulados para comenzar a ser un libro ilustrado, donde el texto se
manejaba por viñetas. Actualmente, este tipo de novel gráfica se ha extendido por todo el
mundo, con una diversidad de géneros y subgéneros que satisfacen todos los gustos. La
llegada de Akira (manga postapocalíptica ubicado después de una guerra nuclear
internacional) trajo la aparición del Rónin, o transformación de cómic occidental en tipo
manga. En la década de los noventa, el manga se pasó a animación 2D como series
animadas conocidas como animé.
El tipo de dibujo varía según el mangaka –dibujante-, no obstante, Scolary (1999)
resalta que la estructura tiene a ser la misma: personajes de ojos dramáticos y brillantes, con
exuberantes cabellos, prolongados en tamaño –altura- y altamente estilizados. Dependiendo
del tipo de género en el que se emplee el dibujo, se puede dar una representación más
realista o por el contrario más tipo caricatura. La construcción anatómica por lo general está
construida en siete planos, todos del tamaño de la cabeza, y esto define la altura del
personaje y sus proporciones (esto es variable ala antojo del mangaka).
Kawasaki utiliza muchos elementos, tanto del Art Nouveau como del manga. Por
ejemplo, en sus cuadros la figura femenina de Ella, una mujer si nombre, es recurrente y
protagoniza todos sus cuadros. Esta mujer siempre se grafica en poses atrayentes, por lo
general desnuda y cubierta únicamente por su cabello. El cabello presenta un movimiento
muy amplio, lo cual muchas veces se convierte en parte del fondo de la composición. Los

16. elementos orientales están presentes en las composiciones, principalmente kimonos, palos
chinos, pipas japonesas, entre otras. En las obras de Restlessly Still, se da una
predominancia de la caratectística de la forma orgánica y con movimiento de los elementos
circundantes a la figura principal, esto mediante a los elementos naturales (animales o
vegetales) que acompañan la figura femenina. En las exposiciones Hajimari y The Drawing
Room, resalta el uso de la estilización de los dibujos, así como el recurso de la sensualidad.
Con respecto al estilo de dibujo, es característico el tamaño de los ojos con respecto
a otras partes del cuerpo. Además la forma de diagramación del cuello prolongado y las
extremidades delgadas (si las hay) también son parte del tipo de dibujo manga. Los
elementos como la nariz tienen una influencia al dibujo cómic norteamericano, por su
apariencia respingada.
Elementos de diseño
La composición presenta muchos elementos que a simple vista no son perceptibles,
pero que juegan un papel fundamental en la estructuración de la obra. Esto corresponde a
los elementos de diseño. A partir de la lectura de la obra Fundamentos del diseño (1995) de
Wucius Wong, se procederá a realizar un pequeño análisis de estos elementos
compositivos, con tal de lograr la comprensión del tipo de estructuración utilizada por
Kawasaki en las obras en estudio.
En primer lugar, se establece que los elementos que predominan en los cuadros de
Kawasaki son de tipo visuales y con volumen. Los elementos visuales corresponden a las
figuras que dan un seguimiento de figura antes del fondo, es decir, todo aquello que actuara
como un plano que envuelve a la figura principal (figura de las mujeres). En segundo lugar,
los elementos con volumen son todos aquellos que presentan sombreados, como los
cuerpos y rostros de las mujeres. Estos también trabajan una estructuración en planos, lo
cual le da una sensación de proximidad y lejanía (por ejemplo, de la punta de la nariz a el
cabello).
Con respecto a los elementos visuales, son formas orgánicas en todo su sentido, en
posiciones gráciles llenas de movimiento. Los contornos suaves describen el cuerpo de la
mujer en un recorrido bastante natural de la vista, en tanto que los contornos un poco más

17. remarcados describen la sucesión de figuras que envuelven y acompañan la figura
principal. Con respecto al color, utiliza una paleta delimitada principalmente por el color
del fondo, el cual ella asume como color base. La escogencia de luces y sombras lo hace
por medio de los matices y valores tonales que corresponderían con los efectos de
iluminación en un respectivo soporte. Por lo general, las sombras las maneja a escalas de
grises de grafito, y las luces con lápices blancos, amarillos o celestes.
Con base en los elementos de relación, las figuras suelen estar centradas en el
formato, lo que genera una distribución equitativa de los pesos, no obstante puede llegar a
generar mucha tensión acumulada en el baricentro de la composición. Esto lo arregla por
medio de pliegues de tela o mechones de cabello o una modulación vegetal que rompa con
esa centralidad y se le brinde movimiento. En el caso de las obras de Restlessly Still, las
figuras tienen a estar más alineadas a un lado que al otro (centro en posición excéntrica) , es
decir más próximo a uno de los bordes, de igual forma esto lo soluciona con la
prolongación de los ornamentos característicos del Art Nouveau. Con respecto a la
dirección, los cuerpos tienen a estar estáticos, o tiran hacia alguno de los lados por su
posición (ya sea porque se asume que están recostadas, por la prolongación de las
extremidades, la dirección de la mirada).
De acuerdo con el concepto de representación estilizada, se diría que esta es la que
más se apega en cuanto a elemento práctico, ya que si bien tiene detalles que vuelve a los
rostros humanos, no son representaciones exactas, existe el vestigio de exageración de
rasgos del dibujo manga. Por otro lado, las posturas y cortes de algunos de los cuerpos no
pertenecen a una representación fiel de la realidad.
Su obra posee un tipo de estructuración invisible, ya que no es posible apreciar la
modulación del espacio por medio de líneas. Es más, en sus obras en técnicas secas y tinta
se enfoca más en la elaboración de las figuras que el fondo de las mismas, por lo cual ella
interviene los fondos por medio de recorte de secciones. Se plantea la existencia de un
escalonamiento en progresión espacial, ya que los objetos que van quedando atrás se
reducen de tamaño y están en niveles superiores.

18. La forma de las figuras, como ya se mencionó anteriormente, es natural, ya que está
basado en elementos verdaderos de la naturaleza. Las figuras son orgánicas, y toda
proviene de la naturaleza. Incluso los huesos utilizados en una de las obras de The Drawing
Room no posee indicios de un crecimiento tan inorgánico. Las figuras en algunos casos
aparecen cortadas, ya sea por la superposición de figuras o la inexistencia de la
continuación de las partes.
A grandes rasgos, la descripción anterior corresponde a lo que es fundamental
recatar del aspecto formal de la obra de Kawasaki. Se espera que el estudio de la técnica de
ella permita la realización satisfactoria del objetivo general.
Análisis de contendido de la obra de Audrey Kawasaki, enfoque en las
exposiciones “Restlessly Still”, “Hajimari” y “The Drawing Room”3
Tocavén (1992) describe la importancia de la el análisis conceptual de una obra al
expresar lo siguiente
[…] una obra de arte vale porque consigue, a través de la forma y el contenido, transmitir a
los espectadores un mensaje de parte del artista: una idea, una emoción, un sentimiento. Si
tú entras en contacto con la obra y captas su mensaje, hemos de reconocer que la obra tienen
valor y cumplió con su cometido […] Claro, esto no significa que la obra tenga un solo
significado: la misma obra puede decir cosas distintas a dos personas que la observan. Lo
importante es que comunique algo, porque el arte, que es un producto humano […]
desempeña un papel de orden principal entre los demás medios de comunicación (p. 43).
Con base en lo anterior, es deducible que las verdaderas obras artísticas tienen
intrínseco un significado, un mensaje que se desea transmitir, que puede estar oculto o no
pero que al fin y al cabo es el objetivo último del artista, la expresión de una idea. Es por
este planteamiento que se procederá a hacer un breve análisis del contenido de las obras
selectas de Audrey Kawasaki.
Simbología y semántica
La obra de Kawasaki indiscutiblemente está caracterizada por la figura de la mujer.
Sus cuadros tratan todos acerca de escenas donde aparecen mujeres con rostros muy
3
Sección descrita a partir de nueve cuadros seleccionados de las mencionadas exposiciones (tres por
exposición). Dichas figuras se adjuntan en la sección de anexos.

19. expresivos y paisajes cautivantes. De primera impresión los rostros podrían describirse
como tristes, melancólicos, o por otro lado como seductores o provocadores. La ausencia
de ropas es notable a través. Se transmite un mensaje de erotismo (sin caer en lo vulgar) por
medio de las curvas femeninas, que acompasan con las posturas que adoptan sus
personajes.
Herman (2009) en su entrevista con Kawasaki, comenta un poco acerca del tema del
cuerpo femenino, tan recurrente en ella. Explica que el personaje de sus cuadros, al que
refiere como Ella es una idea que la visitó cuando era niña, y que la cautivó. Se ha
convertido en su musa que viene de tanto en tanto, y ello le permite la creación de sus
cuadros. Comenta además que no puede buscarla, porque entre más lo hace más se aleja de
ella. La Chica Kawasaki –como la llaman algunos- no tiene orientación sexual, ni estilo
definido, aparece para que la retraten, y siempre es ella, aunque aparezcan varios personajes
por cuadro.
Esta fuente de inspiración de Kawasaki la ha llevado a ser catalogada con temas de
femineidad y sexualidad. Para Cirlot (2006) la mujer es representación de impulsividad,
afectividad, fuerza intelectual y moral. Su cuerpo siempre se relacionara con el aspecto
sexual, así como la fertilidad. La mujer es signo del cosmos, porque de ella proviene la
vida. La tentación es otro aspecto que se rescata de la simbología de la mujer. Esto, en
conjunción con los elementos naturales y místicos de os cuadros de Kawasaki, convierten a
la mujer en un espectro universal, un fantasma que está allí pero que al mismo tiempo no lo
está. Se da la presencia en algunos de sus cuadros con la presencia de elementos macabros,
como huesos, lo cual junto con su mirada triste y seductora muestra un antagonismo, una
dicotomía entre la identidad que se ve y la identidad que se oculta. Bajo esta capa, ella se
remite a mensajes de presión social, el cambio de la mujer durante el crecimiento, la
inocencia y la madurez sexual, la feminidad y el deseo.
Psicología del color presente en Kawasaki
El estudio del impacto de los colores sobre la reacción de las personas es de suma
importancia en las artes gráficas, ya que esto determina el tipo de mensaje que se está
transmitiendo al espectador.

20. Kawasaki utiliza las técnicas de color de forma muy sutil, trabajando únicamente
acentos en lugares específicos que combinados con las escalas tonales que logra con el
grafito genera la volumetría de su obra, así como la expresividad de los rostros y los focos
de atención para la vista del espectador. Por otra parte, retomando lo expuesto por la artista
a Herman (2009) durante su entrevista, ella prefiere colores que no sean muy brillantes, los
prefiere en registros tonales bajos, tanto para el fondo como para la aplicación de color.
Únicamente utiliza valores tonales altos en la distribución de las luces.
A partir de esto, se explicara un poco acerca de los colores que permiten las escalas
tonales (únicas constantes en el trabajo de Kawasaki cuanto a color se refiere) los cuales
serían negro, blanco y gris, a partir de lo expuesto por Heller (2008) en su obra Psicología
del color.
El negro se relaciona con el poder, la violencia y la muerte. Está clasificado
como un color sin color (p.137). El negro se considera como el color del fin,
ya que es la ausencia de la luz, por esto se le asocia con la muerte y el luto.
Invierte cualquier significado, por ejemplo establece la diferencia entre el
bien y el mal, ya que el negro representa la maldad y el blanco lo puro y
bueno.
Es importante destacar que la paleta establecida por Heller (2008) con
respecto a la introversión consta de negro, azul, gris, plata y violeta. El azul,
gris y violeta son colores de soportes que Kawasaki utiliza a menudo. Es
también el color de la elegancia.
Kawasaki presenta en sus obras líneas fuertes negras en los contornos de sus
personajes, lo que podría reflejar que al igual que ella, son introvertidos y
con dificultad de expresarse. El método con el que lo hacen es el arte, los
cuerpos por medio de su expresión y contorsión, Kawasaki a través de su
obra artística, revela todo lo que no puede decir de manera oral.
El blanco se considera el color perfecto, ya que incluye todos los colores.
Ningún concepto malo se asocia con lo blanco. El blanco es el color por
excelencia de representación de la luz, es el mayor iluminador (aspecto

21. explotado por los impresionistas). Es también el color del principio, ya que
según la tradición católica lo primer que hubo fue luz.
El blanco es el color de lo puro, de lo inalterado, es también el color de la
perfección y de dios. Se presenta también como un color univoco y exacto,
es pulcro limpio, no existe un color más ordenado. Se asocia con la falta de
conflicto.
El blanco trasmite a los rostros un sentimiento de inocencia, que genera un
choque con la sensualidad y tristeza que transmite la imagen de la mujer. La
iluminación recuerda los rostros de las muñecas de porcelana. Es por medio
de los blancos, además que este frío en la imagen se conserva cuando se
utilizan blancos y celestes para generar las luces. Kawasaki describe que los
fondos blancos le causan inseguridad por el brillo y la intensidad del color.
El gris es un color sin fuerza, es un blanco que está manchado o un negro
debilitado. Significa lo irremediable Es el color de los sentimientos
sombríos, es el tono de la miseria, recuerda a las cenizas que son señal de
una tragedia. Es también el color de lo desapacible, del mal tiempo.
La inseguridad está en la paleta gris, azul, blanco, negro, marrón. Marrón es
otro de los colores utilizado por Kawasaki en sus soportes. El gris remite
también al decaimiento, a lo inhumanos. La presencia de tonos grises en las
obras de Kawasaki le da ese aspecto de nostalgia y tristeza. El gris brinda
una cubierta de misticismo y maldad, de algo macabro a pesar de la belleza
de la imagen.
Los colores base de las composiciones de Kawasaki ayudan a crear esta atmósfera
de mujeres fantasmas expuesta anteriormente. El impacto visual de sus imágenes está
plenamente ligado a la utilización de estos tonos y medios tonos de forma estratégica, los
cuales adorna ocasionalmente con destellos de colores, lo que capta la atención de
inmediato ya que resalta, además de que brinda armonía al conjunto.

22. CONCLUSIONES
Audrey Kawasaki es una artista que a sus cortos treinta años de edad ha tenido una
ejemplar carrera como artista. Cuenta en su haber con más de veinte exposiciones, así como
la presencia de trabajos suyos en museos y galerías internacionales. Su deseo de luchar por
expresar lo que ella tenía por idea la ha llevado a tener mucho éxito dentro del público
espectador.
Su vida ha estado marcada por la influencia de su ascendencia japonesa y el Art
Nouveau. Ella ha logrado concatenar ambas tendencias en un resultado de estética
admirable. Busca resaltar el tipo de trazo del dibujo estilo manga mediante la línea orgánica
y llena de movimiento del Art Nouveau, así como la explotación de su musa, Ella,
aprovechándose de los elementos sensuales y eróticos presentes en la misma corriente. La
compatibilidad de ambas influencias se muestra en armonía en los cuadros que ella
produce: la exhibición de mujeres hermosas rodeadas de elementos naturales que resultan
hasta cierto punto macabros y que realzan lo exótico y melancólico de sus rostros.
Kawasaki busca innovar tanto en su estética y temas como en su técnica. Ella se
basa en los colores de los fondos, los cuales interviene de forma sutil y acertada mediante
grafito, lápiz de color y tinta para la creación de figuras mediante un proceso relativamente
sencillo. Este estudio de la creación de volumetría y contornos a través de la trama y la
línea es el resultado de una serie de experimentaciones bien dirigidas mediante la
metodología proyectual, la cual ella se vio en necesidad de tomar muy en serio al
interrumpir sus estudios artísticos. Como resultado, logró encontrar una técnica que le
funciona, agradable a la vista y rica en expresividad.
Kawasaki demuestra que en la actualidad, los temas antes considerados como tabúes
tienen una mayor aceptación. Sus desnudos insinuantes, los rostros melancólicos y aún así
seductores, la mezcla de la belleza femenina con lo grotesco de lo muerte o la naturaleza
fuera de control permiten la difusión de un mensaje a los espectadores: la mujer es una
dicotomía entre la identidad y la incomprensión, es un ser que se define a lo largo de su
vida conforme las decisiones que toma y como se proyecte. La mujer es lo que quiera
llegar a ser, pero es un camino difícil y tortuoso.

23. Por medio del análisis de la obra de Kawasaki, se procederá ahora a el planeamiento
de una propuesta de diseño y su elaboración, siguiendo toda la lluvia de ideas recolectada a
lo largo del trabajo investigativo.

24. REFERENCIAS

25. ANEXOS
Anexo A. Exhibición Restlessly Still, obras selectas
Figura 1. “Lillian”. Grafito, lápiz de color y tinta sobre papel. 6”x7”. “Restlessly
Still”, Merry Karnowski Gallery. (2011)

26. Figura 2. “Shaela”. Grafito, lápiz de color y tinta sobre papel. 6”x7”. “Restlessly
Still”, Merry Karnowski Gallery. (2011)

27. Anexo B. Exhibición Hajimari, obras selectas
Figura 3. “Lacey White” [detalle]. Grafito sobre papel. 14,5”x14,5”. Hajimari,
Jonathan Levine Gallery [Nueva York]. (2009)

28. Figura 4. “Blue Lacey”. Grafito y lápiz de color sobre papel. 13,5”x18”. Hajimari,
Jonathan Levine Gallery [Nueva York]. (2009)

29. Anexo C. Exhibición The Drawing Room, obras selectas
Figura 5. “Wanting”. Grafito y lápiz de color sobre papel. 10”x16”. The Drawing
Room, Thinkspace. (2008)

30. Figura 6. “Only if she knew”. Grafito y lápiz de color sobre papel. 18”x14”. The
Drawing Room, Thinkspace. (2008).